Le « Harry » de Mad Men, Rich Sommer se tiendra aux côtés de Tiera Skovbye (Riverdale) dans le prochain Summer of 84, un film de tueur en série original et caustique dirigé par Roadkill Superstar !
Au casting de ce film d’horreur, on retrouve également une brochette de jeunes acteurs prometteurs comme Judah Lewis (Demolition, Game of Silence), Cory Gruter-Andrew (The 100, Legends of Tomorrow), Caleb Emery (Chair de Poule) et Graham Verchere (aperçu dans One Upon a Time). «Nous avons rassemblé un puissant casting de vétérans expérimentés et de jeunes acteurs talentueux !», a déclaré Shawn Williamson, le président de Brightlight Pictures qui produit le film en partenariat avec Gunpowder & Sky.
Le film se déroule en 1984 et met en scène Davey Armstrong, un adolescent de quinze ans qui soupçonne son voisin d’être le tueur en série à la une de tous les journaux. Le souci, c’est que ce dernier est un policier : pas facile de prouver sa culpabilité ! Aidé de ses trois meilleurs amis, Davey décide alors de mener l’enquête. Un jeu de rôle qui les mettra rapidement en danger.
C’est le trio Québécois Roadkill Superstar (François Simard, Anouk Whissell et Yoann-Karl Whissell) qui dirigera Summer of 84 d’après le scénario de Matt Leslie et de son partenaire, Stephen J. Smith. Le collectif Roadkill Superstar, surnommé RKSS, est connu pour ses projets hard et sanglants : Turbo Kid, Le Bagman – profession : meurtrier. Un Turbo Kid 2, suite directe de la fiction post-apocalyptique, est d’ailleurs en préparation.
Pour autant, la présence de ces jeunes lutant contre un tueur en série rappelle le sujet du film Ça, « Il » est revenu, tiré du roman de Stephen King, et devrait donner une énergie et une tonalité audacieuse à cette production. De même, la musique du duo électro Le Matos, déjà aux commandes sonores de Turbo Kid, promet une ambiance rétro et originale ! Le tout devrait être particulièrement intéressant. Le tournage de Summer of 84 a commencé ce mercredi 12 juillet à Vancouver pour une sortie prévue début 2018.
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Lacheau a annoncé sur Instagram « Les amis, je suis très fier de vous annoncer mon prochain film ! (avec les copains bien sûr) Joie immense d’adapter et réaliser au cinéma le dessin animé de mon enfance Nicky Larson ! C’est un rêve de gosse qui se réalise. Nous allons tout faire pour ne pas décevoir toute la génération Club Dorothée qui ont connu Nicky Larson et faire découvrir aux autres générations ce détective hors du commun, à la fois drôle et brillant. Nous sommes en pleine écriture, tournage l’année prochaine #hatehatehate ». 
Témoin impuissante des drames existentiels de ses patients, en crise avec elle-même, elle va peu à peu investir leurs mondes sous une fausse identité. C’est ainsi que naît Diane, un personnage créé par la thérapeute mais qui habite en fait la part sombre de son esprit. Diane, la journaliste célibataire qui boit du bourbon Bulleit, symbolise un passé abandonné, des illusions perdues, des rêves inavoués.
Avec Knight of Cups, il était arrivé au bout d’une logique où il laissait tomber toute forme de narration pour l’expérimentation pure, c’est ce qui rendait le film si percutant dans sa démarche. Il était évident qu’après ça, le cinéaste aurait besoin de se renouveler. Et même s’il apporte des choses intéressantes dans Song to Song, notamment avec un retour aux sources dans le dernier acte qui renverrait presque aux prémices de sa carrière, il manque cruellement de subtilité dans ce qu’il essaie de raconter. Rajoutant un peu de narration dans son processus créatif il tente de faire exister quatre portraits croisés mais aucun n’est aussi captivant ou novateur qu’il le pense. Le personnage de Ryan Gosling est le personnage malickéen typique dans son problème face à la figure paternelle et qui est en quête d’un idéal. L’acteur se montre toujours aussi formidable quand il s’agit de susciter l’émotion mais le parcours de son personnage n’est pas des plus surprenants. Celui de Michael Fassbender se montrera plus complexe et plus trouble servi en plus par l’excellent cabotinage et le charisme de son interprète. Le film arrive avec beaucoup de finesse à dépeindre le trouble qui régit son existence même si on regrettera que cela soit un peu délaissé lors du dernier acte. Mais ici le cinéaste s’intéresse plus à ses personnages féminins, surtout celui de Rooney Mara que Malick filme avec une attention non dissimulée. Elle excelle par sa justesse mais Malick en fait trop un moteur de son récit plus qu’un de ses occupants. Elle n’est pas aidée, par une voix-off toujours aussi appuyée et omniprésente. Elle incarne cette quête perpétuelle de vie, de la moindre expérience pour se sentir vivant et tombera dans une pose un peu trop froide, où l’on aura finalement du mal à s’investir en elle. La tragédie autour de Natalie Portman, ici poignante, aura des développements plus passionnants mais Malick ne cherche jamais à approfondir le drame. Elle est typiquement celle qui se voit consumer par la vie et elle souligne quelque chose de très nouveau dans le cinéma de Malick. Mais par crainte celui-ci semble ne jamais vraiment s’y investir et survole son portrait de manière très maladroite.
Dès le premier plan, un ralenti sur un groupe de jeunes basketteuses en fleurs, tout de suite contrasté par des regards malsains qui observent : on sent que Ben Young a voulu bien faire, bien construire son film, celui d’un enfermement psychologique total. Les plans rapprochés sur les visages ou au contraire en longue focale pour donner l’impression de voir les êtres en train d’agir, comme dans un documentaire, à distance, contribuent à l’ambiance pesante de Love Hunters. Le montage construit également un suspens constant, donnant à suivre des scènes très tendues, suivies de moments plus calmes. Alors que Vicky est enfermée, le réalisateur donne à plusieurs reprises l’impression qu’elle va sortir, s’échapper, mais ces espoirs sont chaque fois dépréciatifs pour le spectateur maintenu dans une pression permanente. Le rythme du montage s’accélère alors, et on finit par ne même plus savoir depuis combien de temps Vicky est enfermée et quel sera finalement son sort, même s’il semble prévisible.
L’enjeu du film pour Ben Young est d’être dans la tête d’un tueur ou plutôt d’un couple de tueurs en série. Loin de la comédie romantique, cette histoire « d’amour », de dépendance et de destruction fait froid dans le dos. Ben Young a en effet choisi de suivre un couple de tueurs dont la femme agit pour assister son mari, espérant de lui des marques d’affection. Mais le cinéaste brouille aussi les pistes en multipliant les intrigues secondaires : le divorce des parents de la jeune Vicky séquestrée, le désir d’enfants d’Evelyne, la tueuse et la perversion de Bill, sujet central du film, passe au deuxième plan. Finalement, le film a du mal à s’assumer et se poser pour se focaliser sur Evelyne, qui semble pourtant, aux dires du réalisateur fasciné par les tueuses, être son sujet. La BO le suggère également, puisqu’elle vient souligner la détresse psychologique d’Evelyne, son incapacité à faire des choix par elle-même. A côté de ça, Vicky a moins d’importance, sauf dans sa capacité à faire vaciller Evelyne. Mais on regrettera le côté un peu naïf et trop innocent qui entoure la vie de Vicky. Comme si le réalisateur avait voulu à tout prix trouver un personnage avec lequel être en empathie, pour ne pas mettre le spectateur trop mal à l’aise. Alors que le type de film qu’il a choisi de réaliser est typiquement un opus qui est censé faire détourner les yeux de l’écran… Pourtant, Ben Young joue sur les hors champs pour suggérer la violence plus qu’il ne la montre et parvient ainsi à jouer avec nos nerfs et notre imagination. C’est là que réside la vraie réussite esthétique du film car, à côté de cela, la multiplication des ralentis est un peu maniériste et montre que Ben Young cherche encore sa pâte. Le film reste glauque mais sans véritable but et il a tendance à trop vouloir plaire au spectateur pour aller jusqu’au bout de son projet de suivre des tueurs en série violents et sans autre limite que leur amour autodestructeur.
Depuis les débuts de Unbreakable Kimmy Schmidt, on retient avant tout l’ami excentrique et terriblement drama queen de l’héroïne, Titus Andromedon, incarné par l’épatant Titus Burgess (qu’on avait découvert dans 30 Rock le temps de quelques épisodes). Son personnage a beau être une énorme caricature de l’ami gay noir roi de la punchline, il y a toujours derrière une bienveillance à son égard : on ne se moque pas ou on ne rigole pas à cause de son identité sociale, sexuelle et culturelle, on rit pour ses réactions disproportionnées par rapport à la réalité. Et ça, c’est un aspect que peu de séries et même films prennent en compte. D’autant que Tina Fey joue avec ces clichés autour des minorités pour en tirer un personnage plus profond qu’il en a l’air (et c’était déjà le cas dans 30 Rock). Titus a peur d’échouer aussi bien sur le plan amoureux que professionnel. Lui aussi est un personnage fort et c’est certainement ce qui explique sa connexion avec Kimmy.
