LeMagduCiné

En réalisant son nouveau film, Yvan Attal s’attaque à un thème brûlant, très casse-gueule, qui en fera bouillir plus d’un, tant il peut être sujet à controverse et au cœur de nombreux débats.

Synopsis : Yvan se sent persécuté par un antisémitisme grandissant et il a l’habitude de s’entendre dire qu’il exagère, qu’il est paranoïaque. Lors de séances chez son psy, Yvan parle donc de ce qui le concerne : son identité, être français et juif aujourd’hui. Mais ces rendez-vous sont aussi et surtout une sorte de fil rouge reliant entre elles plusieurs histoires courtes qui tentent de démonter, sur le mode tragi-comique, les clichés antisémites les plus tenaces

Confessions de faits publics

En effet, si l’antisémitisme n’est pas à démontrer (malheureusement), il reste intéressant de voir comment le réalisateur français a pu le tourner en dérision, en essayant d’éviter au maximum les nombreux travers qui peuvent venir lui barrer la route. Mais l’argument que le réalisateur soit juif, ce qui lui permettrait de faire un film plus acceptable sur l’antisémitisme est-il vraiment recevable et fait-il de ce film une oeuvre meilleure ? On ne peut qu’en douter. Pourtant, la construction du film voulue par le mari de Charlotte Gainsbourg est intéressante, et donne envie de s’attarder sur le long-métrage : un cliché sur les juifs pour un sketch, afin de « ridiculiser » ces lieux-communs qui s’abattent sur cette religion. Malheureusement, le défi d’Yvan Attal n’est pas réussi, car la sauce peine à prendre.

Malgré un casting 5 étoiles, Ils sont partout peine à convaincre tant les différents sketchs sont inégaux, et montés de manière très étrange. Les genres explorés sont bien souvent survolés, et à trop vouloir accentuer le dialogue, Yvan Attal s’enlise dans ses multiples mises en scène, que l’on pourrait assimiler à des courts-métrages unis sous un même thème qu’est l’antisémitisme. S’il fallait retenir deux saynètes, ce serait le premier, avec Benoît Poelvoorde et Valérie Bonneton, dans lequel vient se fondre un pastiche de la politique actuel, porté par deux acteurs qui se complètent très bien, ainsi que le dernier, avec François Damiens et Popeck pour « guest ». Les différentes touches humoristiques de celui-ci sont les plus convaincantes, tout comme la chute, inattendue, qui malgré une certaine gravité s’avère pourtant très belle. Parallèlement, certains sont très décevants, et parfois très mal joués. Charlotte Gainsbourg, en duo avec Dany Boon et Marthe Villalonga, nous offre une des pires prestations de sa carrière. Sa dégaine ainsi que son accent forcé sont d’un désagréable qui ne fait que ternir l’image que l’on a du sketch qui nous est proposé. Celui avec Gilles Lellouche aurait pu être intéressant, mais malgré le format court, on s’enlise dans des failles scénaristiques, les idées vont dans tous les sens et le spectateur ne sait plus où donner de la tête. Enfin, celui de Podalydès et Gadebois est futile au possible. Un dialogue incessant dans on ne voit le bout, alors qu’il s’agit du plus court du film.

Mais le montage ne joue pas en faveur de la bonne crédibilité des sketchs non plus. Les interventions d’Yvan Attal ne nous apparaissent que comme une justification, voire une explication de ce que l’on a vu précédemment, ou de ce à quoi on va assister. Le réalisateur aurait dû minimaliser ses interventions, quitte à proposer une simple succession de sketchs. Impossible de définir Ils sont partout, tant la manière de conter du réalisateur est parfois ambiguë. On ne sait jamais si Yvan Attal veut faire de son film une comédie, ou bien s’il s’agit d’un simple drame qui s’élève comme un dénonciateur d’un racisme qui devient de plus en plus ordinaire. Si l’on ne sait pas que le réalisateur est juif, certaines blagues pourraient être très mal interprétées, notamment lors du premier sketch. Ils sont partout nécessite de prendre un recul impératif sur la situation, mais il est également très intéressant d’entendre Yvan Attal parler de son film, et des objectifs qu’il s’est fixés en donnant vie à ce projet plus hasardeux qu’autre chose.

Si l’esquisse du film était intéressante, le résultat final d’Ils sont partout est assez laborieux et ne sera (malheureusement) pas à mettre entre toutes les mains, tant certaines personnes pourraient prendre les propos tenus par Yvan Attal au premier degré. L’autodérision et le jeu sur les clichés juifs peinent à trouver leur place dans un récit défaillant, dans lequel les sketchs sont bien inégaux, avec des acteurs en pleine forme, alors que d’autres seront à la ramasse. Il est dommageable de constater qu’Ils sont partout est un gâchis filmique derrière lequel se cachait un vrai potentiel, à tel point que l’on peut se demander si le film aurait dû vraiment voir le jour.

Ils sont partout : Bande-annonce

Ils sont partout : Fiche Technique

Réalisateur : Yvan Attal
Scénario : Yvan Attal, Émilie Frèche
Interprétation : Yvan Attal, Benoit Poelvoorde, Valérie Banneton, Gilles Lellouche, Charlotte Gainsbourg, Grégory Gadebois, François Damiens, Denis Podalydès, Dany Boon…
Photographie : Rémy Chevrin
Montage : Jennifer Augé
Musique : Evgueni Galperine, Sacha Galperine
Direction artistique : Katya Wyszkop
Producteurs : Emmanuel Montamat, Thomas Langmann
Sociétés de production : La Petite Reine, Canal +
Distribution (France) : Wild Bunch Distribution
Durée : 111 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie : 1 juin 2016

France – 2016

Adapté du dernier roman de Jean-Paul Dubois, Le Cas Sneijder, sorti en 2011, le nouveau film de Thomas Vincent pourrait être défini comme transgenre, alternant entre comédie et drame familial. La nouvelle vie de Paul Sneijder nous conte la reconstruction d’un homme, qui peine à retrouver goût à la vie suite à la perte de sa fille.

Synopsis : Après un accident rarissime, Paul Sneijder ouvre les yeux sur la réalité de sa vie de « cadre supérieur » à Montréal : son travail ne l’intéresse plus, sa femme l’agace et le trompe, ses deux fils le méprisent…
Comment continuer à vivre dans ces conditions ? En commençant par changer de métier : promeneur des chiens par exemple ! Ses proches accepteront-ils ce changement qui le transformera en homme libre ?

Si, au premier abord, ce rôle ne semble pas convenir à Thierry Lhermitte, il n’en est rien ! Bien loin des comédies franchouillardes sans intérêt, il nous propose une interprétation émouvante avec beaucoup de retenue, dans laquelle on parvient aisément à s’immiscer, tout en gardant une certaine distance, afin de ne pas se positionner en voyeur. Avec beaucoup de pudeur, Thierry Lhermitte et Thomas Vincent dressent le portrait d’un homme sur lequel le sort semble s’acharner. Malheureusement, le casting comporte quelques petites failles, comme Géraldine Pailhas, qui sonne faux du début à la fin. Son personnage à quelque chose de grotesque, qui ne fait pas dans la subtilité, ce qui contraste avec le personnage de Paul. Elle se complète difficilement avec Thierry Lhermitte, et peine à lui arriver à la cheville. Les différentes scènes de confrontations du couple, qui ne cesse de décliner durant le long-métrage, donnent à voir la faiblesse de jeu de l’actrice face à un homme qui s’impose, tant physiquement que psychologiquement, alors qu’elle cherche à conserver une emprise sur son mari, qu’elle sait atteint et manipulable. Le différentiel d’âge entre les deux acteurs ne joue pas en la faveur de la crédibilité du récit, à tel point qu’on en vient à s’interroger sur d’éventuels liens de parenté. Aussi, on notera l’excellente prestation, même si moins importante, de Guillaume Cyr, que l’on a pu découvrir dans Nos Jours Heureux. Son personnage est très touchant et plein d’humour. Sa relation avec Thierry Lhermitte à ce quelque chose de tendre qui donne du baume au cœur. On sent l’amour de Benoit pour son travail, avec ce souhait de le transmettre à sa nouvelle recrue.

Toutefois, même si le scénario est touchant, il est très simple, peut-être même trop. La structure narrative tourne vite en rond, avec de perpétuelles séquences sur les ascenseurs, sur le choix de l’avocat, sur les poursuites judiciaires. Le schéma est vite compris et surprend difficilement, tout est trop prévisible, et ce sur tous les points (affectifs ou professionnels). Une fois les faits assimilés, le spectateur ne sera plus surpris, et pourrait même reprocher au film de tirer sur la corde, en s’enlisant dans des séquences parfois futiles. Néanmoins, on soulignera la beauté de la première scène du film, qui nous immerge directement dans les faits. Le travail sur le silence dans le film est réfléchi, et l’absence de musique extra-diététique nous ancre dans une réalité que tout le monde pourrait être amené à expérimenter.

L’approche du réalisateur vis-à-vis de ses protagonistes est assez sobre, sans réel partis pris, ne cherchant pas à définir un « méchant » et un « gentil », un « coupable » et une « victime ».
Les décors québécois qui servent de contexte au film sont de toute beauté et participent pleinement à ce microcosme dépouillé, que Thierry Lhermitte découvre, mais dans lequel il ère également, allant jusqu’à se perdre, ne sachant plus ou donner de la tête. C’est dans la neige canadienne que Paul Sneijder se ressource et retrouve confiance en soi, accompagné de ses nouveaux amis, qui ne sont autres que des chiens en quête de promenade.

Si le nouveau film de Thomas Vincent suscite des interrogations quant au thème abordé, il est surtout à voir pour l’excellente interprétation de Thierry Lhermitte, qui sort des sentiers battus par une froideur et un travail sur soi assez impressionnants, faisant part d’un certain talent dans des rôles aux teintes dramatiques.

La Nouvelle vie de Paul Sneijder : Bande-annonce

La Nouvelle vie de Paul Sneijder : Fiche Technique

Réalisateur : Thomas Vincent
Scénario :Yaël Cojot-Goldberg, Thomas Vincent, d’après l’oeuvre de Jean-Paul Dubois
Interprétation : Thierry Lhermitte, Géraldine Pailhas, Pierre Curzi, Guillaume Cyr, Aliocha Schneider…
Photographie : Ronald Plante
Montage : Mike Fromentin
Musique : Philippe Deshaies, Lionel Flairs, Benoît Rault, Antoine Bedard
Direction artistique : Mario Hervieux
Producteurs : Pierre Forette, Thierry Wong
Sociétés de production : Cine Nomine, Caramel Films
Distribution (France) : SND
Durée : 114 minutes
Genre : Comédie Dramatique
Date de sortie : 8 juin 2016

France, Canada – 2016

Aussi éloignés soient-ils, le western et l’épouvante sont deux genres qui ont été associés à de nombreuses reprises. On pense aux intéressants Voraces de Antonia Bird et Vampires de John Carpenter mais aussi au revers de cette association avec les nanars Nuits de Pleine Lune (Hurlements 7) ou Une Nuit en Enfer 3.

Synopsis: 1850. Dans la paisible ville de Bright Hope, quelque part entre le Texas et le Nouveau-Mexique, une mystérieuse horde d’Indiens en quête de vengeance kidnappent plusieurs personnes. Pour tenter de les sauver, le shérif local, accompagné de quelques hommes, se lance alors à leur poursuite… C’est le début d’un voyage vers l’enfer.

Il faut dire que ce crossover des genres prête légèrement à sourire tant les deux sont si éloignés qu’il est difficile de les prendre au sérieux. Pourtant, alors qu’il fut l’une des titres surprises annoncées dans la compétition internationale du dernier Festival de Gérardmer, le public géromois s’est tout simplement laissé prendre une claque comme on les aime. Même le jury présidé par Claude Lelouch a été séduit par ce premier long métrage et a tout naturellement décidé de remettre à S. Craig Zehler le Grand Prix du Jury pour son Bone Tomahawk, grâce à son approche classique et à la fois audacieuse d’un genre que l’on sous-estime trop souvent. De quoi donner une visibilité bienvenue à cette proposition de cinéma radicale même si elle n’aura pas eu les honneurs d’une sortie en salles.

L’Indien des Plaines

Il est intéressant de mettre le film en parallèle de l’actualité internationale. Le climat est plus que pesant ces derniers temps ; entre le débat sur les migrants, les casseurs de Nuit Debout, les récents attentats et le djihadisme, plus que jamais, la peur de l’autre est un thème central. Et plutôt que de trouver une solution aux problèmes, c’est la force qui est employée. C’est donc avec cet état d’esprit que l’on entre dans les premières minutes de Bone Tomahawk. Deux bandits volent et assassinent des cow-boys avant de s’enfuir à travers le Grand Ouest et se faire piéger par des êtres invisibles dont seuls les flèches et quelques sons permettent de révéler leur présence. La tension est insoutenable jusqu’à la mort atroce d’un des deux malfrats. L’unique survivant arrive tant bien que mal à rejoindre la ville la plus proche. Après avoir créé quelques remous dans cette ville sans problèmes, il se fait arrêter par le shérif (incarné par Kurt Russell) et son adjoint (Richard Jenkins). Les deux associés le laissent au bon soin de l’infirmière du comté. Mais les Indiens n’avaient pas perdu la trace de leur proie et, dans l’obscurité du far-west, l’enlèvent de force ainsi que deux autres habitants de la ville. Ainsi le postulat de départ de Bone Tomahawk est simple : il s’agit de virils citoyens américains qui vont combattre des Indiens troglodytes (un autre Indien du film dira cette phrase pleine de sens « Ils ne sont pas comme moi ») pour tenter de sauver trois individus enlevés. Il faut savoir que ces Indiens sauvages (plus que d’autres de leurs congénères) sont des cannibales à la violence acharnée. De véritables monstres de cinéma qui marqueront assurément les esprits, cette année.

Il faut dire qu’en termes de violence et de brutalité, à l’image de l’Ouest américain (soit la critique d’une Amérique qui s’est construite uniquement par la mort des indigènes), S. Craig Zehler ne lésine pas sur les moyens. Pour revenir à la toute-première scène du film, elle s’ouvre sur un homme assoupi, se faisant sauvagement égorger. La chair est écorchée, le sang coule, la respiration devient étouffante et on devine qu’il ne s’agira pas de l’unique image choc du film. Mais avec ces deux heures treize au compteur, Bone Tomahawk prend le temps d’installer une dimension contemplative et de survival appréciable (peut-être pas accessible à tous), donnant au film des allures de western classique bien que résolument moderne. L’intrigue fait donc fi de toute complexité narrative : des cowboys valeureux partent à la rescousse d’une jolie demoiselle, deux heures durant. C’est tellement simpliste et épuré que le réalisateur assume clairement ce postulat pour le contrebalancer en se dirigeant vers des sentiers qui n’ont encore jamais été foulés au cinéma. Les dialogues du film sont le fruit d’une écriture ciselée remarquable et sont balancés avec une telle hargne que la sauvagerie et l’état d’esprit chasseur/proie se ressent dans les mots. C’est aussi grâce à la mise en scène que le film se démarque et prend son envol. Cette dernière prend le temps d’affiner les cadres, de faire durer les plans, de représenter l’étendue de l’Ouest américain qui apparaît comme un territoire inconnu et de jouer sur des contrastes solaires/nuitées somptueux. On notera qu’on tient avec Bone Tomahawk l’une des meilleures distribution de l’année (et donc la plus sous-estimée pour une sortie en salles), avec Kurt Russel (qui excelle encore une fois après Les 8 Salopards), Patrick Wilson, Richard Jenkins et Matthew Fox, tous impeccables. Tout un travail de pur cinéma qui fonctionne à merveille et fait que Bone Tomahawk n’est pas qu’une simple série B. Et que dire pour les amateurs du genre épouvante, dont l’horreur du tiers-final les convaincra définitivement de la haute tenue de ce western si atypique.  On se rappelle qu’ils ont été nombreux pendant la séance à Gérardmer à tourner les yeux et pousser des râles de dégoût dans l’ultime climax du film, véritable sommet de barbarie et qui s’impose sans conteste comme l’une des séquences les plus insoutenables de l’année. Un défaut ? Non, absolument pas tant S. Craig Zehler s’avère plus malin que cela et donne un sens légitime à ces scènes de carnage.

C’est peut-être parce qu’il a été terriblement sous-estimé par son distributeur au final, qu’on apprécie tellement Bone Tomahawk. Un film de genre qui donne aussi bien ses lettres de noblesse au western qu’à l’épouvante pure et dure, on a envie qu’il soit vu par tout le monde. Par le soin accordé à sa mise en scène, l’écriture pointilleuse des dialogues, le jeu incontestable de ce casting quatre étoiles et la tension palpable qui règne dans ces terres hostiles, le premier long métrage de S. Craig Zehler est un film de genre efficace qui devrait vraisemblablement marquer les esprits. Et plus que ça, il est la confirmation d’un jeune cinéaste qui a su faire preuve de merveilles avec un budget terriblement modeste. Incontestablement un talent à suivre de très près.

Bone Tomahawk : Bande-annonce VOST

Bone Tomahawk : Fiche Technique

Réalisation : S. Craig Zehler
Scénario : S. Craig Zehler
Interprètation : Kurt Russel (Sheriff Franklin Hunt), Patrick Wilson (Arthur O’Dwyer), Matthew Fox (John Brooder), Richard Jenkins (Chicory), David Arquette (Purvis), Lili Simmons (Samantha O’Dwyer)
Photographie : Benji Bakshi
Décors : Laura Evans
Costumes : Chantal Filson
Montage : Greg D’Auria, Fred Raskin
Musique : Jeff Herriott, S. Craig Zahler
Producteurs : Iain Abrahams, Jonathan Feuer, Scott Fort, Joseph Gabay, David Gilbery, Wayne Marc Godfrey, Jack Heller, Robert James, Amanda Mortimer, Hengameh Panahi, Peter Sherayko, Dallas Sonnier, Jon D. Wagner, Gregory Zuk
Sociétés de Production : Red Granite Picture
Distributeur : The Jokers / Le Pacte
Budget : 1 800 000$
Récompenses : Grand Prix du Jury au Festival de Gérardmer 2016, Meilleur Réalisateur et Prix de la Critique au Festival International du Film de Sitges 2015
Genre : Western, Epouvante-horreur
Durée : 132min
Sortie en DVD/Blu-Ray/VOD le 11 mai 2016

Etats-Unis – 2016

Sorti dans une indifférence polie en mars dernier outre-Atlantique,  The Door (ou The Other Side of the Door en version original), nouvelle production horrifique issue du surdoué français Alexandre Aja, se voit offrir une sortie en salles françaises retardée et limitée, témoignant du désintérêt du projet aux yeux du public.

Synopsis: Une famille américaine mène une paisible existence en Inde jusqu’à ce qu’un accident tragique prenne la vie de leur jeune fils. La mère, inconsolable, apprend qu’un rituel antique peut lui permettre de lui faire un dernier adieu. Elle voyage alors jusqu’à un ancien temple, où se trouve une porte qui sépare le monde des vivants et celui des morts. Mais quand elle désobéit à l’avertissement sacré de ne jamais ouvrir cette porte, elle bouleverse alors l’équilibre entre les deux mondes.

Horreur mou

Si la promotion pouvait laisser entrevoir un exercice de style au minimum intéressant à défaut d’être utile, la 20th Century Fox, désireuse de remplir ses caisses à coup de petites productions horrifiques, en a décidé autrement. Il en résulte une énième tribulation cinématographique surnaturelle d’un vide abyssal, où même les rares qualités proposées se voient balayées par une succession de clichés plus insultants et plus incohérents les uns que les autres. Ainsi le résultat, qu’il soit pour les néophytes ou pour les aficionados du cinéma de genre, ne pourra qu’être décevant, surtout face à l’affirmation d’ambitions nouvelles de la part des producteurs pour ce type de productions horrifiques.

Le premier paradoxe de The Door tient ainsi dans la mise en scène. On ressent les efforts de Johannes Roberts, réalisateur britannique de série Z (les sympathiques F et Storage 24), que de vouloir respecter au mieux son spectateur. En effet, peu d’effets clinquants ou de jumpscares sont contenus au sein du métrage,  démontrant de la même sorte une volonté évidente de Roberts de miser sur une ambiance poisseuse et austère. Cependant, à trop vouloir croire en son faible talent, le metteur en scène se fourvoie sans cesse et plonge le spectateur dans une léthargie désagréable, ne daignant élever les enjeux de son film qu’après trois et (très) longs quarts d’heure. Et quand bien même la tension devrait aller crescendo au fur et à mesure des scènes, le manque d’ambiance sonore et la paresse de la mise en scène nivelle le film vers des tréfonds que nul ne pourra apprécier. Ce faisant, et ce malgré la photographie soignée de Maxime Alexandre (l’ensemble de la filmographie d’Alexandra Aja, The Voices) et l’effort apporté à la colorimétrie de l’image, The Door n’arrive pas à sortir du lot, la faute à une réalisation indolente et une ambiance pas aussi prenante et angoissante qu’elle ne pourrait l’être. Il en résulte donc une première grande frustration pour le spectateur qui, malheureusement, ne sera pas rattrapée par le scénario.

Tout adepte du cinéma de genre vous certifiera qu’en dehors d’une mise en scène de qualité, une production horrifique a un besoin vital de symbolisme narratif. Elle ne doit donc pas être le lieu de répit d’un scénariste apathique mais au contraire le genre de médiation entre un sujet sérieux et un traitement oppressant. Pourtant, tout semble formaté dans ce produit peu inspiré, où Johannes Roberts recopie les meilleurs idées des chefs d’œuvres du genre (le plus visible restant Simetierre). On assiste alors à un banal film de possession comme Hollywood nous en sort tous les mois malgré l’idée intéressant d’exporter les lieux de l’action sur le sous continent indien. Néanmoins, force est de constater que le studio et le réalisateur peinent à utiliser convenablement toutes les ressources qui leurs sont proposées et consternent presque par leur constante incapacité à doser les éléments horrifiques. Avec un pays aussi coloré que l’Inde, pourquoi choisir immuablement de tourner de nuit ? Avec une créature plutôt réussie (sorte de Ganesh zombiesque), pourquoi montrer constamment la carcasse putréfiée et possédée de l’enfant ? Autant de choix étranges qui nous font perpétuellement douter sur les capacité de l’équipe technique à emballer un projet alléchant et à soigner un long métrage qui n’avait pas nécessairement besoin de coups de génies depuis l’arrière de la caméra.

Rétrospectivement à la carrière d’Alexandre Aja, fils d’Alexandre Arcady et surdoué français de la caméra, on peut se rendre compte d’un nouveau paradoxe. Si le bonhomme fournit un travail souvent conséquent pour produire ou filmer des productions horrifiques de qualité (les géniaux Haute Tension et La Colline à des Yeux), on observe également une tendance à produire des films de qualité variable mais formellement en deçà des attentes (2e sous sol, Pyramide). En enchaînant les deux très mauvaises productions que sont Pyramide et donc The Door, il convient de se poser une question légitime : Alejandre Aja ne deviendrait-il pas le Luc Besson du cinéma de genre ? Si dans un premier temps on répondra par la négative à la question, de part le travail et la qualité généralement positive de sa filmographie personnelle, on nuancera la réponse en soulignant l’investissement de plus en plus superficiel du bonhomme à des productions horrifiques toutes plus oubliables les unes que les autres.

The Door manque malheureusement le coche et ne sort donc pas du lot des milliers de productions horrifiques pullulant dans les cinéma depuis ces quinze dernières années. Si l’évident respect de Johannes Roberts pour son spectateur et la présence des équipes d’Alexandre Aja lui permet d’être en somme tout à fait regardable, la paresse de la mise en scène et le vide abyssale de son récit enterre définitivement toutes ambitions extérieures à celle commerciale de la Fox. Un long métrage sous forme de sonnette d’alarme à notre Alexandre Aja national, à qui l’on souhaite que son prochain film, The 9th Life of Louis Drax, soit d’une qualité bien supérieur à The Door, un film déjà oublié par son public.

The Door : Bande-annonce

The Door : Fiche Technique

Titre original : The Other Side of the Door
Réalisation : Johannes Roberts
Scénario : Johannes Roberts et Ernest Riera
Interprétation: Sarah Wayne Callies (Maria), Jeremy Sisto (Michael), Javier Botet (Myrtu), Sofia Rosinsky (Lucy), Logan Creran (Oliver), Suchitra Pillai-Malik (Piki)
Décors : Fran Cooper et Agnes Goveas
Costumes : Divya Gambhir et Nidhi Gambhir
Montage : Baxter
Musique : Joseph Bishara
Production : Alexandra Aja, Rory Aitken et Ben Pugh
Sociétés de production : 42, Kriti Productions et TSG Entertainment
Sociétés de distribution : 20th Century Fox
Langue : Anglais
Durée : 96 minutes
Genre : Horreur
Dates de sortie : 1 Juin 2016

Royaume-Uni, Inde – 2015