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Sous la plume de Michel Plessix, l’univers pastoral imaginé par Kenneth Grahame retrouve une seconde jeunesse. Une fresque douce et mélancolique où l’amitié, la nature et les caprices composent une partition d’une rare délicatesse.

Jusque-là enfermé dans son rituel domestique, Taupe cède à l’appel irrésistible du dehors. En quittant son terrier, il s’expose à tous les possibles. C’est le projet du Vent dans les saules : sortir de soi, s’exposer au monde et découvrir, parfois, dans l’autre un miroir inattendu.

La promenade devient une initiation. C’est là que se produit la rencontre avec Rat, bon vivant un brin paresseux, animal dont la nonchalance cache une sensibilité réelle. À ses côtés, Taupe apprend à regarder la nature qui l’entoure. Il apprend à se laisser porter. Et dans ce mouvement flottant, l’amitié s’ébauche, avec l’évidence des choses simples.

Autour d’eux gravite une galerie de personnages qui semblent issus d’un théâtre pastoral autant que d’une comédie de mœurs. Loutre, furtif et familial, apparaît comme une présence intermittente ; Blaireau, bourru et terrien, incarne une sagesse ancienne. Et puis il y a Crapaud, inoubliable. Dandy grotesque, aristocrate fantasque, il est le grain de sable dans cette mécanique douce, le chaos jubilatoire qui fait dérailler la quiétude.

Crapaud est, à bien des égards, le moteur narratif du récit. Ses lubies, toujours plus extravagantes les unes que les autres, introduisent une tension dans cet univers autrement contemplatif. Il est ridicule, certes, mais jamais insignifiant : derrière son orgueil outrancier et son ego surdimensionné se dessine une critique subtile des excès humains, de cette agitation moderne qui tranche avec la sérénité du monde animal. Là réside l’esprit du texte originel de Kenneth Grahame, que Michel Plessix restitue avec finesse : une réflexion feutrée sur la vitesse, le progrès, et ce que l’on perd en chemin.

Car Le vent dans les saules est avant tout une ode à la lenteur. Les scènes les plus marquantes ne sont pas celles de l’action, mais du repos : un déjeuner sur l’herbe, une rêverie au fil de l’eau, une halte dans un terrier chaud et accueillant… Le récit épouse le rythme des saisons, et avec lui celui d’une nature omniprésente, tantôt rassurante, tantôt mystérieuse. La vallée, toile de fond de l’histoire, devient presque un personnage à part entière.

Graphiquement, l’adaptation de Michel Plessix atteint une forme de grâce. Le trait, d’une précision délicate, s’attarde sur les détails (une feuille, une pierre, une ondulation de l’eau) avec une attention passionnée. Les couleurs pastel enveloppent le récit d’une douceur diffuse, comme un souvenir d’enfance qui refuserait de s’effacer.

On retrouve en bonne place la thématique de l’amitié. Une amitié imparfaite, faite de désaccords, de maladresses, mais surtout de fidélité. Taupe grandit au contact des autres ; Rat se révèle plus profond qu’il n’y paraît ; Blaireau s’adoucit ; et même Crapaud, dans ses excès, sans se défaire jamais complètement de lui-même, trouve une forme de grâce.

En refermant cette très belle édition prestige, on ne peut que saluer l’effort de fondre un poème bucolique dans un écrin graphique parfaitement conçu. Du grand art.

Le Vent dans les saules, Michel Plessix
Delcourt, 9 avril 2026, 128 pages

Avec Monet en quête de lumière, Aurélie Castex épouse un regard. À hauteur d’homme, au fil des saisons et des doutes, sa bande dessinée retrace l’itinéraire d’un peintre obsédé par l’insaisissable, jusqu’à faire de la lumière elle-même un sujet.

Le récit d’Aurélie Castex s’installe comme Monet lui-même s’installait face au motif : avec patience et attention. Le vent d’Étretat, les lettres fébriles à Alice, les hésitations matérielles et affectives, tout semble tenir dans une ligne fragile, à peine esquissée, que l’aquarelle vient caresser plutôt que fixer.

Cette délicatesse constitue le cœur du projet. Car raconter Claude Monet, c’est accepter de ne jamais enfermer son œuvre dans une narration trop nette. Aurélie Castex préfère suivre un fil sensible, fait d’instants, de correspondances, de paysages traversés, de logiques picturales. La biographie est une dérive douce, ponctuée de repères (Giverny, Belle-Île, Antibes, les Amériques) mais toujours ouverte, comme une toile en train de se faire.

Le choix de l’aquarelle s’impose comme une évidence. Les contours tremblent légèrement, les couleurs diffusent, les blancs respirent. À mesure que le récit avance, on voit la peinture de Monet évoluer. L’impressionnisme est marginalisé, absent des grandes expositions ; il repose sur quelques mécènes fortunés dont la bourse fluctuante a des effets concrets sur les artistes soutenus. Mais Monet s’affirme peu à peu, vanté par les Hugo ou les Clemenceau. L’apparition des Nymphéas marque un tournant dans sa carrière, notamment inspirée par l’estampe japonaise.

Monet doute, s’irrite, dépend financièrement de Paul Durand-Ruel, s’inquiète pour ses toiles, traverse épreuves (financières notamment) et des deuils qui le laissent exsangue. Après un premier mariage avec sa muse Camille, il se rapproche d’Alice Hoschedé, épouse d’un marchand d’art. La mort d’Alice est un puissant traumatisme, presque aussi invalidant que ses déficiences visuelles. Monet abandonne tout, dans une forme d’arrêt du temps. La guerre, en arrière-plan, n’est jamais traitée frontalement, mais elle pèse également.

Tout, ici, est affaire de regard : celui de Monet, bien sûr, mais aussi celui de l’autrice, qui choisit de ne jamais surplomber son sujet. Cette retenue donne au récit une forme d’élégance rare, loin des biographies illustrées trop démonstratives. Le dossier qui clôt le livre prolonge intelligemment cette démarche. Il offre des repères, contextualise les œuvres et les lieux.

Monet en quête de lumière narre une vie et restitue une quête. Celle d’un homme qui n’aura jamais cessé de saisir la sensibilité de ce qui l’entoure.

Monet en quête de lumière, Aurélie Castex
Marabulles, 8 avril 2026, 112 pages

Ce deuxième volume de l’arc Saiyans concentre ce que Dragon Ball a de plus brutal et de plus sublime. C’est ici, peut-être, que la série devient grande.

Sur ces pages spectaculaires et empreintes de gravité, Akira Toriyama narre une invasion extraterrestre. Mais pas n’importe laquelle : ce sont des individus du même sang que le protagoniste Goku qui viennent sur Terre revendiquer ce qu’ils imaginent leur appartenir.

Le tome s’ouvre encore sur Maître Kaio et son étrange planète au bout du Chemin du Serpent. Goku y parachève son apprentissage de deux techniques qui auront leur importance par la suite : le Kaio-ken, multiplicateur temporaire de puissance au prix de l’intégrité physique ; et le Genki Dama, une attaque qui se nourrit de l’énergie vitale des êtres vivants, et qui exige de celui qui l’emploie une pureté d’intention rare. Il faut du temps à Goku pour la maîtriser. Elle demande une disposition intérieure difficile à acquérir.

Pendant ce temps, sur Terre, on encaisse un choc après l’autre. Akira Toriyama sacrifie ses personnages comme jamais auparavant. Yamcha tombe sur un Saibaiman dans une attaque suicide absurde. Chaozu se sacrifie inutilement. Tenshinhan se dépense jusqu’à l’épuisement. Et Piccolo – celui-là même que Goku avait dû combattre au péril de sa vie quelques tomes auparavant – meurt en protégeant Gohan, un geste qui annule des années de rivalité en une case. Toriyama accomplit une purge narrative : les personnages de la première ère du manga s’effacent presque tous pour ouvrir la voie à une nouvelle cosmologie.

L’arrivée de Goku sur Terre est celle d’un messie. On attendait impatiemment le sauveur, et il vient enfin. Il évalue la situation et comprend immédiatement l’écart de puissance entre les assaillants et ses acolytes. L’entraînement chez Kaio a produit un changement fondamental : le guerrier est plus fort et il le sait. Son combat contre Nappa est expédié. Il laissera à jamais un plan iconique, voire testamentaire : un Saiyan dont la colonne vertébrale est brisée, tenu sans mal par le bras tendu de Goku. Végéta observe en silence. Il est vexé. Voir un Saiyan de rang inférieur, un guerrier que sa propre caste avait condamné à l’exil, avoir développé une telle puissance, cela le blesse dans son orgueil, mais surtout dans son appréhension du monde.

Quoi de mieux, alors, pour caractériser le personnage que le faire éliminer son ami Nappa, froidement et en un claquement de doigt ? Tout Végéta est là : puissant, cruel, clinique. C’est la logique froide d’un être pour qui la faiblesse constitue une faute morale. Et c’est cette logique-là que Goku va devoir affronter…

Le format Full Color mérite ici une mention spéciale. La colorisation de ce volume renforce sans l’écraser ce que Toriyama avait conçu en noir et blanc. On retrouve le trait nerveux, les découpages elliptiques, cette façon unique de faire sentir la vitesse et l’impact sans chercher à tout montrer. C’est du manga de son époque, avec tout ce que cela implique de sens narratif, et c’est exactement pour cela que ça tient encore, des décennies plus tard.

Avec Mortépi, Florian Breuil signe un premier roman graphique d’une densité remarquable, où la quête de reconnaissance artistique se mue en impasse existentielle. Dans une ville à moitié noyée, la disparition devient paradoxalement le dernier moyen d’apparaître.

Il y a, chez Mortépi, une idée fixe qui finit par contaminer tout le récit : exister ne suffit pas, il faut être vu. Dans cet univers crépusculaire où les immeubles trempent dans l’eau stagnante et où les corps eux-mêmes semblent hybrides, l’artiste à tête de porc ne cherche pas tant à créer qu’à laisser une trace. Une trace nette, indiscutable, irréfutable. Or, rien de ce qu’il produit ne lui paraît à la hauteur. Pire : tout lui semble déjà mort-né.

« Ce que j’ai fait de mieux… ce qui me ressemble le plus… c’est de la merde ! Nul ! »

C’est là que Mortépi trouve sa ligne de fracture. Portrait d’un artiste raté, l’album sonde un homme persuadé de n’être ce qu’il est qu’à travers ce que les autres disent de lui : un imposteur, un pervers, un danger public… Avec des récits enchâssés et des sauts temporels, on découvre un auteur qui se relit avec douleur, qui écrit au compte-gouttes, qui évoque à tort et à travers – et même dans un documentaire – un magnum opus qui n’advient pas.

À cet égard, il faut mentionner le fait que la vidéo de Nastassia fixe une version du personnage de laquelle il ne pourra plus s’extraire. Elle fige Mortépi dans un récit qui lui échappe. 

L’ami de Mortépi, Niehling, est sans doute le personnage le plus déroutant du livre. Il se tient en retrait, dans une forme de neutralité qui confine parfois à l’indifférence. Il est un témoin. Lucide mais désengagé. Une présence sans prise. Lui-même est un artiste qui a renoncé, qui vivote désormais tant bien que mal.

Mortépi met en jeu une question centrale : qui fabrique la vérité d’un individu, lui-même ou le regard collectif qui le façonne ? L’album, volontiers sartrien, explore ainsi la fabrication des images publiques, entre le mythe et le lynchage, dans un monde gorgé de récits où une vidéo, un témoignage ou une rumeur suffisent à faire ou défaire une réputation. 

En parallèle, il interroge la valeur de l’art dans un système où la reconnaissance semble dépendre moins de l’œuvre que de sa mise en scène, jusqu’à faire de la mort un geste esthétique possible… Florian Breuil compose comme cadre une ville organique dont chaque plan semble habité d’une fatigue diffuse. Le réalisme du trait, presque photographique par moments, contraste avec la dimension symbolique du récit, un peu comme si le monde lui-même refusait de choisir entre la fable et la chronique.

Mortépi n’apporte aucune réponse. Il se contente d’exposer, avec une lucidité sèche, l’artiste qui, faute de pouvoir contrôler son œuvre, choisit de se transformer lui-même en événement. Florian Breuil est économe en explications – y compris sur les fameux « régularistes » – mais il donne cependant quelques détails sur l’enfance du personnage, sur son envie/besoin de communiquer, sur son rapport aux autres. Tous constituent de précieux indices.

Mortépi, Florian Breuil 
Les Humanoïdes associés, 1er avril 2026, 160 pages

Éprouvant le besoin d’un endroit où se concentrer pour réviser avant ses examens de droit, Judith Chevalier investit une vieille maison de famille dans un endroit perdu au fin fond de la Bretagne, hors saison.

L’action se situe en 1979. Cette année-là, la France est en plein débat sur la peine de mort et le futur garde des sceaux, Robert Badinter, plaide pour son abolition. On a ainsi droit à un extrait particulièrement significatif de son argumentation que Judith entend à la radio. L’avocat considère que la peine de mort est un moyen pour la société d’éliminer des personnes qu’elle considère comme dangereuses et irrécupérables, mais qui constituent la face sombre de cette société, une face que cette société refuse de regarder en face. Badinter considère que cette minorité, la société choisit la solution de facilité en la condamnant à mort, alors que cette frange est néanmoins un produit de cette société. En appliquant la peine de mort, la société montre qu’elle ne veut pas se remettre en question. Un discours parfaitement convainquant mais qui omet à mon avis un détail, c’est qu’aucune société n’est parfaite (de même qu’aucun individu de cette société). D’ailleurs, les effets de l’abolition de la peine de mort en 1981 (un des engagements du candidat François Mitterrand) restent sujets à caution puisque notre société n’est pas moins violente qu’avant et que le débat sur la peine de mort reprend dès qu’un fait grave survient. On peut quand même considérer que la Justice française se montre plus humaine, et qu’avec l’abolition de la peine de mort on évite des erreurs judiciaires irréparables.

Le débat sur la peine de mort

Ici, il revient sur le devant de la scène avec une affaire qui se solde par deux morts dans une agence bancaire, lors d’un hold-up qui a mal tourné. La façon dont les médias présentent l’affaire met en cause trois individus présentés comme des anarchistes particulièrement dangereux que la police traque. Or, ce hold-up sanglant s’est passé non loin de l’endroit où Judith en entend parler aux informations télévisées. Il s’avère que l’un des fuyards vient trouver refuge dans la maison isolée où Judith se croyait tranquille.

Les composantes d’une cohabitation

L’album met essentiellement en scène la confrontation entre Judith et le fuyard nommé Raymond Treillas. Marguerite Boutrolle (scénario, dessin et couleur) s’arrange pour mêler une évidente fantaisie avec une intéressante réflexion sur les thèmes de la cohabitation, de la culpabilité, mais aussi de la lutte des classes et du souvenir notamment. En effet, si Treillas fait irruption dans la maison où Judith recherche le calme, ce n’est pas seulement pour sa situation isolée. En fait, il connaît Judith depuis l’enfance. De plus, entre eux traine une vieille histoire qui les a marqués, même si Judith ne reconnaît pas Treillas lorsqu’il se présente face à elle. Dans un premier temps, elle ne voit que le braqueur recherché qui utilise son arme pour instaurer un rapport de forces. Judith se trouve alors confrontée à de nombreux choix, aider Treillas comme il le veut ou bien faire son possible pour donner les informations dont elle dispose à la police, tout en sachant que Treillas risque la peine capitale. De plus, elle l’écoute donner sa version des faits, ce qui la place dans la position de juré dans un tribunal : qui croire et selon quels principes ? Enfin, elle réalise que son attitude vis-à-vis de Treillas fait ressurgir le passé, puisqu’il lui rappelle quelque chose qui dépasse largement le cadre d’un simple incident. Son attitude d’alors, bien qu’enfouie au plus profond de sa mémoire, ne peut qu’influer sur sa façon d’être de manière générale. Ainsi, elle fait régulièrement des cauchemars, ce qui ne doit rien au hasard. Et, dans cette maison isolée, le moindre bruit la fait réagir. La situation l’incite à un examen de conscience qui ne tourne pas à son avantage. Elle qui fait des études de droit peut se demander ce qui la motive vraiment. Des faits qui remontent à son passé de fillette, une évidence ressort : la lutte des classes la concerne forcément. Oui, mais dans quel camp se situe-t-elle ?

Petit bémol

Marguerite Boutrolle intègre donc bien des éléments intéressants dans son intrigue, ce qui justifie l’épaisseur (239 pages) d’un album au format moyen. Pourtant, celui-ci se lit relativement rapidement, parce que les dialogues ne sont pas du tout envahissants. En fait, même si tous les éléments cités ci-dessus interviennent effectivement, aucun n’est vraiment creusé. C’est au lecteur de s’en imprégner pour comprendre les tenants et aboutissants de ce qu’il découvre au fur et à mesure.

Le traitement graphique

Il peut tout aussi bien déconcerter que séduire. En effet le style de Marguerite Boutrolle vise plutôt la stylisation qu’autre chose. Les silhouettes de ses personnages sont dessinées en quelques traits et les visages ne recherchent pas le réalisme. Ainsi Judith apparaît au premier abord comme une jeune fille presque naïve qui fait preuve de fantaisie dans son comportement. Bien entendu, on la perçoit différemment au fur et à mesure que l’intrigue évolue. La complexité de son personnage émerge et on découvre ses angoisses et sa façon de réagir face à l’imprévu ou bien face au danger. Elle se montre pleine de ressources et pas spécialement perdue dans les paysages bretons. Dans ce cadre, la dessinatrice donne libre cours à son inspiration en jouant avec maestria de la gamme de couleurs choisies (outre le noir et blanc, elle utilise rouge, orangé et jaune). Les paysages jouent un rôle important dans l’album, pour apporter des sensations (et surtout de la tension), des respirations. On n’est pas loin de l’abstraction par moments, avec quelques dessins de grands formats qui viennent enrichir un ensemble où les cadrages, enchainements de dessins de formats très variés, déformations et accentuation du texte dénotent une vraie maîtrise des effets recherchés. Tout cela fonctionne dans cet album où la dessinatrice joue également avec des références musicales, littéraires ou encore issues de la presse. Une étonnante réussite !

De bonne foi – Marguerite Boutrolle
Dargaud : paru le 17 avril 2026