LeMagduCiné

De deux choses l’une, ou bien le pouvoir nord-coréen a des goûts cinématographiques exécrables, ou bien Kim-Jong un est le dirigeant en exercice le plus susceptible, les deux sont probablement vrais. L’Interview qui tue (titre français épouvantable de ridicule) est bien un film atroce qui démontre l’absence de culture du « leader suprême », qui lui accorde une importance qu’il ne mérite pas.

Synopsis : Présentateur d’une émission people à succès, Dave Skylark tente de gagner sa légitimité de journaliste en allant interviewer le leader nord-coréen Kim Jong un. La C.I.A. lui demande alors de participer à l’assassinat du chef d’état.

La Grande Usurpation

Le cas Kim

C’est aussi la seule œuvre à ce jour, qui met en scène la mort par assassinat d’un chef d’état en cours de mandat, parions que nul ne se le serait permis s’il ne s’était agi d’un pays autre que celui-là. On pourra y voir une sorte de mépris contestable de la part des producteurs, qui pourront pourtant remercier Kim-Jong un de la formidable publicité qu’il a faite à une comédie ridicule qui autrement, été promise aux tréfonds du box-office international. Depuis l’affaire de piratage informatique, voir ce film est devenu un acte de « rebellitude » pour adolescents aux joues bombardées d’acné juvénile et purulente.

L’humour sans esprit

Soyons tranchant, The Interview (le titre v.o. est quand même moins insupportable) est totalement nul, à deux ou trois exceptions près. Il raconte le long cheminement d’un présentateur télé totalement imbécile et superficiel, vers la rédemption journalistique que pourrait lui offrir l’interview du chef d’état coréen. Nous sommes censés voir une comédie, mais pour être drôle, encore faut-il avoir de l’esprit et pour avoir de l’esprit, encore faut-il être doté d’un cerveau. De cerveau il ne semble pas y en avoir ici, tant le film ne semble pas savoir ce qu’il veut. On passe sans cesse d’une pâle critique d’un régime totalitaire à bout de souffle (qui méritait un traitement plus profond et documenté), à une comédie pas drôle qui lorgne le travail des frères Farrelly, sans jamais parvenir à se lâcher. On est dans le même humour scatophile et sexuel, mais là où les frangins maitrisent la mécanique du fou rire, Evan Goldberg et Seth Rogen (déjà responsables de C’Est La Fin) n’ont qu’un vieux moteur rouillé qui tousse au lieu de rigoler. On aurait aimé du cynisme, de l’ironie bref, un second degré qui aurait vraiment rendu le film subversif. Au lieu de ça, ses créateurs choisissent la facilité et s’en prennent frontalement au régime coréen, se contentent du coup d’enfoncer des portes ouvertes, sans rien apporter de neuf ni au genre de la comédie, ni à l’aspect politique de l’histoire. Pourtant, il y avait matière à faire grincer les dents avec un tel sujet et pas seulement celles de Kim Jong un, il aurait pu y avoir des retours de manivelles soulignant les pertes de libertés individuelles que nous subissons depuis le début de la guerre contre le terrorisme.

Dans la peau de Jim Carey

Ajoutez-y des acteurs qui tentent le contre-emploi sans savoir que ça ne marche pas à tous les coups et que n’est pas Jim Carey qui veut, vous obtenez un mélange aussi digeste que la dinde fourrée aux marrons de tata Lucette un soir de réveillon. Car oui messieurs dames, James Franco (La Planète Des Singes, l’Affrontement), acteur plutôt prometteur, joue ici le journaliste débile et pompe son jeu sur celui de Jim. Il lui pique ses mimiques, ses grimaces, ses gesticulations mais oublie de lui emprunter un peu de son talent. Du coup le petit James se transforme en tête à claques stressante qui provoque des envies de meurtre. Seth Rogen (22, Jump Street) qui joue son sparring partner, est à peine moins énervant, il faut dire que son rôle est un peu moins ingrat et laisse quelques moments de bravoure…ridicules. Il ne reste finalement que la délicieuse Diana Bang (Bates Motel, Continuum), superbe officière coréenne, qui permettra aux connaisseurs de soulever un sourcil de plaisir à défaut de s’endormir.

On ne rit jamais

Finalement c’est peut-être la réalisation qui marque le plus, nous faisant prendre le visage à deux mains… de consternation. Il y a bien une ou deux véritables idées, comme la combustion finale du dictateur, esthétiquement réussie grâce à un ralenti bien utilisé. Mais on retrouve ici toute la finesse d’un Gérard Depardieu, juché sur son scooter et qui se retrouverait face à deux gendarmes, découvrant stupéfaits qu’il ait fait exploser le ballon dans lequel il soufflait. Sincèrement on est navré pour l’équipe du tournage qui participe à cette mascarade, consterné par ses allusions stupides au Seigneur Des Anneaux de Jackson qui ne mérite pas ça, consterné par la chanson finale qui n’est autre que le « Wind Of Change » des Scorpions (chanson lourde de sens, elle) et donne l’espoir d’un vent nouveau sur la Corée du Nord. Sauf qu’ici c’est totalement déplacé, ça ne fait pas rire, pas rêver, juste grincer des dents à s’en faire saigner les gencives.

Kim Wild !

Vous l’aurez compris, The Interview est une gigantesque imposture qui est aussi irrévérencieuse que les vœux d’un président un soir de Saint-Sylvestre. C’est la même chose en fait : c’est long, c’est pénible et ça donne envie de pleurer tant c’est vide. The Interview n’est rien, ni drôle, ni méchant et mérite de disparaître sans que personne ne se donne plus la peine d’aller le chercher en toute illégalité sur le net. Jamais un film n’aura autant usurpé le foin médiatique qu’il a fait. Mais finalement, personne n’a jamais prétendu qu’il était bon, juste qu’il a dérangé un dictateur de pacotille dans un pays moribond et qui affiche à la face du monde l’immensité de son mauvais goût, qui n’a d’égale que sa cruauté folle.

L’interview qui tue – Bande annonce

Fiche Technique : L’Interview qui tue

Réalisateurs : Evan Goldberg & Seth Rogen
Titre original : The Interview
Scénario : Evan Goldberg, Seth Rogen & Dan Sterling
Décors: John Billington
Costumes: Carla Hetland
Photographie: Brandon Trost
Montage: Zene Baker
Musique:m Henry Jackman
Production: Evan Goldberg, Seth Rogen & James Weaver
Société de production, Point Grey Pictures
Distribution : Columbia Pictures, Sony Pictures
Budget : 30 000 000 dollars
Pays: U.S.A.
Durée: 112’
Distrobution : James Franco, Seth Rogen, Lizzy Caplan, Randall Park, Diana Bang

Auteur : Freddy M.

Critique Hard Day

Synopsis: En route pour assister aux funérailles de sa mère, et tandis qu’il est visé par une enquête pour corruption, le commissaire KO Gun-su renverse accidentellement un homme. Pour se couvrir, il décide de cacher le corps dans le cercueil de sa mère. Lorsque l’affaire est découverte, on nomme son partenaire pour mener l’enquête. Et quand l’unique témoin de l’accident l’appelle pour le faire chanter, Gun-su comprend qu’il n’est pas au bout de ses peines…

Inconnu dans nos contrées, le réalisateur coréen Kim Seong-hun est un homme patient et perfectionniste qui prend le temps nécessaire pour écrire ses films. Avec Hard Day, il est à la tête de son second long-métrage. Pourtant, il ne s’agit que du premier à trouver le chemin de nos salles hexagonales. En 2006, après une comédie noire ayant reçu un accueil mitigé (il dira « j’ai été le seul à trouver le film drôle »), il se lance dans l’écriture d’un nouveau scénario après avoir visionné Volver de Pedro Almodovar. C’est en s’interrogeant sur la manière dont un homme peut se débarrasser d’un cadavre que les sens du cinéaste se sont excités. Il revendique fièrement un film de genre décalé. Un long métrage qui serait à la croisée du cinéma des Frères Coen pour l’humour noir et du talent de son illustre aîné, Bong Joon-Ho (Memories of Murder, The Host, Snowpiercer). Déçu par l’accueil mitigé de son premier film, il travaille durant huit ans l’écriture d’un projet de polar décalé. Il jugera que c’était le temps nécessaire (« mais effectivement trop long ») pour arriver à un scénario qui contienne suffisamment de cohérence et de situations à rebondissements pour obtenir l’effet voulu. Celui d’un film en constant équilibre entre l’humour et la tension. Hard Day est une telle accumulation de malchance que le film semble faire des clins d’œil à ces personnages de cartoons plongés malgré eux dans une escalade de poisse. Il en résulte au final un film nerveux, tendu, jouissif mais freiné par quelques longueurs, des scènes beaucoup trop alambiquées et une morale franchement discutable.

Enterre-moi si tu peux

Rarement un personnage n’aura été aussi proche de la définition littérale d’anti-héros. Corrompu jusqu’à l’os, empêtré dans des enquêtes judiciaires, père de famille absent, le personnage principal est un flic tout ce qu’il y a de plus ripou. Alors qu’il se rend à la morgue où est entreposé le corps de sa défunte mère, il est malencontreusement impliqué dans un tragique accident. Au volant de sa voiture, il est venu percuter un individu au beau milieu de la route. Ce dernier décédant sur le coup. Les ennuis de notre protagoniste ne concernent désormais plus que sa propre personne. Fini les problèmes collectifs (l’enterrement de sa mère avec la famille, l’enquête judiciaire avec ses collègues), il va devoir régler tout cela par sa seule logique précipitée. Une logique des plus insensée qui l’amènera à transporter le corps de l’individu, le déposer dans le cercueil de sa mère et échapper sans cesse aux contrôles à la police. Et si déjà là, on pouvait tenir un brillant court métrage d’une ironie et d’une loufoquerie sans nom, l’intrigue ne s’arrête pas là et va enchaîner les situations les plus rocambolesques. L’arrivée d’un antagoniste plus fourbe que notre personnage principal sera le prochain vecteur du film et sonnera comme le début d’ennuis toujours plus poussifs. Il y a là un vrai plaisir viscéral à voir toutes les situations les plus inimaginables lui tomber dessus. Une empathie semble naître à son égard tant chaque problème réglé semble en amener de nouveaux, l’enfonçant un peu plus dans une situation irrécupérable. Avec l’arrivée de cet intrus, une ambiguïté se dessine soudainement chez notre héros et il commence à révéler une profondeur psychologique et altruiste insoupçonnée. Le cinéaste nous fait prendre conscience que son héros agit de la sorte malgré lui, et aimerait raisonnablement éviter d’avoir recours à ce genre de solutions abominables. Pourtant, si au départ, on pouvait penser qu’il ne le faisait que pour assurer sa propre personne (individualisme), on comprend finalement qu’il tente de s’en sortir pour assurer également celle de sa fille (altruisme familial). Un homme qui se bat pour sa fille et sa dignité ne peut pas être foncièrement mauvais, semble-nous dire le réalisateur. Et c’est le message très implicite (et très discutable) du film, faut-il agir immoralement pour le bien des autres ? Voilà un discours qui mérite particulièrement réflexion.

Si le personnage remporte finalement (malheureusement ?) l’adhésion du public, il faut néanmoins avoir à l’esprit que Hard Day est un film où presque tous les personnages semblent être des anti-héros. Le réalisateur prend ainsi un malin plaisir à tacler la police de son pays. Alors que le réalisateur se défend d’avoir voulu en donner une image négative, le comportement des autorités coréennes en prend véritablement pour son grade. C’est bien simple, le personnage principal -policier donc de son état- dont la mission est de punir les crimes, ne cesse de maquiller les siens. Sans compter que les agents en service ne semblent être que des pions idiots malmenés par la hiérarchie. La seconde partie du film offre alors une forme de rédemption à son héros, en le faisant donc affronter un personnage indésirable dans l’équation. Hard Day se mue ainsi au bout d’une heure en une forme de chasse à l’homme où l’un comme l’autre vont rivaliser d’ingéniosité pour se mettre des bâtons dans les roues. A ce moment donné, le film perd en rythme ce qu’il gagne fébrilement en affrontement psychologique. Les nerfs du spectateur sont cependant mises à rudes épreuves jusqu’à cet affrontement final, long, intense, tendu et particulièrement jouissif. Une petite merveille de mise en scène en huis-clos.

Il faut reconnaître par ailleurs que, si le scénario part dans tous les sens, la mise en scène de Kim Seong-hun est remarquable de virtuosité. On notera une course-poursuite particulièrement haletante tandis que l’affrontement final -précédemment cité- est d’une réjouissance monstrueuse. La fluidité des plans aériens côtoie la brutalité d’une caméra à l’épaule en passant par une steady-cam des plus appréciables ou la magnificence de certains plans larges. Sur ce point, le cinéaste atteint la hauteur de ses ambitions avec des plans originaux comme cette course-poursuite à pied filmé entièrement en plongé et à une hauteur sensiblement complexe. Le montage y est également ultra-efficace et découpé avec une fluidité chirurgicale. Ce n’est pas pour rien que les techniciens sud-coréens sont reconnus pour l’expertise et la qualité de leur travail sur les images. Cet enchaînement parfaitement exécuté à l’écran témoigne d’une énergie soutenue et d’une succession d’idées visuelles qui ne faiblissent que lors de certaines séquences plombantes.

Hard Day est un polar « Made in Korea » ne laissant que très peu de répit à son spectateur. Alors que le cinéma coréen a redéfini le genre polar par la noirceur et la violence de ses récits, Kim Seong-hun propose une alternative audacieuse au genre en lorgnant du côté de la satire, du thriller et de l’humour noir. Un film tendu et bien barré pour commencer l’année. Perdant un peu de souffle en cours de route, le film aurait tout de même gagné à voir sa durée raccourcie pour se concentrer pleinement sur ses intentions initiales. L’équilibre entre le thriller et l’humour était une ambition louable mais reste au final trop convenu et terre-à-terre pour se démarquer des codes habituels du genre. Il en reste une mise en bouche appréciable avant le vrai plat principal, le jubilatoire Les Nouveaux Sauvages, qui sortira la semaine d’après.

Hard Day – Bande-annonce VOST

Fiche Technique: Hard Day

Titre original: Moo-deom-kka-ji Gan-da
Corée du Sud
Genre: Policier, thriller
Durée: 101min
Sorti le 07 janvier 2015

Réalisation: Kim Seong-hun
Scénario: Lee Seon-gyoon (Go Geon-soo), Jo Jin-woong (bad guy), Jeong Man-Sik (detective Choi)
Image: Kim Tae-Sung
Décor: Lee Mi-kyoung
Costume: Ko Hee-jung
Montage: Kim Chang-ju
Son : Mok Young-Jin
Producteur: Billy Acumen, Cha Ji-Hyun, Dong-Yoon Lee, You Jeong-hun
Production: AD406, Dasepo Club
Distributeur: Bodega Films
Budget : /
Festival: Meilleur Réalisateur aux Grand Bell Awards de Corée 2014

 [Critique] Cours sans te retourner

Synopsis : Entre 1942 et 1944, Srulik, un jeune garçon juif enfui du ghetto de Varsovie, survit en se cachant dans la forêt et en demandant auberge à des polonais compatissants. Mais, pour échapper aux soldats allemands et aux collaborateurs qui sont prêts à le dénoncer, il doit suivre le dernier conseil que lui a donné son père : se faire passer pour un polonais chrétien sans pour autant oublier, au fond de lui, qu’il est juif.

Un étalage outrancier de pathos 

Dès les premières images, la détermination du réalisateur allemand Pepe Danquart de filmer au plus près l’horreur et les conditions de vie précaires du jeune fugitif, saute aux yeux. Dans l’alternance entre les mésaventures, plus ou moins anecdotiques, et les flashbacks de Srulick (qui, par la force des choses, se fait à présent appeler Jurek Staniak), la tonalité larmoyante est bien plus appuyée que la volonté de louer l’instinct de survie qui semble pourtant motiver l’ouverture du film.

Incarné tour à tour par les deux jumeaux Kamil et Andy Tkacz, deux acteurs juvéniles mais prometteurs, le personnage de Srulick devient immédiatement attachant. La misère et la tristesse d’un tel enfant, brutalement privé de ses parents et livré à lui-même, est une figure mélodramatique imparable. Le choix d’adapter les mémoires d’Uri Orlev pour dépeindre la cruauté des soldats nazis à l’encontre des populations juives de Pologne, était donc une garantie d’apporter à son propos depuis longtemps surexploité un point de vue immanquablement tragique.

Le parcours de l’orphelin va d’abord passer par une rencontre avec une polonaise altruiste lui donnant des cours de catéchisme afin de réussir à se faire accepter des autres. Dans cette courte séquence, jouée en duo avec Elisabeth Duda, le film, Cours sans te retourner semble prendre une tournure de thriller psychologique sur fond de thèmes religieux, mais rapidement le scénario va reprendre son schéma épisodique dépourvu d’intrigue autre que celle d’une course contre la mort.

 Depuis son adoption d’un chien, jusqu’à son intégration dans un village sous la houlette de l’armée russe, en passant par son travail dans une ferme, chaque étape de la fuite du jeune héros est prédestiné à s’achever par un drame (qui, de fait, devient ridiculement prévisible). Ces tragédies sont chaque fois soutenues par une même mise en scène qui appuie gauchement, par des gros plans, les larmes du garçon, et par une musique se voulant poignante. Ces procédés tire-larmes lourdingues n’aident aucunement cette redondance de grosses ficelles d’écriture mélodramatique, qui consiste à faire du parcours de ce jeune juif, un spectacle ni émotionnellement ni historiquement pertinent.

Le fait de découvrir, en guise de conclusion, le véritable Uri Orlev pour confirmer la véracité des faits ne fait que renforcer la finalité pompeuse qui relève davantage du voyeurisme obséquieux que d’un quelconque moralisme humaniste.

Cours sans te retourner : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=YwsfMMw_l2k

Cours sans te retourner : Fiche Technique

Réalisateur : Pepe Danquart
Scénariste : Heinrich Hadding &Pepe Danquart d’après le roman de Uri Orlev
Interprétation : Kamil & Andy Tkacz (Srulik / Jurek Staniak) ; Elisabeth Duda (Magda) ; Zbigniew Zamachowski (Hersch Fridman, le père de Srulik)
Directeur de photographie : Daniel Gottschalk
Musique : Stéphane Moucha
Montage : Richard Marizy
Producteurs : Pepe Danquart, Susanne Kusche, Uwe Spiller…
Production : Bittersuess Pictures, Ciné Sud Promotion, Arte…
Genre : Drame, Guerre
Durée : 1h 47mn
Date de sortie : 24 décembre 2014

France/ Allemagne – 2014

 [Critique] Whiplash

Synopsis : Andrew, jeune batteur  au talent insoupçonné a l’ambition de devenir le prochain Charlie Parker. Terence Fletcher, le professeur le plus réputé de son école de musique, lui fait intégrer son groupe. Pour devenir meilleur musicien, Andrew doit surmonter l’humiliation, le sadisme et la manipulation de Fletcher.

Sang, sueur et larmes : la torture mélomane

« Not my quite Tempo » : cette phrase va vous hanter
Sang, sueur et larmes. Voilà à quoi s’attendre en s’immergeant dans Whiplash sur fond de rythme déchaîné de caisses et de cymbales. Pour son second film, Damien Chazelle, le réalisateur américain d’origine française a su trouver le bon tempo de la torture mélomane. Il s’inspire de sa propre expérience en tant que batteur pour réaliser ce film, très bien orchestré. Avant même d’être en salle, ce film a été récompensé au Sundance 2014, Deauville 2014 et a reçu un standing ovation au Festival de Cannes 2014 pour la catégorie « Quinzaine des Réalisateurs ».

Un montage et une réalisation orchestrés
Damien Chazelle, est parvenu à traduire l’univers musical du Jazz à travers la caméra. Avec une manière chirurgicale de découper et monter les scènes, en totale accord avec les performances musicales. On ressent cette alliance amoureuse de la musique à l’image, ainsi que cette volonté de lui rendre corps. Il donne du mouvement au rythme, avec des travelling latéraux sur les musiciens, ces gros plans sur les partitions et les instruments. L’immersion au chœur du groupe musical est telle que l’on devient plus que simple spectateur, mais nous-même maîtres d’orchestre battant le tempo.

Relation maître/apprenti très masochiste
Le récit nous montre cette relation mentor/élève qui devient rapidement celle d’un bourreau et sa victime. Le réalisateur dit même s’être inspiré particulièrement de film de guerre et non de films sur le jazz, pour mieux représenter ce lien entre chef et élève. Full Metal Jacket de Stanley Kubrick devient l’exemple le plus approprié pour dépeindre cette dévotion empoisonnée d’Andrew à Fletcher.

J.K. Simmons interprète avec brio cette figure despotique. Crâne chauve mis en lumière, ridules exacerbés et corps parfaitement athlétique ; il incarne cette autorité tranchante et ambiguë L’acteur a lui-même suivi des études qui le destinait à devenir compositeur. Le personnage de Terence Fletcher est donc difficile à cerner, sous sa poker face de génie, il pousse à bout, torture ses élèves pour les élever au-delà de ce que l’on attend d’eux. Ce professeur représente parfaitement le tyran, surgissant toujours de manière inattendue dans le cadre, aux répliques cinglantes, et à la personnalité difficile à cerner. Presque vu de manière inhumaine et mécanique, il va jusqu’à encenser la souffrance physique du jeune Andrew. Avec des plans serrés sur ces visages crispés, ces muscles tendus et ces gouttes de sueurs que l’on ne peut discerner de ces larmes, le spectateur ressent la douleur autant que la fierté d’Andrew.

Quant à Miles Teler, jeune révélation depuis Divergente et The Spectacular Now, il se surpasse pour Whiplash. Pratiquant la batterie depuis ses 15 ans, il joue réellement lors des scènes de solo. C’est donc bien son sang qui est versé et de véritables ampoules que l’on voit crever sous nos yeux. Le personnage d’Andrew, en recherche désespérée d’attention et d’approbation, rentre alors dans ce cercle pervers d’humiliation et de torture physique pour se faire accepter par Fletcher. Il s’impose d’être le meilleur, dans une cadence inhumaine de répétition, prêt à mourir pour mériter sa place de batteur officiel. Dans la scène de performance finale, les deux personnages sont en osmose dans le cadre, avec un jeu d’échange de regard, digne d’un match de tennis qui décrit parfaitement leur relation compétitive. Ils deviennent également liés dans le récit, à travers leur montagne russe, du succès à la déchéance.

Le succès au gout du sang
On adhère, ou pas, face à ce discours sur la réussite, prouvant qu’en nous donnant corps et âme dans notre but, notre passion, jusqu’à même sacrifier notre entourage, on parvient au succès. Mais ce mérite reste tout de même fragile, comme le montre le film dans un véritable jeu du chat et la souris entre Fletcher et Andrew. Avec l’intérêt du professeur qui peut alors passer d’un élève à l’autre, dans un but de stimulation de la compétition chez Andrew. Le récit dépeint cruellement la réalité du milieu du show business où le succès est éphémère. Au bon vouloir, de ce Dieu du Jazz, Andrew détient les baguettes, comme objet de torture, puis perd ce titre.

Film de Jazz moderne
Au delà du discours sur le succès, le film nous plonge dans l’univers doucereux et rythmé du Jazz. Avec cette esthétique dorée, brune et noire, la lumière donne aux instruments dorés un contraste avec le fond obscur des salles de concert, ce qui augmente cette ambiance à la fois électrique et rassurante.

Avec un regard très actuel, la question de l’héritage du jazz se pose face au désenchantement de ce genre musical. Le film alors prend notre âme musicale aux tripes, accélère notre rythme cardiaque vibrant au tempo des caisses. Jusqu’à la dernière scène, d’apothéose, on est soulevé. Le rythme de notre souffle se fait en accord avec celui du montage. Tout du long, on est mené à la baguette, sans jamais être confortablement installé. On finit à bout de souffle et c’est ce qui fait la beauté du film.

Le film est un une réussite tant filmique que musicale, réinventant le film sur le jazz. Avec une performance merveilleuse des acteurs, et une œuvre étonnamment bien orchestrée par Damien Chazelle, Whiplash sublime nos sens et désynchronise notre myocarde.

Whiplash : Bande-annonce (VOSTFR)

Whiplash : Fiche Technique

Réalisateur : Damien Chazelle
Scénariste : Damien Chazelle
Interprétation : Miles Teller (Andrew), J.K. Simmons (Fletcher), Paul Reiser (Jim), Melissa Benoist (Nicole), Austin Stowell (Ryan), Nate Lang (Carl)
Directeur de photographie : Sharone Meir
Musique : Justin Hurwitz
Montage : Tom Cross
Producteurs : Jason Blum, David Lancaster, Helen Estabrook…
Production : Bold Films, Blumhouse Productions, Right of Way Films
Genre : Drame, Musicale
Durée : 1h 47min
Date de sortie : 24 décembre 2014

Etats-Unis – 2014

Critique Comment tuer son boss

Synopsis : Lassés de devoir se plier aux consignes de leurs supérieurs, Nick, Dale et Kurt décident de monter leur entreprise pour ne plus avoir de patrons. Mais un investisseur habile les prive soudain de capital. Sans ressources, ni recours juridique, nos trois apprentis entrepreneurs mettent au point un plan foireux, consistant à kidnapper le fils de l’investisseur et à exiger une rançon afin de pouvoir reprendre le contrôle de leur entreprise.

Un bon trio dans une suite financière

Après Dumb and Dumber De, la comédie US nous livre une nouvelle suite, Comment tuer son boss 2, à la différence qu’il ne s’est pas écoulé 20 ans pour qu’elle voit le jour, mais seulement 3 ans. Comment tuer son boss avait surpris en s’imposant au box-office, mais à première vue, une suite n’avait pas lieu d’être. De ce fait, l’inévitable question se pose: cette suite est-elle artistique ou financière ?

La réponse est facile, la motivation est purement financière. Le film a peu d’ambition et ressemble à un copier/coller. Les différences sont minimes, on remplace Colin Farrell par Chris Pine, Kevin Spacey par Christoph Waltz et le meurtre, par un kidnapping. La recette marchait bien dans le premier épisode, beaucoup moins cette fois-ci.

La principale qualité du film est son casting. Le trio Jason Bateman, Charlie Day et Jason Sudeikis, fonctionne toujours aussi bien. Mais c’est aussi son défaut. La faute à la trop grande liberté qui leur est offerte, en improvisant régulièrement sous la caméra de Sean Anders, le point très faible de l’ensemble.

Sean Anders remplace Seth Gordon à la réalisation, on lui doit le long et ennuyeux Crazy Dad avec Adam Sandler et Andy Samberg en 2012. C’est aussi un scénariste peu inspiré, ne faisant jamais preuve de finesse et se contentant de taper sous la ceinture. On lui doit aussi le scénario de Dumb and Dumber De, dont on retrouve les mêmes faiblesses : manque de rythme, de personnages forts et de scènes inoubliables.

Même si Jennifer Aniston est toujours aussi irrésistible, Sean Anders a surtout eu envie de lui faire dire le plus d’insanités possibles, sans penser à construire, à justifier ses envolées verbales, certes jouissives, mais tombant au final à plat. Il en est de même avec Kevin Spacey et Christoph Waltz, deux personnages pour un même rôle. En n’innovant pas, on se retrouve avec ces deux acteurs talentueux sous-utilisés, devant se débrouiller avec des miettes. Pire encore, le cas Jamie Foxx, n’apportant plus grand chose, semblant être juste là pour cachetonner. Enfin Chris Pine, digne successeur de Colin Farrell, mais qui a plus d’importance, transformant le trio en quatuor, le seule vraie nouveauté d’un film qui ronronne et se regarde le nombril, en espérant que le tiroir-caisse se remplisse sur le souvenir du premier épisode.

Comment tuer son boss 2 tente d’écorner le rêve américain, avec le mythe du self made man, en faisant preuve de cynisme. Mais cela reste léger et surtout, en prenant l’apparence de Christoph Waltz, un acteur allemand naturalisé autrichien, elle n’assume pas jusqu’au bout, son semblant de critique sur le capitalisme sauvage américain. Ce semblant de critique sociale, sert juste d’excuse pour lancer le trio dans une nouvelle aventure rocambolesque, qui était inévitable et donc trop prévisible.

Ce fameux trio, a beau resté l’attraction principale du film, ils n’en restent pas moins en deçà, de leurs performances dans le premier épisode. Jason Sudeikis étant la principale victime de la présence de Chris Pine, qui vampirise la complicité de ces trois-là. Ils sont en roue libre, Charlie Day enchaînant les crises et les bourdes avec talent, entraînant avec lui ses deux acolytes, dans un concours de stupidités, parfois amusantes et souvent fatigantes. Il n’en reste pas moins, que son abattage permet de rendre l’ensemble moins indigeste, sauf si on est allergique à son talent comique, mais si vous en êtes fan depuis It’s always sunny in Philadelphia, il continuera de vous enthousiasmer. Il en va de même pour Jason Bateman, plus sobre, dans un rôle proche de celui dans Arrested Development, en étant celui qui semble être un peu plus réfléchi, mais juste un peu.

Après son succès surprise, une suite était inévitable. la réussite n’est malheureusement pas au rendez-vous, en n’offrant qu’une resucée sans originalité, le film y perd de sa folie et spontanéité. C’est un film de potes, à voir entre potes, comme Dumb and Dumber De, This is the end ou 22 Jump Street, ce n’est pas désagréable, on passe malgré tout un bon moment, juste un bon moment.

Bande annonce VOST Comment tuer son boss 2

Fiche technique : Comment tuer son boss 2

Horrible Bosses 2
USA – 2014
Réalisation : Sean Anders
Scénario : Sean Anders et John Morris
Distribution : Jason Bateman, Charlie Day, Jason Sudekis, Jennifer Aniston, Chris Pine, Jamie Foxx, Christoph Waltz, Kevin Spacey et Jonathan Banks
Musique : Christopher Lennertz
Photographie : Julio Macat
Montage : Eric Kissack
Producteurs : Brett Ratner et Jay Stern
Sociétés de production : New Line Cinema et Rat Entertainment
Société de distribution : Warner Bros
Durée : 108 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie française : 24 décembre 2014

Critique Charlie’s Country:

 Synopsis : Charlie est un ancien guerrier aborigène. Alors  que le gouvernement amplifie son emprise sur le mode de  vie traditionnel de sa communauté, Charlie se joue et déjoue des policiers sur son chemin. Perdu entre deux cultures, il décide de retourner vivre dans le bush à la manière des anciens. Mais Charlie prendra un autre chemin, celui de sa propre rédemption.

This land is mine  

Dans la lignée de Ten Canoes, un autre film de Rolf de Heer présenté à Cannes en 2006, Charlie’s Country est un film thématique sur les aborigènes d’Australie qui ne va pas dévier de son propos du début à la fin. C’est sa force et sa faiblesse. Lorsqu’ils sont dans le bush, les aborigènes sont silencieux, taiseux, en communication profonde avec la nature, et si l’on veut comme Rolf de Heer, raconter une fiction sur cette base, l’aventure peut devenir rapidement compliquée.

Retrouvant David Gulpilil une nouvelle fois, l’iconique aborigène qui a joué dans certains de ses films, Rolf de Heer co-écrit cette fois-ci avec lui le scénario : cette histoire de Charlie, dans laquelle l’acteur a mis beaucoup de sa propre histoire. Cette histoire relate la difficulté de Charlie et de son peuple à trouver leur place dans une société anglo-australienne qui n’est pas la leur, alors que leur mode de vie ancestral n’est plus accessible.

Charlie vit seul, ne souhaitant pas se soumettre à la promiscuité engendrée par l’indigence des logements octroyés par le gouvernement. Il ne semble pas avoir d’activité connue, si ce n’est d’être « tracker » pour le compte de la police locale, en mettant sa connaissance parfaite du bush au service de la loi pour traquer les délinquants de tous genres. Il est même vaguement ami avec Luke, l’un de ces policiers, dans une sorte de relation d’amour haine, d’incompréhension mutuelle, (le « Black bastard » répondant à un « White bastard » en guise de salutations en disant peut-être plus long qu’une simple blague potache).

Vivant en marge de la société, il fait l’effort de s’y conformer en demandant un logement qu’on lui refuse, sur sa propre terre comme il dit. Partant à la chasse avec son ami, il se fait confisquer armes et gibier. Se sentant pris au piège de cet entre-deux inconfortable, dans ce no man’s land peu accueillant, il se radicalise et retourne vivre dans le bush comme ses ancêtres.

Présenté dans la section « Un Certain Regard » du festival de Cannes 2014, Charlie’s Country est porté par l’interprétation de David Gulpilil, récompensé du prix du meilleur acteur. Dans quasiment tous les plans, il a le regard intense et mystérieux d’une personne habitée. Habitée dans le début du film par l’indignation et la colère, la colère face à ce qu’il vit comme une spoliation de sa terre et de ses droits. Quand il part dans le bush au contraire, le voilà, seul, semblant en paix avec lui-même, avec les chants des oiseaux et des insectes comme seul environnement sonore, pêchant le barramundi à la lance et le cuisant au feu de bois, dans une sorte d’allégresse qu’il souhaite partager avec le poisson lui-même. Le regard d’un personnage et surtout d’un acteur qui semble nous inviter à pénétrer à travers lui dans une partie enfouie de lui-même.

Le film met clairement en exergue le point de vue des aborigènes, la condescendance des blancs à leur égard, et les ravages de l’assimilation forcée dont ils font l’objet depuis 200 ans. Avec l’alcool, cette « rivière d’alcool » comme disent les politiciens australiens en place,  l’alcool comme origine et finalité de tout. Charlie lui-même y succombe au soir de sa vie, comme un pied-de-nez adressé à ces « autres » australiens qui veulent le dépouiller de sa vie, de lui-même. Ces autres australiens, qui prennent soin de lui aussi, quand c’est nécessaire.

Charlie’s Country est simple et linéaire. La nature même de l’histoire de Charlie veut ça, une vie sans histoire, une vie comme en sidération, due à un choc violent pour cet homme issu d’un peuple tribal et pluri-millénaire, jeté violemment dans une culture occidentale incompréhensible, dont à ce jour les aborigènes ne se remettent toujours pas. De là résulte une certaine langueur qui nuit au rythme du film. Il n’est pas non plus filmé de la manière la plus adroite : ainsi, des scènes se répètent en boucle sans apporter la moindre plus-value au déroulement de l’histoire. Plutôt que de rehausser son propos, ces scènes répétitives au contraire affadissent et diluent le contenu de son film.

Mais au-delà de la forme, le fond de Charlie’s Country incite le spectateur à se poser au moins le temps du film, pour épouser les difficultés de cette communauté aborigène dans sa vie quotidienne. Rolf de Heer montre les blancs et les noirs dans leurs conditions respectives, sans animosité ni envers les uns, ni envers les autres, tel ce médecin de Darwin qui soigne Charlie d’un problème pulmonaire, et qui lui demande la permission de l’appeler uniquement Charlie, car dit-il, il n’a pas l’habitude avec « ces noms étrangers », en parlant du patronyme aborigène de l’autochtone Charlie… Une scène qui résume tout, la bonne et la mauvaise foi dans la même personne, l’incompréhension qui ne peut qu’exister entre deux parties de la population qui se sentent autant australiennes l’une que l’autre.

Charlie’s country est un film émouvant qui pêche cependant par un manque de nerf dans la mise en scène. La performance de son acteur principal qui parvient à nous emmener dans son univers aborigène mérite pourtant plus qu’un détour.

Charlie’s Country de Rolf de Heer – bande-annonce

Fiche Technique : Charlie’s Country

Titre original : Charlie’s Country
Réalisateur : Rolf de Heer
Genre : Drame
Année : 2014
Date de sortie : 17 Décembre 2014
Durée : 108 min.
Casting : David Gulpilil (Charlie), Peter Djigirr (Black Pete), Luke Ford (Luke)
Scénario : David Gulpilil, Rolf de Heer
Musique : Graham Tardif
Chef Op : Ian Jones
Nationalité : Australie
Producteur : Peter Djigirr, Rolf de Heer, Niels Erik Nielsen
Maisons de production : Bula’bula Arts Aboriginal, Vertigo Productions
Distribution (France) : Nour Film