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En pleine tempête, Alice tente de redresser la barre. Non, ce n’est pas une métaphore quelconque mais bien la première scène du film, qui a un arrière-goût de Pirates des Caraïbes.

Synopsis : Retour au Pays des Merveilles pour Alice ! Le Chapelier Fou fait appel à son amie pour retrouver ses parents, persuadé qu’ils ne sont pas morts. Pour mener à bien cette mission, Alice va devoir faire appel à un puissant outil : la Chronosphère, jalousement gardée par le Temps.

L’Éternel Retour

Étrange similitude entre Elizabeth Swann et Alice Kingsley. Toutes deux capitaines, toutes deux ont un rapport avec la Chine… on s’attendrait presque à voir surgir Jack Sparrow. Mais non, nous ne sommes pas dans la bonne histoire. Disney tient à innover. On l’a vu avec Star Wars 7, mais également avec les super-héros ou encore les multiples adaptations live de ses dessins animés désormais has been. La machine est en marche, prêt à nous délivrer ses produits formatés. Il faut dire que les plats micro-ondés se vendent toujours aussi bien, même si tout le monde sait que ce n’est pas vraiment ce qu’il y a de meilleur, loin de là. Alors, roi du réchauffage, Disney tient tout de même à changer l’emballage, puisque le papa du premier opus, sorti il y a six ans, à savoir l’ancien génie Burton (qui lui nous sert un plat réussi sur trois, se laissant aller un peu trop sur la sauce par moment), n’est plus derrière la caméra (mais pas trop loin derrière puisqu’il est producteur). Le nouveau chef-tambouille de Alice De l’autre Côté du Miroir se nomme James Bobin. Si son nom ne vous dit rien, vous en entendrez très certainement parler très prochainement, avec son prochain chef d’œuvre : MIB 23, le fameux crossover entre Men in Black et 21 Jump Street (autant vous dire qu’à CinéSéries-Mag, on l’attend de pied ferme). Mais parlons du film, et trouvons des choses à dire.

Pas question d’aborder la question de l’adaptation de l’œuvre de Lewis Caroll puisque ce film comme le précédent la piétine sans considération et l’assume joyeusement. Alice revient donc au Pays des Merveilles guidée par Absolem (l’occasion d’entendre les derniers éclats de voix d’Alan Rickman). Elle découvre un monde où le Chapelier Fou est nostalgique de ses parents, tués par le Jabberwocky (qui ne parle pas dans ce film-ci, mais nous pensons à Christopher Lee qui en assurait le doublage). La seule solution pour Alice est de remonter le Temps, dans un but incertain puisqu’elle ne doit pas modifier le passé sans quoi le monde est perdu (classique). Nouveau venu dans la famille, la personnification du Temps, interprété par Sacha Baron Cohen (grand copain de James Bobin), est l’occasion non seulement de faire tout un tas de jeux de mots sur le sujet (plaisants au début, ils deviennent très vite pénibles) mais également d’essayer d’entamer une réflexion sur le temps et la portée de nos actes. Alice et ses amis vont ainsi naviguer entre le présent et le passé et on découvrira le passé trouble des gens du Pays des Merveilles, à savoir le Chapelier mais également celui des deux sœurs Mirana et Iracebeth, respectivement Reine Blanche et Reine Rouge.

Il y a des différences dans l’histoire et dans le schéma narratif par rapport aux autres films, dire le contraire serait mentir. Mais tout est prévisible car on connaît déjà la morale et la fin de l’histoire. Il n’y a aucune émotion puisque les scènes de tensions ou d’inquiétudes sur l’avenir des personnages tombent à l’eau et deviennent pesantes. Le jeu des comédiens est lui, plutôt bon, et ceux qui évoqueront le sur-jeu et la caricature seront dans le vrai, puisque c’est bien la caractéristique principale de ce monde merveilleux. Le meilleur rôle revient à Helena Bonham Carter en Reine Rouge, encore une fois à l’aise malgré sa grosse tête. En parlant de tête, celle du Chapelier Depp ne se montre pas trop, et c’est tant mieux. Les décors respectent l’imagerie visuelle du film de Burton, tout comme la musique (toujours composé par Danny Elfman) qui reprend les mêmes thèmes. Au passage, la 3D est trop peu exploitée, si tant est qu’elle n’ait jamais eu un intérêt. Le seul bon moment du film est celui, vers la fin, de la poursuite à travers la Mer des Souvenirs, visuellement prenante mais trop courte.

La scénariste de Mulan et de Maléfique (et du Alice de 2010) a pensé à distiller des leçons à tirer de ce long-métrage. Elle dépeint une Alice féministe, affirmée dans le monde masculin. Malheureusement, cette problématique est distillée dans seulement trois scènes (respectivement au début, au milieu et à la fin), trop peu intégrée au récit pour ne pas être bateau. L’autre leçon, celle de croire en ses rêves, à cœur vaillant rien d’impossible et j’en passe. Il y a quelque chose de prophétique dans ce film, qui en filigrane évoque la mort et les rêves perdus. Dommage que l’ode à la rêverie voulue par Disney ne soit qu’une perte de temps. Il nous faut répondre à la question que tout le monde se pose : Alice De l’autre côté du miroir est-il meilleur ou moins bon que Alice au Pays des Merveilles ? Cela revient à comparer deux boîtes de conserve. Jean-Pierre Coffe nous aurait dit « Peu importe, c’est de la merde ». Alors non, nous n’utiliserons pas de tels mots pour qualifier le film. Simplement, le long-métrage de James Bobin ressemble aux autres films Disney, pas totalement. La seule différence réside dans ce qu’il y a d’écrit sur la boîte de conserve, et dans vos préférences de goût à la rigueur. Au final, elles auront toutes la même saveur.

Alice De l’autre côté du miroir : Bande-annonce

Alice De l’autre côté du miroir : Fiche Technique

Réalisation : James Bobin
Scénario : Linda Woolverton d’après l’oeuvre de Lewis Caroll
Interprétation : Mia Wasikowska (Alice), Johnny Depp (Le Chapelier), Helena Bonham Carter (La Reine Rouge), Anne Hathaway (La Reine Blanche), Sacha Baron Cohen (Le Temps)
Image : Stuart Dryburgh
Montage: Andrew Weisblum
Musique: Danny Elfman
Costumes : Colleen Atwood
Décor : Dan Hennah
Superviseur des effets spéciaux : Neil Corbould
Superviseur des effets visuels : Ken Ralston
Producteur :  Tim Burton, Joe Roth, Suzanne Todd et Jennifer Todd
Société de production : Walt Disney Pictures, Tim Burton Productions, Roth Films, Team Todd
Distributeur : Walt Disney Studios Distribution
Durée : 113 minutes
Genre: Fantastique, Fantasy
Date de sortie : 1er juin 2016

Etats-Unis – 2016

Le conflit afghan étant l’un des rares dans lesquels s’est impliqué le Danemark en ce début de millénaire, il n’est pas étonnant qu’il soit devenu, après les très bons Brothers (Susanne Bier, 2004) ou encore Armadillo (Janus Metz Pedersen, 2010), également le contexte choisi par Tobias Lindholm en s’attaquant au film de guerre.

Synopsis : Claus Michael Pedersen est à la tête d’une équipe de patrouilleurs de l’armée danoise postée en Afghanistan. Bien que tourmenté par l’idée de ne pas savoir quand il reverra sa famille, il reste un soldat consciencieux. Le jour où son équipe tombe dans un traquenard, il est contraint de recourir à un soutien aérien. Une décision qui lui vaudra d’être trainé devant les tribunaux, accusé d’avoir accidentellement tué  des civils.

D’autre part, on peut remarquer que depuis une dizaine d’années, et en particulier le succès de Démineurs (Kathryn Bigelow, 2008), la tendance de ce genre si calibré est de confronter le quotidien de ses héros sur le champ de bataille et au sein de leur famille, insistant ainsi davantage qu’auparavant sur le traumatisme du retour à la vie civile. Le schéma narratif qu’adopte le réalisateur est dès lors sans véritable surprise : une première moitié sur le front, une seconde à la maison. Mais A War ne se contente pas, comme American Sniper ou Du sang et des larmes, d’illustrer la façon dont son personnage peut acquérir son statut de « héros de la patrie » en réussissant à cumuler ses deux casquettes, celle de soldat et de père de famille. Le film met en place une interrogation morale qui dépasse la seule intériorité de cet homme pour aller questionner le bien-fondé même de cette guerre. L’absence de parti-pris vis-à-vis des règles déontologiques sera tout de même contrebalancée par la mise en place d’une indéfectible empathie envers le personnage de Claus.

Reconnu pour l’austérité naturaliste de sa mise en scène, le réalisateur nous livre, dans la première partie de son film, une vision saisissante des vastes plaines afghanes –en réalité filmées en Turquie. Débutant son récit par une scène assez violente, il nous plonge aussitôt dans un état de pression qui n’est pas sans rappeler son précédent film Hijacking, déjà porté par l’excellent Pilou Asbæk. Une tension qui va toutefois vite redescendre, sacrifiée sur l’autel du minimalisme. Ce choix ne permet en effet pas de rendre état d’actes de guerre plus spectaculaires que celui dans lequel un taliban –le seul que l’on verra d’ailleurs à l’écran– se fait descendre à distance, une exécution filmée de façon à nous prendre aux tripes. A noter également, la maitrise du mixage son dans cette mise en scène immersive. Cette recherche de réalisme et d’humanisation des enjeux militaires est prolongée via l’alternance avec des passages consacrés aux difficultés de la femme de Claus pour élever seule leurs trois enfants. Des scènes qui s’avèrent pertinentes dans le parallèle qui y est fait entre l’immaturité de ce fils perturbé au point de s’exprimer grâce à la violence gratuite et l’absurdité intrinsèque aux efforts vains de la mission de pacification dans laquelle s’est embrigadé son père. Venant clore cette première partie à la précision quasi-documentaire, la brutale scène de la fusillade apparait comme une surprise, tant pour les soldats que pour les spectateurs. De ce fait, cette rupture de rythme incongrue se révèle être un effet de mise en scène ingénieux qui sera accentué par le passage à un montage  bien plus découpé que les plans séquences qui l’ont précédé, et par l’emploi d’un hors-champ oppressant, qui nous font parfaitement partager la désorientation de notre héros dans ce bourbier.

La seconde partie du film se voudra plus austère encore, limitant quasiment l’action à deux décors : le foyer et le tribunal. Toutefois, c’est dans cette partie que le réalisateur va s’avérer le plus maladroit. D’abord avec l’utilisation soudaine de la musique dans les dernières minutes ; celle-ci ayant été jusque-là totalement absente, son apparition donne à la conclusion une impression d’effet larmoyant de mauvais gout. Mais le plus gros souci que Tobias Lindholm rencontre dans ce qui apparait alors comme un thriller judiciaire est de rendre compte, comme il avait pu le faire dans sa peinture des champs de bataille, de la tension psychologique à laquelle est soumis son personnage. Celle-ci en est réduite à des gros plans sur les regards que s’échangent les personnages lors du procès et bien sûr quelques dialogues entre Claus et sa femme. On pourrait alors affirmer que la mise en scène de Lindholm trouve ses limites dès l’instant où la caméra embarquée n’est plus de rigueur. Si encore ces scènes de tribunal ne souffraient pas d’un manque de d’intensité, cette partie aurait pu se suffire à elle-même pour appuyer le propos moral du scénario. Mais ce qui l’a précédé pose obligatoirement le public dans une position de défense de Claus alors que l’inextricable ambiguïté déontologique à laquelle sont confrontés les juges aurait été plus intéressante à explorer que la seule peur de l’accusé d’être à nouveau séparé des siens. La façon dont est construit le récit nuit par conséquence à la portée de son propre discours.

La réalisation âpre et immersive de Tobias Lindholm a beau être source d’une peinture remarquable d’un conflit armé qui semble irrésoluble, A War souffre d’un manque de maitrise lors des scènes plus intimistes et des joutes verbales entre juristes. Or, ces deux éléments auraient pu en faire un plaidoyer efficace contre les contradictions de ce que l’on attend des soldats qui y sont envoyés, et les conséquences psychologiques que cela a sur eux à long terme.

A war : Bande-annonce

A War : Fiche technique

Titre original : Krigen
Réalisation : Tobias Lindholm
Scénario : Tobias Lindholm
Interprétation : Pilou Asbæk (Claus Michael Pedersen), Tuva Novotny (Maria Pedersen), Dar Salim (Najib Bisma), Søren Malling (Martin R. Olsen), Charlotte Munck (Lisbeth Danning), Dulfi Al-Jabouri ( Lutfi Hassan)…
Photographie : Magnus Nordenhof Jønck
Montage : Adam Nielsen
Direction artistique : Burak Yerlikaya
Producteurs : Rene Ezra, Tomas Radoor
Société de production : Nordisk Film
Récompenses : Nomination à l’Oscar 2016 du meilleur film étranger
Distribution (France) : StudioCanal
Durée : 114 minutes
Genre : Guerre, drame
Date de sortie : 1er juin 2016

Danemark  – 2015

Synopsis : Lors d’un voyage en Allemagne, un jeune professeur, Nathan Fabre, découvre au camp de concentration de Buchenwald la photographie d’un détenu dont la ressemblance avec son propre père, Adrien, le stupéfie. De retour en France, le souvenir de cette photographie ne cesse de l’obséder. Face au silence de son père, il décide alors de se pencher sur l’histoire de sa propre famille. Les secrets qu’il y découvre bouleversent son existence. À l’issue de sa quête, Nathan comprendra que le passé, même enfoui au plus profond des mémoires, finit toujours par ressurgir…

Un drame familial et historique sans réelle tension

La déportation et les camps de concentration ne sont pas des sujets anodins dans le monde du cinéma. De nombreux réalisateurs s’y sont frottés, transposant pour la plupart du temps des films bouleversant de justesse, d’un réalisme minimaliste notable, mais surtout d’un point de vue particulier. Que ce soit La Liste de Schindler de Spielberg et sa portée universaliste, Amen de Costa Gavras et la Shoah vu du côté allemand, ou encore La Vie est belle de Roberto Benigni et sa drôlerie douce-amère, tous ont su par leur point de vue particulier se démarquer les uns des autres pour décrire cette sombre période de l’Histoire. Même Le Fils de Saul de Laslo Nemez, Grand Prix du Festival de Cannes 2015 et Oscar 2016 du Meilleur Film Etranger, et de surcroît véritable coup de poing à l’estomac, a réussi son pari, par son audace à ne quasiment rien montrer au premier plan et pourtant à capter toute la monstruosité se proliférant au cœur même des camps.

Face à ces nombreux exemples et ce sujet fort, on ne peut reprocher à Elie Chouraqui sa volonté de proposer sa vision des camps. L’adaptation du livre L’Origine de la violence de Fabrice Humbert, qui a collaboré à l’écriture du scénario, était donc l’occasion pour lui de s’y attarder. Et d’entrée de jeu, il souhaite appliquer à son drame une atmosphère oppressante : voix off inquiétante, générique en caractères rouge sang, notes de musiques ponctuelles et stressantes, désaturation des couleurs… Malheureusement, cela ne durera que les cinq premières minutes du film. En effet, ce dernier est principalement plombé par une extrême banalité et une absence totale de point de vue dans la conduite de son récit. Cela se reflète principalement à deux niveaux :

Dans son scénario tout d’abord. Chouraqui transpose directement le livre caractérisé par la fameuse thématique de la petite histoire dans la grande, à travers la recherche menée par le héros des origines de sa famille, ayant pour point de départ la déportation. En effet, sa quête de vérité et sa soif de réponse constituent l’enjeu principal du long métrage. La résolution de ce drame familial est sensée maintenir l’intérêt du spectateur tout au long du film. Sauf que le récit est malmené par le piège de la prévisibilité. Les raisons mêmes de ce drame sont facilement identifiables dès la moitié du long métrage, entraînant ainsi toute annihilation de l’impact dramatique qu’auraient dû produire ces révélations. Cette banalité du dénouement et du récit en général n’est en rien aidé par ses personnages. Parfois inutiles (la petite amie du personnage principal, jouée par Miriam Stein, ravissante au demeurant mais totalement anecdotique), parfois en sur-jeu constant (César Chouraqui), ils sont globalement monolithiques et inintéressants à suivre. Mention spéciale à Stanley Weber, qui est pourtant le héros : ne donnant jamais suffisamment de corps à son personnage, ne lui procurant aucune réelle tension ou de moment où son mal-être explose, le spectateur est donc en constante distance avec ce dernier, n’éprouve aucune empathie, et n’a cure par le fait de découvrir le mal être du héros, et l’origine de sa violence, enfouie, intérieure. Seuls Richard Berry et Michel Bouquet, brillants par leur sobriété, s’en tirent avec les honneurs.

Dans sa réalisation ensuite. D’un académisme ronflant, aucune idée de mise en scène ne vient alimenter les 110 minutes proposées par le long métrage, que ce soit pour les deux parties décrites. Celle contemporaine ressemble à n’importe quel autre film lambda et ne dispose pas d’une réelle identité, tandis que celle historique jouant avant tout sur des images et ambiance froides. Si la reconstitution des décors et des costumes se révèle intéressante, il n’en est pas de même concernant la musique. Totalement inadaptée par moments (l’utilisation surabondante de la Cinquième Symphonie de Beethoven par exemple dénature tout impact dramatique), aucun thème ou partition ne ressort.

L’Origine de la violence ne sert ainsi pas son sujet, aussi fort soit-il, avec un véritable point de vue ou de vraies ambitions scénaristiques et de réalisation. Il se révèle même être extrêmement banal, ne faisant que recycler un drame familial déjà vu mille fois et en mieux (Un secret de Claude Miller), là où un véritable point de vue affirmé aurait bonifié à la fois la grande et la petite histoire.

L’Origine de la violence : Bande-annonce

L’Origine de la violence : Fiche technique

Réalisation : Elie Chouraqui
Scénario : Elie Chouraqui, Fabrice Humbert, d’après son ouvrage L’origine de la violence
Interprétation : Stanley Weber (Nathan Fabre), Cesar Chouraqui (David Wagner -1937) – Adrien Fabre (1962)), Richard Berry (Adrien Fabre- 2014), Michel Bouqet (Marcel Fabre), Miriam Stein (Gabi), Catherine Sami (Clémentine Fabre), Romaine Cochet (Virginie), Christine Citti (Marguerite Fabre)…
Photographie : Dominique Gentil
Montage : Lorenzo Fanfani
Musique : Cyril Etienne des Rosaies, Romain Poncet
Producteurs : Elie Chouraqui, Alfred Hürmer, Charlie Farnel, Christian Reitz, Alexandre Chouraqui
Sociétés de production : L’Origine Production, Integral Film
Distribution (France) : Paradis Films
Durée : 110 minutes
Genre : Drame
Date de sortie : 25 mai 2016

France – 2016

Si la poésie est un acte, le plus beau d’entre eux est certainement de rendre hommage, dans une verve aussi touchante que déjantée, à la liberté, à l’amour, à la créativité… en un mot, à la vie.

Synopsis : Dans la capitale chilienne des années 1940 et 50, Alejandro Jodorowsky refuse de suivre la voie des études de médecine que lui a tracée son père en se décidant de devenir poète. Un choix qui lui fait acquérir énormément de maturité et le mène à côtoyer les libres penseurs locaux. C’est pour lui le début d’une vie  de bohème faite d’expérimentations artistiques dans une totale liberté que seule la montée du fascisme semble pouvoir réfréner.

L’art de la nostalgie fantasmatique

Le film commence sur le quai d’un port. Celui de Tocopilla, une ville que Jaime, Sara et leur fils Alejandro sont contraints de quitter. C’était aussi ainsi que se terminait La Danza de la Realidad (2013), qui marquait la première pièce de la fresque autobiographique, faisant office d’œuvre testamentaire, d’Alejandro Jodorowsky. On retrouve donc les trois mêmes personnages là où on les avait laissés : La famille a ouvert une nouvelle boutique de vêtements à Santiago, la mère continue à ne s’exprimer que comme une cantatrice à la voix chaude et réconfortante alors que le père devient de plus en plus difficile à vivre, à moins que ce ne soit la maturité acquise par son fils qui lui permette de davantage s’en rendre compte. Car il est important de préciser que tout le film s’articule autour du point de vue du jeune Alejandro, ou, pour être exact, des souvenirs qu’en a gardés le réalisateur 70 ans plus tard. D’un pareil procédé scénaristique, le public n’ayant pas vu le film précédent, et même ne connaissant pas du tout l’œuvre baroque de Jodorowsky, pourrait craindre un film teinté de mélancolie, et donc probablement un peu terne. Ce serait oublier que l’on a affaire au réalisateur de El Topo et de La Montagne Sacrée, autrement dit au dernier grand maitre du cinéma surréaliste en activité.

Celui-ci a toutefois appris, depuis ses réalisations dadaïstes des années 70-80, et probablement grâce à son travail dans la bande dessinée, à construire des trames narratives linéaires et cohérentes, sans pour autant rien perdre de cette extravagance qui rend son cinéma unique au monde. Pour ceux qui, en revanche, ont vu La Danza de la Realidad, ils retrouveront ce même dispositif esthétique hallucinogène consistant à invoquer des images purement oniriques pour représenter les souvenirs les plus radieux comme les plus dramatiques de cette jeunesse virevoltante. Une recette à ce point fellinienne (avec des éléments visuels similaires : Les femmes plantureuses, les freaks et l’univers du cirque…) que le précédent film apparaissait comme une variation chilienne d’Amarcord –une comparaison glorieuse qui permettra aux retardataires de visualiser de quoi il s’agit. L’effet de surprise n’étant plus là et la fantaisie candide propre à l’enfance n’étant plus de mise, on peut affirmer que le récit de l’adolescence de Jodorowsky est bien moins poétique que le précédent opus, au sens où il fait appel à une imagination moins foisonnante.  Quand bien même les moyens mis en place par le réalisateur pour nous perdre dans la distinction entre fiction et réalité dans l’illustration de ses mémoires font de ce film une œuvre visuellement éblouissante et forte en puissance symbolique, c’est sans doute moins dans sa forme que dans son contenu qu’il faut aller chercher la poésie annoncée par le titre.

L’éveil à une passion pour cet art littéraire et la transformation de ce talent encore balbutiant en une philosophie de vie en marge du système sont les deux enjeux majeurs de ce scénario, qui en cela nous plonge avec maestria au cœur de la création artistique. En prônant la liberté d’exprimer son goût pour le lyrisme à travers son mode de vie, la démarche du cinéaste multitâche n’est pas gratuite. Il trace ainsi un pont entre celui qu’il fut, celui qu’il est et ceux que ses héritiers sont destinés à devenir. Le fait d’avoir offert son propre rôle à son fils Adan -par ailleurs compositeur de l’excellente bande-originale -, et que son frère ainé, Brontis, reprend celui du père (de son grand-père qu’il n’a jamais connu donc), confirme que le besoin de se confier du patriarche ne peut se faire sans passer par une entreprise familiale. Une dimension qui ajoute à l’émotion que peut susciter ce scénario, qui trouvera son paroxysme dans la scène finale où, dans leur rôle respectif, les deux frères et leur père sont tous trois réunis pour déclamer leur amour à ce grand-père débonnaire qu’il avait autrefois fallu fuir. Un passage de flambeau parental tout simplement bouleversant qui, dans la façon avec laquelle il fait écho à l’ouverture, illustre également la rupture entre l’enfant  et l’adulte qu’a su devenir Alejandro au gré de ses rencontres et de son besoin de s’émanciper à travers sa créativité sans limite.

A défaut d’être « sans fin », la poésie est, dans la réalisation et dans la vie de Jodorowsky, omniprésente. Il nous le prouve dans cette façon qu’il a de se raconter sans hésiter une seule seconde à faire des choix audacieux, que ce soit dans le casting, les costumes ou encore les décors, et de faire preuve d’une inventivité hors-pair pour compenser un budget réduit (en partie obtenu grâce au financement participatif). Ce mélange de minimalisme imposé par les moyens et d’extravagance permise par le jusqu’au-boutisme de l’équipe artistique produit une impression de théâtralité  assumée et tout à fait agréable. L’apport de la photographie de Christopher Doyle (qui, après avoir officié des années pour Wong Kar-Wai, a accumulé les collaborations avec Shyamalan, Jarmusch, Van Sant…) est un élément de plus dans la qualité esthétique de cet ouvrage de bout en bout insolite qui aboutit à un spectacle qui trouve malicieusement un équilibre entre ses outrances étonnantes et ses magnificences métaphoriques parfois capilotractées. Après cet opus qui parvient à justifier la source de sa volonté d’imposer son style, on attend de Jodorowsky qu’il nous livre sa suite ne serait-ce que pour profiter de sa vision du Paris des années 50-60.

Fruit d’un poète visuel inspiré, Poesia Sin Fin risque de paraître difficile d’accès pour le grand public asservi par une industrie cinématographique formatée dans laquelle la notion de créativité semble être devenue un tabou. Pour quiconque se targue en revanche d’un semblant de fibre artistique, il ne fait nul doute que la détermination d’Alejandro Jodorowsky pour exprimer son talent a vocation à devenir un modèle.

Poesia Sin Fin : Bande-annonce

Poesia Sin Fin : Fiche technique

Réalisation : Alejandro Jodorowsky
Scénario : Alejandro Jodorowsky
Interprétation : Adan Jodorowsky (Alejandro adolescent), Jeremias Herskowitz (Alejandro enfant), Brontis Jodorowsky (Jaime Jodorowsky), Pamela Flores (Sara Jodorowsky), Leandro Taub (Enrique Lihn), Alexandro Jodorowsky (narrateur / lui-même)…
Photographie : Christopher Doyle
Montage : Maryline Monthieux
Musique : Adan Jodorowsky
Costumes : Pascale Montandon-Jodorowsky
Producteurs : Asai Takashi, Xavier Guerrero Yamamoto
Budget : 3 Millions d’€
Distribution (France) : Le Pacte
Récompense : Prix du Public à l’Etrange Festival 2016
Durée : 127 minutes
Genre : Biographie, comédie dramatique, fantastique
Date de sortie : le 5 octobre 2016

Chili / France / Japon – 2016