LeMagduCiné

Raconter ces moments fugitifs dans une vie où l’on est amené à cesser de se laisser porter par une confortable routine et où l’on doit faire des choix, c’est la trame de Selon Charlie.

Synopsis : Une ville au bord de l’Atlantique, hors saison. Trois jours, sept personnages, sept vies en mouvement, en quête d’elles-mêmes, qui se croisent, se ratent, se frôlent, se percutent et qui en se quittant, ne seront plus jamais les mêmes.

Le cœur des hommes

Nicole Garcia choisit pour cela de bâtir son film autour de sept hommes qui ne se connaissent pas mais dont les existences vont se heurter l’espace d’un instant. A travers les destinées de chacun d’entre eux, la réalisatrice explore différentes manières d’être un homme. Qu’un regard masculin soit porté sur un personnage féminin, cela confine au lieu commun tant les exemples sont nombreux, la réciproque en revanche est moins connue. A l’inverse du film documentaire qui s’appuie sur une situation existante et tisse autour d’elle sa narration, le cinéma de fiction crée – presque – une histoire ex nihilo. Cette contrainte nécessaire implique l’élaboration de protagonistes identifiables afin que leur appréhension ne vienne pas parasiter la fluidité de l’intrigue. Ainsi, à l’image de ce que ce qui s’est toujours fait dans les contes, les héros sont plus ou moins réduits à des personnages types lors de la phase d’exposition (tout l’intérêt résidant bien sûr dans la capacité à se départir de cette typicité). En multipliant par sept, Nicole Garcia prend le parti de proposer une vision fractionnée du genre masculin, au risque de ne pas toujours développer suffisamment chacun de ses protagonistes.

Le portrait est sans concession et s’attache surtout à décrire les revers de l’ambition, les blessures d’ego et les petites lâchetés du quotidien. Ce choix de réalisation, assez largement critiqué à la sortie du film en 2006, est concomitant de la volonté de placer les héros face à une situation charnière de leur vie qui amène à la résurgence de douleurs passées, et donc au dévoilement de faiblesses. La crise est un ressort scénaristique des plus fréquents, c’est finalement ce qui déclenche l’intrigue, ni plus ni moins. La décision d’associer personnages bancals et situation critique se justifie donc parfaitement ; il semble que les griefs viennent surtout du portrait peu flatteur que fait la réalisatrice de ce panel masculin. Chacun est juge… En outre, on peut regretter que les femmes de ce film soient reléguées au second plan. Leur présence physique à l’écran est faible, même si elles font pourtant partie intégrante de l’histoire (femme trompée ou mari cocu, maîtresse ou amant, les deux cas se retrouvent dans le film). En voulant filmer un portrait d’hommes, la cinéaste a négligé les rapports entre ses héros et les femmes qui partagent leur vie, et plus largement des rapports sociaux entre les êtres, qui sont peu mis en avant.

Établir un récit choral n’est pas une chose aisée : il s’agit de ne pas se perdre dans les ramifications d’une intrigue à plusieurs voix, au risque de tomber dans des longueurs narratives, ou à l’inverse de pécher par brièveté. Le scénario de Selon Charlie est habilement construit et évite ces écueils. Le film navigue en permanence de l’un à l’autre des sept, et tout ceci avec fluidité. Rien n’est gratuit, chaque heurt est maîtrisé et a une valeur particulière pour la suite de l’histoire. Tous les personnages n’ont pas la même importance, une hiérarchie pyramidale s’est mise en place pour souscrire aux exigences scénaristiques. Les rôles joués par Vincent Lindon, Patrick Pineau, Benoît Poelvoorde et Arnaud Valois viennent soutenir les interprétations de Jean-Pierre Bacri et Benoît Magimel. Ces derniers jouent respectivement Jean-Louis, le maire, et Pierre, le professeur de SVT, ancien collaborateur de Mathieu – Patrick Pineau, l’archéologue par qui le scandale arrive. Ils bénéficient d’une attention toute particulière de la part de la cinéaste qui leur dédie une place plus grande à l’écran et rend leurs personnages plus complexes. Les quatre autres rôles insufflent une dynamique au scénario, mais ce sont réellement Bacri et Magimel les héros du film. Ferdinand Martin, le Charlie du titre, dispose d’un statut différent : il est un vecteur de relations, entre les protagonistes bien sûr mais aussi auprès du spectateur. Charlie est un jeune garçon presque insignifiant, et cette neutralité est notre point d’accès à l’intrigue. « A travers Charlie » serait plus exact que « selon Charlie ».

Avec ce cinquième long métrage, Nicole Garcia filme des hommes en privilégiant leurs failles et leurs défauts, sans pour autant en faire un portrait désespérant. Il est dommage toutefois que la cinéaste n’ait pas cherché à mettre plus en avant les interactions et les liens sociaux. Ses personnages sont promis à être des « hommes de solitude », à l’image de ce squelette de premier homme découvert par Mathieu, figé dans les glaces, loin des siens, définitivement seul.

Selon Charlie : fiche technique

Après nous avoir tous deux offert de belles performances fin 2015, il semblait logique de réunir Virginie Efira (Le goût des merveilles) et Jean Dujardin (Un + une) le temps d’une comédie romantique. Avec Un homme à la hauteur, ils nous proposent une histoire sympathique, autour d’une rencontre originale, qui devrait faire sourire le public tout le long du film.

Synopsis : En rentrant chez elle, Diane (Virginie Efira) reçoit un coup de téléphone d’un inconnu du nom d’Alexandre (Jean Dujardin), qui lui annonce qu’il a récupéré son portable. Après une petite discussion, il lui demande un rendez-vous à déjeuner afin de lui rendre et pouvoir faire plus ample connaissance. Le lendemain, Diane a la surprise de découvrir qu’en réalité il s’agit d’une personne de petite taille.

Voir plus grand, mais surtout voir plus loin.

Ce fut une bonne idée de rencontrer dans le même long-métrage pour la première fois ces deux acteurs connus du paysage cinématographique français. Ils montrent une forte alchimie l’un pour l’autre, et nous ressentons une vraie empathie pour leurs personnages, séparés par 40 centimètres, mais qui iront au-delà de cette différence de taille pour vivre leur romance et s’aimer.

Comme souvent, nous avons un scénario classique reprenant les codes de la comédie traditionnelle : une rencontre entre un homme et une femme qui se découvrent, et qui s’apprécient jusqu’à tomber amoureux. Puis un obstacle qui force les héros à se séparer. Ici ce seront les difficultés de Diane à vivre avec une personne plus petite, jusqu’à ce qu’elle réalise son erreur et décide de retrouver l’homme qu’elle aime pour le reconquérir.
L’humour permet à la fois d’être représentatif de certains clichés sur les individus plus petits, mais surtout de casser le préjugé pour qu’on aille au-delà. Autrement dit, l’ensemble des situations burlesques créé un statut inconfortable pour Alexandre mais le rend encore plus attachant et amusant pour le spectateur finalement.

Par conséquent, le but de ce film est de présenter le caractère et l’état d’esprit d’un nain afin de représenter l’ensemble de cette communauté pouvant s’assimiler au personnage de Dujardin, avec de l’autodérision et de l’ironie, bien gérées dans l’écriture, afin d’alléger les difficultés et à priori sur ces individus sans forcément les victimiser.
De plus, le sujet permet, grâce au rôle de Virginie Efira, de comprendre également le point de vue de nombreuses personnes qui ne se voient pas vivre avec un nain, au départ, et qui réfléchissent à deux fois avant d’imaginer construire une relation avec lui.
L’ambition d’Un homme à la hauteur est donc de raconter d’une part, une comédie touchante et légère, mais aussi d’apporter un message en toile de fond, celui de ne pas rentrer forcément dans la pensée commune en imaginant les nains comme des handicapés avec un problème physique – comme le fait la mère de Diane après avoir appris que sa fille en aimait un.

La technique et les effets spéciaux ont une place importante et sont aussi à relever. En effet, le réalisateur, Laurent Tirard, aurait pu choisir un vrai nain pour jouer Alexandre, mais la décision de prendre Jean Dujardin pour le rôle est très audacieuse. Cela montre encore une fois tout son talent d’acteur de pouvoir jouer un rôle vraiment différent de ce qu’il a l’habitude d’interpréter, permettant donc aux deux vedettes de travailler d’une tout autre manière pour ce long-métrage.
Malgré les fonds verts, une doublure, et une mise en scène particulière jouant sur les perspectives et les échelles de plans, cela n’a pas empêché d’apporter une interprétation sincère et poignante de la part des deux comédiens en dépit des difficultés.

Nous aurons plaisir à suivre cette union particulière qui concernent beaucoup de couples et qui sont très peu représentés à l’écran. Ainsi, Un homme à la hauteur est un bon divertissement, certes déjà vue et assez familier dans sa construction, mais avec une touche de nouveauté.

Un homme à la hauteur : Bande-annonce

Un homme à la hauteur : Fiche Technique

Réalisation : Laurent Tirard
Scénario : Laurent Tirard
Interprétation : Jean Dujardin (Alexandre), Virginie Efira (Diane), Cédric Kahn (Bruno), César Domboy (Benji), Myriam Tekaïa (Stéphanie), François-Dominique Blin (Sébastien).
Décors : Françoise Dupertuis
Costumes : Valérie Artiges-Corno
Photographie : Jérôme Altéras
Montage : Valérie Deseine
Musique : Eric Neveux
Producteurs : Sidonie Dumas, Vanessa van Zuylen
Sociétés de production : VVZ Productions, Gaumont, Creative Andina, Scope Pictures
Société de distribution : Gaumont (France et Monde)
Durée : 98 minutes
Genre : comédie
Date de sortie : 4 Mai 2016
France – 2016

Synopsis : Afin de déjouer un complot et une terrible catastrophe, le gouvernement décide d’implanter la mémoire et le savoir-faire d’un agent de la CIA décédé dans le corps de Jericho Stewart (Kevin Costner), un condamné à mort aussi imprévisible que dangereux. Il est la seule chance de réussir cette mission. Cependant, en récupérant l’esprit de l’ancien agent, Jericho a également connaissance de ses secrets…

Papy s’en va-t-en guerre…

Lorsque l’on est une star vieillissante à Hollywood, on se voit dans l’obligation de se recycler dans des archétypes de rôles pour au final ne plus en ressortir. Pour les hommes, ce recyclage se cantonne aux films d’actions, une mode lancée par Liam Neeson avec Taken et qui s’est vu donner l’exemple à d’autres stars en quêtes de comeback comme Mel Gibson ou celui qui nous intéresse ici, Kevin Costner. Déjà héros du très mauvais 3 Days to Kill, il retente ici ça chance dans le thriller musclé très inspiré de la saga Jason Bourne (le quatrième film mis à part), qui a engendré une foule de films du genre mais qui n’ont jamais réussi à dépasser le maître et sont restés cloisonnés dans la série B voire même Z parfois. C’est Ariel Vromen qui a la lourde tâche de rendre ce énième film d’action digeste, après avoir réalisé le plaisant The Iceman en 2013, mais qui ne s’est jamais imposé par le succès ni la qualité limité de ses films. Autant dire que ce Criminal a de quoi inquiéter.

Le scénario part d’un pitch digne des plus grands nanars pour amener de la science-fiction à un film qui n’en n’avait pas forcément besoin. Surtout que le procédé de transférer la conscience d’un individu dans un autre n’est pas pleinement exploité et est traité de manière facile et incohérente. On a vu une idée similaire -et autrement mieux géré- dans le sympathique Renaissances (Self/less en anglais) sorti l’an dernier. Là, ce n’est qu’un prétexte pour pouvoir s’offrir un anti-héros plus « original » que la moyenne. A la décharge du film, il est vrai que cet anti-héros en est le principal atout notamment dans les deux premiers tiers où il s’impose par sa violence et son absence de bon sens, n’ayant aucune notion de bien ou de mal. Cela permet d’emmener le tout vers des élans de noirceurs assez inattendus pour une telle production. Ça flirte avec la gratuité mais ça donne à l’ensemble un côté imprévisible et indomptable. Il est juste dommage qu’après ça le récit revienne sur les rail du classicisme avec l’habituelle histoire de famille mièvre que le « héros » devra protéger, le méchant ultra caricatural ainsi qu’un tas de seconds rôles inutiles et jetables qui sont lancés a la poursuite du personnage principal. D’ailleurs en ce qui concerne le méchant, non seulement son plan machiavélique est totalement improbable et stupide mais en plus le personnage semble forcé dans le récit. Chaque scène où il apparaît donne l’impression d’avoir été rajouté maladroitement apportant un lot d’incohérences assez incroyable. Ça part dans tout les sens, les dialogues sont médiocres, tout ce qui entoure la famille du personnage est forcé et agaçant et on a l’impression que rien n’est vraiment connecté dans tout ça, comme si les intrigues avançaient en « va comme je te pousse ». On à la sensation d’un truc inconsistant qui peine à accrocher le spectateur et qui finit par être ridicule surtout dans un dernier tiers qui enchaîne les aberrations et les moments totalement débiles.

Le casting prestigieux aurait pu sauver le tout du naufrage si il avait été utilisé à bon escient. Ici les acteurs ne sont pas en cause, étant globalement tous impeccable à part Jordi Mollà qui offre un cabotinage ridicule dans le rôle du méchant mais c’est davantage la direction d’acteurs et l’écriture du personnage qu’à l’acteur en lui-même qui doit être pointé du doigt. Le problème vient du fait que le film place des acteurs d’envergures pour leurs faire jouer des seconds couteaux inutiles et oubliables. Tommy Lee Jones, Gary Oldman et Ryan Reynolds, dans une moindre mesure, n’ont absolument rien à jouer et ne font qu’acte de présence. Ils ne jouent pas mal, il ne jouent tous simplement pas car ils n’ont pas la place pour faire vivre leurs personnages et les avoir embauché relève du gâchis. Des acteurs moins connus auraient tout aussi bien fait l’affaire et auraient été plus en accord avec les rôles. Par contre on retiendra Kevin Costner, qui à défaut d’offrir une grande performance s’amuse beaucoup. Il est toujours aussi énergique et assure dans les phases plus intimistes comme dans les moments plus bourrins. Il est accompagné de Gal Gadot qui est juste malgré un rôle peu développé et de Michael Pitt qui malgré le fait qui soit mis de côté durant tout le récit arrive souvent à voler la vedette lorsqu’il apparaît. Sans trop forcer, c’est lui qui apporte le plus de profondeur à son personnage.

La réalisation est plutôt réussi dans son genre, la photographie est générique mais pas honteuse, le montage est suffisamment maîtrisé pour maintenir un rythme soutenu et ne cède pas au sur-découpage, ce qui offre des scènes d’actions qui gardent leurs lisibilités. La musique n’est pas des plus inspirés mais fait convenablement le travail, ayant des relents électro pas désagréables et dynamisant bien les certaines séquences. Même si celle que l’on retiendra le plus ne provient pas des compositions originales, mais d’une musique déjà existante et qui vient parfaire une séquence nocturne assez cool et qui s’impose comme la meilleure du film. Durant ce passage, c’est là que la mise en scène d’Ariel Vromen se fait plus inspirée, montrant les traumas du personnage principal avec plus de subtilité et de grâce arrivant même à augurer le meilleur pour la suite. Dommage que ce passage intervient au début du film et que par la suite la mise en scène devienne terriblement fade. Par leur mollesse, les scènes d’actions finissent par manquer d’envergure et les passages de dialogues sont de simples champ/contrechamps ennuyeux qui ne profite jamais du casting pour faire quelque chose de plus excitant. C’est décevant surtout lorsque l’on a tout un passage qui réunit Tommy Lee Jones, Kevin Costner et Gary Oldman pour ne rien en faire. On sent très clairement qu’une opportunité a été manquée face à l’insignifiance de la scène. Il y a donc quelque chose de visuellement pauvre mais qui dispose d’une certaine maîtrise, c’est mieux que certains films qu genre qui ne peuvent même pas se vanter d’être fait proprement, même si ça reste un produit dérisoire et feignant.

Criminal est juste un mauvais film de plus parmi la horde de médiocres films d’actions estampillés Jason Bourne (la référence se fait bien ressentir ici) qui vient hanter nos écrans chaque année. C’est mou, c’est chiant et c’est mal écrit mais ça a au moins le mérite d’être plus digeste et lisible que les productions Luc Besson même si ce n’est pas forcément un exploit en soi. On retiendra peut être un premier tiers assez sympa qui laissaient présager un divertissement efficace, un casting certes sous-exploité mais qui reste convenable et un traitement du personnage principal plus « audacieux » que la moyenne du genre. C’est très limité et ça ne sauve pas le film de la noyade mais ça permet d’avoir un petit lot de consolation pour quelque chose qui au final ne mérite pas le coup d’œil.

Criminal : Bande annonce

https://www.youtube.com/watch?v=kyLklNdHwxE

Criminal : Fiche technique

Réalisation : Ariel Vromen
Scénario : Douglas S. Cook et David Weisberg
Interprétation: Kevin Costner (Jericho Stewart), Gary Oldman (Quater Wells, le chef de la CIA), Gal Gadot (Jill Pope), Tommy Lee Jones (D^r Frank, neuroscientifique), Michael Pitt (Jan Stroop), Ryan Reynolds (Bill Pope)…
Image : Dana Gonzales
Montage: Danny Rafic
Musique: Brian Tyler et Keith Power
Costumes : Jill Taylor
Décor : Robert Wischhusen-Hayes
Producteur : Chris Bender, Christa Campbell, Boaz Davidson, Mark Gill, Lati Grobman, Avi Lerner, Matthew O’Toole, Trevor Short, J. C. Spink et John Thompson ; S. Esther Hornstein et Ran Mor ; Jason Bloom, Christine Crow, Lonnie Ramati et Jake Weiner
Société de production : BenderSpink, Campbell Grobman Films, Lionsgate et Millennium Films
Distributeur : Nu Image Films et Metropolitan Filmexport
Durée : 113 minutes
Genre: Action
Date de sortie : 4 mai 2016

Etats-Unis – 2016

Sean Penn, acteur extrêmement reconnu, prouve à nouveau en 2008 en réalisant Into The wild, qu’il est aussi à l’aise derrière la caméra que devant. En adaptant au cinéma le roman de Jon Krakauer,

Synopsis : Il s’agit là des pérégrinations intellectuelles, spirituelles, physiques et morales d’un jeune homme américain fraîchement diplômé d’Harvard et qui est bien parti pour prendre le même chemin que ses parents pour finir très haut placé. Mais tout d’un coup, il réalise que cette société le dégoûte bien trop pour se fondre hypocritement dans la masse et d’abandonner à terme ce en quoi il aspire réellement, comme tout Homme : le bonheur. S’ensuit une « fugue » de la vie telle qu’elle est, pour entamer une poursuite passionnée et acharnée de la vie telle qu’elle devrait être conçue par l’Homme, qui a depuis longtemps perdu de vue cette vérité. L’esprit et le coeur rempli des plus grands récits de la Littérature (London, Tolstoï… ), il va chercher à s’affranchir de sa destinée et vivre une quête personnelle d’absolu. Son ultime frontière sera l’Alaska, l’un des derniers territoires encore « vierge » de civilisation et de progrès.

Sean Penn fait mouche, tant cette œuvre marquera le cinéma de son empreinte, devenant sans doute l’un des road-movies les plus cultes. Ce film scelle de façon exacte une vérité de l’émotion en frôlant parfois la grandiloquence mais tout en restant d’un lyrisme efficace.

« Il est au sein des bois un charme solitaire, Un pur ravissement aux confins du désert, Et de douces présences où nul ne s’aventure. Au bord de l’océan qui gronde et qui murmure, Sans cesser d’aimer l’homme, j’adore la Nature »

Cette œuvre résonne comme un chant. Elle est une véritable ode à la Nature et à la place que devrait tenir l’Homme, c’est-à-dire soumis à la respecter jusqu’à son dernier souffle, car c’est bien elle qui donne la vie et la maintient.

Cette sensation de paix, d’harmonie et d’amour avec son environnement épargné par la main de l’Homme, l’infime espoir d’une possibilité d’évolution de la situation environnementale et sociale actuelle, tout cela ressort superbement de cette œuvre grandiose. C’est pourquoi Into the Wild semble indispensable, comme un reflet de nos velléités.

Into the Wild c’est quand même beaucoup plus qu’un simple éloge de la liberté, beaucoup plus qu’un film pour adolescents anticonformistes. Sean Penn laisse la place à la pluralité des points de vue. Il se permet de proposer plusieurs morales au sein du même film. Il n’impose rien et laisse à son spectateur la possibilité de se construire lui-même sa ligne directrice, selon ses souhaits, ses principes, ses convictions. Ainsi il s’adresse autant à celui qui veut y voir une critique de la société et un retour aux sources libérateur, qu’à celui qui veut y voir l’échec de la désocialisation et la nécessité – vitale – du « vivre ensemble ». Dans les deux cas, il touche à la fibre humaine de chacun d’entre nous, dans notre rapport aux autres, à la nature et à la société.

Son personnage, Christopher, a construit une peur phobique du mensonge, ne trouvant que la nature comme compagne fidèle, certes parfois hostile, mais toujours vraie, toujours honnête. Mais ce n’est pas qu’un homme à la recherche de la « vérité ». C’est aussi un aventurier qui a soif d’expériences, de sensations fortes. Il y a ainsi deux dimensions dans sa quête : la dimension spirituelle, liée à l’esprit, et la dimension irréfléchie, liée au corps, à l’expérience physique. Tout cela se rejoint pour constituer un personnage plus pluriel qu’il n’y paraît, plus intéressant, aussi. Les rencontres qu’il fait au cours de son errance contribuant à accentuer cela. Des rencontres qui fascinent dans la mesure où elles sont toujours imprégnées de cette fameuse « vérité ». Il y a une telle donation mutuelle, un tel partage, une telle tendresse communicative, que l’on prend conscience, au travers de tous ces portraits esquissés, de la nécessité qu’ont les hommes de se livrer, de s’emmêler, de se prendre et de se donner. Les acteurs se donnent d’ailleurs corps et âmes, pour donner vie à ces personnages. L’humanité, la tendresse, l’émotion, jouées et improvisées devant la caméra, font tellement vraies. Et puis les regards, ces regards disent tout, ils sont merveilleux.

La réalisation enrobe le tout, en étant très virtuose – les ralentis, les effets de lumières toujours cohérents, le montage tantôt discret tantôt survitaminé, les interludes musicaux –, toute la machinerie cinématographique est maîtrisée à la perfection pour accompagner la quête du personnage comme il se doit. On est là, à côté de lui mais en même temps distants, en pleine contemplation. On partage certaines de ses tâches les plus quotidiennes sans pour autant tomber dans le réalisme. C’est toujours pensé selon une logique poétique ; Sean Penn transcende alors ainsi le réel pour en faire jaillir la beauté, rien que la beauté, celle des corps, des paysages, de la vie.

Les deux éléments les plus importants qui marquent le plus dans ce film restent la photographie et la musique. Et quand les deux sont mêlées, c’est tout simplement incroyable. Eddie Vedder a sans doute réalisé la meilleure bande originale qu’il m’ait été donné d’entendre. Sa voix, d’un timbre assez rare, et sa guitare, jouant des notes très finement placées, sont en adéquation totale avec les paysages grandioses des Etats-Unis choisis par le photographe Eric Gauthier, du Dakota du Nord à l’Alaska, en passant par le Grand Canyon. Tout au long du film, les morceaux écrits par Vedder nous bercent au rythme du périple de Christopher.

Outre cette magnificence esthétique, c’est avec émotion que l’on suit le parcourt de ce héros atypique, anticonformiste et antimatérialiste partit à la recherche de son idéal. Malgré son étonnante simplicité le film reste porteur d’un authentique et universel message de liberté, sous couvert de désaliénation.

Des images, des musiques et des acteurs magnifiques au service d’un film profondément idéaliste et romantique (au sens premier : aspiré vers un absolu, une transcendance, une pureté). Mais ce film ne suit pas naïvement ces penchants utopistes : par les rencontres que le personnage fait, par son destin tragique, par ses réflexions, on est amené à s’interroger sur le sens de cette quête d’absolu, sur ce qui fait notre humanité quelque part entre idéalisme personnel et réalisme social.

Into the Wild : Fiche Technique

États-Unis – 2007
Réalisation: Sean Penn
Scénario: Sean Penn d’après: le livre Voyage au bout de la solitude de Jon Krakauer
Interprétation: Emile Hirsch (Christopher McCandless), Marcia Gay Harden (Billie McCandless), William Hurt (Walt McCandless), Jena Malone (Carine McCandless), Brian Dierker (Rainey), Catherine Keener (Jan Burres), Vince Vaughn (Wayne Westerberg)…
Image: Éric Gautier
Montage: Jay Cassidy
Musique: Michael Brook, Kaki King, Eddie Vedder
Producteur(s): Sean Penn, Art Linson, Bill Pohlad
Date de sortie: 9 janvier 2008
Durée: 2h27