LeMagduCiné

            Synopsis : Dans une galaxie lointaine, très lointaine, un nouvel épisode de la saga « Star Wars », 30 ans après les événements du « Retour du Jedi ».

Le Retour de la Critique et des Jedi-Rédacteurs

            « Enfin la critique du Magduciné, le meilleur webzine ou web revue de cinéma et de série du monde » pourriez-vous vous dire. En effet, la critique arrive, comme promis dans l’article des retours de la rédaction sorti le 16 décembre, le jour de la sortie de ce septième épisode de Star Wars. On vous apportait une multiplicité de regards face à ce film universel, et les avis étaient réellement partagés. Hélas pour Le Point selon qui les rédacteurs ayant écrit un « oui, mais… » dans leur critique de ce nouveau Star Wars sont des « énergumènes », vous devrez alors à nouveau nous compter parmi ces contrebandiers de la critique. Car très chers collègues et lecteurs, peut-être sommes-nous au contraire des Jedi, plus sages que beaucoup d’autres… Aussi, comme dit dans notre précèdent texte, la critique contiendra alors des spoilers. Donc à toi jeune padawan qui n’a pas encore fait tes premiers pas à l’une des séances de ce film, comme le dirait l’un des plus grands maîtres Jedi, « Evite d’entrer dans cette grotte de la Force car bouleversée par un trop plein d’informations, tu seras ». Ou encore comme dirait Obi-Wan : « Ce n’est pas la critique que vous cherchez… ».

            Les lumières de la salle s’éteignent. Le logo Lucasfilm apparaît pour laisser place à l’éternel « Il y a bien longtemps dans une galaxie lointaine, très lointaine… ». Tout-à-coup, trente-huit ans après le premier film, dix ans après La Revanche des Sith qui venait clôturer la saga Star Wars, qui n’est autre que l’histoire de Dark Vador, d’un père qui tombera puis se relèvera grâce au fils pour enfin accomplir sa destinée : « rétablir l’équilibre dans la Force » (tout cela a été dit par Lucas, dans les commentaires des dernières éditions DVD et Blu Ray), le titre jaillit à nouveau à l’écran suivi de son générique inoubliable.

On y apprend le synopsis de ce nouvel épisode : un groupe politique fasciste héritier de l’Empire, le Premier Ordre, combat la République par tous les moyens. La Résistance, missionnée par la République, combat elle-même le Premier Ordre afin de protéger la jeune nouvelle République. Mais le Premier Ordre s’est donné une mission autrement plus précise : retrouver et éliminer Luke Skywalker, le dernier des Jedi.

            Vous vous dites déjà que ce résumé n’est pas sans rappeler le premier volet de la saga Un Nouvel Espoir (1977, même si le sous-titre fut rajouté en 1979) et L’Empire Contre-Attaque (1980) ? Rassurez-vous, vous n’êtes pas des cas isolés aigris ou n’ayant pas compris ce nouveau Star Wars, bien au contraire…

https://www.youtube.com/watch?v=cpxrMwUsbIY

Planètes désertique, enneigée, forestière,

base spatiale hyper-armée, il est temps du…

Réveil du Magnétoscope

            Star Wars Le Réveil de la Force n’est pas juste un sequel de la saga monstre de George Lucas. S’il est un film presque entièrement créé par des fans héritiers et des anciens de l’empire Lucasfilm tels que Lawrence Kasdan – « presque » car lancé par Lucas et Kennedy bien avant la vente –, on peut se demander s’il n’est pas aussi un film justement trop fait par des fans, et si le créateur fou déifié à de maintes reprises mais assumant ses défauts qu’est Lucas ne nous manque pas ici.

            Car, en effet, ce septième volet tend plus à ressembler à un medley des deux premiers épisodes auquel sont venus se greffer d’autres morceaux du Retour du Jedi (1983) – que ce soient des situations trop similaires, des personnages (le/la jedi, le gars cool de l’espace au blaster entre autres) et des lieux (planète désertique, planète forestière, planète enneigée mélangée avec l’Étoile de la Mort puissance dix) et même quelques idées de la prélogie. Il ne faut toutefois pas oublier que la saga a été construite par Lucas à partir des réutilisations de récits mythologiques et légendaires, et sur des parallèles entre des événements et des récits entre les deux trilogies. Mais ici, il semble que le film n’a pas continué de se construire à partir des recherches et réflexions Campbell-iennes – Joseph Campbell est l’auteur du Héros aux mille et un visages et d’autres ouvrages clefs sur la narratologie, science du récit et ses schémas et personnages-archétypes (…) – de Lucas. Non le film reprend les autres films, voilà où est le problème. Plus frustrant encore, il réutilise les deux premiers films pour en faire une seule et même œuvre. Ainsi il ne s’agit pas ici de poursuivre la saga, mais plus de faire un rembobinage des anciens pour toutefois mieux avancer peut-on espérer. Aussi nuançons notre propos en disant que comme Lucas qui a fait de ses films des métaphores de nos sociétés (avec la prélogie) ou encore des paraboles (avec la trilogie originale), Abrams a pensé le Premier Ordre comme le retour brutal des nazis, regroupés et réarmés. Et le film renvoie visuellement à cela, avec l’iconographie du mal en blanc, noir et accompagné de rouge. Si cela peut renvoyer à la montée du fascisme en Europe et même aux US avec Donald Trump, ce n’est pas une véritable métaphore de notre réalité. On sait que Lucas voulait revenir sur le côté politique avec l’impact des actions passées sur le présent politique, social et familial – toujours du côté des Skywalker donc. Il s’agit donc pour Lucas de travailler la mémoire, le trauma, et le retour de forces fanatiques des ténèbres du passé malgré tout ce qui s’est passé. C’était alors un véritable travail sur le retour du fascisme ou du nazisme avec des individus prêts à assumer leur histoire malgré tout, ou d’autres qui ne la connaissent pas. Ces deux motifs sont présents dans le film sorti ce mercredi 16 décembre, mais assez différemment, loin du travail à la fois macro- et microcosmique de Lucas qu’on peut avoir dans la prélogie.

Transmission, Histoire, histoire et impact…

Traumatisme et mémoire individuelle et collective

            Dans le film, plusieurs personnages sont victimes d’une histoire personnelle (l’arrachement à une famille pour certains et la perte d’un fils pour d’autres) et collective (la défaite de l’Empire qui a marqué des paysages – voir Jakku – et tout de même donné naissance au Premier Ordre). Ces traumatismes permettent de montrer l’impact de l’histoire sur le présent, un présent toutefois présenté de manière microcosmique, c’est-à-dire qu’on voit à peine les modes de vie des civilisations, des grandes communautés. Il s’agit de suivre un individu ou des groupes, ce qui n’est pas sans rappeler le tout premier Star Wars, qui arrivait toutefois à nous présenter dans des dialogues propres et concis ou encore mystérieux le contexte socio-politique de la galaxie, on peut par exemple penser au Grand Moff Tarkin qui nous parlait du Sénat Galactique et de sa dissolution au profit de sa domination par des Gouverneurs. Ou bien même à Obi-Wan qui, lors de son explication rapide et mystérieuse d’une ère qui l’était tout autant à l’époque, évoquait « the clone wars », la Guerre des Clones. Un manque de subtilité par rapport aux anciens nous direz-vous ? Et nous vous acquiescerons avec ce petit sourire et ce regard empli de malice et de sagesse digne d’Obi-Wan Kénobi. Si bien que lorsque Kylo Ren – le sombre nouveau seigneur noir de la saga, point du film sur lequel nous n’aurons pas le temps de s’attarder, hélas pour vous et nous – évoque l’utilisation d’armée de clones plus obéissante que les stormtroopers arrachés aux familles et conditionnés dès la naissance, nous nous disons que non seulement ça n’est pas subtil mais surtout c’est peu pertinent. Pourquoi pas utiliser des clones ? Parce que, comme nous l’avons appris depuis avec les films et la première série animée (ou encore avec l’Univers Étendu détruit par Lucasfilm pour devenir des légendes mais étant toutefois une certaine source d’inspiration pour le nouveau volet), les clones ont un vieillissement accéléré qui leur permet d’être opérationnels au plus vite, mais dès lors limités par leur obsolescence programmée. Nous avions discuté avec Patrice Girod lors de la soirée George Lucas chez TCM Cinéma de la possible présence d’éléments précis incohérents. Il parlait notamment d’un stormtrooper qui arrivait en pleine bataille pour affronter Finn (le héros incarné par John Boyega) avec une sorte de bâton de force et un bouclier. Cette individualité dans une armée censée être programmée et vidée de toute humanité et personnalité propre à chacun était incohérente. Certes nous avons affaire au Premier Ordre et non à l’Empire pourrait-on penser. Problème, beaucoup de passages concernant ce First Order et se concentrant sur lui, présentent et insistent sur le conditionnement de leur troupes et leurs possibles dérèglements psychologiques vérifiés et à retravailler. Donc que fait ce stormtrooper, déjà bien trop individualiste disant « Traître ! » à Finn, au milieu de cette bataille armée de manière aussi différente à part incarner un challenge de combat de sabre laser pour le héros et la cause d’un combat brutal et attendu par le public ? Autre idée incohérente, on peut entendre un personnage dire de son fils qu’il a « trop de Vador (Vader) en lui ». L’oncle de Luke dans le premier film, Owen Lars, avait rencontré son père alors empli de rage, et toujours en mouvement, entre autres choses. Il disait justement – c’est-à-dire de manière parfaitement cohérente avec la prélogie sortie plus tard des 1999 à 2005 – dans le premier volet à propos de Luke, en réponse au « Il ressemble à son père » de sa femme Béru : « C’est bien ce qui me fait peur… ». Il s’agissait de rapprocher le père au fils, tout en étant conscient de ce que savait l’oncle du père. Une subtilité à laquelle on échappe à nouveau ici, puisqu’ils ne comparent pas le père au petit-fils, mais la personnalité qui avait pris le pouvoir sur celle de « l’homme de bien » (dixit Obi-Wan Kénobi) émotionnellement et psychologiquement instable qu’était le grand-père. Non, ils le comparent directement au seigneur Sith. « Ce sont des détails, des subtilités » pourriez-vous nous répondre un peu pantois, oui, nous sommes d’accord, des subtilités qui manquent cruellement au récit.

Ces éléments incohérents, ces traumas et informations peu subtiles ont une cause commune : le rythme du film.

Un réveil bien énergique pour tout le monde, voire dopé ?

Épisode III : La Revanche du Magnétoscope

            « Le rembobinage de la saga a été trop rapide » murmure Lawrence Kasdan, « Mince, faut qu’on avance alors ! » lui répond Kathleen Kennedy. « Shit ! Comment je vais faire ? », lâche dans un coin J.J. Abrams. Une conversation née de notre imagination qui reflète toutefois très bien une réalité : le récit à la fois passéiste et tourné vers le futur roule bien plus vite qu’à quatre-vingt huit miles. En effet, à partir d’une vingtaine de minutes du film, toutes les actions s’enchaînent sans temps morts, sans ellipse évidente, sans repos des personnages, somme toute en 24h chrono ou moins. Il s’agit alors pour le spectateur de s’accrocher à cette pure attraction que devient Star Wars Le Réveil de Force, ponctuée de révélations attendues pour certains, malvenues pour d’autres, et de grandes séquences d’émotions, parfois mystiques, trop courtes et mal situées pour être aussi puissantes que la Force. D’ailleurs, même pendant les vingt premières minutes, s’il y a un bien une chronologie temporelle claire, la réalisation ne nous laisse pas assez de temps (à l’inverse de ce « diable » de Lucas) pour contempler comme il se doit le génie visuel Abram-sien. Cette avancée rapide empêche la caractérisation des personnages d’être aussi souple et humaine que ce qu’on a pu voir avant et dans bien d’autres films, même fonctionnant sur des non-dits. Car ici, même ces derniers sont trop vite exposés (n’oublions pas que le film n’est pas subtil), on pense au personnage de Rey dont on sait rapidement qu’elle a des secrets et qu’elle est traumatisée… De même, tout ce qu’on savait sur les stormtroopers se retrouve explicité tel une scène érotique de Lynch qui serait reprise par des pornographes, ainsi Finn révèlera aussi trop vite son trauma, d’ailleurs vécu à sa première mission dira-t-il dans le film. Ou encore pour finir, la nouvelle arme du Premier Ordre –fanatique de l’Empire ne l’oublions pas, présenté comme un parti « fasciste » émergeant à la politique brutale, et toutefois surpuissant –, qui à l’image de celles des aliens dans le prochain Indépendance Day Resurgence, est toujours plus grosse qu’avant, plus puissante, technologiquement plus avancée, et toujours plus fragile… Ainsi on peut constater ceci, l’équipe du film n’a pas retenu l’une des leçons les plus importantes de la trilogie originale qu’ils ne cessent de reprendre, citer (nous avons même entendu des gens crier au plagiat, assez exagérément bien sûr) tels des puits de pétroles avec la richesse de notre chère planète. Une leçon de Yoda (à propos de Luke dans L’Empire Contre-Attaque) : « Celui-ci depuis très longtemps je l’observe et toute sa vie, il a regardé vers l’avenir, vers l’horizon. Jamais l’esprit là où il était, hum! A ce qu’il faisait. ». Assez explicite, n’est-ce pas ?

Fans as a Phantom Menace Theme & Finale

            (Re)Imaginez alors ce film, sorte de « remake » des deux premiers, aussi un pot pourri de toute la saga, peu subtil – peu humain avec la caractérisation des personnages douteuse et malvenue – et trop rapide pour l’être, un film qui n’est pas tant une suite qu’un reboot… Mais alors que reste-t-il ?

Il en reste un très bon film bancal trop nostalgique toutefois empli de bonnes idées, extrêmement bien réalisé même si son mixage sonore en Atmos efface dans les moments (d’action) la très belle bande-son de John Williams qu’on penserait plus inspiré chez un Lucas. Une belle aventure humaine aussi, parfois surprenante, souvent émouvante, parfois brillante, mais qui manque cruellement de temps. Temps dans un second sens ici, puisqu’on sait que le scénario fut terminé peu avant le tournage, et Abrams nous a appris dernièrement qu’il y avait de nombreuses réécritures pendant celui-ci. Si la Force s’est bel et bien réveillée, le film aurait du sortir en Mai 2016, et aurait du écouter Lucas et moins les fans afin de donner autre chose que ce que beaucoup attendaient de lui, du grand spectacle Star Wars. Ainsi Le Réveil de la Force, à l’inverse de la saga, néglige beaucoup trop l’humain, l’histoire, les personnages pour présenter une attraction cinématographique centrée sur l’aspect technologique et la science-fiction. Mais EA Games a déjà réussi cette mission avec Star Wars Battlefront, sorti au mois de Novembre 2015, en nous faisant « vivre » l’expérience Star Wars. Nuançons par le fait que c’est la réalisation et la mise en scène d’Abrams qui apportent la subtilité, par les jeux de regards, la contemplation, concentration et émotion qu’il sait apporter, ou encore avec la violence et la brutalité, l’horreur, la catastrophe humaine et universelle qu’il rapporte dans Star Wars, servant alors l’aspect de parabole historique qu’est la saga tout comme son cinéma, qui a toujours été empli d’espoir, optimiste sans vraiment l’être, car conscient de l’horreur du monde. Un film qui poursuit l’œuvre mélancolique, douce-amère et emplie d’espoir d’Abrams. Aussi nuançons à nouveau par le fait que le film est tout assez cohérent avec la saga. Un très bon film d’Abrams, loin d’être le meilleur Star Wars, ni le pire. La fin nous promet une suite emplie d’inattendu même si déjà un élément qui créera un parallèle avec l’Empire Contre-Attaque peut être attendu, la formation du jedi par un maître exilé. Ou alors, peut-être que Rian Johnson, réalisateur et scénariste de l’Épisode VIII prendra d’autres directions et alors nous surprendra, bien plus que ce volet, une tâche non difficile à remplir.

           Surprise, hors-sujet ou presque, Columbo sort de sa tombe et nous demande avec son air interrogatif toujours aussi amusant : « Euh just’ une dernière question M’sieur, est-ce que c’était nécessaire ? Je veux dire… Ce film et le reste ? ».

PS : Si cette critique termine sur une question, elle en pose d’autres, elle n’a pas travaillé certains sujets pour respecter un certain format et une ligne réflexive. Il s’agit aussi de vous respecter lecteurs / spectateurs afin d’éviter plus de spoilers. Enfin ces commentaires manquants peuvent être trouvés en grande quantité ailleurs sur la toile, traités de manière positive et négative, précise et généralisatrice, concernant Kylo Ren, le personnage féminin fort qu’est Rey, le retour des anciens de la trilogie originale, la 3D du film, etc.

FICHE TECHNIQUE 

Titre original : Star Wars: Episode VII – The Force Awakens
Réalisation : J.J. Abrams
Scénario : Lawrence Kasdan, J.J. Abrams, & Michael Arndt, d’après George Lucas
Acteurs principaux : Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Harrison Ford, Carrie Fisher, Mark Hamill, Peter Mayhew, Anthony Daniels, Andy Serkis, Max Von Sydow

Décors : Rick Carter & Darren Gilford

Costumes : Michael Kaplan

Photographie : Dan Mindel

Montage : Maryann Brandon & Mary Jo Markey

Son : Ben Burtt & Matthew Wood

Musique : John Williams
Pays d’origine : U.S.A.
Sortie : 16 décembre 2015
Durée : 2h16min

Producteurs : Kathleen Kennedy, J.J. Abrams & Bryan Burk
Production : Lucasfilm, Bad Robot, Walt Disney Pictures

Distributeur : The Walt Disney Company France

A la découverte du nom de Jean-Pierre Bacri au générique, l’idée d’un film stéréotypé nous vient à l’esprit : personnage bougon, acteur cabotin, comédie généralement drôle, et peut-être un peu convenu. Mais au final, le nouveau film de Michel Leclerc, la Vie très privée de Monsieur Sim, est très typé… Michel Leclerc. Le même genre d’humour féroce que dans le Nom des gens, avec son doux délire, la même forme de comédie réaliste que pour Télé Gaucho, avec son anti-héros…

Synopsis: Monsieur Sim n’a aucun intérêt. C’est du moins ce qu’il pense de lui-même. Sa femme l’a quitté, son boulot l’a quitté et lorsqu’il part voir son père au fin fond de l’Italie, celui-ci ne prend même pas le temps de déjeuner avec lui. C’est alors qu’il reçoit une proposition inattendue : traverser la France pour vendre des brosses à dents qui vont « révolutionner l’hygiène bucco-dentaire ». Il en profite pour revoir les visages de son enfance, son premier amour, ainsi que sa fille et faire d’étonnantes découvertes qui vont le révéler à lui-même…

Quand l’amer monte

Pour autant, le film est une adaptation assez fidèle et réussi du livre de Jonathan Coe « The terrible privacy of Maxwell Sim », un roman pourtant très britannique dont il a fallu transposer à peu près tout pour cette version française. Jonathan Coe, un des des écrivains contemporains les plus lus outre-Manche, au même titre et un peu dans la même veine que Nick Hornby, est reconnaissable pour sa plume très acérée et drôle sur des sujets ultra-modernes (et éminemment british !). On peut avancer sans trop se tromper que le cinéaste a du se reconnaître dans l’écrivain, et dans ce livre en particulier, tant on retrouve leurs deux univers intimement mélangés dans l’œuvre.

François Sim (Jean-Pierre Bacri, magistral, car débarrassé de -certains de- ses tics), « Sim comme la carte » aime-t-il à préciser, est un homme dépressif, incapable de communiquer normalement avec ses semblables. Sa femme Caroline (pétillante Isabelle Gélinas) l’a quitté, son employeur l’a lâché, et quand il profite d’un voyage que Caroline a acheté sur Internet un mois avant de le quitter, c’est seul, et c’est seul qu’il va monter à bord d’un avion qui va l’emmener vers les Pouilles à la rencontre de son père. Dans ces premières minutes, on le découvre très bavard, un vrai moulin à paroles étourdissant, assommant littéralement son voisin de siège (et quel voisin !), une vraie logorrhée à la hauteur de son mal-être.

Cette scène inaugurale donne le ton de cette comédie française très travaillée, à savoir un comique apporté essentiellement par les dialogues truculents à la fois de Jonathan Coe, de Baya Kasmi, la coscénariste et compagne du cinéaste, et de Michel Leclerc lui-même. Le comique traverse le film de part en part, mais également une certaine tristesse liée aux situations vécues par le protagoniste : la solitude extrême (« j’ai 70 amis Facebook» assène-t-il à son voisin), les ruses qu’il emploie pour s’immiscer dans la vie de son ex-femme, la précarité et les concessions qu’il est obligé de faire pour retrouver un travail, les mensonges et les non-dits qui ont façonné sa vie, rien ne prête à rire, vraiment…

Le film, dans le sillage du livre, est bâti comme un road-movie, en PACA et ailleurs, qui permet au cinéaste de confronter son héros à différents personnages : son père, peu désireux de lui tenir compagnie, son ex-femme qui oscille entre mépris et compassion à son égard, Luigia (la toujours très belle Valeria Golino) son amour de jeunesse qui lui a permis de découvrir quelque chose à propos de son père, et dont un carnet resté à son domicile méridional a valu à François de découvrir encore autre chose sur ce père ; des nouveaux collègues stéréotypés aux bornes de la caricature, avec une Carole Franck survoltée à leur tête -qui décidément bonifie avec l’expérience-, Poppy (Vimala Pons) et son oncle Samuel (Mathieu Amalric, faussement affable comme à son habitude), des rencontres de hasard mais d’importance qui l’emmènent à Donald Crowhurst, un navigateur amateur qui a réellement existé et qui a bâti la fin de sa vie autour d’un mensonge lié à une course autour du monde. Les parallèles entre la vie de Crowhurst et de François Sim sont en effet nombreux et évidents, et en découvrant la vie du « navigateur » dans un livre que Samuel lui a prêté, François se découvre, ou plus exactement apprend à se découvrir, et une scène où il lit ce livre comme s’il lisait en lui-même est une des plus émouvantes du film.

La vie très privée de Monsieur Sim est un beau film malgré un problème de rythme ; certaines scènes sont étirées inutilement en longueur, d’autres sont répétitives (celles avec le GPS de la 3008 Hybride flambant neuve qu’on lui a donnée pour aller vendre des brosses à dent bio : la métaphore de l’homme seul et apeuré qui a pour fiancée idéale une voix virtuelle est un peu trop surlignée, et déjà vue en mieux dans le Her de Spike Jonze)…

La vie très privée de Monsieur Sim est un film faussement joyeux. Disparu en mer, à la suite d’une folie suicidaire probablement, Donald Crowhurst a écrit dans son journal ces mots ultimes : « C’est fini, c’est fini. C’est la fin de mon jeu. La vérité a éclaté. » , des mots qui sont repris dans le film et qui résonnent étrangement quand à la fin, on découvre enfin toutes les vérités sur la vie privée de François Sim. Sans en avoir l’air, le film recèle jusqu’à son terme des rebondissements qui au lieu de faire grand bruit, s’insinuent fortuitement chez le spectateur, de manière quasiment hitchcockienne, et redonne un tout autre sens à tout ce qui vient d’être vu. Une mise en scène très intelligente dont la paternité est davantage à attribuer à Jonathan Coe, car on retrouve les mêmes ressorts scénaristiques dans le livre, mais que Michel Leclerc a réussi à transposer dans son film. Malgré ses défauts, une des meilleures comédies françaises de 2015.

La vie très privée de Monsieur Sim – Bande annonce

La vie très privée de Monsieur Sim – Fiche technique

Titre original : –
Date de sortie : 16 Décembre 2015
Réalisateur : Michel Leclerc
Nationalité : France
Genre : Comédie
Année : 2015
Durée : 102 min.
Scénario : Jonathan Coe (roman), Michel Leclerc, Baya Kasmi
Interprétation : Jean-Pierre Bacri (François Sim), Isabelle Gélinas (Caroline), Vimala Pons (Poppy), Sixtine Dutheil (Lucy), Christian Bouillette (Jacques Sim), Vincent Lacoste (Jacques Sim (20 ans)), Félix Moati (Francis), Carole Franck (Audrey), Mathieu Amalric (Samuel), Valeria Golino (Luigia)
Musique : Vincent Delerm
Photographie : Guillaume Deffontaines
Montage : François Gédigier
Producteurs : Caroline Adrian, Fabrice Goldstein, Antoine Rein
Maisons de production : Delante Films, Karé Productions, Rhône-Alpes Cinéma, France 2 Cinéma, Mars Films
Distribution (France) : Mars Distribution
Récompenses : –
Budget : –

Quelques mois après la sortie de son film précédent, le très austère et minimaliste Tsili adapté d’un roman d’Aharon Appelfeld, Amos Gitaï fait un virage stylistique radical en proposant une œuvre se voulant plus facilement accessible.

Synopsis : Le 4 novembre 1995. Yitzhak Rabin, Premier ministre israélien, qui avait obtenu l’année précédente le Prix Nobel de la paix grâce à ses négociations ayant abouti aux accords d’Oslo, est froidement abattu de trois balles. Retour sur cet assassinat, ses causes et ses conséquences.

Une enquête aussi falsifiée que ce film à thèse

Toujours soucieux de dépeindre son pays, Israël, sous toutes ses facettes, le réalisateur de Kippour et Free Zone revient, vingt ans plus tard, sur un événement qui en a bouleversé la (courte) histoire. Le choix d’aborder le meurtre du premier ministre Yitzhak Rabin en prenant pour point de départ l’enquête qui l’a suivi n’est évidemment pas sans rappeler le processus avec lequel Oliver Stone avait élaboré son JFK en 1991, mais la façon dont Gitaï a conçu son film est bien différente de l’enquête que menait Kevin Costner sur l’homicide de Kennedy. En   mêlant des images d’archives à des reconstitutions, le cinéaste s’assure une indiscutable caution de vérité.

L’interview de Shimon Peres qui revient sur l’assassinat de Rabin, dont il était très proche (ils avaient gagné le Prix Nobel ensemble, avec Yasser Arafat, le troisième négociateur, en 1994) qui ouvre le long-métrage lui offre l’aura de respectabilité de celui qui est le dernier père fondateur encore en vie de l’État d’Israël. Puis débute l’enchainement d’archives et de fictions documentées avec les images du meurtre en lui-même puis, pendant environ une heure, une succession de scènes nous faisant vivre les réactions d’un peuple en état de choc et les conférences de presse évasives d’une Police dépassée par les événements, des images qui nous renvoient immanquablement au traumatisme qu’a vécu la France en novembre dernier. Mais apparait aussitôt une scission au sein de la population israélite puisque beaucoup d’entre eux ne pleurent pas celui qui prônait la réconciliation israélo-palestinienne, mais au contraire célèbrent la mort de celui qu’ils qualifient de traitre au sionisme. La seconde moitié du film se concentrera davantage sur l’enquête menée par la commission Shamgar qui, plutôt que de rechercher les véritables instigateurs du drame, vont se focaliser sur les défaillances du système de sécurité l’ayant permis.

Comme bien souvent, le gros défaut de Gitaï est de tenir un discours trop appuyé car, dès l’instant où il montre des images des meetings du parti d’opposition, le Likkoud, en faisant apparaitre ses militants comme des gens uniquement mus par la haine assimilables à des fascistes et où il imagine une réunion de ses dirigeants en faisant d’eux d’infâmes manipulateurs, son parti-pris devient bien trop pesant. Et, dès lors que l’on a compris que l’enquête de la commission n’est qu’un simulacre de justice ourdi par des institutions qui ne veulent pas voir la vérité en face, faire se suivre les interrogatoires des témoins du meurtre ne sert plus qu’à étirer vainement la durée du film dans un rythme rébarbatif. En dehors du dernier quart d’heure, qui permet de comprendre l’endoctrinement de Yigal Amir et se conclut par un plan séquence subtil et maitrisé (même si le cadreur a eu du mal à tenir le point tout du long), toute la partie reconstitution souffre d’un manque d’enjeux rédhibitoire. En découle un soi-disant thriller judiciaire bien trop bavard et théâtral aussi épuisant qu’inoffensif. La partie documentaire est en revanche plus captivante dans la façon dont Gitaï met en place son brûlot visant frontalement Benyamin Netanyahou. L’interview de la veuve Leah Rabin clôt cette partie en lui assurant, cette fois, une profonde émotion. La façon dont le réalisateur se sert des images pour donner du poids à son pamphlet politique s’apparente au travail contesté que fait Michael Moore, lui faisant perdre beaucoup de sa crédibilité.

Beaucoup trop long et rarement passionnant, Le dernier jour d’Yitzhak Rabin ne tente jamais de résoudre la moindre énigme complotiste puisque Gitai semble persuadé d’en avoir la clef et en profite pour illustrer ses opinions politiques d’une manière si peu subtile qu’elle ne convaincra que ceux qui les partagent déjà.

Le dernier jour d’Yitzhak Rabin : Bande-annonce

Le dernier jour d’Yitzhak Rabin : Fiche technique

Titre original : Yitzhak Rabin, the last day
Date de sortie : 16 décembre 2015
Nationalité : Israël
Réalisation : Amos Gitaï
Scénario : Amos Gitaï, Marie-Jose Sanselme
Interprétation : Ischac Hiskiya (Président de la Commission), Pini Mitelman (Membre de la Commission), Einat Weizman (Avocate de la Commission), Tomer Sisley (Chauffeur de Rabin), Michael Warshaviak (Membre de la Commission)…
Musique : Amit Poznansky
Photographie : Eric Gautier
Direction artistique : Miguel Merkin
Montage : Yuval Orr, Tahel Sofer, Isabelle Ingold
Sociétés de production : Thibault Grabherr, LGM Cinema, France 2 Cinéma, Les Films du Worso…
Sociétés de distribution : Sophie Dulac
Genre : Thriller, documentaire, drame
Durée : 180 minutes

Synopsis : La Suburra, quartier malfamé de Rome, est le théâtre d’un ambitieux projet immobilier. L’État, le Vatican et la Mafia sont impliqués. En sept jours, la mécanique va s’enrayer : la Suburra va sombrer, et renaître.

S’ils ne sont pas portés par de grands réalisateurs ou par de grands acteurs, les films italiens ont du mal à être distribués en France. S’ils le sont, il est notable de souligner que les thèmes ou faits abordés sont souvent les mêmes : politique, corruption, affaire policière ou mafia. Parallèlement, les films allemands distribués en France connaissent le même sort et aborderont majoritairement la Seconde Guerre Mondiale, le destin d’Hitler ou encore la Résistance.
Suburra de Stefano Sollima, réalisateur de A.C.A.B : All Cops are Bastards (également avec Pierfrancesco Favino) et créateur de la série Gomorra, n’échappe pas à la règle en se fondant sur une affaire de vote d’un projet immobilier, dans lequel l’état, le Vatican mais également la Mafia vont se retrouvés enlisés.

La bande-annonce donnait à voir un surplus de violences qui ne pouvait qu’annoncer vices corporelles, tortures et règlements de compte. Impossible d’y échapper en traitant de la Mafia, et pourtant, Stefano Sollima ne plonge pas dans une apologie de la violence, ou dans un univers où seule la violence fait loi. Certes, ça résonne de partout, ça tire 8 balles dans la cage thoracique pour venir à bout de l’adversaire, mais les phases de dialogues, pouvant être parfois complexes si l’on perd le fil narratif, viennent apaiser les tensions, plus que palpables, et donnent un cachet à l’ambiance du film, ainsi qu’au jeu des acteurs. Une scène de sexe à l’hôtel, entre Pierfrancesco Favino et deux prostitués, gêne et marque l’esprit par son réalisme grâce à une caméra qui place le spectateur en voyeur, multipliant les effets visuels afin de plonger le spectateur dans un monde orgiaque.
En mêlant différents mondes, qui se révèlent être étroitement corrélés, Stefano Sollima, par l’écriture d’une narration qui peut sembler décousue, mais qui s’avère complexe, fait le pari d’instaurer des véritables portraits de personnages. Alors qu’un politicien trompera sa femme, on assistera, à l’autre bout de Rome, à la vie de famille de Manfredi Anacleti, parrain d’une mafia qui sait se faire respecter. Même si chacun a une place définie et légitime, tous les personnages ne parviennent pas à convaincre, certains arrivant « comme un cheveu sur la soupe », avec une mention pour Jean-Hugues Anglade, petit frenchie du casting, qui débarque en Cardinal. Dur d’exprimer avec clarté et précision le rapport du Vatican face aux faits racontés, même si les intertitres, qui ponctuent le film comme des chapitres, sont là pour nous rappeler le contexte religieux de cette période.
Pierfrancesco Favino convainc mais n’interpelle plus, ce dernier enchaînant des rôles similaires à celui du personnage qu’il endosse dans Suburra, depuis plusieurs années. Elio Germano et Alessandro Borghi ont, quant à eux, la « tête de l’emploi ». Borghi est le parfait petit caïd qui souhaite faire mieux que son père,
mais qui se conduit seul vers la mort, alors que Germano incarne parfaitement ce politicien qui se retrouve malgré lui dans un univers qui l’effraie.
Toutefois, Suburra n’est pas constamment passionnant. Les va-et-vient entre groupes de mafieux, vie de politiciens ou familles fatiguent et énervent, donnant l’impression que le réalisateur n’a pas su se concentrer sur un fait précis. Avec ce parti pris, le jeu spatio-temporel de Stefano Sollima est réussi, mais à la longue, il lasse, la narration étant basée uniquement sur cette alternance.

Mais l’intrigue parvient tout de même à fonctionner grâce à une réalisation lêchée, qui immerge le spectateur dans le monde véreux dépeint par le réalisateur. Certaines s’avèrent brillantes, comme celle du bad (crise de larmes) de Viola, ou encore cette de la fusillade dans le supermarché. Le montage dynamise les actions et intensifie les diverses tensions. Sollima fait également des choix de cadre omniscient, créant ce suspense vis à vis du sort de certains personnages.
Pour accompagner l’image, c’est M83 qui se charge de la bande originale, qui s’avère être une réussite, bien qu’un peu récurrente, le film n’utilisant que deux ou trois morceaux au mieux.
M83 met en musique un univers noir, mais le groupe d’électro – d’origine française ! – sublime les plans qu’il touche. Une fois de plus, le montage se présente comme une des tâches les plus abouties du film.

Suburra s’offre au spectateur comme un film de genre, mélant affaire politiques, corruptions et règlements de compte. Même si l’ensemble du casting ne parvient pas à convaincre, Stefano Sollima, par un montage solide et une réalisation réfléchie, offre une œuvre qui vaut le coup d’oeil, même si elle se repose sur des acquis scénaristiques du cinéma policier italien.

Fiche technique : Suburra

Date de sortie : 9 décembre 2015
Nationalité : Italien, Français
Réalisation : Stefano Sollima
Scénario : Stefano Rulli, Giancarlo de Cataldo, Sandro Petraglia, Carlo Bonini
Interprétation : Pierfrancesco Favino, Elio Germano, Claudio Amendola, Alessandro Borghi, Greta Scarano…
Musique : M83
Photographie : Paolo Carnera
Décors : Paki Meduri
Montage : Patrizio Marone
Producteurs : Marco Chimenz, Giovanni Stabilini, Ricardo Tozzi
Société de distribution (France) : Haut et Court
Genre : Thriller, Drame, Judiciaire
Durée : 135 minutes

L’Islande est un territoire de prime abord plutôt hostile à l’existence quotidienne. Au-delà des rares villes, la densité de population reste faible dans ce territoire sauvage. Sous ces hautes latitudes, le froid et le vent règnent sans partage, secondés avec force par la neige.

Synopsis : Dans une vallée isolée d’Islande, deux frères qui ne se parlent plus depuis quarante ans vont devoir s’unir pour sauver ce qu’ils ont de plus précieux : leurs béliers.

Le mouton est la plus belle conquête de l’Homme

Si ce n’est pas un tableau de rêve pour ceux qui souhaitent des vacances reposantes, il y a pourtant des irréductibles qui vivent ici à l’année, dans ces grandes étendues d’herbe rase qui ressembleraient à s’y méprendre à la toundra. Ce film, c’est d’abord une histoire ancrée dans ce pays, avec ceux qui y vivent, des personnages à l’image de ces paysages. Ceux et celles que vous allez croiser ici ont la peau tannée comme le cuir, les mains noueuses, ils sont taciturnes et farouches. Mais ils sont animés du même amour ardent pour leur bien le plus précieux : leurs moutons et plus précisément leurs béliers.

La lecture de ces quelques lignes pourraient être l’introduction à un film documentaire, et si Béliers est bien une fiction, l’absence d’emphase, la sobriété tant dans la mise en scène que dans la direction d’acteurs peut évoquer à certains égards le cinéma documentaire. L’intrigue nous plonge in medias res dans le quotidien d’un éleveur de ces robustes moutons d’Islande. On voit l’homme préparer un animal qui apparaît comme son bélier favori pour emmener vraisemblablement la bête à un concours. Très vite, ses gestes sont redoublés par un autre personnage, ressemblant étrangement à notre premier éleveur : un grand barbu hirsute échevelé. Les deux hommes occupent des propriétés quasiment contiguës, lorsqu’ils quittent les lieux, chacun sur leur quad tout terrain avec leur bélier respectif solidement attaché dans un side car de fortune, on comprend que les deux alter ego se connaissent et ne s’aiment pas. La grande force de cette séquence, c’est de parvenir à introduire une intrigue avec une telle économie de dialogue, en faisant confiance à ce qui se passe à l’image et à l’acuité du spectateur. Le mystère est rapidement levé lors du dit concours, rassemblant les éleveurs de la vallée : les deux hommes sont frères, deux frères ennemis qui ne s’adressent plus la parole depuis des années. Le réalisateur Grimur Hàkonarson va dans un premier temps exploiter cette caractéristique de son scénario pour créer un comique de situation, pour dépeindre l’aporie dans laquelle se trouvent les deux frères, Gummi et Kiddi. En appuyant cette introduction sur les règles du burlesque, le cinéaste évite l’apport de détails qu’aurait suscité les dialogues, et par là même, il ne charge pas d’emblée son film émotionnellement en choisissant de ne rien dire sur l’origine de la dispute.

Bande annonce- Béliers 

L’Histoire du cinéma doit sa pérennité et sa longévité à une constante qui ne s’est jamais démentie dans son architecture. Les théoriciens l’ont régulièrement décrypté à coups de savants ouvrages plus ou moins hermétiques, tandis que leurs homologues cinéastes la traduisaient avec ce qui constitue l’essence même d’une mise en scène : l’esthétique des images.

Synopsis: Reiko, veuve de guerre qui s’occupe du petit commerce de ses beaux-parents, voit son avenir menacé par l’ouverture prochaine d’un supermarché dans le quartier. C’est alors que Koji, son beau-frère, revient à la maison après avoir quitté son emploi à Tokyo…

Celle-ci s’est forgé différentes identités selon les époques et les nationalités. Sans remonter à l’invention du dispositif cinématographique sous l’égide de Georges Melies et, plus tard, son perfectionnement par les frères Lumière, nous pouvons constater deux mouvements majeurs qui permirent son éclosion. La Nouvelle Vague Française au début des années 60 par Truffaut, Godard, Rhomer et Chabrol. Laquelle fut suivie peu après par la déferlante du Nouvel Hollywood des Coppola, Cimino, Bogdanovich et autre De Palma en pleine révolte Vietnamienne. Le mouvement essaima alors dans le monde entier et fit le pari que le renouveau d’un 7ème art moribond retrouverait sa splendeur d’antan.

Quel est l’utilité de ce bref rappel? Présenter un film jusqu’alors inédit dans les salles hexagonales, de Mikio Naruse, esthète japonais au même titre que ses glorieux compatriotes Oshima, Ozu ou Mizoguchi. Plus proche de la mouvance réaliste de ce dernier, il aime à portraiturer une société impérialiste déchue de sa force au sortir de la Seconde Guerre Mondiale. Loin de l’anecdote, ce détail préfigure une volonté de retranscrire une identité nationale pacifiste. Le cas de  Une Femme dans la Tourmente est à cet égard très intéressant. Comme dit plus haut, l’archipel n’échappe pas à l’hégémonie visuelle qui compte marquer les esprits.

Voyez la splendeur des cadres composés qui font rejaillir l’éclat des visages et la méticulosité des décors. Veuve de guerre s’occupant d’un petit commerce dans un quartier populaire, Reiko ne sait comment faire face à la concurrence déloyale du nouveau supermarché avoisinant. Difficulté supplémentaire, son jeune beau-frère est un indécrottable paresseux qui se contente de vivre à ses crochets. Intelligent mais cynique, il est de plus couvé par sa grand-mère et ses sœurs. Ce point de départ suffit à Naruse pour démontrer que la reconstruction économique des villes isolées est grandement perturbée par l’essor d’une industrie commerciale inéquitable. Propre à toutes les nations ravagées, elle est ici opérée irraisonnablement et cloisonne encore un peu plus la classe moyenne. Fort de cette base scénaristique solide, il sait appuyer son point de vue par une réalisation remarquable. Tourné sous l’angle du mélodrame, l’attention portée aux émotions des personnages permet de s’identifier à eux aisément. La grammaire technique est au diapason. Gros plans fixés sur les figures pour souligner l’immense désarroi qui les étreint, la caméra sait se mettre à bonne distance des protagonistes lorsque l’intimité des situations le demande. Le grain en noir et blanc de la pellicule accentue également l’élégance d’un film au pouvoir d’attraction fascinant. La partition sonore participe de cette réussite, donnant à bon escient la mesure structurelle qui renvoie aux différentes étapes de la narration.

Le choix s’avère judicieux de débuter par un récit essentiellement sociologique pour mieux poursuivre dans la veine tragique. En effet, le processus garantit des rebondissements qu’un axe plus tranché n’aurait peut-être pas permit d’atteindre. Nous découvrirons quel rapport ambigu entretient la commerçante avec le brillant jeune homme. Et par quelle astuce schématique la relation que l’on pressent convenue ouvre un horizon inattendu. Sans en dévoiler la teneur, révélons juste le caractère particulier de Koji. Sous son air négligeant semble se dessiner l’anticonformisme de la jeunesse qui refuse de se plier aux ordres. Il finira bien par lâcher un peu du lest mais dans un but bien précis. Peu connu pour être un militant de la première heure, il se pourrait que cette évocation rebelle signe un geste idéologique nouveau pour le réalisateur nippon.

A l’image du long-métrage de son compère Mizoguchi La Rue de la Honte, Naruse allie harmonieusement la symbolique de l’image à la rigueur narrative. En résulte une ode poétique magique que quelques ralentissements ressentis ça et la n’altèrent pas le moins du monde. Difficile d’oublier de sitôt la grâce qui illumine les performances de Hideko Takamine et Yuzo Kayama. La restauration du patrimoine mondial à décidément de beaux jours devant eux.

Bande annonce – Une femme dans la tourmente

Une Femme dans la Tourmente – Fiche Technique

Titre original : Midareru
Réalisateur : Mikio Naruse
Scénario : Zenzo Matsuyama
Acteurs : Hideko Takamine, Yuzo Kayama, Mitsuko Kusabue, Kumeko Urabe, Yûzô Kayama, Hideko Takamine, Aiko Mimasu, Mitsuko Kusabue
Distribution : Les Acacias
Nationalité : Japonais
Durée : 1h38
Genre : Drame
Date de sortie : 1964
Durée : 1h38mn
Date de sortie : 9 décembre 2015

Pour de nombreux cinéastes, faire des films relève d’un besoin viscéral qui va au-delà du plaisir cinéphilique. De ce point de vue, le cinéma reste encore une forme d’art militant, plus qu’il n’est un divertissement. Je ne parle pas de cette frange du cinéma bien spécifique qui a accompagné les luttes sociales, mais de ces films qui font date parce que les personnes qui les font ont l’audace et la ténacité de mener à terme un projet non consensuel. Homeland : Irak année zéro participe de ces œuvres qui ne pouvaient pas ne pas exister, au vu de ce que ce film représente aux yeux de son auteur.

Synopsis : Homeland : Irak année zéro du cinéaste irakien Abbas Fahdel est une fresque puissante qui nous plonge pendant deux ans dans le quotidien de sa famille peu avant la chute de Saddam Hussein, puis au lendemain de l’invasion américaine de 2003.

« Je devais faire ce film, même si personne ne le voyait, je devais faire ce film. »

Abbas Fahdel

Abbas Fahdel, est un réalisateur franco-irakien qui a suivi des études de cinéma en France. Dans ses films, il prend le pouls de sa terre natale, secouée depuis trois décennies par des conflits à répétition qui semblent ne jamais devoir s’arrêter. L’Irak d’aujourd’hui est plongé dans une guerre qui n’a pas de nom et pas d’images, si ce n’est celles que l’on reçoit ponctuellement lorsqu’un attentat retentissant vient frapper un pays exsangue. Fahdel ne vit pas en Irak mais une grande partie de sa famille demeure à Baghdad. Il n’était pas au Moyen-Orient quand s’est déclarée la première guerre du Golfe, et il a souffert de ne pas pouvoir être auprès de ses proches. En 2002, l’imminence d’un nouveau conflit entre l’Irak et les États-Unis amène Fahdel à retourner dans son pays d’origine pour être là et témoigner, caméra au poing, sans bien savoir encore ce que sera le devenir de ses images. L’idée d’un film est déjà là, mais bien sûr personne ne peut présumer de la tournure qu’il prendra : on sent que la guerre est proche mais on ne peut pas en dessiner les contours. Au début de l’année 2003, Abbas Fahdel rentre en France, et le 20 mars de la même année, l’invasion américaine commence. Il lui faudra attendre la chute de Baghdad en mai 2003 avant de pouvoir retourner sur les lieux et filmer, autant que possible. Cette caméra qui se voudrait omnisciente ne tombe pourtant jamais dans la monstration obscène que donne parfois à voir le reportage télé. Fahdel filme l’humain qui vit, agit, pense et parle et évite l’écueil compassionnel dans lequel il est si facile de tomber en ne choisissant de ne montrer que des images propres à éveiller la terreur et la pitié, le genre d’images qui nous plongent dans un état d’épuisement émotionnel sans jamais nous laisser l’opportunité de réfléchir. On sent dans le geste du cinéaste une volonté d’offrir une tribune à tous ceux qu’il filme, un espace pour s’exprimer : la démocratie par le cinéma.

Cette œuvre monumentale qu’est Homeland : Irak année zéro a l’ampleur d’une fresque. Le film est composé en deux parties de près de trois heures chacune. Dans la première, intitulée « Avant la chute », Abbas Fahdel se concentre sur sa famille, le film est presque exclusivement tourné en intérieur. La guerre se précise, on s’y prépare, d’un côté on creuse un puits en prévision des coupures d’eau à venir, de l’autre on va chercher les rations alimentaires pour se prémunir d’éventuelles pénuries alimentaires. Les adultes appréhendent ce conflit à venir, eux qui ont connu la première guerre du Golfe, les enfants jouent à la guerre comme tant d’autres à travers le monde tout en ayant par moment la gravité de ceux qui comprennent que rien ne sera plus comme avant.

Le cinéaste est particulièrement attentif à la parole portée par les enfants, les plus jeunes qui n’ont connu que Saddam au pouvoir et pour lesquels la guerre a des airs de récit mythologique. L’un des personnages principaux est le neveu du réalisateur, Haidar, un jeune garçon de douze ans. On suivra cet enfant volubile et curieux dans son voyage initiatique au bout de l’enfer durant les cinq heures que dure le film. Chacune des séquences qui mettent en scène des enfants agissent comme un contrepoint à celles dédiées aux adultes. La résilience des plus jeunes donne lieu à des scènes hallucinantes : dans une zone bombardée par les forces américaines, les enfants font l’inventaire des douilles et autres munitions répandues au sol et sont capables de donner le type d’arme à laquelle elles sont associées mieux que n’importe quel expert de l’armée. S’en suit un simulacre de photo de classe macabre, dans laquelle les enfants posent à côté des armes.

La seconde partie du film intitulée « Après la bataille » est résolument tournée vers l’extérieur. C’est la citoyenneté, le rapport au pays et à la société qui sont interrogés. Face à un État qui se délite, le désarroi initial a laissé place à une colère sourde qui monte parmi toutes les franges de la population et divise les habitants. A nouveau, en permettant à ceux qu’il rencontre de s’exprimer, on prend conscience de la complexité de la situation. Pas de manichéisme, pas de clan du bien face au forces du mal, tels qu’a voulu les dépeindre Bush dans son appréciation grossière et inconsciente. Le film apporte un éclairage crucial sur les conséquences de l’invasion américaine dont les répercutions sont loin d’être terminées. La fin survient brutale, cruelle. Peut-être se sent-on plus durement touchés encore parce que l’on savait déjà le sort funeste vers lequel on s’acheminait. Le réalisateur a choisi de mettre au courant ses spectateurs en disséminant des cartons à divers moments du films. Ces quelques mots nous renseignent sur un destin qui n’était pas écrit lors du tournage. On sait d’avance que l’on va vers une tragédie annoncée. On sort ébranlé d’un film comme celui-ci, il fait partie de ces œuvres qui restent, celles qui forgent notre point de vue sur le monde.

« Il m’a fallu 12 ans pour revenir sur les images que j’avais tournées, j’avais 120 heures de rush et je devais en faire quelque chose. Aujourd’hui, mon deuil n’est pas terminé, mais le film existe. » Abbas Fahdel

Bande-annonce: Homeland (Iraq Year Zero) de Abbas Fahdel

https://vimeo.com/141512965

Homeland : Irak année zéro: Fiche Technique

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