LeMagduCiné

Privé de sortie en salles, Stratton est un film d’action parfaitement dérisoire et, pire encore, un film d’espionnage risible. Pas de quoi nous faire regretter de ne pas avoir l’occasion de le voir sur grand écran.

Synopsis : Deux agents spéciaux rattachés au MI6 s’infiltrent dans un laboratoire iranien pour y intercepter un produit chimique dangereux. Alors qu’ils tombent dans une embuscade et que l’un d’eux est tué, l’équipe menée par Stratton comprend qu’ils ont affaire à un dangereux terroriste déterminé à utiliser sa toute nouvelle arme biochimique.

A la vue d’un film dont l’argument principal est « d’après les romans d’un ancien membre des Forces Spéciales Britanniques », il était légitime d’espérer trouver un thriller délesté des inévitables gimmicks du cinéma d’action, voire même atteindre un réalisme en rupture avec la grandiloquence un peu kitsch propre à la saga James Bond. C’était sans compter sur Simon West, le réalisateur des regrettables Tomb Raider et Expendables 2 ainsi que plusieurs nanars testostéronés interprétés par Jason Statham. C’est exactement dans cette direction qu’il oriente ce Stratton, à tel point d’ailleurs que l’on aurait tout à fait pu imaginer son rôle-titre sous les traits de son nouvel acteur fétiche plutôt que sous ceux de Dominic Cooper, qui décidément, après Warcraft, ne cesse de nous prouver qu’il choisit mal ses projets.

Dès la scène d’ouverture, West nous fait comprendre que son intrigue a été conçue pour répondre aux attentes des amateurs de films d’action. C’est ainsi que le suspense naît de façon artificielle, poussé par une musique bateau qui monte crescendo ; que la course-poursuite en voiture passe miraculeusement par un entrepôt dont l’architecture est propice aux cascades les plus convenues ; et que la fusillade s’éternise dans un montage chaotique. Tous les espoirs de réalisme intelligemment documenté sont ainsi mis à plat en seulement quelques minutes.

Thomas Kretschmann a beau être un méchant impressionnant, la balourdise du scénario et le manque d’idées dans la conception des scènes d’action font de l’ensemble un actionner sans âme comme on en a déjà vu des dizaines.

[irp]

Entendre, par exemple, les agents secrets anglais qualifier les espions de « KGB », alors que cette agence est dissoute depuis un quart de siècle, est une preuve parmi tant d’autres que les scénaristes (mystérieusement restés anonymes) n’avaient aucune notion de ce dont il est question ici. Bien au contraire, il apparaît évident que leur seule intention est de justifier davantage de fusillades et de courses-poursuites toutes plus invraisemblables les unes que les autres.

 Que dire des personnages ? Hormis les quelques efforts pour rendre le héros attachant en lui offrant un passif familial à travers les souvenirs pleins d’émotions d’un vieux marin alcoolique (Derek Jacobi), et les quelques flashbacks mélancoliques visant à nous faire partager le chagrin de la mort d’un sympathique agent (Tyler Hoechlin), on peut déplorer une absence totale de travail sur les personnages secondaires. Les plus atteints par ce manque d’écriture sont ceux interprétés par Gemma Chan, qui comme souvent ne semble être là que pour apporter une touche de charme, et par Austin Stowell, cet agent américain si inutile qu’il est relégué jusqu’au bout au rang de figurant. L’acteur qui est le plus à plaindre est sans conteste Tom Felton, l’ancien Drago Malfoy de la saga Harry Potter, à qui il semble désormais qu’aucun réalisateur ne veuille donner un autre rôle que celui du traître ou du félon. Aucune surprise donc sur l’unique twist de l’intrigue (peut-on même encore imaginer que dire « Felton joue le méchant » est un spoil?). Ne reste que ce cher Dominic Cooper à qui on laisse trop peu de place pour affirmer son talent. Un échec sur toute la ligne…

Stratton : Bande-annonce

Stratton : Fiche technique

Réalisateur : Simon West
Scénario : Adaptation des romans de Duncan Falconer
Interprétation : Dominic Cooper (John Stratton), Thomas Kretschmann (Grigory Barovsky), Tom Felton (Cummings), Gemma Chan (Aggy), Derek Jacobi (Ross)…
Production : Henry Cavill, Charlie Cavill, Lawrence Elman, Rex Glensy…
Studios de production : GFM Films, Amber Entertainment, Promethean Productions…
Distribution : Marco Polo
Genre : Action, espionnage
Durée : 93 minutes
Date d’accès en VOD : 5 avril 2017
Grande-Bretagne – 2017

[irp]

Pendant deux ans, la jeune réalisatrice Anaïs Volpé s’est consacrée à un projet cross-média à grande échelle : Heis. Découpé en trois volets (long-métrage, série et installation artistique), ce projet est avant tout un travail expérimental. Ce film, de 1h30, aborde des thématiques omniprésentes dans notre société, telles que la culpabilité du choix. Retour sur une œuvre cinématographique révolutionnaire.

Synopsis : En quête de réussir sa vie, Pìa, 25 ans, désespérée après une accumulation de difficultés, doit retourner vivre dans sa famille. Son objectif: revenir pour mieux repartir. Son frère jumeau, Sam, qui vit toujours chez leur mère, n’appréhende pas la vie sous le même angle et ne tolère pas la vision de sa sœur. Qui a tort, qui a raison? Le droit de partir ou le devoir de rester? Entre Amour et Colère, émancipation et culpabilité, Heis est une histoire de sang, de vide et de trop plein : une histoire de famille.

Les liens du sang : une dépendance aveugle ?

Le devoir de rester ou le droit de partir ? La trame de l’histoire est construite sur cette question à la fois personnelle, universelle et symbolique. Heis, qui signifie l’épanouissement personnel en grec, est une œuvre cinématographique d’un nouveau genre. À mi-chemin entre le projet artistique et le documentaire, ce film expose avec modernité la thématique de la dépendance familiale.    

Intergénérationnel, HEIS s’adresse aussi bien à la jeunesse qu’aux parents. C’est un film profondément moral, dans lequel nous pouvons tous nous retrouver. Pia est une jeune femme qui tente, malgré son attachement familial, de s’émanciper, en essayant de se construire un avenir professionnel. Sam son frère jumeau, est quant à lui entièrement dépendant de sa famille, dans l’incapacité de se détacher de cette dernière. Leur mère, partagée par la volonté de leur réussite mais véritablement bouleversée par l’idée qu’ils puissent un jour s’éloigner d’elle, représente cet entre-deux.

Ce chaos est à l’image de notre société. Nous grandissons dans un monde, dominé par l’accomplissement des choix. Ces derniers nous rendent certes, plus responsables, mais nous éloignent toujours un peu plus de nos repères. Oublier ses rêves ou oublier sa famille ? Quelle réponse pouvons-nous donner face à ce choix quasi impossible ? HEIS est une définition très représentative de ce monde d’aujourd’hui, où le mot société rime désormais avec individualisme.

Une critique de la société

Une jeunesse ambitieuse ?

« On est les enfants des années 90 et les adultes des années 2010. On est passés du biberon au chômage presque sans transition. On est nostalgique d’une époque qu’on n’a même pas connue. »

Dépeindre la génération « YouTube » : voici l’une des principales intentions d’Anaïs Volpé. HEIS est un film quelque peu militant qui aborde en l’espace de 1h30 de larges problématiques actuelles. C’est le cas du chômage. Sujet « à la mode » depuis le XXIe siècle, cette crise des emplois est une lutte qui prend de plus en plus de place chez les jeunes. Artiste talentueuse, Pia rêve de faire de sa passion, son métier. La trame de l’histoire est bercée par le désir obsessionnel de cette jeune femme, de se voir accorder une bourse d’étude. Sans cette dernière, son ambition s’envole au même rythme que ses rêves.

« Comme la plupart de mes amis, j’étais victime de la crise qui touche les jeunes de moins de 25 ans en France. » Anaïs Volpé.

En mettant en évidence ce problème actuel et récurrent, la jeune réalisatrice espère insister sur l’ampleur de cette jeunesse perdue entre le désespoir et l’ambition. Nous retrouvons ainsi dans HEIS, des séquences symboliques telles que la confrontation sociale entre Pia, toujours dans l’attente d’un avenir, et une amie ayant réussi professionnellement. Tension. Jalousie. Incompréhension. Voici les principaux troubles de notre société, désormais bercée par un esprit de rivalité permanente.

La rupture sociale

« Aujourd’hui est un jour particulier, celui de la perte. Où on réalise que le groupe dans lequel on a toujours évolué n’existe plus. »

La perte d’un amour ou d’un ami est un sujet également mentionné dans HEIS. Loin d’être omniprésente, cette thématique est pourtant abordée de manière officieuse durant toute l’intrigue. Nous rencontrons par le biais des souvenirs de Pia, une part de sa vie antérieure, bien loin de sa solitude actuelle. À aucun moment les raisons de cette rupture sociale sont abordées, mais nous comprenons, grâce à de nombreuses allusions, que cette perte a été occasionnée par ses choix. C’est notamment le cas dans la scène du pile ou face, dans laquelle Pia semble jouer son avenir sentimental. En dissimulant ainsi les motifs de la perte sociale de Pia, Anaïs Volpé a voulu mettre en évidence le fait que chacune des relations que nous établissons ne tient qu’à un fil. En effet, peu importe les choix que nous accomplissons, nous perdons toujours quelque chose en retour.

Le paradoxe de la liberté et de la violence

Pia et Sam, ces deux jumeaux au caractère si distinct sont nés à une époque emblématique : celle de la chute du mur de Berlin. Cet événement symbolique a été choisi méticuleusement par la réalisatrice afin d’insister sur l’émancipation d’une jeunesse perdue, et son désir de liberté.

« Les gens qui ont des rêves ne veulent pas mourir et les gens qui n’ont pas de rêve veulent mourir. »

HEIS mêle pendant 1h30, les monologues engagés de Pia, aux discours médiatiques sur le contexte violent dans lequel nous vivons. Attaques terroristes, actes violents… s’imposent rapidement dans ce long-métrage. Les mots parlent d’eux-mêmes et à aucun moment nous découvrons l’ampleur des images. Ce choix, très pertinent permet d’insister sur le dérèglement quasi global de notre société. HEIS, apparaît ainsi comme un véritable face à face avec les problèmes actuels.

Véritable ovni cinématographique, HEIS est une œuvre artistique engagée, face à une société en parfaite décadence. Un long-métrage bouleversant : quand la nostalgie pointe le bout de son doigt, que les souvenirs sont de simples piqûres de rappel, et que le passé doit désormais faire place à l’avenir.

« On est jeune, on n’a encore rien vu. Il nous reste tellement de temps qu’on n’a même pas idée que la route est longue. On est déjà presque en 2020. »

Heis (Chroniques) : Bande-annonce

Heis (Chroniques) : Fiche technique

Réalisateur : Anaïs Volpé
Scénario : Anaïs Volpé
Interprètation : Anaïs Volpé, Akéla Sara, Matthieu Longatte, Émilia Derou-Bernal, Alexandre Desane
Image : Alexandre Desane, Anaïs Volpé, Gabriel Dumas-Delage
Montage : Anaïs Volpé
Musique : CHKRRR
Distribution : Territoire(s) Film
Durée : 92 minutes
Genre : Drame
Date de sortie : 5 avril 2017

France – 2016

Corporate est un appel feutré à la révolte en entreprise. La prise de conscience d’une DRH en quête de vengeance qui va devenir symbole, héroïne des temps modernes.

Synopsis : Emilie Tesson-Hansen est une jeune et brillante responsable des Ressources Humaines, une « killeuse ». Suite à un drame dans son entreprise, une enquête est ouverte. Elle se retrouve en première ligne. Elle doit faire face à la pression de l’inspectrice du travail, mais aussi à sa hiérarchie qui menace de se retourner contre elle. Emilie est bien décidée à sauver sa peau. Jusqu’où restera-t-elle corporate ?

Meurtrière 

Le monde de l’entreprise et la déshumanisation de l’employé, même celui qui se croit supérieur aux autres, tel est le thème de Corporate (comprendre celui qui aime et défend l’entreprise, mais qui se doit aussi d’être proactif, c’est-à-dire de toujours aller de l’avant). Le film explore donc les arcanes du pouvoir d’entreprise à travers Esen et ses dirigeants à la morale douteuse. Parmi eux, une figure intéresse plus particulièrement : celle d’Emilie, la DRH. Cette femme en apparence froide et calculatrice va devenir héroïne le temps d’un film. Céline Sallette offre à ce personnage une force inattendue, celle d’un regard qui accroche, d’un corps qui décroche pour mieux rebondir. C’est par le vêtement, mais aussi la posture qu’Emilie se transforme. Ce personnage est assez nouveau dans la filmographie de l’actrice. Habituée à faire le lien entre les protagonistes (Cessez le feu, Geronimo…), elle est ici solitaire, désemparée face au groupe. D’abord louée, cette « killeuse » devra faire des choix radicaux pour changer sa vie et peut-être celle des autres. Construit comme une sorte de thriller, Corporate surprend moins par son scénario que par les dilemmes qu’il offre à certains de ses personnages, mais aussi et surtout la confrontation entre Emilie et l’inspectrice du travail. D’abord rivales, les deux femmes vont vite devenir des alliées de choix. Il y a quelque chose de jouissif à les voir gérer, de manière plutôt incongrue, la sécurité sur un chantier d’hommes. Les deux actrices sont superbes de nuances dans ce grand jeu macabre qu’elles tentent de camoufler, puis de dénoncer. Leurs enjeux sont tour à tour dissonants puis complémentaires. A ce jeu-là, Violaine Fumeau vient parfaitement compléter le jeu de Céline Sallette. Autour d’elles gravitent d’autres figures convaincantes : Lambert Wilson, Stéphane de Groodt, Alice de Lencquesaing et des plus ou moins anonymes dont les visages ne nous sont pourtant pas inconnus.

Une petite entreprise qui connaît la crise 

Dans ce vaste labyrinthe qu’est l’entreprise, planquée au cœur de Paris, le monde s’écrit comme dans une jungle. Le plus faible s’écrase, tombe, se courbe. Le plus fort avance sans se retourner. Réfléchir à ses actes, c’est déjà ne plus être compétitif. Emilie le comprend à ses dépens, elle retrouve alors le sel de sa vie, redevient plus humaine en quelque sorte. D’abord convaincue par ses actes, elle finit par les rejeter, sans refuser de les assumer. Ce serait trop facile de dire qu’elle a simplement obéi à des ordres et Nicolas Silhol s’y refuse. Tout est alors construit sur la quête de la vérité,  celle que l’on masque, que l’on fabrique. Silhol se projette du côté de ceux que le système détruit, sans pour autant leur coller aux basques, car il s’attaque au monstre froid : la « killeuse » redevenue pour un temps la petite fille perdue qui ose croire à un monde meilleur, quitte à tout perdre. Entre un Paris rempli d’hommes filmés comme des fourmis ouvrières et les couloirs cliniques de l’entreprise, Silhol promène sa caméra, mais sans lâcher ses protagonistes, en les confrontant sans cesse les uns aux autres et en décidant de ne pas trop les caricaturer pour espérer convaincre. L’entreprise devient alors le lieu du drame que la musique vient accompagner, le monde extérieur apparaît comme une triste consolation où la musique se libère et peut être libère aussi. Une chose est sûre, Emily s’émancipe et, en chutant de son piédestal, s’élève beaucoup plus haut qu’elle ne le croit (sa vie personnelle n’est qu’esquissée, on ne sait pas si elle est soutenue jusqu’au bout, dans ce cocon bien-aimant et limite concurrentiel qu’elle a créé avec des gens – son fils et son mari – qu’elle ne fait que croiser). Mais à quel prix ? (celui d’une vie humaine car elle se réveille un peu tard, celui de l’humanité toute entière peut-être). En partant du bruit d’un corps qui chute, du drame, de l’élément déclencheur – l’employé qui met fin à ses jours dans son entreprise en se jetant par la fenêtre – Nicolas Silhol dresse un bilan  clinique de l’entreprise qu’il décortique et sur laquelle il pose un regard loin d’être bienveillant. Il redit aussi l’importance de protéger ce monde du travail si féroce en tout cas tel qu’il le décrit. Dommage que le film surprenne peu et qu’il paraisse parfois un peu désincarné pour vraiment livrer son message jusqu’au bout.

Corporate : Bande annonce

Corporate : Fiche technique

Réalisation : Nicolas Silhol
Scénario : Nicolas Silhol, Nicolas Fleureau
Interprètes : Céline Sallette, Lambert Wilson, Alice de Lencquesaing, Stéphane de Groodt, Violette Fumeau…
Photographie : Nicolas Gaurin
Montage : Florence Bresson
Décor : Sidney Dubois
Musique originale : Mike, Fabien Fourtzer, Alexandre Saada
Producteur(s) : Jean-Christophe Reymond
Production : Kazak Productions
Distribution : Diaphana Distribution
Durée : 95 minutes
Date de sortie : 5 avril 2017

France – 2016

Baby-Boss, ou quand les bébés prennent leur revanche sur la famille !

Synopsis : Un petit garçon de sept ans, nommé Tim, est jaloux de son petit frère. Quand il va en mission pour reconquérir l’affection de ses parents, il découvre un complot secret du PDG Puppy Co., qui tourne autour de son petit frère et menace de déstabiliser l’équilibre de l’amour dans le monde.

Baby-Boss, nouveau né des Studio DreamWorks Animation depuis Les Trolls, attire par son synopsis, mais est-il à la hauteur de nos attentes et s’avère-t-il aussi drôle qu’il le laisse entendre ?

S’il ne s’avère pas bon de spoiler, il est important de dire que la bande-annonce ne laisse pas prévoir le délire qu’est Baby-Boss. Derrière l’argument de vente qu’est le bébé qui parle et qui s’avère en fait adulte, se cache de vrais enjeux. Des enjeux certes communs aux films d’animation, mais des enjeux qui rendent le film passionnant. À des questions sur la famille se mêlent des questions sur l’acceptation de l’autre.
Baby-Boss se veut drôle et réussit son pari. Même s’il ne fait pas hurler de rire les spectateurs, il parvient à nous décrocher de (très) nombreux sourires, voire rires. On pense notamment à cette réunion entre bambins, des répliques qui fusent aux dialogues croustillants, tout est bon à prendre. À ces séquences comiques, même très comiques, viennent se greffer des scènes aux tournures « horrifiques », ou faisant des protagonistes de réels « aventuriers ». Les héros ne sont pas au bout de leurs surprises, et on se surprend à se prendre d’affection pour eux, ce qui n’était pas gagné. Baby-Boss a tout de détestable alors qu’on se prend d’une affection folle pour Tim, le petit garçon. Bien évidemment, les à priori et les sentiments évoluent tout au long du film, comme dans bon nombre d’animation.
Baby-Boss brasse les lieux communs des films d’animation actuels, ainsi que tous les procédés filmiques chers au studio DreamWorks. Le dénouement est prévisible, on devine la fin de chacune des péripéties qui composent le film et pourtant, le film fonctionne. Ce n’est pas la première fois qu’un film alterne entre dessins de synthèse et dessins plus « traditionnels ». On sort de la salle le sourire aux lèvres, en se disant qu’on a passé un bon moment. Toutefois, Baby-Boss n’est pas le meilleur, et de loin, des studios DreamWorks. Il s’offre à nous comme une pierre de plus à l’édifice que sont les studios, prouvant qu’ils ne sont pas uniquement bon à sortir des Kung-Fu Panda ou autres Madagascar.

[irp posts= »56649″ name= »Kung-Fu Panda 3, un film de Jennifer Yuh Nelson: Critique »]

Mais si Baby-Boss est agréable, c’est également parce que l’on se reconnait dans les personnages, aussi bien les enfants que les parents. Ces derniers, qui courent partout lors de l’arrivée du nouveau né dans le logis, ne peuvent que nous être familiers. Qui n’a jamais connu des parents se mettre dans tous leurs états, ne plus dormir, ne plus savoir où donner de la tête ? Baby-Boss tourne en dérision de nombreuses scènes du quotidien, de quoi nous convaincre.
Et s’il nous convainc, justement, c’est également parce que Baby-Boss ne tourne pas exclusivement autour de deux personnages que sont Tim et le bébé. Que ce soit les parents, les autres bébés ou les multiples rencontres qui se font lors de leur périple, tout est bon à prendre. Le film ne souffre pas d’excédents scénaristiques qui viendraient plomber l’action. L’intrigue progresse et parvient à décrocher un rythme haletant.

Et aux fans de cinéma, ouvrez les yeux et faites attention aux décors ! De (très) nombreuses références culturelles, surtout filmiques, sont disséminées à droite à gauche. De quoi se rassurer de sa bonne culture cinématographique.

Baby-Boss ne sera pas le film d’animation de l’année, mais il se hisse comme un excellent divertissement familial qui saura plaire aux plus petits comme aux plus grands. Par un scénario atypique, ancré dans un quotidien connu de tous, Baby-Boss plait et devrait faire valoir un nombre d’entrées plus que convenable.

Baby Boss : Bande-annonce

Baby Boss : Fiche technique

Réalisateur : Tom McGrath
Scénario : Michael McCullers, adapté du livre The Boss Baby écrit et illustré par Marla Frazee et publié en 2010
Interprétation (Voix VO) : Alec Baldwin, Steve Buscemi, Jimmy Kimmel, Lisa Kudrow, Tobey Maguire, Conrad Vernon…
Interprétation (Voix VF) : Stefan Godin, Vincent Ropion, Laurent Maurel, Sybile Tureau, Timothé Vom Drop…
Montage : James Ryan (VII)
Musique : Hans Zimmer, Steve Mazzaro
Direction artistique : Ruben Perez
Producteurs : Ramsey Ann Naito, Rebecca Huntley, Jed Schlanger
Sociétés de production : DreamWorks Animation
Distribution (France) : Twentieth Century Fox France
Durée : 98 minutes
Genre : Animation
Date de sortie : 29 mars 2017

Etats-Unis 2017