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BoJack Horseman est sans doute la plus drôle, la plus mélancolique et la plus cynique des séries actuelles. Et pas seulement des séries d’animation.

Synopsis: Vedette très appréciée d’une sitcom des années 1990, BoJack Horseman vit aujourd’hui à Hollywood, rejeté de tous et se plaignant de tout. De nos jours, on le suit alors qu’il tente de retrouver la célébrité avec une autobiographie écrite par sa nègre littéraire, Diane NGuyen. BoJack jongle entre une vie de débauche et des amis souvent encombrants : Princess Carolyn, tour à tour sa petite amie, son ex-petite amie et son agent, Todd Chavez, qui habite chez lui et se considère comme son colocataire, et Mr. Peanutbutter, son ami et ennemi à la fois, héros d’une sitcom du même style et de la même époque que BoJack, mais ayant toujours du succès.

Après une excellente première saison et une seconde tout bonnement magistrale, le cheval déchu le plus narcissique de la télévision est de retour pour une troisième mouture. On avait quitté BoJack au fond du gouffre, dans un état de lamentation mélancolique alors que paradoxalement il venait de finir le tournage de Secretariat, le film censé le remettre en selle. Et c’est là tout l’intérêt de cette saison, Secretariat est un succès critique et public et le film se lance donc dans la course aux Oscars. Qui plus est, BoJack est le genre de profil qui plaît, un acteur has-been qui revient sur le devant de la scène (au hasard Matthew McConaughey et Michael Keaton ces dernières années) dans un biopic auteurisant. A ce stade de sa carrière, il ne cherche que la consécration et la reconnaissance de ses pairs pour pouvoir exister, être immortel. Mais la course aux Oscars, avec ses magouilles et ses pots de vin, sera un long chemin semé d’embûches. Mais au fond, qu’est-ce-que ça lui apportera ?

Horsenication

Ce qui frappe en trois saisons, c’est l’imperceptible changement de ton de la série qui s’éloigne de l’hilarité des débuts (tout en conservant l’humour si atypique de la série) pour toucher la mélancolie de l’existence et la tragédie de ce personnage auto-destructeur. BoJack n’a pas changé. Il boit, fume et baise toujours autant. Il n’est pas reconnaissant des gens autour de lui qui se donnent corps et âme pour faire de lui la star et l’acteur talentueux qu’il a toujours été. Ce mode de vie ne lui permettra pas de guérir de sa solitude maladive alors qu’il continue de détruire tout ce qu’il touche, y compris ses relations. Ce qui est génial dans la série de Raphael Bob-Waksberg, c’est qu’elle casse tous les codes. Les attentes des spectateurs sont toujours autant désamorcées. Toutes les relations naissent et finissent dans l’absurdité la plus totale, soit l’absurdité de la vie. BoJack vit dans un monde où les relations naissent aussi vite qu’elles disparaissent. Un monde où l’on est amené à rencontrer de nouvelles personnes tous les jours, à les côtoyer professionnellement puis les oublier et en rencontrer d’autres. C’est ainsi que des personnages que l’on va suivre pendant une dizaine d’épisodes viennent à disparaître dès leur « rôle » auprès de BoJack terminé. C’est cette mélancolie de la vie qui, avec une telle sensibilité et un tel cynisme sublime la série et fait de BoJack Horseman l’une des séries les émouvantes du paysage audiovisuel actuel.  Ce qui est extrêmement intéressant également, c’est que la série ne touche pas que BoJack. Cette solitude dans la vie touche également tous les personnages de la série, dont le thème principal est l’insatisfaction existentielle. C’est là toute la force de la série de Raphael Bob-Waksberg qui parvient à développer correctement tous ses personnages, comprenant des intrigues personnelles (en marge de l’histoire de BoJack) et des psychologies travaillées et singulières.

Quand bien même la mélancolie est plus présente cette saison, la série n’en oublie pas moins de rester un modèle d’humour cynique. Voir ce cheval se dépêtrer dans des problèmes de stars puéril a quelque chose de grinçant et jubilatoire envers cette industrie du rêve qui en prend, comme toujours, pour son grade. Encore plus à l’heure des nouvelles technologies, des réseaux sociaux et du contrôle de son image dans les médias et sur Internet. BoJack Horseman reste donc toujours cette critique féroce des travers d’Hollywood et des maux de notre société moderne. L’an passé, des moments de grâce fulgurants apportaient une plus-value indéniable à la série, comme des séquences psychédéliques magnifiques. La saison 3 comporte encore plus son lot d’expérimentations, notamment cet épisode dans les fonds marins où l’intégralité de l’histoire se passe de dialogues. Un épisode muet d’une émotion forte où BoJack doit ramener un bébé Hippocampe à son père. Comme une forme de rédemption philosophique pour ce cheval à la recherche d’un but dans la vie. A n’en pas douter, l’un des créneaux de la prochaine saison sera la volonté pour BoJack d’être père. Les Inrocks a d’ailleurs qualifié cet épisode comme étant «l’un des meilleurs diffusés cette année, toutes séries confondues». Au-delà de la course à la récompense qui anime toute la saison, BoJack Horseman a surtout eu le temps de faire son introspection et de s’en aller à la recherche d’une forme de liberté primaire. Quelle magnifique dernière scène de la saison où BoJack contemple ce troupeau de chevaux gambadant dans l’Ouest américain. Le cheval anthropomorphique qui jalouse ses compères restés à l’état sauvage, démonstration peu subtile mais pertinente de la liberté et de l’épanouissement personnel.

Plus la série avance dans le temps, et plus elle expérimente des idées de mise en scène, d’écriture et de montage qui rendent ce show extrêmement passionnant tant dans son contenu narratif que sa créativité visuelle. Jamais prévisible, bourré d’audace et d’inventivité, BoJack Horseman a révolutionné le monde des séries d’animation. Une série qui n’a aucun mal à se placer à côté des autres prestigieux shows du réseau Netflix que sont House of Cards ou Orange is the New Black. On ne peut que se réjouir d’une saison 4 déjà en chantier, comme l’a récemment annoncé Netflix.

Bojack Horseman Saison 3 : Bande-annonce (VOST)

BoJack Horseman : Fiche Technique

Créateur : Raphael Bob-Waksberg
Doublage VO : Will Arnett (BoJack), Aaron Paul (Todd), Amy Sedaris (Princess Caroline)…
Musique : Grouplove & Jesse Novak
Production : The Tornante Company, Sampson
Genre: Comédie, Drame, Animation
Format: 12 épisodes de 25min
Diffuseur : Netflix
1ère diffusion de la saison 3 : 22 juillet 2016

Etat-Unis – 2014

Bipolaire, froid et instable, le couple Jennings est à l’image de l’ordre mondial qui règne durant les années 1980. Car l’austère ménage, mis en abyme d’une guerre nouvelle, cohabite par devoir, tiraillé par deux idéologies diamétralement opposées.

Synopsis : Dans une Amérique rongée par la peur des cocos et dopée par le néolibéralisme Reaganien, la Guerre Froide fait toujours rage. Et à des milliers de kilomètres de Moscou, Washington abrite dans ses suburb nombres d’Américains qui frémissent paisiblement à l’idée d’une guerre atomique. Parmi eux : Philip et Elisabeth Jennings, époux, parents, et agents du KBG ; Américains sur la forme, Soviétiques sur le fond. Nés, élevés, et entrainés en URSS ; vivant, travaillant, et espionnant aux USA.

In Lénine we trust

Et malgré leur équilibre précaire, le monde comme le duo, persistent dans leur existence. The americans, série quasi parfaite,  fascine toujours après 4 saisons, et ce en dépit de son anonymat. Diffusée depuis 2013 sur la chaine FX (Fargo, Louie), la série de Joe Weisberg s’est imposée parmi les tous meilleurs programmes de la télévision américaine, dans un genre pourtant éculé : l’espionnage. La recette ? Une approche géopolitique nuancée et captivante, un sens exquis du suspens, et deux comédiens au sommet de leur art.

Guerre froide, amour tiède

La saison 3 était le volet le plus axé sur la famille et le dogme. L’émancipation de Paige (la fille ainée), sa dévotion pour le catholicisme et ses suspicions grandissantes envers ses parents avaient fait d’elle un des personnages principaux. Elizabeth plus que jamais investie dans la cause et attachée à ses racines, voyait déjà en sa fille une agente reprenant le flambeau bolchévik, alors que son père refusait obstinément son endoctrinement et concevait de la laisser aux mains de l’american way of life. Un conflit qui cristallisait plus que jamais l’impossible normalisation de la famille Jennings, chose que Philip entendait alors qu’Elizabeth le redoutait. Avec cette saison 4, les auteurs se décentrent un peu de la question familiale et s’attardent essentiellement sur l’aspect psychologique et intime de leurs activités secrètes, leurs conséquences sur le couple, leur entourage et la société.

En dépit de la Convention pour l’interdiction des armes biologiques entrée en vigueur en 1975, la course à l’arsenal bactériologique est un chapitre officieux de la Guerre Froide, une escalade de la méfiance qui aurait pu s’avérer irréversible. C’est donc le nouvel objectif de la Rezidentura dans cette quatrième saison : mettre la main sur des toxines (que les Américains ne produisent pas) pour améliorer  des armes que les Soviétiques ne fabriquent pas. Philip et Elisabeth ont alors pour mission de faire sortir d’un laboratoire des virus qui pourraient potentiellement décimer des populations entières.  L’une des meilleures scènes de la saison tire d’ailleurs sa force de ce contexte pré-apocalyptique ; lorsque toute la famille Jennings est réunie avec leurs voisins devant le poste de télévision, écoutant le présentateur avertir des troubles que le film à venir pourrait engendrer. Ce film ? The Day After (Nicholas Meyer, 1983). Un instant sublime entre image d’archive, image fictive ; entre possible et impossible ; un théâtre de violence irréel avec pour seul spectateur une famille inquiète assise dans son canapé, et ce même théâtre et ces mêmes spectateurs dans chaque foyer d’Amérique. Elisabeth et Philip sont plus que jamais conscients du rôle de leur action, ou de leur inaction, dans la destinée de leurs deux nations. Transmettre des cadavres de rats auxquels on a inoculé des maladies meurtrières pourrait rééquilibrer l’échiquier mondial, mais cela pourrait tout aussi bien le conduire à sa perte.

Seuls, mais ensemble

Ces missions décisives les conduisent si profondément dans la scénarisation du mal, que les deux agents sont prêts à sacrifier la vie de leurs proches. C’est le cas dans un premier temps de Martha la source au FBI de Philip, qui va devoir être exfiltrée du jour au lendemain à Moscou. La fin d’une histoire d’amour si absurde qu’elle était magnifique, qui disait tant sur la solitude de l’un et de l’autre, une romance jusqu’au-boutiste que Philip aura crée de toute pièce. Elisabeth va elle aussi devoir annihiler toute relation avec sa meilleure amie, une Coréenne qu’elle avait approchée uniquement pour la position stratégique de son mari. C’est sans doute la scène la plus dure de la saison, d’une cruauté et d’une tristesse rarement atteinte dans la série. Elisabeth se voit dans l’obligation d’orchestrer méticuleusement un faux rapport sexuel avec l’époux de son amie afin d’obtenir un moyen de pression… Les deux espions sont condamnés à faire souffrir les autres, conscients du malheur qu’ils sèment aux grès de leur missions.   

Au dessus de tous ses sauts périlleux, c’est le couple qui fait la beauté et la densité de la série. Notamment Elisabeth qui souffle le chaud et le froid, avec son charme insidieux et son indépendance souveraine. Nadezhda son amour, Philip s’y accroche souvent, s’en éloigne parfois. Cette saison 4 opère toutefois un certain revirement dans l’équation romantique ; face au déchirement qu’éprouve Philip à l’idée de perdre Martha, le personnage d’Elisabeth s’affaiblit quelque peu. Empathie, jalousie, ou épiphanie ; elle semble revoir la hiérarchie qui animait jusqu’à présent son cœur. Et avec la complexité morale de leur implication dans la guerre biologique, pour la première fois, son dévouement vacille.

De cette quatrième saison on admire toujours la maitrise du récit d’espionnage, la direction artistique parfaite, avec cette photographie singulière, rougeoyante ou bleutée. Ce bal jubilatoire de costumes, perruques et autres fausses moustaches qui griment une paire d’acteur encore une fois formidable. Mais on regrettera tout de même un rythme inhabituel dans lequel la tension monte trop vite, pour finalement décélérer sur un final frustrant. Quelques mots également sur l’épilogue Nina Sergeevna un peu bâclé, une fin qui aurait mérité un traitement plus appliqué.

Il ne reste plus que deux saisons avant de clore The Americans, le temps peut être pour le show de rentrer dans une nouvelle dimension. Pour la première fois les Emmys les ont nommés à  la hauteur de leur qualité (meilleur acteur, meilleure actrice, meilleure série), un coup de projecteur qui pourrait lui être bénéfique (ou non ?). Quoi qu’il en soit The Americans restera l’une des séries majeures de ces dernières années tant par l’intelligence de son propos que par sa qualité distractive. Avec ce drame rétro Joe Weisberg ne se pose aucunes limites, et sans pour autant tomber dans le réflexe de l’érotisme et de la violence, il nous offre une série dont sa brusquerie n’a d’égal que sa sensualité.

The Americans, saison 4 : Bande-annonce

The Americans : Fiche technique

Création: Joe Weisberg
Réalisation : Daniel Sackheim, Kevin Dowling, Thomas Schlamme, Chris Long,Noah Emmerich…
Interprétation: Keri Russell, Matthew Rhys, Noah Emmerich, Keidrich Sellati, Holly Taylor, Alison Wright…
Scénario: Joe Weisberg, Joel Fields…
Production : Fox Television Studios
Format: 13 x 42 minutes
Genre: Drame, espionnage
Diffusion US: FX
Diffusion France : Paris Première

Etats-Unis – 2013

Les amateurs de fantastique hardcore, d’humour noir et de bières bien fraîches ne pourront qu’apprécier cette série, malgré le choix de ses créateurs de construire sa première saison comme une longue introduction de ses personnages.

Synopsis : Jesse Custer est, comme son père avant lui, révérend dans une petite église au fin fond du Texas. Mais, hanté par un passé trouble, sa foi est constamment mise à l’épreuve. L’arrivée dans son village d’un village excentrique et son acquisition d’un pouvoir divin vont le pousser à devoir trouver l’équilibre entre ses statuts d’homme d’Eglise et de criminel.

Un séisme surnaturel

« Un vampire, des agents du gouvernement et un prêtre psychopathe… ce monde n’est rien d’autre qu’un cloaque ». Ce constat désenchanté fait par le shérif de Annville dans l’épisode final résume l’esprit what the fuck avec laquelle est conçue cette nouvelle série. On ne pouvait pas en attendre moins d’un univers visuel conçu par Garth Ennis, bien connu pour ses comics ultraviolents et auteur, à la fin des années 90, de ce roman graphique dont la série est librement adaptée. Le caractère déjanté de l’adaptation est de plus assuré par le fait que celle-ci soit concoctée sous la houlette de Seth Rogen épaulé d’Evan Goldberg, avec qui il avait déjà notamment coréalisé le bel OVNI auto-satirique C’est la fin, ainsi que de Sam Catlin, connu pour son travail sur Breaking Bad. La collaboration entre ces quatre artistes ne pouvait donc qu’aboutir sur une œuvre destinée à sortir des sentiers battus. Dès l’épisode pilote, la série prouve sa qualité principale, celle de mettre en place une mythologie et une iconographie propres au cinéma de genre le plus radical. Là où The Walking Dead, érigé comme modèle de l’adaptation sérielle de roman graphique à tendance gore et série star d’AMC, s’est perdu depuis longtemps dans ses sous-intrigues les plus lénifiantes, Preacher se pose d’emblée comme un électrochoc frapadingue dans le domaine de la série fantastique. Et que son scénario fasse ouvertement le choix de ne pas respecter pas le fil de la bande dessinée devrait avoir de quoi surprendre même ses plus fervents lecteurs.

L’art de l’irrévérence survoltée

Dans un paysage épuré et désertique souffle un vent violent et des odeurs de méthane nauséeuses, la modeste église érigée à l’écart du village semble alors un refuge pour tous les rednecks texans, mais aussi pour son propre pasteur, lui-même en quête de rédemption. Voilà un point de départ qui pourrait être celui d’un scénario puritain, forgé dans la bien-pensance américaine. Toute l’audace de Preacher est justement de s’amuser à prendre à contre-pied tous les codes locaux, bâtis dans ceux de la religion protestante et des grands mythes de la courte Histoire du pays. La première cible de la série est donc la religion chrétienne, d’abord à travers les doutes du pasteur sur sa propre foi, puis dans le discours profondément irréligieux de certains personnages (et en particulier du promoteur immobilier local, Odin Quinncannon interprété par le toujours inquiétant Jackie Earle Haley), et enfin dans le détournement des légendes bibliques, à commencer par la présence d’anges très loin de leur imagerie classique. Le ton résolument impertinent et la violence jubilatoire s’accordent parfaitement avec ce délire blasphématoire, auxquels vient s’ajouter une relecture là encore déjantée d’un mythe cher au cinéma fantastique, celui du vampire. Le suceur de sang imaginé ici, Cassidy, est lui aussi bien loin du stéréotype mainstream puisqu’il est le principal apport à l’humour grivois de l’écriture. Enfin, le grand mythe américain auquel s’attaque la série est évidemment celle du western, avec des scènes d’une insupportable brutalité à l’époque de la conquête de l’Ouest.

Les passages renvoyant l’action en 1885 semblent impromptus au cœur d’une histoire tout ce qui a de plus contemporaine. Ils ne sont en fait que l’un des symptômes de la déconstruction de la narration. Faisant fi de la linéarité scénaristique, les showrunners se sont en effet amusés à multiplier les scènes, parfois des flash-backs, à priori détachées de l’action principale, mais qui iront trouver leur pleine cohérence au fil des épisodes. Cette première saison a donc des allures de puzzle, au gré de laquelle on en apprendra par exemple plus sur le passé trouble de son héros. Et quel héros ! Incarné par Dominic Cooper, cet homme d’église et ancien voyou est la parfaite incarnation de l’Amérique, à savoir un dur à cuire n’hésitant jamais à faire usage de la force dès l’instant que cela peut se justifier par sa propre interprétation, contestable, de la parole divine. Cette vision politique du personnage ne sera toutefois pas pleinement intégrée au développement de l’intrigue, qui lui préférera ses scènes violentes et trashs. Contrairement à Ash Vs. Evil Dead, les scènes les plus sanglantes sont ici filmées avec une virtuosité, profitant d’un sens du montage et de chorégraphies soignées, qui les rend mémorables…

Une mise en place qui prend son temps

Mais la violence de Preacher n’est pas que dans ses gunfights surhumains, mais aussi dans son humour noir et donc dans ses dialogues. Souvent très bavarde, la série n’en perd donc pas pour autant son mordant, mais prend le risque de souffrir d’un rythme assez inégal. Tel est le résultat de son intention parfaitement réussie de faire se rencontrer des enjeux surnaturels et d’autres purement humains. Cette dimension est d’ailleurs surtout incarnée par les principaux personnages féminins, avec en tête Ruth Negga dans la peau d’une criminelle en manque d’amour aux antipodes de son rôle dans Loving. Chacune de ses apparitions multiplie la badassitude de la série, et réduit ainsi en miettes les aprioris machistes propres à tous ces rednecks qui peuplent Annville. Toute une brochette de personnages secondaires hauts en couleurs, mais dont certains (à commencer par l’indien) auraient gagné à être plus développés. Mais finalement, Jesse, Tulip et Cassidy sont les trois seuls véritables héros que cette première saison se devait de nous faire découvrir avant que ne débute un road-trip qui ira, si la série est renouvelée, rejoindre un schéma plus proche du matériau d’origine. Dix épisodes pour installer les enjeux et les personnages des prochaines saisons (car oui, leur grand méchant ne sera clairement annoncé que dans l’ultime plan, en guise de cliffhanger), ça peut sembler un peu long, mais on s’ennuie si peu en les regardant que ce parti pris n’apparait jamais comme une tare.

Inutile d’en espérer une dynamique frénétique de bout en bout ou de le voir sombrer dans le piège de la parodie caricaturale. Au contraire, ce qui fait la force de Preacher c’est de prendre soin d’ancrer son improbable mélange de genres dans un certain réalisme diablement corrosif. Le résultat en est un récit décalé, adulte et surtout subversif comme on en trouve trop peu.

Preacher : Bande-annonce

Preacher : Fiche technique

Créateurs : Seth Rogen, Evan Goldberg, Sam Catlin
Réalisation : Evan Goldberg, Kate Dennis, Seth Rogen, Guillermo Navarro, Michael Morris, Michael Slovis, Scott Winant
Scénario : Seth Rogen, Evan Goldberg et Sam Catlin d’après le roman graphique de Garth Ennis
Interprétation : Dominic Cooper (Jesse Custer), Joseph Gilgun (Cassidy), Ruth Negga (Tulip O’Hare), Lucy Griffiths (Emily Woodrow), W. Earl Brown (Sheriff Hugo Root), Ian Colletti (Eugene Root), Anatol Yusef (DeBlanc), Tom Brooke (Fiore)…
Producteurs : Seth Rogen, Evan Goldberg, Sam Catlin, Garth Ennis…
Société de production : AMC Studios
Format : 10 épisodes de 40 minutes
Genre : Fantastique, comédie
Diffusion en France : Sur OCS Choc à partir du 23 mai 2016

Etats-Unis – 2016

Adaptée de sa propre pièce et produit par les frères Williams (Tripped, The Missing), Fleabag, littéralement traduisible par « sac à puce », rejoignant les comédies de la BBC (People Just Do Nothing, Cuckoo, Josh, Witless, Sunny D), est une plongée subversive dans le quotidien d’une jeune femme pas comme les autres.

Synopsis: Fleabag est une jeune femme délurée qui couche avec quiconque s’approche un peu trop près, soutire de l’argent à tous ses proches et refuse toute aide dans sa quête d’une vie indépendante. Brisant souvent le quatrième mur, elle n’hésite d’ailleurs pas à interpeller le spectateur qui porterait un jugement moral sur ses actions…

Vaut mieux en rire qu’en…

Relativement originale, détonante et provocatrice, l’actrice/auteure/productrice Phoebe Waller-Bridge (Broachurch, Crashing) repousse les limites de l’immoralité tout en s’adressant au misérable qui se cache en chacun de nous. Celui ou celle qui cherche à s’accomplir, celui ou celle qui cherche éperdument les secrets du bonheur au travers les multiples relations, au travers les erreurs renouvelées, les relations bancales entretenues avec sa propre famille… Entre la short com française Bref, Louie et Amy Schumer, cette nouveauté en 6 épisodes a débuté le 21 juillet pour nous faire rire tout l’été. Pourquoi les deux premiers épisodes méritent-ils le détour?

La première surprise, sans compter le jeu « hilarant » entre Alexandra Lamy et Tina Fey de l’actrice principale, est la mise en scène, couplée à une écriture simple et décomplexée. En s’adressant directement à la caméra, les maux à la fois pathétiques et risibles de cette jeune trentenaire apparaissent universels. Entre paresse et pis aller, difficile de trouver le petit amant parfait, surtout lorsqu’il revient de lui-même ou qu’il préfère la sodomie pour se sentir tout puissant. Jamais vulgaire, les répliques souvent justes, frappent au coeur de tous ceux qui sont nés entre la génération X et Y. Problèmes financiers, deuil et relations familiales conflictuelles, le tout servi entre deux orgasmes inégaux, le spectateur ne peut que s’attendrir devant ce qu’il a le « malheur » de reconnaître, sa propre déchéance. Heureusement que l’on finit par en rire. En même temps que pourrait-on faire de plus?

Plutôt que de s’apitoyer sur notre sort, Fleabag (en costume de Batman pour enfant dans le clip promotionnel de sa pièce de théâtre), choisit de tourner la situation à un tout autre avantage. Son intérêt propre, sans jamais être égoïste. D’où sort-elle cette force exemplaire après avoir perdue sa meilleure amie et croulant sous les dettes suite à l’ouverture de son café, avec un petit ami tendre à excès? Vivre au temps présent, profitant du peu de ce que la vie semble nous offrir. Y aurait-il une boîte de tampons adaptée à toutes nos fuites existentielles? Bien au contraire, mais la surprise est journalière. Au coin d’un rayon, chez sa belle-mère hypocrite (Olivia Coleman est une incroyable surprise en soi, après la sitcom inégale Flower et bientôt Broadchurch saison 3!!!), auprès de son beau-frère un peu gauche (Brett Gelman, autre surprise, après Married, Another Period et « bientôt » Twin Peaks saison 3!!!), son plan cul du moment, sa sœur coincée, son père absent, son ex futur ex (Hugh Skinner vu dans Poldark et The Windsors), un inconnu rencontré dans le bus … Le relationnel est primordial pour combattre la solitude et les paradoxes.

Brillant de simplicité, cette comédie flirtant avec l’humour noir (ce que les anglais savent faire de mieux) est un bijou incomparable, faisant de notre propre misère, un gage sensationnel vers l’acceptation et l’accomplissement. A suivre…

Fleabag : Extrait épisode 2

Fleabag : Fiche technique

Créatrice : Phoebe Waller-Bridge
Réalisateurs : Harry Bradbeer, Tim Kirkby
Scénariste :  Phoebe Waller-Bridge
Interprètes :  Phoebe Waller-Bridge, Ben Aldridge, Sian Clifford, Bill Paterson, Jenny Rainsford, Hugh Skinner, Olivia Colman, Brett Gelman…
Photographie : Tony Miller, Laurie Rose
Montage : Gary Dollner, Paul Machliss
Musique : Isobel Waller-Bridge
Producteurs : Lydia Hampson, Phoebe Waller-Bridge, Harry Williams, Jack Williams, Adam Browne, Hsinyi Liu
Sociétés de production : Two Brothers Pictures
Genre : Comédie
Format : 22 minutes – en production
Diffusion :BBC3