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Après la F1 (Rush) et les cachalots revanchards (Au Coeur de l’Océan), Ron Howard retrouve l’ésotérisme et les jeux de pistes avec l’adaptation d’Inferno de Dan Brown. L’occasion pour lui d’emballer, non sans panache, une cavalcade européenne haletante où Tom Hanks tente d’endiguer le déchaînement d’un virus voué à décimer la planète.

Robert Langdon : 3ème. Après avoir levé le mystère sur la filiation de Jésus (Da Vinci Code) et empêché un attentat à la bombe sur la cité vaticane (Anges et Démons), la superstar d’Harvard, expert en symbologie religieuse est de retour. Mais pas question ici de voir la bonhomie de Tom Hanks employée pour lever le voile sur des secrets millénaires, mais bien à des fins de sauver le monde. Car, cette fois, point de quêtes spirituelles ou de complots pour l’infatigable professeur mais simplement une course à travers l’Europe pour le voir déjouer les plans d’un milliardaire, bien décidé à déchaîner l’Enfer en répandant un virus capable éradiquer la moitié de la population mondiale. Bref autant dire un nouveau départ pour la saga, qui s’affranchit ici de sa marque de fabrique, en l’occurrence sa substantifique moelle ésotérique, pour la remplacer par une intrigue catastrophe où se profilent les dérives du courant de pensée eugéniste prônée par certains, qui veut que l’humanité est sa propre chimère. Suffisant pour relancer la machine d’une saga tant décriée et combler le spectateur rompu aux secrets millénaires et autres complots ? Étonnement oui.

Une suite dans la lignée de Da Vinci Code et d’Anges et Démons

On ne tournera pas autour du pot : Inferno est surprenant. En faisant fi de son ADN complotiste pour le remplacer par un parfum aux airs de fin du monde, la mouture concoctée par Ron Howard ne s’est jamais autant montrée respectueuse du matériel fantasque et hautement invraisemblable du romancier Dan Brown. Tout est ainsi question d’urgence, de stress, de rythme haletant et autres déductions fumeuses. Et à ce jeu là, Ron Howard sait y faire. Filmant Tom Hanks dans un ersatz de Very Bad Trip ; le professeur se réveillant totalement amnésique, Howard peut enfin, scénario aidant, placer sur un pied d’égalité le spectateur et le professeur émérite. Ça n’a l’air de rien, mais en adoptant pareille posture, ce dernier peut alors se concentrer sur la mise en scène. Frénétique tout en étant posée (on est loin du maniérisme pompier de Da Vinci Code), elle cerne au plus près les personnages mais surtout l’intrigue. Et autant dire que cette dernière s’avère elle aussi des plus atypiques dans le (morne) paysage hollywoodien. Fini les complots religieux ronflants, les théories fumeuses et autres jeux de pistes millénaires, puisque par le prisme d’Inferno, se cache une étude sociétale assez inquiétante : la problématique de la surpopulation. Surfant sur ce thème plus que jamais d’actualité, déjà abordé dans le Kingsman de Matthew Vaughn, le film se paie alors un degré de modernité assez bienvenue quand ses aînés accusaient le coup d’un certain passéisme dans la manière qu’ils avaient de traiter des rites et autres secrets vieux de plusieurs siècles. A ce titre, la composition (peu inspirée) de Hans Zimmer s’inscrit parfaitement dans cette veine : reprenant les thèmes de Da Vinci Code qu’il passe à la moulinette électro, l’allemand appose sur le film une ambiance très actuelle ; un peu comme si Howard avait à cœur de se dégager de cette emprise très old-school qui infusait jusque là les deux films précédents. Résultat, le rythme s’en retrouve affecté : pas le temps de souffler que déjà les embardées se font sentir et nous voilà pris au jeu de suivre ce tandem disparate aux 4 coins de l’Europe.

Une adaptation qui souffre de compromission

Bien sûr, on ne pourra nier que derrière ce concert de louanges se cachent des failles. En bonne adaptation de best-seller qu’il est, le film doit ainsi tailler dans le récit somme toute dense du romancier Dan Brown. Résultat, il est parfois difficile de ressentir l’angoisse et la fièvre contenues dans les pages du roman ; encore plus quand la trame est parfois simplifiée à l’excès et que les interactions entre les personnages sont réduites à des simples archétypes. On ne pourra ainsi passer sous silence la rapidité des agissements de certains qui semblent bien trop téléphonés ou contenir le rire face à la vue de cette Organisation Mondiale de la Santé, qui croit bon d’user d’une véritable armada pour mettre la main sur le professeur. Une tare qui se retrouve également dans la gestion des personnages. Si le professeur jouit d’un temps d’apparition suffisant, on ne peut hélas en dire autant pour le reste du casting. A ce titre, il est regrettable de voir le génial Ben Foster, qui campe ici le principal antagoniste, évoluer en hors-champ pour un temps d’apparition somme toute réduit ; ou l’indien Irrfan Khan dans un rôle très mal écrit pour incarner avec décence l’un des pions majeurs de l’intrigue. Néanmoins, on ne boudera pas son plaisir face à un divertissement habile qui sait aborder frontalement une thématique de société hautement dramatique.

Revendiquant clairement les invraisemblances et le rythme frénétique de son homologue de papier, l’adaptation que fait Ron Howard du best-seller Inferno est sans doute la meilleure qui lui ait été donné de faire dans ce qu’on appellera maintenant la trilogie du Da Vinci Code. Haletant, malin et original, voilà bien un divertissement comme sait si bien les faire Hollywood. On ne pourra de plus que saluer la prise de risque des studios d’introduire une thématique aussi contemporaine dans un divertissement à grande échelle. Du grand spectacle en somme.

Inferno : Bande-Annonce

Synopsis : Dans « Inferno », le célèbre expert en symbologie suit la piste d’indices liés au grand Dante lui-même. Robert Langdon se réveille dans un hôpital italien, frappé d’amnésie, et va devoir collaborer avec le docteur Sienna Brooks pour retrouver la mémoire. Tous deux vont sillonner l’Europe dans une course contre la montre pour déjouer un complot à l’échelle mondiale et empêcher le déchaînement de l’Enfer…

Inferno : Fiche Technique 

Titre original : Inferno
Réalisation : Ron Howard
Scénario : David Koepp, d’après l’œuvre de Dan Brown
Casting : Tom Hanks (Robert Langdon), Felicity Jones (Sienna Brooks), Omar Sy (Christophe Bouchard), Ben Foster (Bertrand Zobrist), Irrfan Khan (Hary Sims), Sidse Babett Knudsen (Elizabeth Sinskey)
Directeur artistique : Phil Sims
Costumes : Julian Day
Photographie : Salvatore Totino
Montage : Tom Elkins et Daniel P. Hanley
Musique : Hans Zimmer
Production : Brian Grazer, Michael De Luca et Andrea Giannetti
Producteurs délégués : Dan Brown, William M. Connor, Anna Culp et David B. Householter
Producteur exécutif : Doug Belgrad
Sociétés de production : Imagine Entertainment et Skylark Productions ; Columbia Pictures (coproduction)
Sociétés de distribution : Columbia Pictures (États-Unis), Sony Pictures Releasing France (France)
Langue originale : anglais
Format : couleur
Genre : thriller
Durée : 121 minutes
Dates de sortie : 9 novembre 2016

Etats-Unis – 2016

Theeb nous entraîne sur les sentiers escarpés du désert jordanien pour nous apprendre qu’il faut parfois savoir faire confiance à son ennemi.

Synopsis : Péninsule arabique, pendant la première guerre mondiale. Theeb est un jeune bédouin qui vit avec son grand frère Hussein. Celui-ci est engagé par un officier de l’armée colonial britannique, en route vers La Mecque, pour le guider vers un puits. Theeb décide de les suivre à distance sans se soucier du danger qui plane sur le désert.

Le réalisateur jordanien Naji Abu Nowar (qui a passé les dix premières années de sa vie en Grande-Bretagne) admet que, si son intention première en rédigeant le scénario de Theeb fut de rendre cinégénique la culture bédouine, son inspiration formelle lui vient directement du western. L’influence des films américains se ressent dans la construction de son récit et en particulier dans la façon dont le passage à l’âge adulte de son héros éponyme va prendre la forme d’une quête initiatique. Pourtant, la scène prégénérique nous imprègne dès les premières secondes de la tradition orale locale via un poème sur la Mer Rouge, qui pourra tout à la fois être lu comme une analogie du désert, et donc un avertissement sur le risque de s’y aventurer, ou comme une ode à la vie pleine d’espoirs.

Le processus utilisé ensuite par le réalisateur pour nous immerger dans l’univers de ses personnages est des plus faciles, puisqu’il nous fait partager le point de vue du rôle-titre. Le regard que pose le jeune Theeb sur son mode de vie, sur sa relation à son frère ou sur l’influence des étrangers est toujours suffisamment expressif pour nous faire partager ses sentiments malgré une économie de dialogues. La première moitié du film repose donc sur ces effets d’observation, dont la plupart est mise en scène par une série de champs-contre-champs. Malgré la simplicité du dispositif, le décor désertique apparait rapidement comme l’élément central de la dramaturgie, tant il influe directement sur les relations que les personnages vont entretenir. La chaleur et la soif obligent les habitants de ces terres arides à s’entraider. Ce discours sur le besoin d’humilité face à une nature hostile donne à Theeb sa dimension universelle et lui permet ainsi de dépasser de beaucoup son seul cadre géographique.

Le rythme volontairement lent, dû à une narration privilégiant les rapports entre chacun des personnages à l’action elle-même, tranche avec les références hollywoodiennes du réalisateur et a de quoi perturber le public occidental, abreuvé à une certaine dynamique. Pourtant, la beauté des paysages et la symbolique employée massivement pour représenter les efforts à faire pour y survivre (avec notamment ce puits, tour à tour enjeu vital et lieu de mort) a de quoi fasciner, même si on regrette amèrement que le foisonnant contexte géopolitique qu’a choisi le cinéaste (pas moins qu’une guerre mondiale et la chute de l’empire ottoman) ne soit jamais évoqué. Le pilier dramaturgique sera, l’occasion d’une montée en intensité, une scène de fusillade impressionnante. Ce qui suivra reprendra le schéma d’indispensables interdépendances entre les vivants. Ayant depuis appris à nous attacher au jeune Theeb, les enjeux apparaissent dans cette partie finale comme plus poignants, jusqu’à ce que le scénario ne retrouve, dans ses dernières minutes, une certaine laboriosité à se trouver une fin (notons tout de même un plan de fin sur un chemin de fer, qui n’est pas sans rappeler celui d’Il était dans l’ouest).

La morale est universelle et imparable, mais nous est assénée avec si peu de subtilité que l’on en viendrait presque par douter de la sincérité de cette tragédie bédouine à la finalité quelque peu abstraite. Même la signification du nom du jeune héros (traduisible par « loup »), qui est pourtant un élément-clé pour saisir toute la dimension dramatique de son destin, ne sera jamais éclairée dans la diégèse. Toutes ces maladresses dans la construction du récit n’empêchent pourtant pas ce premier film d’être un beau moment de dépaysement.

Theeb : Bande-annonce

Theeb : Fiche technique

Titre original : ذيب
Réalisation : Naji Abu Nowar
Scénario : Naji Abu Nowar, Bassel Ghandour
Interprétation : Jacir Eid (Theeb), Hassan Mutlag (L’étranger), Hussein Salameh (Hussein), Jack Fox (Edward)…
Musique : Jerry Lane
Photographie : Wolfgang Thaler
Directeur artistique : Samy Keilani
Montage : Rupert Lloyd
Producteurs : Bassel Ghandour, Rupert Lloyd, Laith Majali, Diala Al Raie, Nadine Toukan
Maisons de production : Noor Pictures, Immortal Entertainment
Distribution (France) : Jour2fête
Récompenses : Prix Horizons du meilleur réalisateur à la Mostra de Venise 2014
Durée : 93 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 23 Novembre 2016
Jordanie/Émirats arabes unis/Qatar/Royaume-Uni – 2014

Clairement destiné à un public adolescent, Unfriended, le pseudo-film d’horreur tourne vite à la caricature ridicule.

Synopsis : Six adolescents conversent à distance par Skype. Mais un personnage inconnu s’incruste dans la discussion et devient vite menaçant. Il se fait passer pour Laura Barns, une lycéenne qui s’est suicidée l’année précédente.

Le principe du found footage est très à la mode dans le cinéma d’horreur depuis le succès du Projet Blair Witch. Il s’agit de prétendre que le film que nous voyons est un document authentique tourné par les protagonistes et retrouvé (sous-entendu : après la disparition de ceux-ci). Le procédé, déjà employé dans les années 70 dans le fameux Canibal Holocaust, est très utilisé depuis quelques années, parfois avec succès (Cloverfield) mais souvent de façon ridicule, pour compenser une absence d’ambition et de talent des cinéastes. Il a été aussi décliné sous diverses formes : caméras de surveillance (la série des Paranormal Activity), montage de différents films amateurs (The Bay), etc.

Unfriended prend un autre aspect qui peut se rattacher au found footage : tout le film se déroule sur l’écran de l’ordinateur de Blaire Lily, un des personnages principaux. Mise à part cette originalité, tout le reste du film va suivre un schéma convenu et déjà vu. C’est en vain que le cinéaste va essayer de maintenir un certain suspense : oui, on comprend vite qui est cet inconnu, ce Billie227, qui les harcèle ; oui, on devine vite que les personnages vont disparaître un par un, et on peut même prédire facilement dans quel ordre.

Aucune surprise non plus dans le procédé narratif qui consiste à mettre les personnages en concurrence au fil d’un jeu mortel. La méthode rappelle trop fortement Saw, où les personnages sont punis en fonction des péchés commis. Sauf que dans Unfriended, tout le procédé tourne au ridicule le plus fini, puisque les « péchés » ici consistent à faire circuler des rumeurs sur une personne ou à coucher avec le petit ami de quelqu’un d’autre. Par ces thématiques, le film se choisit clairement un public adolescent ; si vous avez plus de 16 ans, ce film n’est manifestement plus pour vous.

Ridicules aussi les scènes prétendument horrifiques. Les morts successives des différents personnages sont montrées de façon stroboscopique, comme si le cinéaste ne pouvait pas se résoudre à choisir entre montrer franchement ces scènes ou les masquer en hors-champ. Franchement, il aurait mieux fait de choisir cette deuxième solution, puisque le peu que l’on voit n’est absolument pas crédible et renforce encore le côté ridicule d’un film qui n’avait déjà pas besoin de ça. D’autant plus que ces morts arrivent un peu comme des cheveux sur la soupe, sans aucun lien narratif, sans la moindre transition, comme si le réalisateur ne savait pas trop comment remplir le cahier des charges d’un film d’horreur.

Alors, que reste-t-il pour sauver le film ? Avec beaucoup d’indulgence, on pourrait lui trouver, comme point fort, une critique du cyber-harcèlement dont tant d’adolescents sont victimes à travers les réseaux sociaux et qui en pousse certains à prendre des solutions désespérées. Ceci mis à part, il n’y a rien à sauver dans ce long métrage poussif et ridicule qui échoue à implanter une ambiance horrifique comme il échoue à intéresser son spectateur. Aucune surprise, aucun suspense, aucune tension dramatique, en bref aucun intérêt à regarder ce film.

Unfriended : Bande-annonce

Unfriended : Fiche technique

Réalisateur : Levan Gabriadze
Scénariste : Nelson Greaves
Interprètes : Shelley Hennig (Blaire), Moses Storm (Mitch), Matthew Bohrer (Matt), Jacob Wysocki (Ken), Will Peltz (Adam), Courtney Halverson (Val), Heather Sossaman (Laura Barns).
Montage : Parker Laramie, Andrew Wesman
Directeur de la photographie : Adam Sidman
Producteurs : Timur Bekmambetov, Nelson Greaves
Société de production : Bazelevs Production, Blumhouse Productions.
Société de distribution : Universal Pictures International
Budget : environ 1 million de dollars
Classification : interdit aux moins de 12 ans à sa sortie en France
Durée : 83 minutes
Genre : horreur
Date de sortie en France : 24 juin 2015

Etats-Unis- 2014

Avec Iris, Jalil Lespert réalise son premier polar, qui se solde par un résultat en demi-teinte.

Synopsis : Iris, la femme d’Antoine Doriot, un riche banquier, disparaît en plein Paris. Max, un jeune mécanicien endetté, pourrait bien être lié à son enlèvement. Mais les enquêteurs sont encore loin d’imaginer la vérité sur l’affaire qui se déroule sous leurs yeux.

Quatrième réalisation pour Jalil Lespert. Après son Yves Saint-Laurent, qui a valu à Pierre Niney le César du meilleur acteur, le réalisateur s’essaie à un nouveau genre qu’est le thriller. Iris se présente comme un tournant dans sa carrière et un nouveau défi qu’il relève. Alors défi relevé ou échec cuisant ? Avant toute chose, n’hésitez pas à lire l’interview de Jalil Lespert, effectuée par deux rédacteurs de Cineseries-mag il y a quelques jours.

La bande-annonce d’Iris (à voir en fin d’article) laissait présager quelque chose de bon, voire très bon. L’intrigue paraissait ficelée, les acteurs au meilleur de leur forme et la réalisation digne d’assez bons polars. Malheureusement, on établit un constat mitigé après découverte du long-métrage.

Il est bon de s’intéresser au casting, part plus qu’essentielle du film. Outre le fait que Jalil Lespert se met en scène, il parvient à (très) bien s’entourer, faisant appel à Charlotte Le Bon, qui endosse pour la première un rôle dans un thriller, Romain Duris ou encore Camille Cottin. Les interprétations sont toutefois en demi-teinte. Romain Duris confirme son talent et ne cesse de surprendre au fur et à mesure de sa carrière. Ici, son personnage d’homme seul perdu est parfaitement bien campé. Sa violence, mêlée à son désarroi, fait mouche, et place son personnage comme le plus crédible du film. Charlotte Le Bon, bien qu’assez effacée, complète de manière plutôt juste le duo qu’elle forme avec Duris. S’il faut soulever des bémols, on se tourne du côté des interprétations de Camille Cottin et Jalil Lespert. Les deux acteurs font la paire dans une certaine fausseté. On peine à prendre au sérieux leur personnage qui sont pourtant les plus dramatiques et les plus sombres. Impossible de trouver en chacun d’eux ce petit quelque chose qui suscitera une certaine empathie, surtout en ayant connaissance du contexte dramatique, et qui parviendra à nous passionner. Le spectateur reste voyeur d’un spectacle parfois malsain, qui s’offre comme une simple énumération de faits, et qui ne prend pas la peine d’immiscer le regardant dans les interstices et les ficelles du scénario.

En effet, Iris capote également dans le scénario. Beaucoup d’incohérences jonchent ce récit complexe, où les retournements de situations sont nombreux et parfois surprenants. Il est conseillé de rester attentif, tant certains personnages se ressemblent et peuvent faire éclore moult confusions et incompréhensions.
Mais Jalil Lespert n’a-t-il pas joué avec le feu en s’attaquant à ce scénario ? C’est la question que l’on peut se poser en découvrant le continuum du long-métrage. À son intrigue, le réalisateur mêle un érotisme malsain, voire dérangeant, notamment lors de scène SM, mais non-justifié. L’accumulation de faits, de lieux et de problématiques soulevées donne naissance à un résultat filmique brouillon, mais pas désagréable pour autant. On perçoit également ce souhait de composer un récit avec des personnages foncièrement différents : un PDG d’un banque très riche confronté à un client qui peine à joindre les deux bouts, au milieu desquels s’immiscent leur compagne. Les stéréotypes pointent le bout de leur nez avec les questions de garde d’enfants, de rançon demandée et de lieux communs propres aux polars. Le rapport dominant/dominé est trop écrasant et les revirements de situation sont bien trop vite dévoilés.

Dans la continuité de son Yves Saint-Laurent, Lespert nous offre une réalisation léchée et minutieuse. Certaines mauvaises langues parlent de l’esthétique comme semblable à un téléfilm de France 2, mais ce n’est pas le cas. Le travail sur la lumière est très intéressant. Grâce à son chef opérateur, le réalisateur joue sur les faux semblants jusque dans l’image avec ce jeu d’ombre, ces plans grisâtres et maussades, parfaits reflets de l’état d’esprit des divers personnages, notamment celui de Romain Duris.

Le nouveau film de Jalil Lespert est donc tantôt trépidant, tantôt confus et paresseux. Iris a de quoi laisser le spectateur perplexe. Si ce dernier pourra être surpris par de nombreux renversements scénaristiques, les nombreuses incohérences et questions sans réponses auront de quoi le faire pâlir, et ce ne sont pas les acteurs qui viendront sauver la mise, même si Romain Duris et Charlotte le Bon confirment leur talent.

Iris : Bande-annonce

Iris : Fiche Technique

Réalisateur : Jalil Lespert
Scénario : Andrew Bovell
Interprétation : Romain Duris, Charlotte Le Bon, Jalil Lesprt, Camille Cottin, Sophie Verbeeck…
Photographie : Pierre-Yves Bastard
Montage : Mike Fromentin
Direction artistique : Leïla Smara
Producteurs : Wassim Béji, Sylvain Goldberg, Serge de Poucques
Sociétés de production : WY Productions
Distribution (France) : Universal Pictures International France
Durée : 100 minutes
Genre : Thriller
Date de sortie : 16 novembre 2016

France – 2016

Avec le Client, Asghar Fahradi creuse le sillon du neo-réalisme iranien : un film ancré dans le quotidien et pour lequel, comme pour ses autres films, il a pris le choix de se soumettre à la censure, au risque d’un certain affaiblissement du propos.

Synopsis : Contraints de quitter leur appartement du centre de Téhéran en raison d’importants travaux menaçant l’immeuble, Emad et Rana emménagent dans un nouveau logement. Un incident en rapport avec l’ancienne locataire va bouleverser la vie du jeune couple…

Titanic

Sans être le chantre de l’Iranian way of life de la République islamique, bien au contraire, le réalisateur Asghar Fahradi a choisi de parler de l’Iran sous les feux de la censure, contrairement à son compatriote Jafar Panahi qui filme désormais en contrevenant à l’interdiction qui lui en a été faite, interdiction d’une durée de vingt ans.

De fait, dans Le Client, il y a une très courte scène qui se passe dans un taxi, qu’on a envie de voir comme un clin d’œil amical à Jafar Panahi, et une référence malicieuse à son Taxi Téhéran. En même temps, dans ce taxi, souvent collectif dans ce pays, une femme agresse le protagoniste, Emad (Shahab Hosseini), au point de demander au chauffeur de changer de place avec un autre passager. Ce dernier, un élève d’Emad qui l’apprécie beaucoup, lui déclare avoir eu honte du comportement de cette femme alors que manifestement, Emad ne lui avait rien fait. Une occasion pour Emad d’expliquer au jeune homme que sans doute cette femme a été agressée par un homme dans un précédent voyage en taxi, ce qui peut expliquer son comportement.
Ainsi va le film d’Asghar Fahradi, comme il en est allé de tous ses films précédents. Avec des petits riens du quotidien, il arrive à créer un sous-texte beaucoup plus signifiant, ici cette agression faite aux femmes. Le Client, dont le titre original,  Forushande (vendeur, commis-voyageur) est une référence explicite à la pièce d’Arthur Miller, Mort d’un commis-voyageur (Death of a Salesman), est rempli de ce genre de petites allusions qui font l’intérêt du film.

Le film s’ouvre sur une l’évacuation d’un immeuble à Téhéran, menacé d’écroulement suite aux travaux de réfections qui ébranlent ses fondations. Le cinéaste livre là une bien belle entame, énergique et réaliste, avec de beaux plans esthétiques qui se ferment sur des vitres et des murs qui craquent par pans entiers, des craquements dignes du Titanic, métaphoriques et annonciateurs d’autres fissures à venir. L’immeuble est celui où logent Emad et de sa femme Rana (Taraneh Alidoosti), un couple de comédiens amateurs, dont le mari exerce par ailleurs le métier de professeur. Dans la panique de l’évacuation, on découvre en Emad un homme attentionné, soucieux de ses voisins plus âgés, mais également un leader qui prend les choses en main.
A la suite de cet incident, le couple se replie sur un appartement proposé par un de leurs amis du théâtre. Ils ne le savent pas, mais la précédente locataire, dont les affaires encombrent d’ailleurs encore les lieux, est une prostituée. Les clients continuent encore de rôder, et un soir, par méprise, Rana laisse monter un de ces visiteurs, croyant que c’était son mari.

Comme il en a l’habitude dans ses films, Asghar Fahradi  passe sous silence ce qui s’est passé dans l’appartement dans une mise en scène elliptique mais digne d’un thriller, même si les ficelles utilisées ici sont assez grossières (la scène de la douche, de la porte de l’entrée, etc.). Dans la scène d’après, on voit cette fois-ci le mari qui rentre du travail, et qui découvre des traces de pas sanguinolentes dans l’escalier, puis plus tard, Rana aux urgences, une sale plaie à la tête.

Dans toute cette première partie du film, le réalisateur s’attache à montrer combien les choses changent insidieusement entre mari et femme. De gaie et insouciante, Rana devient l’ombre d’elle-même, l’empêchant de jouer correctement le personnage de Linda Loman de la pièce d’Arthur Miller dans laquelle Emad et elle jouent. Il est dommage cependant que ce personnage féminin, la victime de l’agression, soit cantonné dans le sillage du personnage masculin. C’est surtout de lui qu’il s’agit en effet, de sa progressive transformation vers un homme assoiffé de vengeance, alors qu’auparavant, il renvoyait l’image du gendre idéal, bon époux, bon prof, bon camarade au théâtre, père potentiellement responsable et bienveillant lorsque dans une des scènes les plus attendrissantes du film, il s’occupe du petit garçon d’une de leurs amies. Le cinéaste ne montre aucune complaisance à son égard quant aux vraies motivations de sa colère, des motivations qui ne sont pas toutes forcément honorables.

La réussite du film réside dans cette étude de l’évolution d’Emad, qui montre la versatilité de l’être humain, et qui invite à se garder de prendre des positions hâtives face à la vie. Là où le film pêche, c’est dans sa deuxième partie, assez interminable, pendant laquelle Emad part à la traque de l’agresseur. Les scènes manquent singulièrement de consistance, sont répétitives sans que cela n’ajoute quoi que ce soit au film…De même, si le cinéaste iranien affirme au détour de ses interviews trouver une ressemblance entre la mercantilisation capitaliste de la société américaine des années cinquante et celle de la société iranienne contemporaine, le parallèle fait avec la pièce d’Arthur Miller n’est pas des plus limpides.

Asghar Fahradi montre avec le Client les limites d’un cinéma qui ne se renouvelle pas beaucoup et qui risque la redite à chaque tournant : sans être raté, le film rappelle beaucoup sans jamais l’égaler Une séparation, pêchant notamment par un manque de rythme et un scénario un peu mou pourtant récompensé pour ce chef au dernier Festival de Cannes.

Le Client : Bande annonce

https://www.youtube.com/watch?v=w5pbJrKEzmQ

Le Client : Fiche technique

Titre original : Forushande
Réalisateur : Asghar Fahradi
Scénario : Asghar Fahradi
Interprétation : Taraneh Alidoosti (Rana), Shahab Hosseini (Emad), Mina Sadati (Sanam), Babak Karimi (Babak), Maral Bani (Kati)…
Musique : Sattar Oraki
Photographie : Hossein Jafarian
Montage : Hayedeh Safiyari
Producteurs : Asghar Farhadi, Alexandre Mallet-Guy, Coproducteur : Olivier Père
Maisons de production : Arte France Cinéma, Farhadi Film Production, Memento Films Production
Distribution (France) : Memento Films
Récompenses : Oscars 2017 du Meilleur film en langue étrangère, Prix d’interprétation masculine pour Shahab Hosseini, prix du scénario pour Asghar Fahradi au festival de Cannes, Prix du Jury à Chicago, Prix du meilleur film au festival de Munich et d’Amsterdam, le tout en 2016
Durée : 125 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 8 Novembre 2016
Iran, France – 2016