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En guise de retour, après quelques années d’exil politique, le réalisateur serbe Goran Paskaljevic, décide de s’attaquer à un sujet délicat, que le cinéma local a peu traité (hormis l’incontournable Underground d’Emir Kusturica): celui de l’holocauste dans l’ex-Yougoslavie. Réalisé en 2012, ce film aura mis du temps à arriver sur le sol français, pour finalement n’être diffusé que dans une poignée de petites salles.

Synopsis : Micha Brankov, un professeur de musique à la retraite est bouleversé de découvrir ses véritables origines : ses parents juifs l’avaient confié, à l’âge de deux  ans, à une famille, avant de disparaître dans un camp de la mort. Le vieux professeur retrace l’histoire de ses parents et veut faire  interpréter en leur hommage  ‘’la  partition inachevée’’ que son père avait composée.

La musique comme seul lien avec le passé ? 

Le récit de Misa Brankov, un ancien professeur de musique à la retraite interprété par Mustafa Nadarević, se découvrant adopté et natif de parents juifs victimes de la déportation, est surtout le support d’une réflexion sur le devoir de mémoire. En effet, plus que la première partie, assez descriptive, où le vieil homme se fait apprendre, par le rabbin local, l’établissement tragique, en plein cœur du Belgrade des années 30, d’un camp de la mort, puis les témoignages maussades des habitants actuels de la zone, l’intérêt du film réside dans la seconde partie. C’est là que, après avoir découvert et complété une partition musicale rédigée par son père, ce musicien décide de la faire jouer à l’occasion d’une cérémonie commémorative du drame organisée par les derniers survivants.

Si la première partie, de par son caractère didactique, est la preuve que le public serbo-croate n’est pas au fait du drame qui a frappé l’Europe dans les années 40, la seconde, assimilable à une mise en abyme musicale du travail du réalisable, nous ouvre les yeux sur les difficultés de transmettre le souvenir de ce passé peu glorieux.  Brankov, tellement investi par sa mission qu’il en viendra à vendre l’objet le plus précieux à ses yeux, son piano, va donc faire beaucoup de rencontres et de demandes pour participer à projet de rendre hommage à ses parents qu’il vient de découvrir Mais parmi celles-ci, la plus importante est la sollicitation faite à son fils, lui aussi musicien (le talent est, aux yeux de Paskaljevic au moins, transmissible), qui, moins soucieux par le sort de ses aïeux que par ses intérêts personnels, va lui répondre par la négative. C’est dans ce refus, davantage que dans l’évocation de la Shoah, et les quelques scènes de flashbacks, faites par le prisme des rêves du personnage principal, l’illustrant maladroitement, que La partition inachevée atteint la dimension d’un véritable drame, celui d’une société ne désirant pas prendre en considération les horreurs vécues par les générations antérieures. 

La Partition inachevée:  Bande Annonce

La Partition inachevée:  Fiche technique

Titre original : Кад сване дан ; Kad svane dan
Réalisation : Goran Paskaljević
Scénario : Filip David et Goran Paskaljević
Interprétation: Mustafa Nadarević (Pr Miša Brankov), Nebojša Glogovac (Mališa), Predrag Ejdus (le rabbin), Zafir Hadžimanov (Marko Popović), Meto Jovanovski (Mitar), Olga Odanović-Petrović (la réfugiée), Toma Jovanović (Neifeld), Rade Kojadinović (Kosta Brankov), Mira Banjac (Ana Brankov), Nada Sargin (Marija), Ana Stefanović (Hana), Čarni Derić (Isaac Weiss)…
Montage : Kristina Pozenel
Musique : Vlatko Stefanovski
Photographie : Milan Spasic
Producteur : Ilann Girard, Goran Paskaljević et Damir Teresak
Coproducteur : José María Morales
Producteur exécutif : Jelica Rosandic
Producteur associé : Philip Zepter, Madeleine Zepter, Milan Marković et Dejan Petković
Production : Nova Films et Maxima Films
Distribution : Sophie Dulac Distribution
Genre : Drame
Durée : 90 minutes
Dates de sortie : 26 novembre 2014

France/Serbie/Croatie – 2014

Après avoir fait dans le gore efficace avec Undead en 2003 puis avoir dirigé Ethan Hawke dans le vampirique, rythmé et intéressant Daybreakers en 2009, les Frères Spierig sont de retour. Un tandem apprécié par les critiques pour leur univers et leur ligne conductrice de film de genre. On ne change pas une équipe qui plaît et les deux frères remettent le couvert avec cet ambitieux film de science-fiction. Présenté pour la première fois au Festival Fantasia à Montréal où il a été acclamé par le public, Predestination est un film inspiré d’une nouvelle intitulée « All you Zombies » de Robert A.Heinlein, évoquant les paradoxes des voyages dans le temps. Pour sa première européenne, le film fût également sélectionné pour conclure en toute beauté la septième édition du Festival Européen du Film Fantastique de Strasbourg.

Synopsis:  Un agent temporel est pris dans une série de voyages dans le temps, destinés à faire perdurer à jamais son action en tant que représentant de la loi. Lors de son ultime mission, il doit recruter une plus jeune version de lui-même pour se remplacer, tout en pourchassant le seul criminel ayant percé son identité à travers le temps…

All you Paradox

Depuis près de deux ans, le cinéma mainstream se plaît à raconter des histoires de voyages dans le temps et particulièrement des paradoxes qui les jalonnent. Certains réussissent avec brio ce périlleux exercice de cohérence et de véracité scientifique. Citons les récents Interstellar ou Edge of Tomorrow, voire les comédies romantiques Camille Redouble et Il était Temps. A fortiori, d’autres agacent et font lever les yeux au ciel comme le dernier X-Men, Looper ou Men in Black 3, même s’ils restent d’honorables divertissements. Quoiqu’il en soit, le cinéma trouve avec ce matériau formidable mais complexe, une autre manière d’aborder la science-fiction, autrement que par le biais de l’espace. Rappelons que L’Armée des Douzes Singes, Donnie Darko et Retour vers le Futur avaient marqué ce sous-genre en son époque.

Ici, Predestination est un thriller futuriste où les agents d’une unité temporel peuvent déterminer à l’avance les individus sur le point de commettre un crime. Mais un terroriste semble avoir un temps d’avance sur tous ces agents, réussissant constamment à leur échapper, et mettant à exécution tout une série d’attentats. C’est donc au personnage d’Ethan Hawke de pourchasser cet individu, malin et préparé, qui prend une infime avance pour lui échapper dans le temps. Sur cette base, l’intrigue semble reprendre des éléments des films Minority Report et Timecop. Mais les Frères Spierig font le pari audacieux de raconter avant tout une histoire, celle d’un personnage qui sera le pilier central de tout le film. Tout le background tourne évidemment autour de ces voyages temporels, mais le personnage central focalise toute l’attention. Après une introduction explosive, les éléments narratifs du film se dévoilent au bord d’un comptoir d’un miteux bar souterrain. Barman, le personnage d’Ethan Hawke fait la connaissance d’une femme atypique, garçon manqué sur les bords. On devine très vite qu’elle est sa cible. Une discussion très longue s’ensuit et fait appel à de très nombreux flashbacks. C’est là toute la complexité et l’intelligence du récit qui joue avec les attentes du spectateur. Le montage est façonné comme un puzzle et permet de jouir des deux personnages principaux ainsi que du lien les unissant.

Visuellement, Predestination est un film au budget restreint, mais qui compense cela par un élégant travail sur les lumières et les décors. L’univers diégétique futuriste du film fonctionne parfaitement. Il n’est pas question d’une dystopie exagérément futuriste mais d’une société technologique évoluée, qui a toutes les similitudes de la société actuelle. Sans jamais tomber dans l’excès, les deux frangins réalisent un excellent travail de mise en scène, stylisée et très fluide. Les quelques scènes d’action du film font également preuve d’un excellent travail d’effets-spéciaux. A la tête de ce projet complexe, Ethan Hawke retrouve les deux réalisateurs après Daybreakers et s’avère nettement plus performant que dans leur précédente collaboration. A ses côtés, Sarah Snook porte magistralement le film sur ses épaules et démontre un formidable talent d’actrice qui sera assurément bien employé dans les prochaines productions hollywoodiennes à venir. Toute la discussion entre les deux personnages au bar pourrait sembler être un long nœud narratif, mais il développe à merveille la psychologie des personnages et la contextualisation du récit. Certains reconnaîtront également Alan Taylor, qui illumine le film de son charisme.

Audacieux pari que de privilégier la dramaturgie scénaristique dans un film de science-fiction. Le rythme s’en trouve quelques peu ralentis à certains moments mais il offre un formidable matériau narratif avec ses dialogues et ses personnages bien écrits. La relative complexité du scénario nous offre un vrai film qui appelle à la réflexion et fait rare pour une fois, les auteurs ne semblent pas trop s’être emmêlés les pinceaux avec une histoire de voyage dans le temps. Les paradoxes sont évités et les rebondissements sont nombreux avant un final sensationnel. Au dénouement du film, on gardera de Predestination le souvenir d’un film de science-fiction diablement efficace et parfaitement maîtrisé pour un si modeste budget.

Fiche Technique: Predestination

Titre originale: Predestination
Australie
Genre: Science-fiction, thriller
Durée: 98min
Sorti le 01 décembre 2014 en DVD/Blu-Ray

Réalisation: Michael & Peter Spierig
Scénario: Michael & Peter Spierig, basé sur le livre All You Zombies de Robert A. Heinlein
Interprétation : Sarah Snook (La mère non mariée), Ethan Hawke (le barman), Noah Taylor  (Mr. Robertson)
Image: Ben Nott
Décor: Vanessa Cerne
Costume: Wendy Cork
Montage: Matt Villa
Son : Peter Spierig
Producteur: Gary Hamilton, Matt Kennedy, Paddy McDonald, Tim McGahan, James M. Vernon
Production: Screen Australia
Distributeur: /
Budget : 17 000 000 $
Festival: Film de Clôture FEFFS 2014

#On notera néanmoins une distribution calamiteuse pour cet audacieux film de science-fiction. Sans passé par la case salles obscures dans l’hexagone, Predestination se voit uniquement proposé en version DVD/Blu-Ray, malgré sa tête d’affiche. Une stratégie injuste tant il s’avère être un bon film de genre, acclamé par les critiques dans tous les festivals où il fût présenté. Il faut croire que les Frères Spierig sont malheureusement tombés dans le mauvais créneau, celui d’un autre ambitieux film de SF sorti plus tôt, Interstellar.  On peut facilement imaginer qu’aucun distributeur n’ait voulu se lancer dans la confrontation avec le film de Christopher Nolan, surtout autour d’un sujet rassemblant quelques similitudes. A défaut, je ne peux que vous recommander de vous jeter sur ce DVD/Blu-Ray qui vaut assurément le coup d’œil. Il se range facilement dans la catégorie des films de SF efficace mais oublié par les distributeurs français, comme Moon en son temps.

Le cinéma est souvent le reflet de notre société, transposant sur l’écran, ses bons comme ses mauvais côtés, choisissant de les traiter de différentes manières : comédie, drame ou thriller… Mais depuis quelques années, il s’inspire aussi des séries télévisées, devenues un vivier de création originale, grâce à une plus grande liberté d’expression sur les chaînes du câble, comme HBO, AMC ou FX. On a ainsi vu émerger de nombreux personnages : Tony Soprano, Dan Draper, Walter White, Vic MacKey ou Dexter Morgan, des hommes immoraux, pourtant érigés en héros.

Synopsis : Lou Bloom est un journaliste travaillant dans les bas-fonds de Los Angeles. En écoutant les fréquences radios de la police, il parcourt les rues de nuit afin de trouver des images choc qu’il revend ensuite à des chaînes de télévision locales.

Le ver de terre solitaire

C’est dans ce contexte et sous cette influence, que Dan Gilroy réalise et écrit Night Call, un bijou d’humour noir, où l’on retrouve Jake Gyllenhaal, en antihéros, repoussant les limites de la morale. Sa performance est hallucinante, il s’est investi corps et âme, dans ce rôle, allant jusqu’à perdre 9 kilos. Mais pas seulement. Il ne se contente pas de cette perte de poids, il modifie aussi sa façon de s’exprimer, l’adaptant à son personnage de Lou Bloom, sans oublier ce regard vide où brille une lueur malsaine.

Jake Gyllenhaal est un des meilleurs acteurs actuels, il signe probablement la meilleure performance de sa carrière. Il repousse constamment les limites de son talent, depuis le film qui l’a révélé en 2001 : Donnie Darko. Depuis, il ne cesse de briller dans des rôles aussi divers : Jack Twist (le Secret de Brokeback Mountain), Anthony Swofford (Zodiac), l’inspecteur Loki (Prisoners) ou Adam Bell/Anthony St. Claire (Enemy), sous la direction de réalisateurs exigeants Ang Lee, David Fincher et Denis Villeneuve.

Son parcours est presque un sans faute, on lui pardonnera sa participation au Prince of Persia, une tentative ratée dans un film populaire peu ambitieux. Il s’est aussi investi dans la production de Night Call, comme il avait déjà fait auparavant, dans l’excellent End of Watch de David Ayer. Une preuve de plus, de son envie d’être présent aussi bien devant la caméra, mais aussi dans le processus de création. Il ne serait pas étonnant de le voir à la réalisation prochainement.

Dan Gilroy, qui signe ici, sa première réalisation, surprend en étant aussi à l’aise dans les courses poursuites, que dans les scènes intimistes. Alors que l’on pouvait craindre qu’il ne s’attarde trop sur l’esthétique, après un générique de divers plans magnifiques de Los Angeles de nuit. Mais en étant aussi le scénariste, il démontre sa maîtrise, en sachant où il va, nous emmenant dans l’univers malsain de Lou Bloom, le tout sans concessions, que ce soit par le biais de l’image, ou des mots.

Il offre à sa femme Rene Russo, le rôle de Nina Romina, directrice d’une chaîne de télévision locale, d’un cynisme effarant, ne s’intéressant qu’à l’audimat et prête à tous les extrêmes, pour renforcer sa position. Elle va faire de Lou Bloom, son pourvoyeur d’images chocs, de plus en plus sanguinolentes et sensationnelles, pour appâter le spectateur avide de sensations fortes. La relation entre Nina Romina et Lou Bloom est tordue, chacun se nourrissant de l’autre, poussés par leurs ambitions personnelles, jusqu’à ce que la prédatrice froide et calculatrice devienne la proie, prise au piège par sa propre perversité.

Lou Bloom est un produit de notre société actuelle. Même si on ne sait rien de lui (absence de vie sociale et familiale), on découvre au travers de son quotidien, un homme qui a fait son éducation par le biais d’internet. Un voyou de petite envergure, sans emploi, mais avec un plan de carrière bien défini, son principal moteur. La découverte par hasard de ces journalistes de l’extrême, lui permet de trouver sa voie. Son manque d’empathie, sied à ce travail. Un sociopathe qui ne pouvait que trouver son bonheur, dans les rues chaudes et violentes de Los Angeles.

Il prend Rick (Riz Ahmed) sous son aile, profitant de la crise actuelle, pour lui offrir un poste de stagiaire. Il ne fait que recréer les schémas auxquels il a été confronté dans sa recherche d’emploi. Comme avec Nina Romina, il retourne la situation à son avantage, faisant preuve d’un instinct de survie, compensant son manque d’intelligence. Il débite ce qu’il a appris sur internet ou à la télévision, tel un robot, sans recul ni réflexion, accentuant encore plus son manque d’humanité. Il met en scène sa vie et va en faire de même pour ses reportages, où la déontologie est un mot qui n’a pas de sens pour lui, tout comme pour Nina Romina.

Night Fall est un film amoral, une critique corrosive des médias et du journalisme sensationnel, donnant au public de plus en plus d’images chocs et morbides, continuant d’abaisser le niveau d’exigence du téléspectateur, abreuvant une société malade, nourrie de télé-réalité, portant aux nues des personnalités sans talents, comme Kim Kardashian, Paris Hilton ou Nabilla Benattia…
Portrait sans concession d’un homme dénué de moral, digne descendant des Travis Bickle (Taxi Driver) et Patrick Bateman (American Psycho), eux-mêmes interprétés par des acteurs de talent, sachant adapter leurs physiques à leurs rôles, en l’occurrence Robert De Niro et Christian Bale. Lou Bloom va surement entrer au panthéon des personnages les plus malsains du cinéma, confirmant notre attirance envers le côté obscur de la société, simple reflet de nos névroses et perversions.

Fiche technique: Night Call

Night Crawler
USA – 2014
Réalisation : Dan Gilroy
Scénario : Dan Gilroy
Distribution : Jake Gyllenhaal, Bill Paxton, Rene Russo, Ann Cusack, Eric Lange, Riz Ahmed, Kevin Rahm, Kathleen York
Photographie : Robert Elswit
Montage : John Gilroy
Musique : James Newton Howard
Production : Jennifer Fox, Jake Gyllenhaal, Tony Gilroy, David Lancaster et Michel Litvak
Société de production : Bold Films
Sociétés de distribution : Open Road Films et Paramount Pictures France
Genre : Policier, Thriller
Durée : 117mn
Date de sortie française : 26 Novembre 2014

Auteur : Laurent Wu

Quand nous parlons de films indépendants, cela touche également le domaine de l’animation. Et pour cause, ce genre cinématographique possède également ses grosses productions (Pixar, DreamWorks, Blue Sky…) et ses petits titres qui sortent du lot, ayant pour but d’émerveiller les enfants tout en devant faire face à la concurrence monstre des blockbusters. Nocturna est de ceux-là. Un long-métrage franco-espagnol sorti dans la plus grande indifférence (seulement plus de 173 000 entrées en France et pas de sortie américaine) qui, pourtant, a eu un beau succès lors de certains festivals (dont le Prix Goya du meilleur film d’animation en 2008). Un oublié du grand public, non sans défauts, mais qui peut rivaliser sans mal avec des Shrek et autres Toy Story.

Synopsis : Tim est un petit garçon qui vit dans un orphelinat, reclus des autres enfants à cause de sa peur pour le noir. Une nuit, remarquant la disparition de quelques étoiles alors qu’il regardait le ciel sur le toit du bâtiment, il fait la rencontre de Chat-man, un étrange personnage qui va lui faire découvrir l’univers de Nocturna. Un monde magique aussi incroyable qu’insoupçonné qui prend vie quand tout le monde dort. Mais qui se retrouve menacée par une terrifiante et mystérieuse ombre qui s’est mis en tête d’éteindre toute lumière qui sévit dans le noir…

Une imagination débordante qui reste dans l’ombre de Miyazaki

La première chose qui va vous toucher avec Nocturna, c’est son histoire. Un scénario totalement original, qui dépeint l’univers de la nuit avec une inventivité des plus bluffantes. Tout en s’inspirant des divers récits créés par Tim Burton et Hayao Miyazaki, les réalisateurs/scénaristes suivent le parcours d’un garçonnet qui va découvrir que les chats sont des animaux qui errent la nuit dans le seul but de faire dormir les enfants. Que de drôles de créatures, de manière symphonique, usent du vent, des branches contre les volets et du grincement des gouttières afin de donner vie à la nuit. Qu’une sorte de farfadet farceur est à l’origine des « petites fuites au lit ». Que des Ébouriffeuses, le penchant féminin d’Edward aux mains d’argent, travaillent durs pour vous offrir vos tignasses du matin. Des exemples, le long-métrage en regorge, mais ça serait gâcher la surprise devant tant d’imagination ! Un univers récréatif qui n’oublie pas de donner une petite leçon de vie à tous les jeunes spectateurs.

Hormis des personnages secondaires mis de côté assez facilement et une fin gentillette prévisible au possible, Nocturna est avant tout un message pour tout ceux pour qui le noir, l’obscurité, fondent leur plus grande peur. Transmis par la quête du personnage principal, Tim, qui doit affronter une ombre terrifiante (et qui fera sans doute peur aux plus jeunes d’entre vous) qui plonge la nuit dans le noir le plus total (extinction des lumières et des étoiles). Nocturna, c’est une assurance. Celle qu’avoir peur du noir est un sentiment absurde tant la nuit regorge de vie et de charme. Que c’est la peur elle-même qui lui donne cette image angoissante qui lui est adressée injustement. Bref, Nocturna ne se présente pas au public telle une coquille vide qui ne compte que sur son visuel, mais plutôt comme une œuvre qui veut titiller l’attention des jeunes par ce qu’elle a à dire.

L’’animation, justement : loin des prouesses faites en informatique qui règnent désormais sur le cinéma d’animation, Nocturna conserve le charme et la beauté du design en 2D tout en se rapprochant des plus grands films de Miyazaki. À tel point que ce long-métrage pourrait très bien figurer dans la filmographie de cet auteur d’exception, aussi bien du côté de l’animation que de l’ambiance musicale. Que ce soit au niveau visuel ou sonore, Nocturna vous emportera à coup sûr, que vous soyez petits ou grands !

Cependant, le film est encore loin d’arriver à la cheville des œuvres de Miyazaki : Nocturna manque cruellement de féerie. Alors qu’un tel univers, de tels personnages et une telle poésie nécessitent sans concession une ambiance enchanteresse, il est frustrant de ne pas être bien plus emporté que cela par des moments pourtant touchants. Une atmosphère qui semble faire du surplace alors que le visuel rayonne de magie. Le doublage participe également à cette petite déception. Si des doubleurs professionnels s’en sortent comme à l’accoutumée (Roger Carel, Philippe Peythieu…), d’autres n’ont pas suffisamment de punch pour donner vie à leur personnage (l’animateur télé Jean-Luc Reichmann), n’étant tout simplement pas habitués à ce genre d’exercice et donnant une voix plutôt monotone aux protagonistes concernés. Avec une ambiance et un doublage qui ne débordent que trop rarement, voire jamais, d’énergie et de merveilleux, Nocturna ne déploie pas entièrement ses ailes, ce qui peut expliquer son manque d’engouement face aux œuvres de Miyazaki.

Qu’à cela ne tienne ! Nocturna a beau ne pas être parfait, il reste cependant bien meilleur que certaines grosses productions américaines, qui s’écroulent également sous le concept « assassin » des suites et autres spin-offs. Le cinéma d’animation possède également ses titres qui sortent de nulle part et qui demandent qu’on y jette un coup d’œil. Nocturna est sans conteste un long-métrage qui mérite toute notre attention, à défaut d’être un petit bijou, alors qu’il en avait toutes les capacités.

Nocturna, la nuit magique – Bande-annonce

Fiche technique – Nocturna, la nuit magique

France, Espagne – 2007
Réalisation : Victor Maldonado et Adrià Garcia
Scénario : Victor Maldonado, Adrià Garcia et Teresa Vilardell
Doublage : Jean-Luc Reichmann (Chat-man), Hélène Bizot (Tim/l’Étoile polaire), Philippe Peythieu (Murray), Roger Carel (Moka), Évelyne Grandjean (une Ébouriffeuse), Catherine Cerda (une Ébouriffeuse), Florence Dumortier (une Ébouriffeuse), Hervé Caradec (l’informateur)…
Date de sortie : 24 octobre 2007
Durée : 1h20
Genre : Film d’animation
Directeurs artistiques : Victor Maldonado et Adrià Garcia
Animation : Alfredo Torres
Montage : Félix Bueno
Musique : Nicolas Errèra
Budget : 7,96 M€
Producteurs : Philippe Garell et Julio Fernández
Productions : Filmax, Animakids Productions et Castelao Producciones
Distributeur : Gebeka Films

Les Garçons et Guillaume, à table !, une savoureuse alliance entre théâtre et cinéma

Synopsis : Lorsqu’il était jeune, le comédien Guillaume Gallienne était persuadé d’être une fille. Une certitude qu’il notamment établit avec les propos de sa mère, qui lançait des phrases du genre : « Les garçons et Guillaume, à table ! ». D’ailleurs, il arrivait au comédien de l’imiter à tout bout de champ, étant en admiration devant cette femme. Bref, Gallienne possédait un côté efféminé qui le faisait passer par un homosexuel chez ses proches. Retour donc sur le passé de ce sociétaire de la Comédie Française, dont le parcours n’a été fait que de découvertes et de malentendus…

Bien que certaines adaptions de pièces de théâtre (La Cage aux Folles, Le Père Noël est une ordure, Le Dîner de Cons, Le Prénom) ou de spectacles comiques (Bienvenue chez les Ch’tis) ont été de véritables succès sur le plan critique et commercial, la question suivante peut être posée : où est l’intérêt de transposer sur grand écran le genre théâtral, si ce n’est que de rajouter des éléments spatio-temporels impossibles à bien représenter sur les planches ? Une interrogation qui est évidemment venue à l’esprit lors de l’annonce de la première réalisation de Guillaume Gallienne, qui adapte ici son propre one-man-show : que peut bien faire ce sociétaire de la Comédie Française si ce n’est raconter une nouvelle fois ce qui a déjà été dit dans son spectacle ? Un questionnement qui trouve enfin une réponse avec Les Garçons et Guillaume, à table !, de la manière la plus travaillée et complexe qui soit !

Pour ceux qui ne connaîtraient pas le spectacle en question, Guillaume Gallienne y raconte un pan de sa vie. Plus particulièrement de sa jeunesse, lorsqu’il était persuadé être une fille à cause de sa faiblesse physique, de ses manières et des propos que lui adressait sa mère, une femme qu’il admirait (et admire toujours) par-dessus tout au point de l’imiter sans cesse. De quoi provoquer le doutes auprès ses proches, qui, du coup, l’ont toujours vu comme un homosexuel. Un récit autobiographique, bien entendu enjolivé par quelques sauts humoristiques inventés pour l’occasion et qui permettent aux spectateurs de passer un agréable moment. Et les exemples sont nombreux : le coup où Guillaume apprend la danse espagnole, le passage en thalassothérapie… Le tout accompagné par des répliques aux petits oignons qui font mouche, notamment quand celles-ci proviennent de la mère du personnage principal. Sans oublier les moments plus intimes (un peu trop présents et provoquant quelques longueurs, soit dit en passant), afin que le film ne se perde pas dans une surdose de gags et propose un peu d’humanité pour toucher l’assistance. Voilà ce qu’est Les Garçons et Guillaume, à table !, que ce soit le spectacle ou bien le film. Qu’apporte donc ce dernier, finalement ?

Il dévoile l’immense talent d’acteur de Guillaume Gallienne. Pour le moment abonné aux rôles secondaires dans des films à tendance comique (Jet Set, Fanfan la Tulipe, Narco, Astérix et Obélix : Au service de Sa Majesté… même Benjamin Gates et le Livre des Secrets !), sa première réalisation lui permet enfin d’éclater au grand jour. De montrer, en jouant son propre rôle mais également celui de sa mère, qu’il est capable de tout. De faire rire, d’être touchant au plus haut point, de pouvoir changer de registre quand bon lui semble. Et surtout d’avoir une présence, un charisme hors du commun si bien que l’acteur ne fait qu’occuper l’écran à lui tout seul, même quand il se retrouve en présence d’autres comédiens de renommée (Françoise Fabian, Diane Kruger, Reda Kateb…) sur le coup bien secondaires et vite oubliables. Un César du Meilleur acteur amplement mérité !

Mais ce que Les Garçons et Guillaume, à table ! dévoile avant toute chose, c’est le génie de cet homme pour la mise en scène. Rien qu’au niveau du scénario : au lieu d’adapter bêtement son spectacle, Guillaume Gallienne livre une mise en abyme du théâtre. Il brise les frontières qui délimitent et empêchent le 6^ème et le 7^ème art de se côtoyer pleinement. Cela, Gallienne y arrive non pas en faisant un film sur sa vie, mais en réalisant un long-métrage sur le spectacle qui raconte sa vie. Le film démarre donc par une entrée en scène du « héros », comme tout spectacle qui se respecte, et narre son passé devant une foule de spectateurs invisibles, dissimulés par l’obscurité du théâtre, et qui vont sortir de l’ombre peu à peu quant Gallienne s’ouvre, se dévoile aux yeux de tous. Un parallèle entre le spectacle et le récit qui est également marqué par certaines images qui pourraient bien venir de l’imagination des spectateurs face au conteur qu’est Gallienne : le public admirant le comédien imiter sa mère explique pourquoi ce dernier joue le rôle de celle-ci : Gallienne semble s’adresser au spectateur du film alors qu’il est en pleine séance chez le psy… Des prouesses de mise en scène qui renforce le côté comique du film, offrant par moment une once de poésie via des plans visuellement beaux à contempler (le ralenti où Guillaume tombe dans la piscine, par exemple).

Vous l’aurez compris, Les Garçons et Guillaume, à table ! n’est pas une banale adaptation d’une œuvre théâtrale sur grand écran. Il s’agit du premier film à marier habilement ces deux arts que sont le théâtre et le cinéma avec une habilité exemplaire. Qui révèle un nouveau grand nom en tant que comédien et réalisateur en la personne de Guillaume Gallienne. Si le film peut paraître un peu longuet voire monotone à certains moments, il n’en reste pas moins un véritable bijou de la comédie française, aussi bien sur le plan du divertissement que de l’objet artistique diablement travaillé et maîtrisé comme il se doit !

Les Garçons et Guillaume, à table ! : Bande-annonce

Fiche technique – Les Garçons et Guillaume, à table !

France, Belgique – 2013
Réalisation : Guillaume Gallienne
Scénario : Guillaume Gallienne, Claude Mathieu et Nicolas Vassiliev, d’après le one-man-show de Guillaume Gallienne
Interprétation : Guillaume Gallienne (Guillaume / la mère de Guillaume), André Marcon (le père de Guillaume), Françoise Fabian (Babou), Nanou Garica (Paqui), Renaud Cestre (le frère de Guillaume aux cheveux bouclés), Pierre Derenne (le frère de Guillaume aux cheveux raides), Carol Brenner (la tante polyglote de Guillaume), Brigitte Catillon (la tante de Guillaume venant d’Amérique)…
Date de sortie : 20 novembre 2013
Durée : 1h27
Genre : Comédie dramatique
Image : Glynn Speeckaert
Décors : Sylvie Olive
Costumes : Olivier Beriot
Montage : Valérie Deseine
Musique : Marie-Jeanne Serero
Budget : 7.86 M€
Producteurs : Edouard Weil, Cyril Colbeau-Justin et Jean-Baptiste Dupont
Productions : Gaumont, LGM Productions et Rectangle Productions
Distributeur : Gaumont Distribution