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En une seule année le jeune réalisateur Jeff Nichols avait réussi à imprimer sa marque dans nos yeux de cinéphiles. 2012 qui a vu sortir sur les écrans Take Shelter juste avant une sélection officielle au festival de Cannes de Mud a suffi à consacrer Nichols au rang de grand auteur.

Synopsis : Fuyant d’abord des fanatiques religieux et des forces de police, Roy, père de famille et son fils Alton, se retrouvent bientôt les proies d’une chasse à l’homme à travers tout le pays, mobilisant même les plus hautes instances du gouvernement fédéral. En fin de compte, le père risque tout pour sauver son fils et lui permettre d’accomplir son destin. Un destin qui pourrait bien changer le monde pour toujours.

Enfant du troisième type

Avec sa capacité à filmer les paysages du sud des États-Unis comme de véritables personnages, le cinéaste renouait avec une tradition southern gothic chère à Terrence Malick et autrefois Charles Laughton (La Nuit du chasseur). C’est dire si son quatrième long-métrage était attendu, surtout après avoir déclaré son désir de lorgner du côté de la science-fiction.

Midnight Special commence sur les chapeaux de roues, en l’occurrence celles d’une voiture lancée à toute allure feux éteints dans la nuit des petites rues texanes. Les informations arriveront petit à petit. Nous sommes en fuite avec les kidnappeurs d’un enfant, dont l’un se révèle être le père biologique de celui-ci. Discrètement caché sous les couvertures muni d’improbables lunettes de piscine bleues le petit garçon dénommé Alton suit aveuglement son père et son ami, traqués par le FBI. En attendant un agent de la NSA enquête et découvre les pouvoirs surnaturels du garçon.

Le récit est mené tambour battant. L’intrigue n’a qu’une seule direction, le point de chute des personnages, l’endroit où doit être emmené Alton. On n’en sera pas plus sur ce mystérieux ranch transformé en secte par la grâce du jeune homme, ni sur ce père adoptif déterminé à tout pour récupérer son enfant. Tous les éléments qui ne suivent pas la cadence sont éliminés. Jeff Nichols semble être obnubilé par la traque, laissant de côté tout le merveilleux que revêt son histoire. On peut s’en attrister mais cette focalisation sur la course-poursuite permet le fantastique, là où des événements surnaturels (les pouvoirs d’Alton) surgissent dans un environnement naturel (celui de la traque à travers les routes du sud des États-Unis).

Ce quatrième film amorce un nouveau changement dans l’œuvre de Jeff Nichols. S’éloignant des références trop appuyées aux réalisateurs du sud-est des États-Unis, c’est davantage vers l’Ouest que le cinéaste puise désormais son inspiration. Et plus précisément vers Hollywood où il tourne pour la première fois. Ce n’est plus Terrence Malick comme dans Shotgun Stories son premier film mais Steven Spielberg qui transpire dans chacun des plans de Midnight Special. La trajectoire de l’intrigue, jusqu’au lieu de friction entre deux mondes, fait instantanément penser à Rencontre du Troisième Type. La convergence des personnages vers le monolithe du Wyoming chez Spielberg rejoint la course de Roy et Lucas vers les origines d’Alton. Et comment ne pas penser à François Truffaut avec Paul Sevier, cet agent de la NSA joué par Adam Driver qui découvre tous les événements de l’extérieur, un substitut malin au spectateur qui débarque aussi dans cette histoire sans rien savoir.

L’acharnement des parents d’Alton pour ramener leur fils d’où il vient est aussi très proche de celui d’Elliott emportant E.T. sur son vélo. Ici aussi les pouvoirs surnaturels de l’extraterrestre aidaient les protagonistes sur leur route, un envol de bicyclettes chez Spielberg, une destruction de satellite chez Nichols. Le réalisateur marche ouvertement sur les traces de Spielberg sans pour autant laisser de côté sa Louisiane et son Texas. On peut malgré tout regretter que les paysages, qu’il ne filme quasiment pas, ne jouent pas un rôle aussi déterminant que dans ses précédents films.

À chaque nouvelle oeuvre, Jeff Nichols a su lever son cinéma d’un cran. Avec Midnight Special, nul doute que le réalisateur ne franchit pas un nouveau palier mais se plait à expérimenter tout autre chose, en l’occurrence le fantastique. Pas de quoi nous impressionner pour autant, mais suffisamment pour nous étonner, avec un film à la hauteur de son talent naissant.

Midnight Special de Jeff Nichols : Bande-annonce

Midnight Special : Fiche Technique

Réalisateur : Jeff Nichols
Auteur : Jeff Nichols
Casting : Michael Shannon, Jaeden Lieberher, Joel Edgerton, Adam Driver, Kirsten Dunst, Sam Shepard
Chef opérateur : Adam Stone
Chef décorateur : Chad Keith
Monteur : Julie Monroe
Musique : David Wingo
Producteurs : Sarah Green, Brian Kavanaugh-Jones
Distributeur : Warner Bros.
Durée : 111 min.
Genre : Aventure, Science fiction, Drame
Date de sortie : 16 Mars 2016

États-Unis – 2016

Dominik Moll avait fasciné l’auditoire avec son Harry, un ami qui vous veut du bien, se plaçant rapidement dans la cour des réalisateurs n’ayant plus besoin de faire leur preuve. Et pourtant, cela faisait depuis 2011 qu’il n’avait pas réalisé de long-métrage, son dernier retraçant l’histoire d’un moine incarné par Vincent Cassel.

Synopsis : Philippe Mars, ingénieur informaticien divorcé, essaye tant bien que mal de mener une vie tranquille, entre un fils collégien devenu subitement végétarien, une fille lycéenne obsédée par la réussite, une soeur artiste peintre aux oeuvres terriblement impudiques et une ex-femme qui bosse à la télé… L’irruption accidentelle de Jérôme, un collègue légèrement perturbé, achève de transformer son existence en chaos. Mais dans un monde qui a perdu la raison, la folie est-elle vraiment si mauvaise conseillère ?

Appartement Mars, terre d’asile

Pour son retour sur le grand écran, le réalisateur s’offre des acteurs et actrices de choix, en vogue, aimés du grand public.
C’est aussi la première collaboration à l’écran entre François Damiens et Vincent Macaigne, et c’est un véritable plaisir. Les deux acteurs jouent dans la même cour : un jeu plus ou moins absurde, décalé, qui ne cesse de nous surprendre à chaque instant. Par un scénario poétique, troublant, a l’atmosphère vraiment singulière, Dominik Moll parvient à faire jaillir le meilleur de ses acteurs. Ainsi, tout le monde est logé à la même enseigne, et chacun parvient à s’immiscer dans son rôle de la meilleure des façons. Les deux jeunes, Jeanne Guittet et Tom Rivoire, qui interprètent les enfants de François Damiens, excellent et prouvent qu’ils en ont dans le moteur, bien que le personnage de Sarah Mars soit plus approximatif que celui de son frère. Veerle Bartens, récemment vue dans Un début prometteur, et bientôt à l’affiche de Les Ardennes, campe un personnage bien plus intéressant que sa dernière prestation.
Chloé est un personnage que l’on aime détester. Elle nous agace, on ne souhaite éprouver aucune considération pour elle et pourtant, il y a ce petit truc qui nous fait avoir de petits moments d’affection pour elle. Les quelques apparitions de Michel Aumont et Catherine Samie apportent une sensibilité en parfait contraste avec la certaine dureté que s’inflige Philippe Mars.
Pour en finir, le duo principal est donc finement choisi, les deux acteurs parviennent à accorder leur violon. Vincent Macaigne nous cantonne à l’idée qu’une belle carrière s’offre à lui. François Damiens continue de prouver qu’il est plus qu’un acteur de comédie, qu’il sait traverser les différents styles cinématographiques, en parvenant à toujours être convaincant.

Il est bon de re-considérer Des nouvelles de la planète Mars. Le scénario de Dominik Moll n’est pas celui d’une simple comédie. Certes, on rira de bon cœur, notamment avec la relation père/enfant ou celle entre collègues de travail, tant l’humour est absurde et les répliques parfois finement trouvées, et les réparties désopilantes, mais la certaine folie qui se dégage nous fait éprouver une empathie pour les personnages qui constitue toute la beauté du film.
Ainsi, on aimera s’éprendre des projets fous et végétariens des enfants, en accord avec Chloé et Jérôme, et pourtant, on soutiendra Philippe Mars, pour qui la vie n’est pas toujours facile. Jérôme nous agace, on voit en lui la pire des sangsues, l’envie de l’égorger nous vient quand il fait du mal à Philippe Mars et pourtant, impossible de ne pas être attendri par ce personnage en constante quête de soi. Toutefois, des interrogations qui restent sans réponse peuvent déstabiliser le spectateur. On aimerait tout savoir, comprendre toutes les relations entre les personnages, leurs ambitions, et pourtant, des légers flous viennent brouiller un ensemble extrêmement agréable.
Des nouvelles de la planète Mars est un conte poétique, tantôt pour adultes, tantôt plus enfantin, et s’avère être un long-métrage bien plus compliqué à cerner que l’image qu’il dégage.
Les touches de grâce sont nombreuses, certaines transcendent le spectateur. Le réalisateur perd ce dernier entre rêve et réalité. Alors que la nuit sera calme, François Damiens nous apparaitra en astronaute, sorte de rêve absolu, mais le rêve n’est-il pas continu avec l’apparition de ses parents ? Ou avec le dialogue entre Léa Drucker et François Damiens, par média interposé ?

Des nouvelles de la planète Mars est une des réussites de ce mois de mars. Par une réalisation intimiste, un scénario touchant et des interprétations soignées et profondes, les acteurs et le réalisateur apportent toute crédibilité à un conte merveilleux et drôle. Même si certaines touches humoristiques sont plus ou moins prévisibles, le nouveau long-métrage de Dominik Moll est à inscrire dans les réussites filmiques de ce début d’année.

Des nouvelles de la planète Mars : Bande-annonce

Des nouvelles de la planète Mars : Fiche technique

Réalisation : Dominik Moll
Distribution : François Damiens, Vincent Macaigne, Veerle Baetens, Michel Aumont, Léa Drucker
Scénario : Dominik Moll et Gilles Marchand
Musique : Adrian Johnston
Montage : Margot Meynier
Photographie : Jean-François Hensgens
Décors : Emmanuelle Duplay
Producteur : Michel Saint-Jean
Production : Diaphana Films, Artemis Production et France 3 Cinéma
Distribution : Diaphana Distribution
Durée : 101 minutes
Genre : Comédie

France/Belgique – 2016

[Il n’y a pas à dire, J.J. Abrams a le chic pour monter des projets dans le secret le plus absolu avant de diffuser sur la toile des teasers sortis de nulle part, créant de véritables séismes sur le web. On se rappelle qu’à l’époque du premier Cloverfield, le premier teaser montrait Manhattan attaqué par une force inconnue avant que la tête de la Statut de la Liberté ne soit propulsée à travers les rues new-yorkaises. 

Synopsis: Une jeune femme se réveille dans une cave après un accident de voiture. Ne sachant pas comment elle a atterri dans cet endroit, elle pense tout d’abord avoir été kidnappée. Son gardien tente de la rassurer en lui disant qu’il lui a sauvé la vie après une attaque chimique d’envergure. En l’absence de certitude, elle décide de s’échapper..

Autour de ce mystérieux film, la communauté 3.0 s’interroge et tente de résoudre le mystère. S’ensuivra un nombre faramineux d’hypothèses pour un film dont l’attente devenait insoutenable. Bref, Cloverfield est un coup marketing parfait. Abrams réitèrera le même procédé viral avec Super 8. Film d’invasion filmé en found-footage, Cloverfield est le résultat d’une équation imparable où le Projet Blair Witch aurait rencontré Godzilla. Un parti-pris implacable pour le spectateur qui se retrouve immergé dans l’action aux côtés des protagonistes du film, sans compter que le procédé est plutôt bien maîtrisé à l’époque par son réalisateur Matt Reeves. Avec son rapport de destruction à la ville et de panique générale qui renvoie inexorablement à la tragédie du 11 septembre 2001, Cloverfield est un film qui parle évidemment à grand monde, mais surtout à la communauté geek pour son approche lovecraftienne d’un monstre venu des mers. Nombreux sont ceux à réclamer une suite depuis des années. Quelques semaines seulement après le carton planétaire qu’a été le septième opus de la franchise Star Wars dirigé par J.J. Abrams, ce dernier dévoile dans la surprise générale une bande-annonce sur une suite affiliée à Cloverfield, intitulée 10 Cloverfield Lane. Dans un premier temps, le titre du film était même The Cellar, pour ne pas alerter l’existence d’une suite à Cloverfield, laissant le film se faire dans le plus grand secret. Entraînante et mystérieuse, cette bande annonce a su piquer au vif la curiosité des internautes pour qui J.J. Abrams est officiellement devenu le gourou des geeks. Mais fini le found-footage, les personnages du premier opus et l’immensité de Manhattan, 10 Cloverfield Lane se déroule dans un bunker avec trois nouveaux personnages qui tentent de survivre à la catastrophe nucléaire qui achevait Cloverfield. Pas sûr que ce soit suffisant pour justifier l’idée d’une suite.

Anti sequel

Clairement, 10 Cloverfield Lane s’assume comme fausse suite à Cloverfield. Ce n’est pas une situation nouvelle dans le domaine de la production cinématographique. Les succès ont toujours engendré des suites, parfois bien plus éloignées du récit initial. Mais ici, elle prend des formes inadéquates tant la société Bad Robot a clairement voulu donner l’illusion d’une continuité ou d’un spin-off, ce qu’elle n’est pas exactement. On en vient donc à s’interroger sur cette stratégie d’un film qui prétend reposer sur une licence alors qu’au fond, aucun élément n’y est concrètement lié. D’où sortent ces vaisseaux absents du premier opus ? Quel est ce nouveau monstre terrestre qui ne ressemble aucunement aux insectes qui attaquaient les héros du précédent film ? Qu’en-est-il du procédé found-footage qui apportait une dimension immersive bienvenue ? Tout ici transpire l’opportunisme commercial. Loin de là l’idée de proposer du fan-service pour contenter les adorateurs du premier volet mais apporter une cohérence plus légitime à cette suite aurait été autrement plus intéressante. Certes, il est toujours réjouissant de voir ce que donne un autre récit prenant place dans un même univers (cf. Fear the Walking Dead) car cela permet aux créateurs de la saga de proposer différents genres cinématographiques. Ici, si l’intrigue se déroule dans l’univers post-nucléaire du premier opus, c’est vers le thriller cloisonnant que lorgne le récit. Ce qui n’est pas pour déplaire mais perd ainsi tout intérêt spectaculaire (imaginez que la suite de Pacific Rim se déroule dans un appartement haussmannien), et entache de plus l’effet de surprise (le suspense sur l’existence d’une catastrophe nucléaire règne alors que nous spectateur savons qu’elle a vraiment eu lieu). Ainsi, 10 Cloverfield Lane pourrait porter un tout autre titre et ne pas être lié à Cloverfield. D’ailleurs, le scénario a initialement été écrit par Josh Campbell et Matthew Stuecken qui avaient rédigé une première version d’une histoire classique de séquestration avant que Damien Chazelle (Whiplash) ne les rejoigne, et réécrive le script dans l’univers de Cloverfield. Donc clairement, aux origines du projet, il n’était nullement question de donner une suite à Cloverfield (même si elle a toujours été en discussion selon les dires d’Abrams). Mais là évidemment, cela soulève d’autres interrogations quant au risque financier du projet. Car la marge d’erreur est forcément moindre dès lors qu’on se rattache à une licence préexistante, à l’inverse de proposer un contenu nouveau et donc risqué.

Comme le premier opus, J.J. Abrams est à la production (comme Matt Reeves) mais c’est Dan Trachtenberg qui est chargé de mettre en boîte cette suite. Remarqué avec Portal : No Escape, un court métrage impressionnant sur l’univers de Portal (qui contient d’ailleurs quelques points communs avec le point de départ de 10 Cloverfield Lane), cet ancien publicitaire réalise donc son premier long métrage et montre d’évidentes qualités de mise en scène. Du minimalisme de l’intrigue, Trachtenberg en tire le meilleur. Il sait être juste et ne jamais abuser des moyens auxquels il peut désormais avoir accès. Le huis-clos est oppressant quand les relations entre les protagonistes sont tendus autant qu’il s’avère confortable dès lors que les conflits sont résolus. Cette humilité se traduit à l’écran par une volonté de suggestion plutôt que de démonstration. Et c’est ce qui magnifie la performance des acteurs qui tiennent le film sur leurs épaules, et ont l’opportunité de construire une identité survivaliste nuancée à leurs personnages. Tout en justesse, Mary-Elisabeth Winstead incarne un personnage féminin qui va se battre pour survivre et fuir les problèmes qu’elle a toujours accumulés dans sa vie. Le complexe John Goodman est particulièrement intense dans ce rôle d’un scientifique névrotique et inquiétant. Il lui donne toute l’épaisseur nécessaire pour le rendre crédible et nuancé sans tomber dans une caricature grotesque. Enfin, John Gallagher Jr. (State of Grace) complète ce trio en apportant sa bonne humeur et son visage jovial de trentenaire paumé sympathique.

Il y a donc au sein de ce projet une équipe formidable qui donne à ce thriller SF une saveur agréable. Les premiers retours américains ont souligné la bonne tenue d’un drame étouffant. Mais il faut reconnaître que si le traitement s’avère efficace, il n’y a pas de quoi s’enthousiasmer pour une trame qui reprend certains poncifs du genre et tente vainement de nous surprendre. On revient à cette adage qui dit que l’homme est un loup pour l’homme, et encore plus ici puisqu’il est une menace autrement plus intime qu’un monstre extraterrestre. D’ailleurs le monstre qui avait tant fait jaser dans le premier opus (en bien comme en mal), qu’en-est-il ? Il n’a tout simplement rien de commun avec son prédécesseur puisqu’il est intégré à un vaisseau spatial (!!), semble avoir perdu en taille et les petites créatures terrestres qui l’accompagnent ressemblent désormais à d’énormes chiens gluants. Ces ultimes différences dans le traitement ruinent indiscutablement l’idée que 10 Cloverfield Lane est une suite. Mais à grands coups de sabot dans son dernier acte, 10 Cloverfield Lane veut bien nous dire qu’il partage le même univers et déploie un arsenal d’effets spéciaux pour bien faire passer le message. Sans intérêt par rapport à l’efficacité des tensions qui régnaient au sein de ce bunker.

Au final, 10 Cloverfield Lane est un passe-temps convenable mais bien dispensable dans le contexte dans lequel il est vu, à savoir un film en lien avec la (déjà) franchise Cloverfield. Il est clair que ça ne révolutionne en rien le genre. Pire, ça en devient presque une arnaque par rapport aux attentes générées par le premier opus. Le plus frustrant vient également de son twist, qui aurait été tellement plus efficace dans un film à l’univers différent et qui s’avère ici n’être qu’un pétard mouillé sans saveur. De la sorte, 10 Cloverfield Lane interroge donc directement sur l’intérêt de son existence puisqu’il demande inconsciemment au spectateur de savoir jusqu’à quel point il peut accepter l’idée d’une suite, donc jusqu’à quel moment elle peut se définir comme œuvre d’une licence, sachant qu’il y a de très bons arguments économiques dans la balance, et quand bien même on ne retrouve qu’une infime partie de son ADN. La question mérite d’être posée, comprendra ses adeptes et ses détracteur. Peu importe dans le camp dans lequel vous vous retrouverez, mais soyez sûr que si le succès est à nouveau au rendez-vous, J.J. Abrams n’en a pas encore fini avec cette poule aux œufs d’or.

10 Cloverfield Lane : Bande-annonce

10 Cloverfield Lane : Fiche Technique

Réalisation : Dan Trachtenberg
Scénario : Josh Campbell, Matthew Stuecken, Damien Chazelle
Interprétation : John Goodman (Howard), Mary Elizabeth Winstead (Michelle), John Gallagher Jr. (Emmett), Douglas M. Griffin (Driver), Suzanne Cryer (Woman), Bradley Cooper (Ben)…
Photographie : Jeff Cutter
Décors : Ramsey Avery
Costume : Meagan McLaughlin
Montage : Stefan Grube
Musique : Bear McCreary
Producteurs : J.J. Abrams, Bryan Burk, Bob Dohrmann, Ted Gidlow, Drew Goddard, Matt Reeves, Ben Rosenblatt, Lindsey Weber
Sociétés de Production : Bad Robot, Paramount Pictures, Spectrum Effects
Budget : 15 000 000 $
Récompenses : /
Genre : Drame, thriller, science-fiction
Durée : 103min
Sortie en salles: 16 mars 2016

Etats-Unis – 2016

Il est toujours difficile d’aller voir un film inspiré peu ou prou d’un fait divers connu. Notre cerveau, jamais en retard d’une cogitation, anticipe chaque scène en fonction de ce qu’il sait, et toute dérive par rapport à ce référentiel le perturbe considérablement. Room n’est pas inspiré d’un, mais de deux faits divers, tournant tous les deux autour d’un enlèvement sordide.

Synopsis: Jack, 5 ans, vit seul avec sa mère, Ma. Elle lui apprend à jouer, à rire et à comprendre le monde qui l’entoure. Un monde qui commence et s’arrête aux murs de leur chambre, où ils sont retenus prisonniers, le seul endroit que Jack n’ait jamais connu. L’amour de Ma pour Jack la pousse à tout risquer pour offrir à son fils une chance de s’échapper et de découvrir l’extérieur, une aventure à laquelle il n’était pas préparé…

Claustria

Alors, lorsqu’en plus, ce cerveau a été soumis à la lecture du puissant roman de l’écrivain Régis Jauffret, Claustria, fictionnalisant une de ces deux histoires dans un amassement de détails aussi terrifiants que précis, le laissant sur le carreau, il n’est pas précisément dans les meilleures conditions pour apprécier le film à sa juste valeur. Ou peut-être que si, finalement…

Pourtant, dès les premiers instants, le spectateur est saisi par l’ambiance très forte qui règne dans cette chambre qui abrite Ma (Brie Larson), une jeune adulte au milieu de sa vingtaine, et Jack (Jacob Tremblay), son jeune fils, son « mini-moi » aux cheveux aussi longs que les siens. Les premières scènes du film les surprennent en train de fêter les 5 ans de Jack. Assez vite, le décor est planté : le gâteau d’anniversaire n’aura pas de bougie, et le petit garçon n’aura pas de cadeau car « Old Nick » (qui signifie littéralement diable en anglais) n’en a pas ramené. Ma et Jack sont les prisonniers d’Old Nick (Sean Bridgers) dans cette chambre, un lieu que, comme tous les objets l’environnant (Table, Evier, Chaise n°1, Chaise n°2, et ainsi de suite), Jack appelle « Room », tout simplement « Room », dans un accès d’anthropomorphisme qui lui permet de se raccrocher à l’humanité dans sa vie de cloîtré… en effet, Jack est né en captivité, et jusque-là, sa mère s’est employée à lui faire croire que les limites du monde sont matérialisées par cette chambre.

La force de la première partie du film réside dans l’intense relation qui s’est tissée entre ces deux personnages, envers et contre tout. Capturée par son ravisseur (« old Nick » m’a volée, expliquera-t-elle à son fils) à la sortie de l’adolescence, elle a dû s’improviser éducatrice, amie, protectrice, seule référente pour son enfant.
Il est spectaculaire de la voir puiser dans ses réserves, taire sa propre souffrance pour, jour après jour, éduquer son fils selon une certaine routine, comme si tout était normal, comme si certaines nuits, quand Old Nick vient forcer son lit, pour des violences à répétition que le cinéaste garde intelligemment hors champ, elle ne devait pas enfermer son fils dans le placard.

La narration est faite à hauteur d’enfant, tout comme dans le roman d’Emma Donoghue qu’elle a elle-même adapté pour le film. Il est à souligner d’ailleurs qu’avec un matériau délicat comme c’est le cas ici, une certaine mise à distance par le biais d’un autre scénariste aurait été sûrement bénéfique. La voix-off de Jack émaille donc le film, et la chambre est filmée de telle manière qu’elle apparaît immense, à l ‘échelle de Jack, avec des points de vue complexes, des contre-plongées ou des plans verticaux sur le minuscule velux qui est leur seule ouverture vers « Dehors ». Comme le titre l’annonce, Room est le troisième personnage, une prison autant qu’un rassurant havre pour la mère et l’enfant, filmé comme un espace de vie où on essaie de rire, de manger, de se laver, de s’aimer, de vivre en somme selon Jack, de survivre plus certainement du point de vue de sa mère, Lenny Abrahamson ne s’attardant que peu sur la porte blindée qui les sépare du monde.

La deuxième partie du film, axée sur la résilience après la découverte de la cabane, est beaucoup plus contrastée. Bonne idée en elle-même, cette deuxième partie évite que le film ne se termine sur la libération dans une sorte de happy-end trop convenu. Elle contient des images très fortes comme par exemple la scène où la jeune femme retrouve une identité et retrouve ses parents en larmes qui remercient leur petit fils de leur avoir rendu leur fille (Jack a pris sa part d’une manière très bouleversante dans cette libération) : cette mise en écho de l’amour parental de Ma pour Jack avec celui que ses propres parents éprouvent envers elle est tout simplement lumineuse.

Mais même si beaucoup de choses sont évoquées dans cette partie, le film perd un peu de son intérêt. Le cinéaste est hésitant dans la manière de montrer cette résilience. Il introduit des plages de silence pour montrer la nouvelle vie de Jack et de sa mère dans ce monde devenu trop vaste et presque hostile. Mais plutôt que de se cantonner à ce parti pris, Lenny Abrahamson remplit ces silences par une musique trop mélodramatique et une voix-off insistante, voire des non-évènements qui affadissent complètement le propos. Et pourtant, il n’est jamais aussi percutant que dans ces moments où l’émotion submerge le spectateur uniquement par le jeu des acteurs, remarquable par ailleurs.

Il y a quelque chose de la toute jeune Quvenzhané Wallis des inégalables Bêtes du Sud Sauvage dans la performance de Jacob Tremblay, et le film lui-même fait penser par moments au métrage de Benh Zeitlin. Mais ici, le choix de casting est plus risqué, car le jeune acteur, plus âgé que son personnage, a une maturité qui manque par moments de crédibilité dans le contexte. Il n’empêche qu’il a parfaitement compris ce qu’on attendait de lui.

De son côté, Brie Larson, qui a raflé la mise dans les festivals et autres cérémonies de distinction avec ce rôle, nous rappelle cette Jennifer Lawrence depuis longtemps disparue que nous avons découverte dans le merveilleux Winter’s Bone de Debra Granik. Larson joue la carte de la sobriété, en cela respectueuse du personnage, et surtout des personnes réelles qui ont vécu ces horribles drames dont Emma Donoghue s’est inspirée. Deux acteurs irréprochables dans leurs partitions, donc, mais qui ne sauvent pas toujours le film de la menace planante du ratage, ce qui est d’autant plus décevant que le film démarrait avec une belle et intime histoire d’amour entre Jack et sa mère, un amour fusionnel et poétique. Un film à suivre malgré tout pour ses belles fulgurances émotionnelles.

Room : Bande annonce

Room : Fiche technique

Réalisateur : Lenny Abrahamson
Scénario : adaptation d’Emma Donoghue, d’après son propre roman
Interprétation : Brie Larson (Ma), Jacob Tremblay (Jack), Sean Bridgers (Old Nick), Joan Allen (Nancy), William H. Macy (Robert)…
Musique : Stephen Rennicks
Photographie : Dany Cohen
Montage : Nathan Nugent
Producteurs : David Gross, Ed Guiney, Andrew Lowe, Tessa Ross, Jeff Arkuss, Rose Garnett, Jesse Shapira
Maisons de production : Film4, Irish Film Board, Element Pictures, No Trace Camping, A24
Distribution (France) : Universal Pictures International
Récompenses : Très nombreuses récompenses pour Brie Larson, dont les plus importantes : Oscar, Golden Globe, BAFTA, Screen Actor Guild Awards…
Budget : 6,000,000 USD (Estimation)
Durée : 118 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 09 Mars 2016
Irlande, Canada – 2015

Le premier film de l’ancien journaliste Peter Landesman, Parkland, est injustement passé inaperçu en France malgré la présence d’acteurs populaires (Zac Efron, Billy Bob Thornton et Paul Giamatti). La faute en incombe à un sujet propre à l’inconscient collectif américain : le meurtre de JFK en 1963.

Synopsis : Pittsburgh, 2002. Le Dr Bennet Omalu est un neuropathologiste de médecine légale originaire du Nigéria. En pratiquant l’autopsie d’une ancienne star locale de football, il décèle un cas d’encéphalopathie traumatique chronique. Il constatera par la suite que plusieurs de ses coéquipiers souffrent du même syndrome. En voulant prévenir des risques de la pratique du football, il s’attire immanquablement les foudres de la ligue nationale.

Trop mou pour laisser des séquelles

Deux ans et demi plus tard, la même chose risque de se reproduire puisque, en s’inspirant d’un article paru dans GQ en 2009 -depuis développé sous la forme d’un roman- il signe un film traitant du football américain, ce sport qui, comme son nom l’indique sobrement, ne se pratique qu’aux Etats-Unis. Non pas que le sujet nous rende de facto hermétique à tout film qui lui serait consacré (on pense à l’excellent L’enfer du dimanche d’Oliver Stone), mais il se ferme invariablement un public international pour qui il est inconcevable que le football ne se joue pas avec les pieds (!). Toutefois, les résultats désastreux de ce Seul contre Tous au box-office américain (un chiffre d’affaire national qui ne rembourse qu’un tiers du budget initial !) est annonciateur d’un ratage retentissant. Mais alors pourquoi ce film hollywoodien porté par l’ancien prince de Bel-Air n’a pas su exciter la curiosité des spectateurs potentiellement fans de football américain ? D’une part, Will Smith a depuis longtemps cessé d’attirer les foules : son dernier film rentable, Men in Black 3, date de 2012 et n’était déjà commercialement pas à la hauteur des deux premiers opus, conséquence, selon beaucoup, d’une absence des écrans de quatre ans après Hancock. D’autre part, il s’agit d’un film à thèse qui remet en doute la sincérité de la sacro-sainte National Football League. Typiquement ce genre de polémique que les fidèles spectateurs du Superbowl n’ont pas envie d’entendre donc. Mais est-ce la seule raison de cet échec ?

Le réalisateur a tout mis en œuvre pour que son message soit enrobé dans une réalisation suffisamment tempérée pour laisser oublier à un public de yankees crédules le caractère subversif qu’il aurait pu avoir. C’est ainsi que le lanceur d’alerte qu’incarne Will Smith se retrouve transformé en un dévot chrétien et une incarnation du rêve américain. De la même manière, le récit de ce médecin légiste en lutte contre la puissante fédération sportive est parasité par un mélodrame mielleux terriblement convenu. Et pourtant, le public américain ne fut pas dupe : On ne touche pas à la NFL !  Au final, ce n’est donc qu’à une énième belle histoire vraie édulcorée à la sauce hollywoodienne que nous avons à faire. Les premières minutes annoncent pourtant une opposition prometteuse entre deux institutions, le football et la justice. Deux séquences dont le montage opposé –très « clipesque » pour l’un, beaucoup plus carré pour l’autre- laissent attendre un thriller juridique passionnant. Sauf que, pas de chance, la scène au tribunal n’aura servi qu’à introduire le personnage du docteur Bennett Omalu, le scénario n’allant plus jamais impliquer la justice dans l’affaire. C’est davantage vers un thriller que l’on qualifiera de « médical » que se dirige le long-métrage, incluant une part pesante d’explications, voire de vulgarisations scientifiques à défaut d’un quelconque suspense. Entre ses lourdeurs scénaristiques et son moralisme lourdaud, la charge politique sombre dans un discours insipide. Alors que la thématique assez fataliste qu’est le besoin de renoncer à ses idéaux pour s’insérer dans une société qui n’est pas la sienne aurait pu être très pertinente (peut-être autant que dans Zootopie !), et que la corruption des institutions américaines par un lobby tout-puissant avait elle aussi de quoi être mise en avant, le scénario leur préférera toujours les enjeux intimes de ce brave immigré. Pire que tout, en faisant constamment l’impasse faite sur les méthodes mafieuses de l’industrie sportive (on se contentera de deux coups de fils anonymes), le long-métrage semble clamer haut et fort son inoffensivité.

L’absence de parti-pris du réalisateur va également se ressentir dans sa mise en scène qui va abaisser ce qui aurait pu être un combat manichéen de l’intégrité face au pouvoir de l’argent, avec toutes les questions éthiques sous-jacentes, en un banal biopic très lisse. Tous les spectateurs qui ont pu reprocher à Spotlight de souffrir de son conformisme ne manqueront pas de déplorer le manque d’audace dont souffre ce Seul contre tous. Selon les codes hollywoodiens du genre, le héros est iconisé par une mise en scène plan-plan qui participe à la mollesse du propos. Mais le principal problème formel vient du manque de rythme dans le développement de cette intrigue maladroite qui rend très longues ces deux heures de film. De plus, la tendance à l’illustration dialectique et à une certaine dramatisation qu’apportent les nombreuses scènes de match participent pleinement à la lourdeur du processus narratif. Malgré les choix casting à priori attirants, la sous-exploitation des personnages secondaires limite leurs prestations. C’est en particulier le cas d’Alec Baldwin, dont le personnage souffre d’une caractérisation si peut subtile qu’il en devient un frein à l’approfondissement moral du film. On regrettera également que très bon Eddie Marsan soit limité à une unique apparition. Enfin, pour en revenir à Will Smith, son interprétation est très inégale : son faux accent ne l’empêche en rien d’être convaincant en médecin jusqu’au-boutiste, le déséquilibre entre ses mimiques et son stoïcisme forcé le rendent cependant moins crédible en lanceur d’alerte désintéressé en lutte contre des forces obscures qui le dépassent. Son retour en grâce n’est pas pour tout de suite…

A force de ne pas oser s’attaquer à sa cible -peut-être due à l’ingérence des studios-, Seul Contre Tous passe complètement à côté de son sujet, se contentant d’un récit convenu et aseptisé dont il devient flagrant que l’objectif a été vainement de toucher une Académie des Oscars généralement amatrice de telles histoires. Un constat dommageable quand on pense à la portée politique et à la réflexion sociale qu’auraient pu générer un traitement courageux de cette affaire.

Seul contre tous : Bande-annonce

Seul contre tous : Fiche technique

Réalisateur : Peter Landesman
Scénario : Peter Landesman, d’après l’article « Game Brain » de Jeanne Marie Laskas
Interprétation : Will Smith (Dr. Bennet Omalu), Gugu Mbatha-Raw (Prema Mutiso), Alec Baldwin (Dr. Julian Bailes), Albert Brooks (Dr. Cyril Wecht)…
Photographie :  Salvatore Totino
Montage :  William Goldenberg
Direction artistique : David Crank
Musique : James Newton Howard
Producteurs :  Elizabeth Cantillon, Giannina Facio, Ridley Scott2, Larry Shuman et David Wolthoff
Société production :  Scott Free Productions, The Shuman Company et Village Roadshow Pictures
Distribution (France) : Sony Pictures Releasing France
Récompenses : Hollywood Actor Award 2015 pour Will Smith
Durée : 122 minutes
Genre : Drame biopic
Date de sortie : 9 mars 2016

Etats-Unis – 2015