LeMagduCiné

Primé au festival de Sundance, Pop Aye est un road-movie nous contant l’histoire d’amitié insolite entre un homme et son drôle de compagnon. Une fable poétique et légère réalisée par la jeune singapourienne, Kirsten Tan.

Une fable comme échappatoire ?

Thana, un architecte anciennement reconnu, sombre du jour au lendemain dans l’oubli. Désabusé, l’homme va faire une rencontre qui va changer le cours de sa vie : une retrouvaille inattendue avec l’éléphant qui a bercé son enfance. Une histoire étonnante qui se dessine tout en finesse ! Sélectionné au Sundance 2017, Pop Aye est le premier film singapourien à être représenté durant le festival. Première réalisation et donc premier succès pour la jeune réalisatrice !

C’est sous l’apparence d’un conte lyrique que le road-movie prend forme. Il s’agit d’un voyage tout en douceur, dans l’intimité de la Thaïlande. En introspection avec la vie quotidienne des Thaïlandais, nous découvrons grâce à Pop Aye une culture et des coutumes peu connues. Sobriété du style, mélancolie et dédramatisation se maintiennent pendant 102 minutes. Une pointe d’humour dans un amas de poésie, telle est la signature de la jeune et désormais reconnue Kirsten Tan.

Toutefois, Pop Aye est avant tout une ode à la vie. À l’heure où la société s’ancre toujours plus dans une vie modernisée, il existe une multitude de personnes isolées comme Thana. Le rejet du progrès, l’incompréhension liée à ce dernier, ou encore une sensation d’impuissance face à un monde sans cesse en mouvement, sont des éléments qui poussent chaque jour des individus à se retirer de la société. Tel un retour aux sources. Le septième art abrite de nombreuses œuvres traitant de la thématique de l’isolement. Parmi elles, Into The Wild, l’inoubliable biopic réalisé par Sean Penn. Il faut dire que le retour vers la nature est un sujet qui n’a de cesse d’attiser la curiosité des spectateurs. Peut-être est-ce un besoin d’échapper au quotidien ?

Néanmoins, Pop Aye n’est pas uniquement un voyage dans l’air du temps, c’est également une œuvre défendant la cause animale. Alors que Okja anime depuis quelques mois la toile en provoquant notre réflexion, Pop Aye s’intéresse, quant à lui, aux animaux utilisés pour amadouer les touristes de Bangkok. Loin d’être activiste, le film singapourien s’engage avec une légère délicatesse dans l’éternelle lutte contre les « éléphants mendiants ». Un sujet encore très peu traité au cinéma, mais pourtant si virulent. Depuis quelques temps, un grand nombre de réalisateur est habité et animé par une militance qui se remarque dans leur réalisation. Mais est-ce une sonnette d’alarme ?

Pop Aye réussit de fait un pari risqué, celui de raconter avec douceur et élégance, une émouvante histoire remplie de vérité. Avec son prix du meilleur scénario lors du Festival du film de Sundance, Pop Aye a le mérite de réussir à véhiculer un message plein d’humanité !

Pop Aye : Bande Annonce

Pop Aye : Fiche technique

Réalisateur : Kirsten Tan
Acteurs : Bong (Pop Aye), Thaneth Warakulnukroh (Thana), Penpak Sirikul (Bo), Chaiwat Khumdee (Dee), Yukontorn Sukkijja (Jenny), Narong Pongpab (Peak)
Producteur Exécutif : Anthony Chen
Producteur : Lai Weijie
Directeur De La Photographie : Chananun Chotrungroj
Chef Décorateur : Rasiguet Sookkarn
Directeur Artistique : Manop Chaengsawang
Créateur De Costumes : Visa Kongka
Monteur : Lee Chatametikool
Compositeur : Matthew James Kelly

Singapour – 2017

Avec Barbara, Mathieu Amalric s’échappe d’une écriture linéaire et décale le genre du biopic vers des sphères plus spectrales et éclatantes. Alors que Jeanne Balibar incarne les traits de la chanteuse, l’œuvre voit un personnage aux multiples visages et par la même occasion, un visage aux multiples personnages. Un abîme du cinéma, une déclaration d’amour resplendissante.

Mathieu Amalric joue la carte de la confusion, voire de la fusion. Une comédienne, jouée par la longiligne et splendide Jeanne Balibar, incarne le rôle de la chanteuse Barbara, dans un biopic qui retrace une partie de la vie de la célèbre artiste. C’est donc un film dans le film qui s’immisce. Pourtant, le cinéaste se fout éperdument du cadre biographique. Le film Barbara n’est pas vecteur à nous raconter la genèse d’une artiste, ni même les drames qui ont pu jalonner sa vie. C’est parfois évoqué, mais en filigrane, car Barbara se veut différent, et regarde l’attrait pour une artiste par le biais de l’intime : ses facéties, sa complexité sentimentale, ses combats, son grain de voix, voire ses préparations d’avant concert. L’œuvre nous décrit une personne, sa folie, sa magie, son génie, ses émotions. Tout cela par le prisme du jumeau imaginaire qu’est le cinéma, avec ses retords ou ses bifurcations, ce mouvement perpétuel qui fait renaître le vestige.

Le réel se volatilise, les images se percutent, elles s’ajoutent les unes aux autres pour construire un bric à brac, une sorte de mosaïque d’instants présent et passé avec des images d’archives qui n’en sont pas vraiment ou des répétitions de scènes de films qui se vivent réellement. Barbara, l’œuvre, agence ses fluctuations autour de ces divagations, s’élance dans un récit à l’architecture parsemée d’embûches temporelles, où les partitions résonnent et font écho au récit, avec cette communion entre un personnage et son actrice : les deux ne font qu’un. C’est à se demander à qui est dédié le film, surtout lorsqu’on connait le passé commun entre Mathieu Amalric et Jeanne Balibar. D’ailleurs en ce sens-là, Mathieu Amalric, lui-même incarnant le réalisateur du biopic, s’octroie un rôle en retrait, mais qui démontre tout l’emphase et l’amour qu’il essaye de faire percevoir pour ses personnages et son actrice principale. Il s’incorpore dans cette espèce de fusion des rôles : est-ce le réalisateur qui joue l’acteur ou est-ce un acteur qui joue un réalisateur. Ou tout simplement les deux.

Brouillant les pistes avec ce bouillonnement d’idées, Barbara est une œuvre qui se découvre par cette osmose, cette identification presque totale d’une actrice à son sujet : c’est-à-dire le personnage qu’elle doit incarner, dont elle doit mimer les gestes. Et de ce fait, même si les compositions visuelles de Matthieu Amalric varient, du noir au blanc, du sombre au clair, selon que le grain de l’image représente des images d’archives, des scènes de reportages, ou des scènes de cinéma, c’est avant tout Jeanne Balibar qui passionne le spectateur et qui crève l’écran par une présence indomptable. Sa chevelure noire, ses traits anguleux dominent le cadre, sa voix porte au loin et son jeu se veut à la fois intimiste et fantasque : de là commence un jeu de miroir saisissant entre les deux femmes. Lorsque la voix de Jeanne Balibar retentit pour chanter certaines grandes chansons de Barbara, on croirait entendre la chanteuse.

Pourtant, Barbara ne tombe jamais dans le pastiche un peu guindé, ne succombe jamais au dictat de la performance mimétique et grossière, notamment, parce que la mise en abime du récit décuple les traits du personnage, et permet à l’actrice de ne pas s’enfermer dans un étalage de mimique. Non, de Barbara se dégage une humilité, une volonté de se raconter par le biais d’autrui. A l’image de ce dialogue entre Jeanne Balibar et l’auteur joué par Mathieu Amalric lorsque ce dernier, réalisateur du biopic, rentre dans le champ de la scène, elle lui demande : « c’est un film sur Barbara ou sur vous ». Lui, tout penaud, lui dit discrètement « c’est un peu la même chose ».

Au final Barbara est une histoire de fantômes, émotionnellement feutré mais parfois terrassant, qui même si elle ne cesse de filmer Jeanne Balibar avec amour, déconstruit la chair pour la dépecer et faire ressurgir un esprit. Ce qui relie la chanteuse et son interprète, ce n’est pas seulement cette ressemblance physique un peu trouble, ces nombreux moments où l’actrice prépare son rôle en étudiant et en imitant les vocalises de Barbara, mais c’est le mimétisme d’une pensée, des gestes qui se coordonnent, une folie qui se faufile. Mathieu Amalric se moque du cahier des charges du traditionnel biopic : ici, ne se dévoile pas une description méticuleuse de la vie de la chanteuse mais plus une évocation doucement excentrique de son essence créative. C’est beau.

Barbara : Bande-annonce

Synopsis : Une actrice va jouer Barbara, le tournage va commencer bientôt. Elle travaille son personnage, la voix, les chansons, les partitions, les gestes, le tricot, les scènes à apprendre, ça va, ça avance, ça grandit, ça l’envahit même. Le réalisateur aussi travaille, par ses rencontres, par les archives, la musique, il se laisse submerger, envahir comme elle, par elle.

Barbara : Fiche Technique

Réalisateur : Mathieu Amalric
Scénariste : Mathieu Amalric, Philippe Di Folco
Avec Jeanne Balibar, Mathieu Amalric, Vincent Peirani, Aurore Clément, Fanny Imber, Grégoire Colin, Marc Bodnar, Michael Mcmurran
Directeur de la photographie Christophe Beaucarne
Chef monteur : François Gédigier
Chef décorateur : Laurent Baude
Genre : Drame
Date de sortie : 6 septembre 2017
Durée : 1h 37min
Distributeur : Gaumont Distribution
Récompenses : 2 prix et 6 nominations

Nationalité français

Jeannette, l’enfance de Jeanne d’Arc ou Jeannette, pour les intimes. Vous la connaissiez en symbole national, ou en héroïne d’un obscur film de Luc Besson. Mais vous ne la connaissiez pas enfant, dansant sur du Breakcore.

Synopsis : En pleine guerre de Cent Ans, au cœur d’une lande déserte, vit Jeanne et sa famille. Cette dernière a une haute conscience de la France et, a contrario du défaitisme de ses contemporains, elle est persuadée de la victoire prochaine des Français sur les Anglais. A tel point qu’à force de prières et de rencontres , la jeune Jeannette s’invente une destinée mystique, dans laquelle c’est à elle qu’il incombe de sauver le Royaume de France.

Au générique de Jeannette, l’enfance de Jeanne d’Arc de Bruno Dumont, on peut voir un détail qui n’a certainement pas échappé aux fans de musique les plus ardus : la présence de Igorrr à la bande-son.

Ce nom, aux allures de patronyme mal orthographié, est en fait le nom de scène de Gauthier Serre, compositeur sévissant dans l’hexagone depuis 2010. L’individu maîtrise un style bien à lui, que d’aucun qualifierait de techno-baroque. Assez difficile en fait d’y donner un nom précis, puisqu’il s’agit d’un mélange de breakcore, de death metal, de musique baroque et de trip-hop. En somme, un mix entre passé / présent, classique / underground.

Et pourquoi une telle digression musicale sur une critique cinéma ? Mais parce que la musique dans Jeanne d’Arc est indissociable du film lui-même. Au point que c’en serait presque une déclaration d’amour de Dumont à Igorrr, tant l’image du premier magnifie la musique du second.

A commencer par le décor. Une forêt. Des plaines, quelques vagues habitations. L’enfance de Jeanne d’Arc semble s’être passée dans un monde presque désert, peuplé seulement d’herbes folles et de fantômes. Difficile avec pareil décor, de se croire dans une reconstitution. Les landes de la côte d’Opale n’auraient pas été filmées de différente si elles avaient été un paysage de science-fiction. Or, à défaut d’en être un, l’épuration des décors nous renvoie déjà à un trip surréaliste.

Une épuration complétée par les corps, sculpturaux, dansants et saccadés des personnages. On peut ainsi voir une Jeanne d’Arc enfant danser sous des rafales de techno, comme elle le ferait à une rave-party. Une danse stylisée des corps qu’on doit au chorégraphe du film, Philippe Decouflé.

Les passages du film s’enchaînent ainsi sous la forme d’une balade endiablée où techno, prose rimée et jeu balbutiant des acteurs, défilent sur cette lande où le temps n’existe pas. Quoique, pas pour le spectateur. Car, si le film Jeannette est beau en tant qu’objet, fascinant même, en tant que film, il est tout de même un peu long. La répétition d’actions et de dialogues par ces acteurs qui dansent mieux qu’ils ne chantent (ouch) rendent le spectacle lassant vers la seconde moitié du film.

Mais cette répétition, c’est aussi une part intégrante de cette chirurgie qu’opère Dumont sur tout son film. Elle tend en effet à faire du « Mystère de la charité de Jeanne d’Arc » dont est tiré le scénario, une sorte de transe techno. Le Breakcore étant un son porté sur la rupture, c’est encore cette rupture qu’on ressent lorsque les paroles d’un poème moyenâgeux viennent se greffer sur les décibels.

Un essai audacieux donc. Mais, à la façon des Headbanging de Jeanne d’Arc, il paraîtra un peu tiré par les cheveux à celui venu assister au film vendu par les campagnes de pub : un film historique aux accents de comédie musicale. On ne trouve pas plus de comédie dans ce film qu’on y trouve d’acteur professionnel.

Jeannette en somme, c’est plus un objet qu’un film. Un objet mais avant tout, un objet audiovisuel. Un objet très complet, puisque réunissant à la fois danse, chant, poésie, musique et photographie. Le tout fusionné dans ce trip endiablé et inclassable. Inclassable, au point que la touche « Dumont », semble ici quelque peu retirée…

On reconnaît pourtant ces décors du Nord très propres à sa filmographie. On reconnaît encore cet aspect froid et frontal qui lui est, sinon habituel, quasi systématique. Mais ce cinéma, profondément formel et brut, paraît émoussé ici. Comme si le sculpteur s’effaçait devant sa sculpture. C’est que Bruno Dumont est, et reste avant tout, un cinéaste de la violence. Une violence qui s’imprime aussi bien dans la radicalité d’un Twenty Nine Palms que dans l’humour avec Ma Loute ou P’tit Quinquin. Cela passe par son choix de plans fixes et frontaux. Un choix qui, d’ordinaire dans sa filmographie, permet de confronter le spectateur durement à ce qu’il voit. Ici, rien de tout ça. Le montage formel de Dumont devient saccadé, sa frontalité ordinaire, mouvante. L’annonce, peut-être, d’une transformation chez le réalisateur de La Vie de Jésus et de Hors Satan.

Reste un film à voir pour l’essai qu’il représente. Mais une question se pose. Avec ce poème déclamant la gloire de la France, et cette jeune fille dansant sur une musique hautement anachronique, comment classer ce film ? Est-ce une œuvre ultra-patriotique, ou au contraire antipatriotique ? Peut-être les deux. Car si le symbole national est omniprésent dans ce film, la destruction de ce symbole semble lui tenir la main. Comme si, d’une certaine façon, le symbole et sa destruction venaient soudain de se rejoindre sur une pellicule, pour s’unir. Car, là où Jeanne d’Arc incarne le patriotisme et les valeurs d’une France conquérante, la techno à l’inverse, dans l’imaginaire collectif, semble plutôt représenter le nihilisme, la négation des valeurs. Par cette dichotomie, le film représenterait-il cette vieille idée d’équilibre entre le bien et le mal ? Ou, au contraire, comme le suggère le breakcore, de « rupture » entre deux mondes inconciliables ? Le mystère Jeannette reste entier.

Jeannette, l’enfance de Jeanne d’Arc  : Fiche Technique

Réalisation : Bruno Dumont
Scénario : Bruno Dumont d’après « Le Mystère de la charité de Jeanne d’Arc » de Charles Péguy.
Interprètes :
Directeur de la Photographie : Guillaume Desfontaines
Musique : Igorrr
Chorégraphie : Philippe Decouflé
Société de Production : Arte France, 3B Productions
Genre : Film Musical
Durée : 109 minutes

Auteur : Arthur Suldoch

Avec Chéri, Stephen Frears renoue avec la tradition des adaptations littéraires. 20 ans après Les liaisons dangereuses, il revient aux histoires d’amours contrariées dans une bourgeoisie feutrée, et signe un film joliment précieux et désuet en portant à l’écran la romance entre une courtisane sur le déclin et un jeune dandy désabusé.

Synopsis : Paris, début du XXème siècle. Léa de Lonval, une riche courtisane parisienne sur le déclin, s’apprête à mettre fin à sa carrière. A la demande de son amie Charlotte Peloux, elle aussi ancienne courtisane, Léa accepte de prendre sous son aile Fred « Chéri » Peloux, son fils de 19 ans, un jeune dandy habitué à la décadence de la vie parisienne. Rapidement, Léa et Chéri se retirent des mondanités et optent pour une vie plus simple en Normandie. Mais après six ans d’amour, leur relation prend fin : Charlotte a arrangé un mariage d’intérêt pour son fils. Léa et Chéri parviendront-ils à s’oublier ? 

Luxe, calme et volupté

Chéri se caractérise avant tout par la beauté de ses décors et de sa mise en scène, qui retraduit parfaitement l’ambiance du Paris baroque de 1900, avec ses lieux en vogue (Maxim’s, le Grand Hôtel de la plage à Biarritz), et qui reconstitue à merveille la beauté des hôtels particuliers, des résidences champêtres, des fiacres, des rues et des jardins de cette France glamour et huppée, d’une autre époque. Les costumes sont savamment travaillés, et il émane du film une forme d’élégance nonchalante, une fraîcheur, une douce négligence. Les tenues vaporeuses de Léa (Michelle Pfeiffer), les habits chics d’un Chéri (Rupert Friend) qui traîne sa lassitude avec un dandysme irrésistible, l’agencement luxueux des intérieurs sont tant d’éléments qui font que le spectateur prend plaisir à évoluer dans un tel environnement. Cela rappellerait presque les quelques vers de Baudelaire de l’Invitation au Voyage : « Là, tout n’est qu’ordre et beauté, Luxe, calme et volupté ».  Pourtant, on ne peut s’empêcher de remarquer que le film brosse aussi un portrait outrancier des cocottes et autres courtisanes engoncées dans une fausse distinction vulgaire et surfaite, où règnent les breloques en tous genres, les riches étoffes aux mille couleurs, les plantes exotiques suffocantes, les odeurs de parfum capiteux : cette opulence et ce mauvais goût contribuent à faire de Chéri une satire qui tourne subtilement en dérision les habitudes et les mœurs de ces parvenues, ces bourgeoises d’un autre temps fardées de rose et coiffées de perruques poudreuses. Entre grâce et lourdeur, Stephen Frears décrit avec un humour très discret les travers de ces dames du monde dont la méchanceté, la prétention et la fourberie n’ont d’égal que les oripeaux dont elles se parent. Cette mascarade, régie par des codes tacites, se ressent efficacement sans que rien ne soit jamais vraiment pointé du doigt : Frears maîtrise son propos avec une sagesse qui lui évite de tomber dans la caricature et qui permet aux personnages d’exister en dehors des clichés qu’ils incarnent. Une peinture sociale malicieuse qui amuse autant qu’elle séduit.

Entre faux-semblants et superficialité

Chéri est un film dont la trame se tisse tout en sous-entendus et en non-dits, ce qui rend le résultat imperceptiblement tordu. Pour garder les apparences, Léa refuse d’admettre au monde qu’elle, grande séductrice, a eu la faiblesse de tomber amoureuse, et Chéri, qui se réfugie derrière un détachement insolent, nie lui aussi les sentiments qu’il éprouve à l’égard de celle qu’il surnomme affectueusement « Nounoune ». Pourtant, ces deux âmes esseulées passeront six ans ensemble, dans la campagne normande, à profiter des plaisirs simples loin des mondanités et des artifices de la vie parisienne. Mais le bonheur ne dure jamais : Charlotte Peloux, mère de Chéri et elle-même ancienne courtisane et rivale de Léa, rappelle son fils à l’ordre et organise une réunion en grandes pompes pour annoncer ses fiançailles prochaines avec Edmée, fille illégitime d’une autre courtisane, pourvue d’une fortune importante : dans ce milieu, tout le monde sert ses intérêts avant tout, l’argent prime. Sous des faux-semblants et des sourires aussi forcés que superficiels, tout ce petit monde complote et échafaude des plans pour se faire des coups bas dans cette bataille d’ego entre ces séductrices déchues qui n’ont de cesse de se tirer dans les pattes. L’hypocrisie de ce microcosme cache en réalité des rivalités profondes entre ces héroïnes qui vivent dans le souvenir de leur gloire fanée. C’est donc dans cette atmosphère viciée que Léa apprend que l’objet de son amour va lui être arraché, des mains de celle qui le lui avait pourtant confié en premier lieu. Mais dans ce cercle où les apparences sont primordiales, comment maintenir la face ? Alors que Léa va jouer la carte de l’indifférence joyeuse pour éviter que le vernis craque, Chéri, lui, va tenter de s’accommoder de la situation, même si les deux amants souffrent en secret, jusqu’à choisir, chacun de leur côté, l’exil. Rumeurs, ragots et suppositions hasardeuses vont alors bon train parmi les courtisanes qui bavassent entre elles, dans un écrin de superficialité qui étouffe tout sur son passage. Comment vivre, lorsque l’on doit réprimer ses sentiments ? A partir de là, cet univers dans lequel Léa se sentait pourtant chez elle va lui sembler insupportable. Serait-ce un chagrin d’amour ?

Un amour tragique

Cela nous amène au dernier aspect de Chéri : le récit d’un amour contrarié entre deux amants que tout sépare, notamment à cause de leur différence d’âge importante : Chéri a 19 ans, Léa en a au moins 50. C’est une couguar avant l’heure. L’un commence sa vie et fait son entrée dans le monde ; quand l’autre s’en retire et fait sa révérence. Union impossible mais également impensable : cela ferait trop jaser, ce serait le scandale. Et puis, n’était-ce pas une passade, histoire de batifoler ? Malheureusement, là où Chéri et Léa n’auraient pas dû s’attacher, naît en fait un amour fusionnel et passionné qui les conduira tous deux au désarroi et à la déprime profonde : Léa se sent vieille, seule et mal-aimée, indésirable et flétrie, isolée dans sa cage dorée, avec pour seule consolation ses souvenirs et le faste de ses bijoux. Pour ne pas se couvrir de honte, elle fait croire à qui veut l’entendre qu’elle a tourné la page et qu’elle s’est trouvé un nouvel homme. Chéri, lui, sape son mariage, néglige sa jeune épouse et noie son chagrin dans l’alcool et les sorties nocturnes, perdu et déboussolé. Pourtant, lorsque les deux amants finissent par baisser la garde et retomber dans les bras l’un de l’autre, les retrouvailles tournent court, et la réalité les rattrape à nouveau : Chéri veut faire sa vie avec une femme de son âge et s’interroge sur la nature de son amour pour Nounoune, tandis que Léa ne supporte pas d’être rejetée une seconde fois. Cloués sur place par le carcan des conventions, immobilisés par le regard de toute une société et condamnés à la séparation par le destin, Léa et Chéri n’ont d’autre choix que de se quitter pour honorer leur rang et obéir une fois de plus aux faux-semblants qui réglementent leur monde. Maudits et écrasés par le poids d’un contexte dont ils sont victimes, ils finiront tragiquement. Cet amour tourmenté nous touche par sa délicatesse, sa douceur et sa grâce, mais ne nous transporte pas malgré la douleur que connaissent les héros. A cause d’une atmosphère trop travaillée et d’une ambiance feutrée qui frise parfois l’ennui, Frears ne nous émeut pas autant qu’on l’aurait voulu.

En conclusion, Chéri est une belle réussite qui brosse avec grâce et malice le portrait d’un Paris baroque de tous les excès où l’hypocrisie régnait en maître et où les apparences primaient sur la sincérité et les sentiments. Satire sociale douce-amère qui vire du comique au tragique, Chéri est un film lent, parfois poseur, qui se contemple et qui nous invite au voyage, délicatement, avec une mélancolie toute féminine.

Chéri : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=jI–A8RvoEo

Chéri : Fiche Technique

Réalisateur : Stephen Frears
Scénario : Christopher Hampton, d’après le roman homonyme de Colette
Casting : Michelle Pfeiffer (Léa de Lonval) ; Rupert Friend (Fred « Chéri » Peloux) ; Kathy Bates (Charlotte Peloux) ; Felicity Jones (Edmée)
Photographie : Darius Khondji
Montage :  Lucia Zucchetti
Décors : Alan MacDonald
Costumes : Consolata Boyle
Musique : Alexandre Desplat
Producteur(s) : Bill Kenwright, Thom Mount
Production : UK Film Council, Miramax Films, Pathé
Distributeur : Pathé
Genres : Romance, drame, adaptation littéraire, film d’époque
Durée : 1h 32min
Date de sortie : 8 avril 2009

Nationalités : France, Grande-Bretagne, Allemagne

Seven Sisters vient redorer le blason de la dystopie, après ses fresques adolescentes, avec un divertissement solide et accrocheur mais peu nuancé dans ses réflexions.

Synopsis : 2073. La Terre est surpeuplée. Le gouvernement décide d’instaurer une politique d’enfant unique, appliquée de main de fer par le Bureau d’Allocation des Naissances, sous l’égide de Nicolette Cayman. Confronté à la naissance de septuplées, Terrence Settman décide de garder secrète l’existence de ses 7 petites filles. Confinées dans leur appartement, prénommées d’un jour de la semaine, elles devront chacune leur tour partager une identité unique à l’extérieur, simulant l’existence d’une seule personne : Karen Settman. Si le secret demeure intact des années durant, tout s’effondre le jour où Lundi disparaît mystérieusement…

Depuis quelques années déjà, la science-fiction dystopique est réduite à des œuvres adolescentes dont la plupart  sont des adaptations au cinéma de romans young adults. On pense à Hunger Games, Divergente et encore bien d’autres qui ont fini par réduire un genre passionnant à des films et réflexions qui, en venant à se ressembler, finissent par se confondre pour au final ne plus rien apporter d’original et de pertinent. Donc quand un film à portée plus adulte comme Seven Sisters sort sur les écrans, il y a de quoi être intrigué en espérant qu’il apportera un vent de fraîcheur à un genre qui a fini par ne plus faire que du surplace. Dirigé par Tommy Wirkola qui avait déjà réalisé le très oubliable Hansel & Gretel : Witch Hunters mais qui s’était surtout démarqué par ses jubilatoires Dead Snow, succulentes comédies à base de zombies nazis dont le deuxième film se payait même le luxe d’être supérieur à son aîné, Seven Sisters laisse présager être entre de bonnes mains avec son postulat de départ intriguant et qui intéresse par son procédé de la multi-performance avec Noomi Rapace qui ne joue pas un mais sept rôles différents.

Seven Sisters repose d’ailleurs beaucoup sur cette performance, que ce soit du point de vue technique que sur les épaules de l’actrice. Gérer un acteur qui joue sept rôles simultanément au sein d’un même décor est un exercice délicat à opérer en temps normal, car il faut naviguer entre les doublures, les ajouts numériques mais surtout retourner une scène plusieurs fois pour chacun des rôles menés par l’acteur. Mais ici, Seven Sisters ne se contente pas seulement de mettre en scène ses personnages autour d’une table pour les faire dialoguer, mais va aussi les faire interagir lors de scènes d’actions. Techniquement irréprochable, on ne voit jamais les artifices lors de ces séquences musclées qui se montrent savamment mises en scène par leur lisibilité, mais aussi une brutalité plutôt bienvenue qui impressionne par la difficulté que ces scènes ont dû représenter lors du tournage. Tommy Wirkola fait donc un très bon travail avec la réalisation de son film. Il arrive à construire un univers dystopique crédible et cohérent notamment dans sa représentation de la surpopulation. Les rues grouillent de monde et il appuie sa mise en scène par un sentiment d’étouffement qui fait souvent son petit effet. La pauvreté croissante qui donne aux décors des airs post-apocalyptiques, le contrôle intensif de la population qui confine au despotisme etc… Il crée un monde qui se rapproche facilement du nôtre et qui parait plus que plausible.

Seven Sisters apparaît étincelant dans sa forme et son interprétation, car le casting est ici impeccable avec, en tête, une impressionnante Noomi Rapace. Elle arrive à apporter un trait de caractère, une gestuelle et un phrasé différents à chacun de ses personnages avec subtilité et sans tomber dans la caricature que certains rôles auraient pu apporter. Cependant, le bât blesse au niveau de l’écriture parfois légère du film. Beaucoup trop prévisible dans son intrigue et muni de personnages parfois caricaturaux, Seven Sisters en vient à manquer de nuances et flirte avec le manichéisme. Pourtant le scénario a l’air d’avoir conscience d’évoluer dans un univers qui n’est ni noir ni blanc mais composé de zones de gris car il apporte des motivations concrètes et même valables à ceux qui font figure d’antagonistes, mais jamais il ne creuse la réflexion et ne questionne le bien fondé des actes. Surtout que ceux qui font office de mains armées chargées de traquer les sœurs sont pour le coup très stéréotypés dans leur fonction de méchant. L’ensemble reste quand même plus intelligent que la plupart des œuvres d’anticipation que l’on a pu voir ces dernières années dans cette optique de divertissement, et il nous gratifie d’une fin plus habile qu’escompté et de quelques réflexions plutôt bienvenues. Reste que le scénario a souvent recours aux facilitées pour excuser le développement de ses intrigues. Le récit a aussi du mal à gérer son suspense, mais compense par une gestion assez subtile de la tension, principalement à travers la frontalité avec laquelle il aborde le destin de certains personnages qui surprend. Les divertissements qui font si peu de cadeaux à leurs protagonistes se font de plus en plus rares.

Seven Sisters est un film de science-fiction particulièrement réussi et rafraîchissant dans son genre. Plus adulte et frontal dans sa violence et ses réflexions, il apparaît plus concret et crédible que les récentes dystopies pour ados dont nous a gratifié le cinéma US. Pourtant le scénario tombe dans les facilités et la prévisibilité de son récit mais cela reste des défauts peu gênants face à la maîtrise et l’efficacité qui se dégage de l’ensemble. Tommy Wirkola emballe son film avec beaucoup de savoir-faire et, même s’il favorise le divertissement aux questionnements, il arrive quand même à garder une place pour ces derniers. Le résultat manque de nuances mais pas forcément d’intelligence. Le tout est en plus tenu par un très bon casting, de quoi faire de ce Seven Sisters la bonne surprise cinématographique  de cette rentrée.

Seven Sisters : Bande-annonce

Seven Sisters : Fiche Technique

Titre original : What Happened to Monday
Réalisateur : Tommy Wirkola
Scénariste : Max Botkin, Kerry Williamson
Casting : Noomi Rapace, Glenn Close, Willem Dafoe, Marwan Kenzari, Christian Rubeck, Pål Sverre Valheim Hagen, Tomiwa Edun, Cassie Clare…
Compositeur : Christian Wibe
Directeur de la photographie : Jose David Montero
Monteur : Martin Stoltz
Genres : Science fiction, Thriller
Date de sortie : 30 août 2017
Durée : (2h 04min)
Distributeur : SND
Année de production : 2017

Nationalités américain, britannique, français, belge