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Les Gardiens de la Galaxie : Un space-opera totalement décomplexé dans la lignée de Star Wars 

Synopsis: Peter Quill alias Star-Lord est un aventurier traqué pour avoir volé un mystérieux globe convoité par le puissant Ronan, dont les agissements menacent l’univers tout entier. Lorsqu’il découvre le véritable pouvoir de ce globe et la menace qui pèse sur la galaxie, il conclut une alliance fragile avec quatre aliens disparates : Rocket, un raton laveur fin tireur, Groot, un humanoïde semblable à un arbre, l’énigmatique Gamora, et Drax le Destructeur. En les ralliant à sa cause, il les convainc de livrer un ultime combat aussi désespéré soit-il pour sauver ce qui peut encore l’être …

Il fallait s’y attendre mais pourtant la nouvelle ne cesse d’étonner. A force de trop nombreuses productions ignominieuses et formatées se prenant au sérieux ; Iron Man 3, Thor 2 : Le Monde des Ténèbres, ou encore Captain America : Le Soldat de l’Hiver, ressassant le même concept qui mélange une débauche d’effets visuels et pyrotechniques inversement proportionnelle aux personnages et à l’intrigue et une dose d’humour la plupart du temps peu inspirée, la firme Marvel, pourtant maître dans le domaine de l’entertainment de masse faisait grise mine.

Fort d’une logique commerciale voulant sortir à cadence répétée (2 par an) des films symbolisant davantage une update qu’une manière d’étoffer la mythologie dans laquelle s’insère le héros, Marvel et notamment ses récentes productions apparaissaient ainsi comme des produits Apple à la mode ; à la fois fun mais terriblement désinvoltes.

Et face à la concurrence, certes moins prolifique, constituée par DC Comics et son très attendu Batman vs Superman, Marvel a choisi la carte de la surprise, en revenant aux bases du vrai blockbuster, un divertissement régressif et décomplexé, ponctué de beaux éclats de rire et qui ne cherche nullement à atteindre un seuil de crédibilité dans des relectures clichées événements géopolitiques modernes.

Pour concrétiser ce cynisme dixit Marvel aux doux airs de pragmatisme industriel, rien de tel que de proposer un nouveau héros, et Marvel, ne faisant jamais rien à moitié, n’en donne pas 1 mais 5, et en l’occurrence, une bande.

Cette bande, ce sont Les Gardiens de la Galaxie.

Tirés d’un obscur comic sorti en 1969 et qui selon la légende aurait été écrit pour le fun afin d’attester de la notoriété avérée de Marvel, Les Gardiens de la Galaxie, narre avec humour les pérégrinations dans une galaxie psychédélique d’un quintuor de mistfitstirés d’un mélange assez habile de Monstres et Compagnie et des Ailes de l’Enfer. Un raton-laveur déjanté, une meurtrière à la peau verte, une montagne de muscles rouge en quête de vengeance, un homme-arbre doué de la parole et un humain reconverti en mercenaire et biberonné aux mélodies des 70’s, forment cette équipe disparate, devant s’associer pour sauver la Galaxie d’une terrible menace, symbolisée par Ronan l’Accusateur.

Et grâce à une campagne de com aussi cool qu’agressive, faite de trailers décalés qui swinguent et pètent de partout sur fond de vieux hit old school (ooga chaka ooga chaka), Les Gardiens de la Galaxie, bien qu’inconnus du grand public à l’exception de quelques haters de la saga Star Wars, ont réussi à devenir les héros Marvel les plus attendus de l’année.

Une attente qui soulevait alors la question que tout le monde se posait : saurait-on trouver derrière la caméra une âme suffisamment décalée et ingénieuse pour parachever la vision déjantée revendiquée par cette dream-team de loosers dans les trailers ?

En choisissant James Gunn, réalisateur à la fois taré et trash auquel on doit Super, relecture un brin barré à la sauce quadragénaire de Kick Ass, Marvel se permet de répondre par l’affirmative tout en continuant dans la voie de donner la réalisation de ses productions à des réalisateurs assez inattendus (Shane Black, scénariste de l’Arme Fatale et réalisateur d’Iron Man 3, Joss Whedon, geek ultime aux manettes d’Avengers et de sa suite).

Space, sounds and fun

Après une scène d’ouverture évoquant aisément le trauma parental spielbergien vécu par le personnage principal, en l’occurrence Chris Pratt, le seul humain de la bande, et en le voyant l’instant d’après, se déhancher sur un hit groovy dans une grotte à la recherche de ce qui constituera le McGuffin du film, le ton est donné : les 2h qui suivront seront funs, jubilatoires et totalement décomplexées.

Et la suite du film lui donne entièrement raison tant Gunn, également coscénariste, prend un malin plaisir à donner à son film une ambiance collant parfaitement à la décomplexion de ses personnages. Troquant les musiques impériales de Star Wars (référence évidente vu le cadre de l’action) pour une BO ou les Jackson 5, The Runaways, Blue Suede, David Bowie se mêlent, le sérieux nécessaire au vu de la menace pour un humour qui fait mouche, Gunn parvient à installer sur son film une odeur de jouissance et de fun dont n’était plus affublée une production Marvel depuis Avengers.

Une aura grandement permise par ses personnages hauts en couleurs, et surtout tarés. Entre un raton-laveur roi de la gâchette, jouant l’évident side-kick humoristique, un homme-arbre ouvertement con puisqu’il ne sait pas prononcer autre chose que son prénom, un humain désireux d’être reconnu et prêt à tout pour sauver son walkman, et une montagne de muscles ne sachant pas discerner le second degré (source de répliques très connes), Gunn arrive à transposer son style avec panache, bien qu’il est regrettable de ne pas le voir asséner davantage de violences ou de propos osés (PG-13 oblige).

Un manque que celui-ci parvient pourtant à combler tant le fait de le voir s’engouffrer dans les poncifs du genre pour mieux les détourner après ; et feindre une critique ouverte au système des blockbusters au sein de son scénario est osé et pourtant réussi.

Balayant la traditionnelle idylle entre le personnage principal et son pendant féminin par un affrontement entre les deux et des répliques bien senties aux doux airs de punch-lines , donnant à voir un méchant au look clairement méchant, des personnages gauches, incertains, menteurs, manipulateurs, Gunn règle par le rire ce que tout le monde pense tout bas sur la cash machine hollywoodienne et s’en tire avec les honneurs, tant son sous-propos reste empli d’une finesse rare dans ce genre de production.

Reste que si ce trip cosmique est fun, fourmille de trouvailles visuelles, et rend ses lettres de noblesses à la définition même du blockbuster, celui-ci est affublé de quelques longueurs, conséquence directe de la mise en place de la cohésion du groupe. A la fois un atout, leur faible notoriété est ici un défaut,  au vu de quelques scènes peinant à faire démarrer l’ensemble.

Fiche Technique: Les Gardiens de la Galaxie

Les Gardiens de la Galaxie (Guardians of the Galaxy)
États-Unis – 2014
Réalisation: James Gunn
Scénario: James Gunn, Nicole Perlman d’après: les personnages de: Dan Abnett, Andy Lanning, éd. Marvel Comics
Interprétation: Chris Pratt (Peter Quill dit Star-Lord), Zoë Saldana (Gamora), Dave Bautista (Drax le Destructeur), Vin Diesel (voix de Groot), Bradley Cooper (voix de Rocket), Lee Pace (Ronan l’Accusateur), Michael Rooker (Yondu), Karen Gillan (Nebula), Djimon Hounsou (Korath), John C. Reilly (Rhomann Dey), Glenn Close (Nova Prime Rael), Benicio Del Toro (Taneleer Tivan le Collectionneur), Josh Brolin (voix de Thanos)…
Genre: Science-fiction, Action
Date de sortie: 13 août 2014
Durée: 2h01
Image: Ben Davis
Décor: Charles Wood
Costume: Alexandra Byrne
Montage: Fred Raskin, Craig Wood, Hughes Winborne
Musique: Tyler Bates
Producteur: Kevin Feige
Production: Marvel Studios
Distributeur: The Walt Disney Company France

A l’instar de Camille Redouble en 2012 et Guillaume et les garçons, à table ! l’an passé, on sait bien que les comédies trouvent un bel écho à Cannes et peuvent potentiellement bénéficier d’un bouche-à-oreille positif du festival jusqu’à la sortie nationale. Ces films ont en plus la particularité d’être un long-métrage, révélant Noémie Lvovsky et Guillaume Gallienne en tant que réalisateur insoupçonné. C’est le cas de nouveau ici avec Les Combattants, le premier film de Thomas Cailley qui trouve le ton juste entre romance, humour et catastrophe. L’histoire robuste d’une fille pas comme les autres et d’un gars fleur bleue. Rencontre aussi improbable que touchante.

Synopsis: Entre ses potes et l’entreprise familiale, l’été d’Arnaud s’annonce tranquille… Tranquille jusqu’à sa rencontre avec Madeleine, aussi belle que cassante, bloc de muscles tendus et de prophéties catastrophiques. Il ne s’attend à rien ; elle se prépare au pire. Jusqu’où la suivre alors qu’elle ne lui a rien demandé ? C’est une histoire d’amour. Ou une histoire de survie. Ou les deux.

Poétique Néo Apocalypse

Thomas Cailley est un diplômé de la FEMIS en cursus scénario qui n’a que quelques films à son arc en tant que scénariste. C’est par le biais de son premier court-métrage Paris Shanghai – récompensé d’une dizaine de prix à travers l’Europe – que le réalisateur puise la confiance nécessaire pour s’atteler à un projet de long métrage. Trois ans plus tard, il est la révélation de la Quinzaine des Réalisateurs et Cannes applaudit le premier travail d’un réalisateur dans la lignée d’un cinéma générationnelle à la Céline Sciamma ou Rebecca Zlotowski. Il faut dire que le réalisateur n’a pas hésité à revendiquer son film comme étant un film de personnages. A ce compte, Kevin Azaïs et Adèle Haenel sont véritablement les stars du film, cette dernière étant une nouvelle fois la révélation du festival puisqu’elle participait également à un autre film sélectionné, L’Homme qu’on aimait trop d’André Téchiné. On avait déjà eu l’occasion – justement – de la voir en 2007 dans le troublant La Naissance des pieuvres de Céline Sciamma.

Reprenant avec son frère l’usine de charpenterie familiale après la mort de leur père, Arnaud (Kévin Azaïs) rencontre brutalement Madeleine (Adèle Haenel) sur une plage. Une sorte de premier contact détonnant (et mordant) qui l’amènera par la suite à aller chez elle pour la construction d’une cabane. Une rencontre improbable qui sonne comme le début d’un périple inconscient pour ce garçon un peu fleur bleue qui suivra cette nana jusqu’à une formation pour les para-commandos, persuadée que « la fin » arrive. Fille brute, jamais sur la réserve, au visage figé et impressionnante de physique, elle n’existe plus que pour la survie et son image est plus proche d’un Bears Grylls au féminin que d’une « pute sur la piste de danse ». Autant fasciné que déconcerté par cette fille pas comme les autres, Kévin Azaïs est un simplet qui prend la vie comme elle vient, fait des trucs « qui ne servent à rien », et ne sait pas vers quoi se projeter hormis à trente centimètres derrière sa cible. Les Combattants, c’est l’histoire de deux personnages qui sonne comme un film de génération, celle de deux jeunes qui ne savent pas vers où aller et fantasment sur une apocalypse pour donner un sens à leur vie. Très belle métaphore de la désorientation d’une jeunesse qui ne souhaite pas une vie toute tracée mais idéalise un changement majeur où ils pourront pleinement s’épanouir. Ce qui est amusant, c’est que les adultes s’inquiètent mais laissent faire car ils ne savent également pas comment apporter la solution à ces esprits fougueux mais déboussolés. Les Combattants est également un film sur l’amour, cet éphémère amour estival qui rend les garçons naïfs au point de suivre les filles sans réfléchir, jusqu’à effectuer une formation commando sans entraînement. Plus le film avance, et plus cette romance prend des proportions physiques, plus charnelles jusqu’à cette scène terriblement sensuelle où les regards se croisent, les corps s’effleurent et où les souffles se font vibrants, une scène coupée du monde qu’on croirait tirée de la Genèse.

Mais Les Combattants, c’est aussi et surtout une comédie dans ce qu’elle a de plus absurde. Absurdité des situations, absurdités des dialogues, absurdités de la vie qui emmènent ces deux personnages dans des situations qui les dépassent et auxquelles ils réagissent avec une certaine naïveté. Thomas Cailley n’hésite pas à faire durer ces moments où les personnages ne savent plus quoi répondre, restent figés, le regard dans le vide, décontenancés de tout. Il est vrai qu’il n’y a rien de plus anormal que voir une fille emporter trois tuiles dans son sac à dos et plonger dans la piscine. Les dialogues sont fins et parfois tellement simplistes que ça en est drôle. « Tu fais quoi ? Rien ! Ça sert à quoi ? Rien » est une scène d’une telle candeur qu’elle en devient aussi contemplative qu’amusante. Les séquences lors du stage de commandos étant les plus drôles, car on y voit les attentes de jeunes qui s’attendent à vivre le rêve « à la Call Of Duty » ou dont l’unique objectif est de travailler dans la « télécommunication ».

Dans sa seconde moitié, le film se fait davantage le récit d’une contemplation, d’un lieu unique isolé du monde où les deux tourtereaux vivront d’amour, d’eau fraîche et de renard. En dépit d’un rythme qui s’amenuise, Les Combattants devient fragile, physique, et surtout se dirige doucement vers une scène apocalypto-cauchemardesque. On croit presque voir un Take Shelter (Jeff Nichols, 2012) à la sauce française. Une scène onirique bouleversante qui nous donnerait à croire que le film bascule bel et bien dans le fantastique. Le ton aurait pu devenir sombre et défaitiste. Il est finalement contrebalancé par les événements de la vie. Cette scène apocalyptique n’est considérée comme telle, car elle se situe à notre niveau. C’est pour cela que le film fonctionne très bien car il se situe à la hauteur des personnages, jamais on ne les quitte. On ressent leurs frustrations, leurs joies, leurs peines, leurs peurs. On n’est rarement aussi proche de ces personnages.

Aidé par une musique d’électro envoûtante, Les Combattants est un beau film indépendant français, pur film de génération et de romance improbable. Le genre de film pour lequel Cannes ne pouvait pas rester insensible. Certaines longueurs joueront contre lui, le ton pourtant juste du film ne rassemblera pas autant les foules que ce qu’avait fait Guillaume Gallienne l’an passé. C’est un film qui trouvera cependant un bel écho, les plus cinéphiles répondront présent et salueront l’audace et la fraîcheur de ce réalisateur qui offre une comédie adolescente sensible, physique et terriblement romantique.

Fiche Technique: Les Combattants

Titre originale: Les Combattants
France
Réalisation: Thomas Cailley
Scénario: Thomas Cailley & Claude Le Pape
Interprétation : Adèle Haenel (Madeleine), Kévin Azaïs (Arnaud), William Lebghil (Xavier), Brigitte Roüan (Hélène Labrède), Antoine Laurent (Manu Labrède).
Genre: Comédie, romance
Durée: 1h38
Image: David Cailley
Décor: Paul Chapelle,
Costume: Arianne Daurat
Montage: Lilian Corbeille
Musique: Lionel Flairs, Benoît Rault, Philippe Deshaies
Producteur: Pierre Guyard, Christophe Rossignon, Philip Boëffard
Production: Nord Ouest Production
Distributeur: Haut et Court
Budget : 2 000 000 €
Festival: Prix SACD, Art Cinema Award et Label Europa Cinema à la Quinzaine des Réalisateurs 2014
Copyright:© Nord-Ouest Films et Julien Panié

Adapté d’un roman d’Irvin Welsch à l’écriture du déjà bien barré Trainspotting, Jon S. Baird s’empare de ce récit pour livrer une œuvre complètement dingue, monstrueuse de sens et speed à souhait. Jon S. Baird n’est pas encore connu du monde audiovisuel si ce n’est qu’il a été associé à la production du film Hooligans (Lexi Alexander, 2006). Néanmoins son travail a déjà été repéré et il a déjà été engagé par Disney pour écrire un scénario encore tenu secret à l’heure actuelle. Le roman d’Irvin Welsh est intitulé chez nous « Une Ordure », et c’est exactement ce que Filth raconte, l’histoire d’un policier ordurier dont l’ambition est de décrocher la promotion de son service pour devenir détective. Et ce, quitte à créer des tensions ou mettre des bâtons dans les roues à ses collègues.

Synopsis: Le sergent-détective Bruce Robertson veut une promotion et son patron veut des résultats. Pas de problème pour Bruce. Quand un meurtre est perpétué, il prend le contrôle de la situation. Et quand il résoudra l’affaire, il gagnera la promotion. Mais la vie n’est pas aussi simple. Bruce est-il l’homme de la situation ? Les réponses vont être tragiques, hilarantes et outrageantes.

Avertissement : des scènes, des propos ou des images peuvent heurter la sensibilité des spectateurs

La bête humaine

Dans ce sens, le film Ordure ! fait très dans le politiquement incorrect. Très tôt, en même temps que son désir d’accroître sur le plan professionnel, on apprend que Bruce a un mode de vie décadent où se croisent la drogue, les putes et les emmerdes. En attendant de retourner avec sa femme qui joue les aguicheuses espérant que son mari obtienne cette promotion, Bruce dévoile progressivement un lourd passif à travers de nombreuses hallucinations sommaires.

Jon S. Baird n’ose pas s’éloigner de la référence du genre qu’est le Trainspotting de Danny Boyle (1996). Le cinéaste reprend ainsi ces mêmes idées de mise en scène qui alternent les moments furax et les séquences figées. Là où il se démarque, c’est que sous ses airs de comédie sous acide, Filth est en fait un véritable drame, un drame dont le personnage principal est incapable d’affronter la réalité. En ce sens, la personnalité schizophrénique du héros est apporté avec soin et ne tombe jamais dans le grand-guignolesque. L’intrigue donne à croire que Bruce est devenu une pourriture à la suite d’un drame qui lui est arrivé, des hallucinations montrent à de nombreuses reprises un fantôme d’enfant et lui reflètent l’image d’un porc. La suite du récit pousse le propos plus loin et le spectateur est constamment malmené et se retrouve sans cesse dans l’interrogation. Derrière cette façade d’ordure, l’homme s’est inventé un semblant d’existence décadent où il s’acharne contre les pires vices de la société. Mais il retrouve une certaine forme d’humanité dans ces rencontres avec la femme d’un homme à qui il a essayé de sauver la vie. Comme si cela lui rappelait un souvenir. Ces séquences posées ralentissent le rythme d’un film qui ne s’arrête jamais.

La performance de James McCavoy est démente, apitoyante et tellement insensée qu’elle en est que plus fascinante. Il impose un air cruel et contrebalance avec quelques élans empathiques donnant l’impression d’un personnage totalement schizophrénique. Pas étonnant que l’acteur a été récompensé du Prix du Meilleur Acteur dans les cérémonies du British Independent Film Awards et du London Film Critics Circle Awards. A ses côtés, James McAvoy est secondé par le gratin de la comédie britannique, Jim Broadbent (psychologue barje) et Eddie Marsan (pleutre empathique,) et de la scène montante anglophone, Imogen Poots (touchante en relations humaines) et Jamie Bell (opportuniste complexé sexuellement). Un casting de haute volée pour un film qui n’en est que meilleur même si James McAvoy absorbe littéralement tout l’écran.

Le récit de d’Ordure ! (Filth) laisse place à un véritable trip décalé et trash dans sa première partie, porté à bout de bras par un James McAvoy en roue libre. Puis peu à peu, le ton du film se mue en un drame poignant autour de la perte, de la famille et de l’amitié. Point de pathos, mais un regard poignant sur un personnage dépressif, malade et irrécupérable. Un personnage qui pour faire face à ses démons se créer un personnage ordurier et devient par conséquent une victime de schizophrénie. Jon S. Bair se laisse aller à quelques fulgurances hallucinatoires comme en témoigne ces rencontres psychédéliques avec le psychologue de Bruce. Certains gros plans sur les visages imposants et déformés des protagonistes rappellent quelques délires sous acide de Las Vegas Parano (Terry Gilliam, 1998). L’ambiance de ce film reflète véritablement la mentalité déglinguée et désespérante -à base de masques effrayants, de couleurs agressives et de rupture de rythme- de ce personnage principal et s’effondre dans un dénouement surprenant et d’une noirceur insoupçonnable. En somme, c’est magnifiquement tragique.

Filth contient tout ce qui a fait le succès du Trainspotting de Danny Boyle même s’il n’en atteint pas le prodige de la mise en scène. Jon S. Baird ressasse cette mise en scène archi-découpée mais la combine allègrement avec de brusques ruptures de tons et de longs plans fixes. Il y a une véritable atmosphère borderline, des dialogues abrupts et très soignés, et de péripéties déjantées qui font tout le style de la patte d’Irvine Welsh. James McAvoy saura remporter l’adhésion de tous dans ce rôle à contre-courant qui fait de cette comédie douce-amère un spectacle décalé et délicieusement sombre.

Ordure ! (Filth) de Jon S. Baird : Extraits

Fiche technique – Ordures !

Pays: Royaume-Uni
Titre original: Filth
Date de sortie: 24 septembre 2014 – en DVD
Sortie Blu-Ray: 24 Septembre 2014
Année de production: 2012
Titre français; Ordure !
Réalisation: Jon S. Baird
Scénario: Jon S. Baird d »après Irvine Welsh
Distribution: James McAvoy (Bruce), Jamie Bell (Lennox), Joanne Froggatt (Mary), Imogen Poots (Drummond), Eddie Marsan (Bladesy), Shauna Macdonald (Carole), Shirley Henderson (Bunty) and Jim Broadbent (Dr. Rossi).
Genre: Comédie dramatique, thriller, policier
Durée: 01:37
Musique: Clint Mansell

Critique Palma Real Motel

Synopsis : Sur la côte de Veracruz, Sebastian, 17 ans, doit reprendre seul la direction du petit motel de son oncle. Il loue les chambres à l’heure à des couples adultères et des amants de passage. Parmi eux, une belle jeune femme, Miranda, vient régulièrement retrouver un homme marié qui lui fait souvent défaut. Pendant ces heures creuses, Sebastian et Miranda font peu à peu connaissance et laissent s’installer entre eux une troublante complicité.

Lost in Mexico

Comment peut-on faire pour tuer le temps lorsqu’on a 17 ans, et qu’on est responsable du motel de son oncle ? Surtout lorsque le bâtiment en question est un sordide hôtel de passe dans lequel se retrouvent couples illégitimes, amants d’un soir et clients de prostituées. Pas le meilleur endroit pour grandir, donc, surtout à cet âge un peu ingrat où les hormones vous travaillent. On n’est pas sérieux quand on a 17 ans. Pourtant, de ce postulat de départ, Aarón Fernandez parvient à tirer une histoire d’amour désabusée empreinte de douceur et de sincérité, à peine plus qu’une parenthèse désenchantée dans un quotidien morose.

Deux êtres que tout oppose

On retrouve ici le point de départ classique d’un grand nombre d’histoires du même genre. Deux personnages de deux milieux différents, dont on ne sait au final pas grand chose, et que les circonstances vont finir par rapprocher. On pense forcément à Lost In Translation, le chef d’œuvre de Sofia Coppola, même si la différence d’âge est ici inversée. Sebastian, 17 ans, voit donc Miranda, 30 ans, une jeune femme rêvant d’une vie meilleure, se morfondre en attendant son amant. La solitude les rapproche, et leurs corps finiront par s’unir. Ce n’est ni cru, ni sordide. Ce n’est pas particulièrement beau non plus. Ce n’est qu’un simple acte entre deux gens perdus, qui ne savent finalement pas comment tuer ces heures mortes qui sont le titre du film en version originale.

L’ambiance autour du film, la lourdeur de l’atmosphère, et les détails de l’ambiance sont la force du film, qui ne manque pas de bonnes idées, mais peut-être d’un peu de profondeur. Quelques instants de grâce mélancoliques illuminent la pellicule ici ou là, laissant comme une aura de lueur au milieu de la sueur et de la crasse ambiante. On aurait tout de même aimer en savoir plus sur les personnages, non pas leurs motivations, qui se suffisent à elles mêmes, mais leur histoire, leur personnalité, ce que Coppola parvenait à faire en quelques plans et répliques et que Fernandez tente de reproduire sans toujours y parvenir. La plupart des scènes semblent anecdotiques, et font du coup basculer le film et le spectateur hors de l’ornière, avant de l’y renvoyer à nouveau grâce à une séquence mieux maîtrisée.

La fin est belle, presque poétique, déclenchant une vraie émotion par un simple sourire. Et résume tout ce que le film aurait pu être, une lueur d’espoir et de beauté dans un oasis de stupre. Le sujet est fort, et aurait pu donner un grand film. Il ne le sera que par moments, mais ces moments valent largement de découvrir Palma Real Motel.

Fiche technique – Palma Real Motel

Français, Mexicain
2014
Romance, drame
Réalisateur : Aarón Fernandez
Scénariste : Aarón Fernandez
Distribution : Kristyan Ferrer (Sebastian), Adriana Paz (Miranda), Eliseo Lara Martinez (Jacinto)
Directeur de photographie : Javier Moron
Monteur : Ana Laura Calderon
Compositeur : Camilo Froideval
Producteurs : Aarón Fernandez, Christophe Bouffil, Fred Premel
Production : Santa Lucia Cine, Tita Productions
Distributeur : Urban Distribution

Auteur de la critique : Mikael Ying

En cinq films sélectionnés à Cannes, Nuri Bilge Ceylan a raflé 5 prix, dont la palme d’or pour Winter Sleep. Avec un tel historique, on peut facilement imaginer que le réalisateur ait constamment la pression de bien faire, et même de succomber à la recherche de la sur-performance, au risque de s’éloigner de son propos artistique initial.

Synopsis : Aydin, comédien à la retraite, tient un petit hôtel en Anatolie centrale avec sa jeune épouse Nihal, dont il s’est éloigné sentimentalement, et sa sœur Necla qui souffre encore de son récent divorce. En hiver, à mesure que la neige recouvre la steppe, l’hôtel devient leur refuge mais aussi le théâtre de leurs déchirements…

Le seigneur des steppes

De fait, ce film peut être qualifié de magistral à bien des égards. Il raconte l’histoire d’un homme ambivalent, Aydin, qui dans une des premières scènes, se fait « caillasser » la voiture par le fils d’un autre homme auprès de qui il vient réclamer des arriérés de loyer. Plus exactement, son intendant Hidayet se soumet à cette basse besogne, tandis que lui reste à l‘écart. Aydin semble interloqué par l’incident. Lui un homme simple, dont le plaisir dans ce matin hivernal est d’aller ramasser des champignons, et de les proposer pour le petit déjeuner aux clients de son cossu hôtel troglodytique de la Cappadoce. Il ne comprend donc pas un tel ressentiment. Du moins est-ce la sensation que le film procure.

Pourtant, sous ces dehors faussement magnanimes, envers ses locataires, ses clients, sa belle et jeune femme qui essaie de se rebeller contre son emprise, Aydin est en fait une personnalité ambiguë, à la fois généreux et intransigeant, sûr de son droit, compréhensif mais composant sans problème avec une conscience de classe. Du désarroi, donc face aux réactions qu’il suscite, mais de la condescendance aussi. Un personnage pas forcément héroïque, pas détestable non plus.

Le film est esthétiquement proche de la perfection. Ce qui frappe en premier sont les images splendides, boostées par une nature ultra-généreuse, la Cappadoce magnifiquement filmée en hiver, en plans larges et étourdissants, en légère plongée, sous la neige, selon les habitudes de Nuri Bilge Ceylan qui déclare aimer filmer la neige par dessus tout. La steppe anatolienne et les chevaux sauvages sont sublimés par le réalisateur, et même les simples scènes d’intérieur éclairées au feu de bois sont remarquables.

Puis il convient de souligner la qualité des dialogues, certes largement inspirés par Tchekov (dont 3 nouvelles ont servi de matériau à ce scénario co-écrit avec son épouse), qui apportent au film beaucoup de dynamisme dans leur succession, ce qui ne laisse aucune place au risque de l’ennui, malgré une durée de film qui fait peur a priori, et un rythme assez languissant, le film n’étant émaillé d’aucune scène d’action. La mise en scène enfin, est d’une fluidité et d’une maîtrise totales, tant aucune scène, aucun décor, aucune parole ne sont laissés au hasard.

Et pourtant, en terme d’émotions, le film n’arrive pas à créer le sublime qu’on serait en droit d’attendre avec un tel niveau de perfection. Certes, la beauté elle-même du film est un vecteur d’émotions, mais on reste à la marge de l’histoire de cet homme. Même les deux personnages féminins, l’épouse Nihal et la sœur Necla ne parviennent pas à nous émouvoir vraiment, leur motivation et la place qui leur est laissée ne sont pas très claires finalement… Peut-être que le « sleep » du titre se traduit par un engourdissement et une torpeur généralisés des personnages qui du coup, ont du mal à convaincre.

Cependant, le jury du festival de Cannes a sans doute pris la bonne décision en attribuant cette palme d’or. Au travers de son discours, le film fait réfléchir sur bien des thématiques. Ces 196 minutes de dialogues presque ininterrompus sont, dans leur majeure partie, axées sur des interrogations entre les différents personnages dont la profondeur est réelle. Ceylan aborde par exemple la violence de classe et son caractère inéluctable, à travers cette très belle scène où le jeune garçon qui a lancé la pierre sur sa voiture, est emmené un peu de force par son oncle (un religieux) chez Aydin pour demander pardon. Aydin lui tend la main d’une manière un peu joueuse, voire moqueuse, pour recevoir une sorte de baiser d’allégeance. Le jeune garçon s’évanouit alors, dans un refus inconscient de l’oppression, déjà une révolte qui ne dit pas son nom.

De même, le film évoque l’éthique comme dans cette longue conversation entre Aydin et sa sœur Necla, l’attitude à adopter face du mal, afin d’emmener le « malfaisant » à un repentir quasi spontané… Il relate également la responsabilité morale d’une figure qui se veut tutélaire comme celle d’Aydin, (auto) érigé en Seigneur de ces lieux, la conduite il devrait tenir par rapport à ses « sujets » … Des sujets importants, traités par les personnages et le réalisateur sur un mode plutôt grave.

Winter Sleep est beau, et est intelligemment construit, ce qui justifie pleinement sa palme d’or.

Fiche technique – Winter Sleep

Winter Sleep (Kış Uykusu)
Turquie – 2013
Réalisation: Nuri Bilge Ceylan
Scénario: Nuri Bilge Ceylan, Ebru Ceylan
Interprétation: Haluk Bilginer (Aydin), Melisa Sözen (Nihal), Demet Akbağ (Necla), Ayberk Pekcan (Hidayet), Serhat Mustafa Kılıç (Hamdi), Nejat İşler (Ismail)…
Date de sortie: 6 août 2014
Durée: 3h16
Genre:
Image: Gökhan Tiryaki
Décor: Gamze Kuş
Son: Andreas Mücke-Niesytka, Thomas Robert, Benoît Gargonne, Lars Ginzel
Montage: Nuri Bilge Ceylan, Bora Gökşingöl
Production: Zeynofilm
Distributeur: Memento Films Distribution