Split, un film de M.Night Shyamalan : Critique

Avec Split, pour son onzième film, le cinéaste M.Night Shyamalan (scénariste/réalisateur), habitué à la polémique, nous vend un ambitieux projet lié à Incassable (2000), du déjà vu qui finira par donner raison à ses détracteurs : fragile, prévisible, inconfortable, pire encore … ennuyeux.

Synopsis: Kevin a déjà révélé 23 personnalités, avec des attributs physiques différents pour chacune, à sa psychiatre dévouée, la docteure Fletcher, mais l’une d’elles reste enfouie au plus profond de lui. Elle va bientôt se manifester et prendre le pas sur toutes les autres. Poussé à kidnapper trois adolescentes, dont la jeune Casey, aussi déterminée que perspicace, Kevin devient dans son âme et sa chair, le foyer d’une guerre que se livrent ses multiples personnalités, alors que les divisions qui régnaient jusqu’alors dans son subconscient volent en éclats.

Docteur Jekyll et Mister Hyde

Après une filmographie qui prête au débat avec des films de très mauvais goût (La Jeune fille de l’eau) ou relativement écolo-ingénieux (Phénomène) en passant par un nouveau type de super-héros très réussi (Incassable), Shyamalan a toujours tenté d’allier divertissement et auto-réflexivité avec des messages plus ou moins évidents sur différents sujets philosophiques, sociétaux ou cinématographiques. Si l’on remonte les intentions, l’inspiration concernant le personnage de James McAvoy lui serait venue en tournant Incassable. Mais la scène qu’il avait imaginée était trop intense par rapport au reste du film. Il a donc préféré l’écarter et en a fait un long-métrage à part entière bien des années plus tard. Difficile d’oublier l’inefficacité de The Visit par son procédé convenu et son scénario soporifique. On l’attend au tournant comme si sa réputation réclamait constamment un nouvel éclat. Il ne faudra pas s’attendre à être ébloui avec Split, car malgré des performances étonnantes et une mise en scène propre, le genre sombre dans la quintessence scénaristique du ridicule. On peut asséner le même « compliment » au dernier film de Gore Verbinski (A Cure For Life). Sa volonté du twist cousu d’avance empiète sur une nécessaire subtilité et transformant l’objet ici d’analyse en un exercice d’hommage sans réelle matière ni consistance (le huis clos de Room, le slasher de Psychose, la chronique lynchienne Lost Highway, le drame psychologique de Martin Scorsese Shutter Island, ou les thrillers noirs de David Fincher sans oublier Fight Club). Et il n’est pas anodin que ces derniers traitent de la schizophrénie comme résolution dramatique. Ici, les cartes semblent avoir été redistribuées à l’envers et nous semblons connaître la nature du mal qui pousse James McAvoy à kidnapper trois adolescentes, mais la réponse n’en est pas moins… inintéressante.

Passons sur la critique de la génération Y ayant tout à portée de main, superficielle et vierge de toute « réelle souffrance ». Passons sur l’emprisonnement, l’isolation ou l’impossibilité de l’extérieur déjà leitmotiv dans moult films d’horreur (Martyr, The Thing, Don’t Breathe…). Et focalisons-nous principalement sur la force principale du film, les multiples personnalités du personnage joué par l’acteur britannique, puisqu’il s’agit non pas d’une révélation, mais du premier contexte. Une vingtaine d’identités différentes pour un jeu un peu en dessous des talentueux Anthony Perkins (Psychose), Jack Nicholson (Shining), Tony Curtis (L’Etrangleur de Boston) ou Michael Shannon (Bug, Take Shelter). James McAvoy, déjà bipolaire dans Ordure! d’où nous ne citerons pas le plagiat au style de Danny Boyle, arrive par moments à atteindre certaines fulgurances et d’autres spectateurs le trouveront sensationnel. La jeune Anya Taylor-Joy déjà apparu dans The Witch ou le plus que décevant Morgane est tout aussi remarquable. Il est dangereux de statuer deux heures entières de film de genre bien à lui (du drame entertainment bien ancré dans le réel avec pointes de fantastique et d’horreur arrivant de nulle part sur intentions psychologiques) sur le trouble dissociatif d’identité. La volonté est donc clinique, puisque au centre du récit, mais également romanesque car intégrée dans un scénario tenant sur deux tickets de bus. Par ailleurs, montrer la scène d’introduction en voiture dans la bande annonce annule toute effet de surprise, car cette seule scène sans l’avoir découverte au préalable aurait eu quelque chose de grandiose et étouffant. Mais le choix de la vendre sur un format de marketing laissant peu de place à la respiration est aussi stupide que la plupart des bandes annonces massacrant le film en lui-même.

L’usage du flashback semble vouloir nous perdre ou nous donner les clés c’est selon, sauf que la simplicité du soi-disant « twist » (n’écoutez pas les médias qui emploie à tort ce mot) prévisible anéantit la profondeur de la scène de confrontation finale. D’autant plus, que le ressort du « he’s back » (il revient), gratuit comme toujours, participe une fois de plus à l’ennui enduré sur la dernière demi-heure. Et la question qui apparaît donc comme de l’herpès génital -c’est dire l’inconvénient- est la suivante « Pourquoi? » ou « A quoi bon? »