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Boulevard du crépuscule

Soudain, on se découvre de plus en plus fébrile à l’annonce de chaque nouveau film de l’italien Paolo Sorrentino. Avec l’aide de son chef opérateur Luca Bigazzi, il livre des films à propos desquels la notion de persistance rétinienne prend tout un autre sens. Chaque image choc remplace une autre image choc. Chaque mouvement fougueux de caméra en chasse un autre. L’anticipation d’un plaisir des sens amène l’excitation à son comble.

Déjà dans son précédent film, la Grande Bellezza, Paolo Sorrentino a mis la barre très haute en terme de mise en scène baroque : pas une image accidentelle, pas un plan qui n’ait été pensé avec soin…Un très bel emballage qui enfermait malheureusement un film mélancolique et amer sur la grandeur passée et la décadence de son Italie post-berlusconienne, post Rai TV, un film trop appliqué à se mettre dans le sillon fellinien pour parvenir à émouvoir vraiment.

Youth suit la même veine, la même recherche frénétique du « beau ». La « grande bellezza », Sorrentino l’applique à son nouvel opus : le choix d’une décoration ultra-léchée, d’une musique très pointue (réinterprétation –hardie ou hasardeuse- de Florence + The Machine en ouverture du film, apparition de Marc Kozelek – Sun Kil Moon Red House painters -, superbes morceaux de David Byrne ou encore de Bill Callahan), de cadrages très travaillés, de couleurs hyper éclatantes, d’un casting idéal.

Et pourtant, quoi qu’en disent les chafouins, nos yeux ne piquent même pas. Notre estomac ne se retourne même pas. Mené tambour battant autour d’un Michael Caine irréprochable, le film s’intitule Youth ; Youth pour les souvenirs de jeunesse de deux quasi- octogénaires, Fred Ballinger (Michael Caine) et son ami Micky Boyle (Harvey Keitel), ainsi par exemple ce regret de ne pas avoir couché avec leur amour de jeunesse ; Youth pour conjurer la décrépitude de leurs corps vieillissants, même si « à [leur] âge, c’est une perte de temps » ; Youth enfin comme dans le titre original : la Giovinezza, ou de l’art d’être jeune quel que soit son âge…

Fred Ballinger est un compositeur et un chef d’orchestre célèbre, ami de Stravinsky, à la retraite, retiré du monde, indifférent à tout. Il est en villégiature de remise en forme dans un complexe hôtelier de luxe sur l’insistance de Lena (Rachel Weisz), son assistante de fille, en même temps que son ami Mick Boyle, un cinéaste qui, lui, ne veut pas abdiquer devant la vieillesse, et dirige un brainstorming un peu laborieux avec son équipe de scénaristes pour un film qu’il qualifie de testament. Autour d’eux, une pléthore de personnages complexes, comme celui de Jimmy Tree (Paul Dano), un jeune acteur emprisonné déjà dans un premier rôle peu assumé, et s’apprêtant à en endosser un autre carrément transgressif. Comme celui de Brenda Morel (Jane Fonda), une vieille gloire très fânée et pourtant la plus libre de tous. Comme celui de Lena, la fille de Fred et belle-fille de Micky, belle et jeune et pourtant plaquée brutalement par son mari. Il y aura également une sculpturale miss Univers (sublime Madalina Ghenea, embauchée sans aucune condescendance pour ce qu’elle est, un mannequin aux formes parfaites), ou une ancienne gloire maradonnesque du football, le souffle envolé sous une tonne de graisse, mais la magie encore au bout des orteils…

Un dispositif optimisé donc, mais une fois de plus, pour servir un scénario inexistant. Les scènes se suivent sans se répondre vraiment, vivant leur beauté en autarcie. Sorrentino évoque plusieurs sujets : le passé et le futur donc, le cinéma et la musique, la beauté et la laideur, le désir et l’horreur, la télé et le cinéma (encore), à chaque fois dans une sorte d’opposition simple, voire simpliste.

Mais l’opératique film de Sorrentino, interprété merveilleusement par de merveilleux acteurs, est traversé de sublimes images, dans des cadres extérieurs comme intérieurs très photogéniques, et reste une merveille malgré tout. Citons notamment ce cauchemar de Fred, dans lequel il se noie tout doucement « dans » une place Saint Marc de toute beauté, inondée d’eau et de lumière. Ou encore cette apparition invraisemblable de Jimmy à mi-parcours du film qui saisit aussi bien son propre entourage que le spectateur incrédule dans son siège. Ou enfin cette finale dont les artifices peuvent hanter longtemps leurs témoins. Sorrentino n’a peur de rien, ne recule devant rien, et même s’il donne l’impression de ne laisser que peu, voire pas du tout de place à la spontanéité, à la liberté qui est pourtant le leitmotiv de son film, on peut le compter parmi les plus grands cinéastes de notre temps, peu avare de son art, au risque de la démesure, de la boursoufflure, mais en produisant à chaque fois un film hallucinant, obsédant, un film qui vaut toutes les peines du monde d’être vu.

Synopsis : Fred et Mick, deux vieux amis approchant les quatre-vingts ans, profitent de leurs vacances dans un bel hôtel au pied des Alpes. Fred, compositeur et chef d’orchestre désormais à la retraite, n’a aucune intention de revenir à la carrière musicale qu’il a abandonnée depuis longtemps, tandis que Mick, réalisateur, travaille toujours, s’empressant de terminer le scénario de son dernier film. Les deux amis savent que le temps leur est compté et décident de faire face à leur avenir ensemble. Mais contrairement à eux, personne ne semble se soucier du temps qui passe…

Fiche technique : Youth

Titre original : La Giovinezza
Date de sortie : 09 Septembre 2015
Réalisateur : Paolo Sorrentino
Nationalité : Italie, France, Suisse, Royaume Uni
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 118 min.
Scénario : Paolo Sorrentino
Interprétation : Michael Caine (Fred Ballinger), Harvey Keitel (Mick Boyle), Rachel Weisz (Lena Ballinger), Paul Dano (Jimmy Tree), Jane Fonda (Brenda Morel), Mark Kozelek (Lui-même), Robert Seethaler (Luca Moroder), Alex Macqueen (Emissaire de la Reine), Luna Zimic Mijovic (Jeune masseuse), Paloma Faith (elle-même), Ed Stoppard (Julian), Sonia Gessner (Melanie), Madalina Diana Ghenea (Miss Univers), Sumi Jo (Elle-même)
Musique : David Lang
Photographie : Luca Bigazzi
Montage : Cristiano Travaglioli
Producteurs : Carlotta Calori, Francesca Cima, Nicola Giuliano – Coproducteurs : Fabio Conversi, Anne Walser
Maisons de production : Indigo, C-Films AG, Barbary Films, Pathé Production, France 2 Cinéma
Distribution (France) : Pathé distribution
Récompenses : Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani : Paolo Sorrentino (meilleur réalisateur), Luca Bigazzi (meilleure photographie), Cristiano Travaglioli (meilleur montage)
Budget : 12 300 000 € (estimé)

La naissance d’une icône sur papier glacé

Pour être tout à fait franc, lorsque le projet d’un « film sur James Dean » avec Robert Pattinson a commencé à se faire connaitre il y a quelques mois, l’idée de voir l’égérie Dior dans la peau du sex-symbol des années 50 semblait être un choix assez logique. Quelle ne fut donc pas notre surprise alors lorsque le casting s’est fait connaitre et que l’on apprit que le rôle de la star de La Fureur de Vivre était échu à Dane DeHaan, un acteur uniquement connu par les amateurs de films puisqu’il fut découvert l’année dernière dans Chronicles pour les uns ou dans The Amazing Spider-man 2 pour les autres. Ce parti-pris de faire incarner à une star international le rôle d’un inconnu et, inversement, à un acteur encore peu connu le rôle d’une star internationale est donc, au moins autant que la justesse de son propos, le défi central du nouveau film d’Anton Corbijn. Découvert grâce à son excellent premier film Control, traitant du début de la courte carrière du rockeur Ian Curtis, Corbijn a ensuite réalisé deux thriller très décevants, le nanardesque The American et Un Homme très recherché qui n’a attiré le public que par envie d’y voir la dernière prestation de Philip Seymour Hoffman. Après ces productions hollywoodiennes ratées, il n’est pas étonnant donc qu’il est accepté de retravailler avec le producteur Iain Canning avec qui il avait signé Control et surtout en revienne au sujet d’un début de carrière et à un personnage de star précoce parti trop vite.

N’étant pas tout à fait un biopic, le scénario ne pouvait pas (et le parcours de James Dean l’aurait de toutes façons rendu inenvisageable) se borner au sempiternel schéma gloire-déclin-renaissance, mais choisit de prendre pour point de vue le regard qu’avait le photographe Dennis Stock sur son sujet, un angle qu’on peut imaginer être facilité par le fait que le réalisateur était lui-même un photographe attaché à des célébrités. L’enjeu de l’histoire devenait alors une série de photos prise entre les tournages de A l’est d’Eden et de La Fureur de Vivre et qui allait, après la sortie des deux films, participer à l’iconisation de James Dean, mais la vraie question posée par le film se veut être celle de la fin de la vie d’anonyme vers celle de star. Une question qui est traitée à travers des dialogues qui peuvent être, tour à tour touchants et emphatiques, et qui font de James Dean un être terriblement mélancolique. Sa caractéristique première –tel qu’il est décrit dans le film- est d’être constamment tiraillée entre un choix entre la vie de paillettes hollywoodienne et un retour aux sources dans la ferme familiale. Une opposition qui influe indubitablement sur la construction du récit. Toute la première partie est intensément remplie de références cinéphiliques, au point de ne parler finalement qu’aux spectateurs pour qui l’âge d’or des studios n’a pas de secret, sinon comment profiter pleinement de l’interprétation de Ben Kinsley en un exécrable Jack Warner ou des choix d’acteurs quasi-inconnus mais physiquement très ressemblants pour Nathalie Wood, Elia Kazan, Pier Angeli ou Nicholas Ray ? La seconde partie en revanche, celle dans l’Indiana au côté de la famille de quackers, souffre de son ton mélodramatique trop poussé. L’idée de départ qu’était de mettre en scène les conditions dans lesquels furent prises les fameuses photos pour le magazine Life est réussi, mais ce concept purement illustratif ne réussit malheureusement pas à nous aider à cerner l’âme tourmentée de celui qui allait devenir le premier symbole d’une jeunesse américaine en colère contre la société puritaine.

Pour en revenir à question du casting des deux personnages principaux, le choix que l’on pouvait pensé risqué de Dane DeHaan s’avère être une évidence tant l’acteur réussit prendre l’allure de son personnage à tel point que, sur certains plans (surtout les contre-plongées qui, paradoxalement, sont peu nombreuses), on a l’impression de voir à l’écran le vrai James Dean. Son interprétation, ou plutôt son imitation, est cependant, à l’instar de la qualité des dialogues, en demi-teinte : Il peut par moment être parfaitement probant et rendre son personnage attachant (attention, réussir à interpréter un acteur de génie ne fait pas un grand acteur : Pour rappel, Robert Downey Jr était très convaincant en Charlie Chaplin !), et par moment sa façon de caricaturer le côté nonchalant de James Dean en fait quelqu’un de terriblement antipathique. De son côté, Robert Patinson (qui lui ne ressemble pas au vrai Dennis Stock) semble avoir pris conscience que son personnage est accessoire tant il n’implique que peu dans son rôle et que son interprétation effacée (son unique fulgurance étant peut-être la scène où il est sous l’effet d’amphétamines) risque de nourrir les mauvaises langues qui ne le voient encore que le héros très fade de Twilight. La bisexualité de James Dean peut être perçue de façon très sous-jacente dans la relation entre les deux hommes mais on sent que Corbijn est gêné pour l’évoquer frontalement, de la même façon qu’il avait tiré un trait sur les idéaux racistes d’Ian Curtis. Le fait d’en avoir fait quelqu’un d’assez pieux est également un choix scénaristique douteux puisque son athéisme affiché fut une des raisons pour lesquels il différait de ses contemporains mais aussi la cause de sa rupture avec Pier Angeli sur laquelle le scénario fait d’ailleurs l’impasse. Sur un plan formel, on peut saluer le travail irréprochable de reconstitution des années 50 effectué par la décoratrice Anastasia Masaro (L’Imaginarium du Docteur Parnassus, Mamá…). On peut cependant regretter que le budget n’ait pas permis à Corbijn de réitérer l’exercice de la photographie en noir et blanc qui avait pleinement participé au charme de Control et qui aurait participé à la façon qu’a Life de témoigner d’un moment de vie au travers d’un portfolio légendaire.

Parce qu’il privilégie les conversations déclamatoires et la démonstration visuelles à l’émotion et l’exploration psychologique, et parce qu’il ne répond pas aux interrogations qu’il pose, Life est l’exemple même du film qui n’a réussi pas à trouver en la bonne approche et ne touche que la surface de son sujet pourtant passionnant.

Synopsis : Los Angeles, 1955. Le photographe de presse Dennis Stock cherche à se faire connaitre et choisit de suivre un jeune comédien au comportement désinvolte, James Dean, pour lui consacrer un reportage. Entre les deux hommes va naitre une amitié profonde tandis que la carrière de l’acteur est sur le point d’exploser.

Life: Bande-annonce (VOSTF)

Life: Fiche Technique

Réalisation: Anton Corbijn
Interprétations: Robert Pattinson (Dennis Stock), Dane DeHaan (James Dean), Ben Kingsley (Jack Warner), Alessandra Mastronardi (Pier Angeli), Joel Edgerton (John Morris)…
Scénario: Luke Davies
Image: Owen Pallett
Décors: Anastasia Masaro
Costumes: Gersha Phillips
Montage: Nick Fenton
Musique: Owen Pallett
Producteur(s): Iain Canning, Emile Sherman, Christina Piovesan
Production: See-Saw Films, Barry Films, First Generation Films
Distributeur: ARP
Genre Biopic, drame
Durée: 112 mn.
Sortie en salles: 9 septembre 2015 (pour anecdote, la sortie américaine sera trois semaines plus tard, afin de coïncider avec le soixantième anniversaire de la mort de James Dean)

Etats-Unis – 2015

Initialement prévu pour être la suite du culte Seven de David Fincher avant d’être transformé en œuvre originale, le script de Solace fut pendant longtemps mis de côté. Passé de mains en mains au fil des ans, il tombera dans celles d’Afonso Poyart qui l’utilisera pour en faire son deuxième film et ainsi débuter sa carrière aux États-Unis.

Malgré la réunion d’un casting prestigieux qui aurait pu lui assurer une certaine attraction auprès des spectateurs, le film est resté dans un placard durant deux ans après la fin de son tournage pour enfin venir voir le jour sur les écrans français et eux seulement. Du moins pour le moment. Cela peut laisser craindre le pire quant à la qualité d’une œuvre dont quasiment personne n’a parlé et dont la campagne promotionnelle fut quasiment réduite à néant. Mais une fois face au produit fini, le film de Poyart est-il la purge pressentie ou est-ce au contraire une bonne surprise ?

Complainte d’un tueur

Le scénario, malgré de très nombreuses réécritures, se montre vraiment surprenant dans sa cohérence et son originalité. Mêler intrigue policière et éléments paranormaux aurait pu créer un déséquilibre faisant tomber le film dans le ridicule mais l’ensemble est bien tenu et tient comme par miracle debout. Surtout que l’intrigue est remplie de clichés dans son déroulement et dans sa manière d’amener les révélations et autres rebondissements comme par exemple avec le caractère hautement mystérieux du personnage principal, qui lorsqu’il apprend quelque chose d’important, préfère garder tout pour lui et donc handicape le déroulement du récit. Ce genre de développements ne sert qu’à tirer certains éléments en longueur et tombe dans le déjà-vu parfois agaçant et didactique. Car l’histoire, déjà très prévisible, n’est pas aidée par des personnages caricaturaux aux passifs déjà connus, tellement ils ont été utilisés à outrance dans ce genre de films policiers et ils ne sont pas vraiment mis en valeur par des dialogues souvent insipides mais qui arrivent, dans la dernière partie du film, à trouver plus d’épaisseur et de pertinence. Ce qui finalement apporte un peu de fraîcheur au milieu de ce schéma narratif basique et ses développements génériques, c’est toute la partie surnaturelle. Alors que l’on aurait pu penser que ce serait l’élément handicapant c’est finalement tout l’inverse, apportant une réflexion non dénuée d’intérêt sur la mort et la souffrance, devenant même un plaidoyer sur l’euthanasie tout en acceptant son ambiguïté morale et les questionnements qui gravitent autour. Cela permet au tueur d’avoir une psychologie bien plus intéressante que ce que l’on peut voir dans ce genre de production même si malheureusement il reste sous-exploité. Il dispose d’une humanité insoupçonnée et sort de tout manichéisme élevant vers la fin cette série B sans prétention au rang de parabole humaniste et sincère sur la fin de vie et la perte de dignité qu’elle implique. Un film qui se montre donc beaucoup plus sensible et franc que l’on aurait pu le penser de prime abord et qui finalement arrive à emporter l’adhésion. Surtout qu’il a l’intelligence d’offrir une fin trouble et qui pousse à la réflexion.

D’autant plus que l’ensemble est mené par un casting de grande classe avec en tête, un toujours aussi excellent Anthony Hopkins, qui fait preuve d’une présence douce et charismatique donnant toute sa saveur au film car il incarne son propos à merveille, étant d’une gravité sincère. Il est accompagné d’Abbie Cornish, qui se montre impeccable et qui rappelle de plus en plus Charlize Theron, que ce soit physiquement ou dans son style de jeu, tandis que Jeffrey Dean Morgan offre une prestation sobre et très juste. On peut juste être un peu déçu du face à face entre Hopkins et Colin Farrell qui n’est pas à la hauteur de nos espérances, en raison du peu de présence de Farrell à l’écran. Néanmoins même s’il est peu présent il hante littéralement le film et arrive à voler la vedette à chacune de ses apparitions. Je n’ai jamais été un grand fan de l’acteur, que je trouvais fade mais force est de constater que ces dernières années il s’est amélioré, donnant ici une très bonne prestation.

Pour ce qui est de la réalisation, on a le droit à une photographie léchée et agréable à l’œil ainsi qu’une bande son inspirée et prenante. Par contre le montage se montre maladroit, notamment dans les scènes d’actions qui ont tendance à être sur-découpées et donc illisible. La course poursuite en voiture en souffre énormément, étant incroyablement molle et épileptique. Sinon il faut reconnaître que malgré des maladresses (zooms mal gérés, inserts incompréhensibles et flashforwards trop insistants), la mise en scène d’Alfonso Poyart dispose de belles idées. Comme par exemple les flashs clipesques qui apportent une esthétique hypnotique intéressante au film ou encore les scènes éclatées qui montrent, lors des visions du personnage, toutes les trajectoires possibles d’un individu de manière dynamique, ainsi que le travail fait sur l’ambiance générale. Le film n’hésite pas à tomber dans le morbide avec certains flashs dérangeants utilisant la symbolique de manière habile permettant même de faire traverser un souffle mélancolique à travers l’œuvre, sans parler de l’atmosphère pesante lors des découvertes de scènes de crimes qui arrive à créer un léger malaise par moments, soulignant un travail visuel parfois bancal mais aux fulgurances diablement originales et efficaces.

En conclusion Solace est un film des plus sympathique. Malgré tout, des défauts évidents et parfois même agaçants persistent, comme une trop grande accumulation de clichés, une prévisibilité encombrante, des maladresses envahissantes dans la réalisation ainsi qu’un face à face Hopkins-Farrell qui est au final anecdotique. Par contre cela n’enlève rien à la surprise que nous offre le film qui se montre bien plus pertinent et original que prévu. Il fait même parfois office de vent de fraicheur, car il se montre terriblement humain et touchant dans sa démarche, traitant son sujet difficile avec pertinence, justesse et sincérité, évitant par la même occasion tout manichéisme et disposant de quelques fulgurances visuelles bien senties ainsi que d’un casting impeccable. Une série B efficace, bien sentie et qui mérite indéniablement le coup d’œil.

Synopsis : Un tueur en série énigmatique sévit à Atlanta, laissant le FBI totalement désemparé. Quoi qu’ils fassent, les enquêteurs ont toujours un coup de retard, comme si le tueur pouvait anticiper leurs mouvements à l’avance ! En désespoir de cause, ils se tournent vers le docteur John Clancy (Anthony Hopkins), un médium retraité dont les visions les ont aidés dans le passé. En étudiant le dossier, Clancy devine rapidement la raison pour laquelle le FBI est incapable de coincer le tueur : ce dernier possède le même don divinatoire que lui. Comment dès lors arrêter un tueur capable de prévoir l’avenir ? Commence alors une partie d’échecs impitoyable.

Prémonitions (Solace) : Bande-annonce

Prémonitions : Fiche technique

États-Unis – 2013
Titre original: Solace
Réalisation: Afonso Poyart
Scénario: Sean Bailey, Peter Morgan et James Vanderbilt d’après un sujet de Ted Griffin
Interprétation: Anthony Hopkins (John Clancy), Colin Farrell (Charles Ambrose), Jeffrey Dean Morgan (Agent Joe Merriweather), Abbie Cornish (Agent Katherine Cowles)
Photographie: Brendan Galvin
Décors: Frank Galline
Costumes: Denise Wingate
Montage: Lucas Gonzaga
Musique: BT
Producteur(s): Thomas Augsberger, Matthias Emcke, Beau Flynn et Tripp Vinson
Production: Eden Rock Media, FilmNation Entertainment, Flynn Picture Company et New Line Cinema
Distributeur: SND
Date de sortie: 9 septembre 2015
Durée: 1h41min
Genre: Thriller

Le bruissement du vent sur les feuilles, le craquement des arbres et les chants d’animaux, c’est souvent avec une atmosphère sonore propre à la jungle que l’on entre dans le monde onirique d’Apichatpong Weerasethakul. Une première image et un voyage hypnotique commence…

Synopsis : Au cœur de la jungle, un hôpital de fortune accueille des soldats atteint d’un sommeil profond. Jenjira, une femme seule atteint d’une malformation de la jambe, décide de s’occuper de Itt, un jeune soldat à qui personne ne rend visite. Elle fera aussi la rencontre de Keng, une médium communiquant avec les hommes endormis, qui lui ouvrira les yeux sur le monde et sur elle-même.

Après sa palme d’or en 2010 pour Oncle Boonmee, le réalisateur taïwanais revient à Cannes avec la discrétion qui le caractérise donner un souffle cinématographique unique au festival. Comme un pied de nez à ceux qui trouvent son cinéma soporifique, Cemetery of Splendour met en scène des soldats pris par une maladie du sommeil dès lors qu’ils se retrouvent dans cet hôpital au cœur de la jungle.

Dans beaucoup de films d’Apichapong Weerasethakul les personnages font le trajet de la ville à la jungle pour sortir de leur quotidien et vivre leur rêve. On entre donc dans la forêt tropicale comme on s‘endort pour rêver les yeux ouverts. Dans Cemetery of Splendour, nous sommes au cœur de la jungle.

Dans l’hôpital de fortune, Jenjira décide de s’occuper d’un soldat, Itt, auquel personne ne rend visite. Cette femme un peu esseulée va soudainement prend conscience du monde qui l’entoure. Lors d’une simple conversation avec une jeune femme, lorsque celle-ci lui déclare être morte, c’est tout un pan de l’inconscient de notre monde qui s’ouvre à Jenjira, celui de la magie, des rêves, des morts et des esprits. Elle sera finalement sauvée par Itt en qui elle voit un fils voire un amant.

Qu’il soit long, lent, radical, le spectateur ne somnole pas devant un film de Weearasethakul, il est transporté, pris dans une espace d’hypnose cinématographique produit par les sons et les images du plasticien réalisateur. Tout comme les soldats du film, on vit une rêverie éveillée. Weerasethakul est un cinéaste d’atmosphère, et les nombreuses installations d’art contemporain qu’il a déjà à son actif le prouvent. Il n’y a qu’à voir ces machines du sommeil dans le film, une merveilleuse invention qui scintillent de toutes les couleurs en pleine nuit, un enchantement pour les yeux lorsque les esprits des personnages sont mis à contribution.

Cemetery of Splendour n’a pas besoin de beaucoup de moyens pour être efficace, il compte largement sur l’imagination du spectateur. Ainsi, une simple balade en pleine forêt devient une ballade au cœur de la splendeur d’un palais en marbre. Loin de nous laisser sur le bord de la route, le réalisateur convie notre esprit pour un voyage en forme de méditation.

Ceux qui sont las de ne pas tout comprendre devraient se laisser transporter dans ce geste cinématographique sans précédent, radical mais très attentif à son spectateur.

Cemetery of Splendour : Fiche Technique

Titre original : รักที่ขอนแก่น, Rak ti Khon Kaen
Auteurs : Apichatpong Weerasethakul
Réalisateur : Apichatpong Weerasethakul
Casting : Jenjira Pongpas, Banlop Lomnoi, Jarinpattra Rueangram, Petcharat Chaiburi
Chef opérateur : Diego Garcia
Assistant réalisateur : Sompot Chidgasornpongse
Chef opérateur son : Akritchalerm Kalayanamitr
Chef décorateur : Akekarat Homlaor
Chef costumière : Phim U-Mari
Monteur : Lee Chatametikool
Producteurs : Apichatpong Weerasethakul, Keith Griffiths, Simon Field, Charles de Meaux, Michael Weber, Hans W. Geiβendörfer
Le film a été presenté en sélection officielle Un Certain Regard au Festival de Cannes 2015.

A l’image de son affiche américaine, Les chansons que mes frères m’ont apprises est tiraillé entre l’immobilisme et l’éparpillement, tout en nous montrant à quel point des deux états sont loin d’être incompatibles.

La vie devant elle(s)

Il s’agit du premier long métrage de Chloé Zhao, sélectionné d’abord à Sundance, puis à la Quinzaine des réalisateurs de Cannes avant de finir en compétition au Festival du film Américain de Deauville où il a encore de sérieuses chances. Cette myriade de sélections lui a donné une visibilité tout autant qu’une identité dont il tente pourtant de se dégager. Le film est d’abord indépendant, c’est la veine Sundance, mais c’est aussi un film d’auteur, avec une patte et un regard particulier -loin du formatage comme du nombrilisme ambiants – tout autant qu’un film Américain. Pourtant, Chloé Zhao dit elle-même avoir perdu « toutes (s)es illusions sur le cinéma indépendant américain » (dans une interview donnée à Télérama). Elle remet notamment en cause le manque d’argent qui force les cinéastes labellisés « indépendants » à rentrer dans les clous pour satisfaire les producteurs, à ne pas prendre de risques. Pourtant, des risques, Chloé Zhao en prend : dans sa forme, dans son ton et en portant un regard triste, mais pas désengagé, sur une population marginalisée. Elle a ainsi placé sa caméra dans une réserve indienne. Mais si ce récit de l’abandon où la prohibition n’évite pas les ravages de l’alcool, s’apparente à un cri d’alarme, l’espoir s’écrit aussi à travers une héroïne : Jashaun, 13 ans et donc toute la vie devant elle. C’est le cas aussi de cette jeune cinéaste née en Chine et installée à New York depuis 10 ans, mais qui a beaucoup voyagé, sans s’enraciner donc. Pourtant, son récit dans Les chansons que mes frères m’ont apprises est celui d’un enracinement profond et impossible à briser tant le sang d’un père est présent dans plusieurs corps.

Mustang

Si le titre nous oriente vers un point de vue unique, celui de la jeune Jashaun dont les frères jalonnent le film, on est vite pris à rebours, puisque c’est avant tout son frère Johnny qui « s’adresse à nous », par deux fois : pour ouvrir et clore le film. Là-bas, dans cette réserve indienne coupée du reste de l’Amérique, on dresse encore des chevaux sauvages, sans les entraver complètement, en leur laissant leur part « mauvaise ». L’horizon pour ces adolescents ? Une scène de classe comme il y en a eu tant d’autres, mais plus sauvage, plus animale, dessine celui du rodéo « parce que c’est ce que j’ai toujours connu ». Là-bas, on rêve d’avoir un ranch ou de monter des taureaux. Pourtant, Johnny n’est pas sûr de ce qu’il veut. Son objectif à court terme, mais encore mal défini, c’est de partir avec Aurélia, sa petite amie, qui va faire ses études à Los Angeles. Mais pour s’extirper de là, Johnny doit encore accepter de laisser sa mère et sa jeune soeur. Or, la famille c’est précisément ce qui domine ici. Encore une fois, la cellule familiale, signe de mobilité, de cocon, éclate. La famille vit en effet un deuil puisque le père de Jashaun et Johnny vient de mourir. Cet homme-là revient donc dans leur vie alors même qu’il n’en a jamais vraiment fait partie. Un père au « 25 enfants » et « 9 femmes ». Résultat, dans cette réserve-là, les racines sont plus sévères qu’ailleurs. On est libres dans les grands espaces, magnifiquement filmés, mais bloqués aussi, par un manque cruel de perspective. 

Regards croisés 

Jashaun, plus que son frère qui renonce et est déjà pris dans un trafic (celui de l’alcool qui détruit les foyers et les vies), est de la « 7e génération », celle qui, selon les dires d’un autre protagoniste du film, doit marquer un renouveau. On voit alors la jeune fille vivre simplement sa vie, verser quelques larmes, tenter de prendre une place, même minime, dans la vie de ses nombreux frères. Elle est encore à l’âge où elle a le temps de décider de l’après et où pourtant elle écrit déjà tout. Chloé Zhao décide de ne pas donner de chemin tout tracé à son héroïne qui s’accroche à son frère, mais qui observe et ressent aussi « des choses [qu’il] ne voi(t) pas ». Elle est donc gracieuse, assez indocile sans être rebelle, mature, mais aussi enfantine. Ses cheveux volent au vent, comme ceux de sa mère, déjà résignée, ou encore d’Aurélia. C’est que Les chansons que mes frères m’ont apprises est aussi un film contemplatif, lent. Il prend presque la forme d’un documentaire tant son regard n’est pas figé sur un seul personnage, mais posé tour à tour sur chacun de ceux qui composent cette communauté indienne à part. Chloé Zhao les a suivi, en immersion, pendant quatre années avant de faire son film. Cette immersion, elle tente de la faire vivre à son spectateur par l’image.

La fiction n’écrase donc pas les personnages, qui semblent pouvoir toujours prendre un autre chemin. Pourtant, si la réserve est grande, elle renvoie toujours à ses habitants l’écho de leur propre voix, jamais celle de l’extérieur. Malgré quelques longueurs et des scènes un peu trop attendues par la thématique du film – adolescence, passage vers l’âge adulte, récit initiatique – Chloé Zhao se distingue par la douceur qui se dégage de son film, où le feu ravage des vies, mais où les visages regardent toujours au loin, pour enfin apercevoir, comme Jashaun d’après son frère, quelque chose de nouveau. Le destin n’en sera peut-être pas bouleversé, la réserve perdura dans son écrin de liberté et d’immobilisme presque poétique. Jashaun est même prête à se construire sa propre famille et au-delà sa propre histoire. Son regard est plus que buté, il est déterminé aussi. Quand à la voix off et aux images, elles finissent par nous inviter au voyage, même en parlant de racines et de liens du sang.

Synopsis : Johnny vient de terminer ses études. Lui et sa petite amie s’apprêtent à quitter la réserve indienne de Pine Ridge pour Los Angeles. La disparition soudaine du père de Johnny vient bousculer ses projets. Il hésite également à laisser derrière lui Jashaun, sa petite sœur de treize ans dont il est particulièrement proche. C’est tout simplement son avenir que Johnny doit maintenant reconsidérer…

Bande annonce du film 

Fiche Technique – Les chansons que mes frères m’ont apprises 

Titre original : Songs My Brothers Taught Me
Date de sortie : 9 septembre 2015
Nationalité : Américaine
Réalisation : Chloé Zhao
Scénario : Chloé Zhao
Interprétation : John Reddy (Johnny), Jashaun St. John (Jashaun), Taysha Fuller (Aurélia), Eleonore Hendricks (Angie), Travis Lone Hill (Travis), Irene Bedard (la mère)
Musique : Peter Golub
Photographie : Joshua James Richards
Décors : NR
Montage : Alan Canant
Production : Chloé Zhao, Angela C. Lee, Mollye Asher, Nina Yang Bongiovi, Forest Whitaker
Sociétés de production : Significant Production
Sociétés de distribution : Diaphana Distribution
Budget : NR
Genre : Drame
Durée : 94 minutes
Récompense(s) : En compétition au Festival du Cinéma Américain de Deauville, Sélectionné à Sundance et au Festival de Cannes 2015 (Quinzaine des réalisateurs)

Une scène, cocasse à plusieurs titres, résume assez bien l’esprit de la Vanité, le nouveau film du suisse Lionel Baier, qui nous a servi dans un passé très récent une comédie assez loufoque avec ses Grandes Ondes (à l’Ouest).

La vie et rien d’autre

Vers la fin du film, Konstantin Treplev, l’un des personnages au doux patronyme tchékovien (éclatant premier rôle pour l’helvéto-bulgare Ivan Georgiev), est un prostitué qui reçoit à grand bruit ses clients dans l’une ou l’autre des chambres de ce motel proche de Lausanne, un jeune russe friand de métaphores approximatives (il est doux comme un mouton, vous êtes en train de vous vider comme une oie,…). Sans doute pour tuer le temps entre deux rendez-vous, il a appris à connaître par cœur les mauvaises copies des tableaux accrochés au mur : ici, les Ambassadeurs de Hans Holbein. Accroupi par terre derrière David Miller, le personnage principal, il montre à ce dernier le mystère de « la vanité » en anamorphose cachée dans le tableau. La position, les dialogues, les circonstances dans lesquelles se déroule la scène, tout est drôle. Du non-sens distillé à petites doses toutefois, et qui prend presque à chaque fois le spectateur comme par surprise.

Car le film commence de manière assez grave. David Miller donc (Patrick Lapp, parfait dans ce rôle d’un personnage pince-sans-rire et flegmatique), un élégant senior que l’on découvre à la réception d’un motel miteux bâti dans les années 70, sur le modèle des constructions de la Route 66. David et sa femme défunte, architectes tous les deux, ont construit ce motel où, très vite, des indices nous montrent que David est revenu pour participer une « procédure » de suicide assisté : rasé de près, propre comme un billet neuf aurait dit son jeune voisin, David jette tout à la poubelle : produits de toilette, rasoir, brosse à dents…Un terrible voyage sans retour prend forme sous nos yeux. David attend Espe(ranza), une senior elle aussi, interprétée avec beaucoup de sensibilité par Carmen Maura. C’est elle qui sera à la manœuvre si on ose dire, assistée de Treplev, enrôlé presque de force comme témoin, une obligation légale dans cette mort programmée. Rien évidemment ne se passera comme prévu.

Le dispositif de la Vanité est à l’opposé de celui des grandes Ondes : les 3 acteurs sont enfermés dans une chambre pendant presque toute la durée du film, dans une mise en scène assez théâtralisée ; alors que dans son précédent film, les protagonistes prenaient la route à bord d’une pittoresque combi VW jusqu’au Portugal. Le réalisateur opte pour un traitement plus ramassé, sans jamais étouffer ni son film, ni ses personnages, ni par conséquent ses spectateurs. Le rire qu’il provoque, essentiellement par son sens aigu des dialogues, efface cette sensation de huis-clos qui aurait pu s’installer, d’autant plus que ce huis-clos est ponctué de petites respirations (des « pauses clope » dans la neige, source de petites saynètes supplémentaires), permettant même un caméo de Lionel Baier, qui apparaît brièvement comme l’un des clients de Treplev.

Le choix de suivre ces 3 personnages est une bonne idée de la part du cinéaste : il apporte trois fois plus de sel à l’histoire, en la parsemant de petites bribes de leurs propres vies, de petites touches légères, des confidences qui caractérisent les protagonistes sans jamais alourdir l’ensemble.

Même si la Vanité est assez prévisible, avec des ficelles assez voyantes, le traitement de Lionel Baier en fait un film très plaisant à regarder, plein de références amusantes : Tchékov et sa Mouette, Hitchcock et sa douche… Une vraie émotion circule entre les trois personnages, puis par ricochet vers le spectateur. Aucun sentimentalisme cependant dans la Vanité, seulement l’humanité au travers de son instinct de survie, de son instinct grégaire, de son trop-plein d’amour qui ne demande qu’à se fixer à gauche et à droite. Un film qui réussit à faire oublier la maladie de david Muller pour ne laisser apparaître que leur contentement d’être ensemble et d’être en vie. Une anti-vanité, en quelque sorte.

Synopsis: David Miller veut en finir avec sa vie. Ce vieil architecte malade met toutes les chances de son côté en ayant recours à une association d’aide au suicide. Mais Espe, l’accompagnatrice, ne semble pas très au fait de la procédure alors que David Miller tente par tous les moyens de convaincre Tréplev, le prostitué russe de la chambre d’à côté, d’être le témoin de son dernier souffle, comme la loi l’exige en Suisse. Le temps d’une nuit, tous trois vont découvrir que le goût des autres et peut-être même l’amour sont des sentiments drôlement tenaces…

La vanité : Bande annonce

La vanité : Fiche technique

Titre original : –
Date de sortie : 02 Septembre 2015
Réalisateur : Lionel Baier
Nationalité : Suisse, France
Genre : Comédie dramatique
Année : 2015
Durée : 75 min.
Scénario : Lionel Baier, Julien Bouissoux
Interprétation : Patrick Lapp (David Miller), Carmen Maura (Esperanza), Ivan Georgiev (Konstantin Treplev)
Musique : –
Photographie : Patrick Lindenmaier
Montage : Jean-Christophe Hym
Producteur :Estelle Fialon, Frédéric Mermoud, Agnieszka Ramu, coproducteurs : Yaël Fogiel, Laetitia Gonzalez
Maisons de production : Bande a Part, Les Films du Poisson, Radio Télévision Suisse (RTS), SRG SSR idée suisse
Distribution (France) : Happiness distribution
Récompenses : –
Budget : NR