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La viande est saignante… le film un peu moins

Attendu depuis longtemps par les nostalgiques d’un certain cinéma trash underground, cet hommage qu’Eli Roth a voulu rendre aux films de cannibales (dont, tout particulièrement Cannibal Holocaust, le plus célèbre d’entre eux), a suscité une profonde polémique lorsque son distributeur français Wild Side a annoncé que le film ne sortirait pas en salles (hormis une poignée de projections en séances spéciales) mais directement en VOD, sous prétexte que le public français n’allait « plus voir de films d’horreur». C’est donc, avant même la vision du long-métrage, un profond sentiment de déception qui entoure ce Green Inferno. La vision de Knock Knock, que Roth a réalisé plus d’un an plus tard et qui, lui, s’est vu offrir une récente distribution en salles, y a ajouté une certaine appréhension, tant son film (un mélange sans saveur de Hard Candy et de Funny Games) était bien loin de ce l’on pouvait attendre du réalisateur jusqu’au-boutiste des Hostel 1 et 2. Et pourtant, la scène d’ouverture et le générique nous présentant une immense jungle sauvage, nous rappellent que ce tournage au Chili avait forcément été une expérience dans laquelle il a mis toutes ses billes et réveille alors toute notre excitation à l’idée d’un spectacle terriblement gore.

Alors que l’histoire débute, deux détails sautent aux yeux. Premièrement, l’idée de s’inscrire dans la veine du cinéma bis italien en filmant en numérique est une hérésie qui fera perdre beaucoup de l’imagerie crade de ces œuvres choquantes. Deuxièmement, le scénario souffre d’un souci récurrent dans la filmographie d’Eli Roth : Le temps qu’il met à se mettre en place avant que ne commencent les événements purement horrifiques. Une première partie sur un campus américain s’avère un peu long donc, mais nécessaire au discours en sous-texte sur l’hypocrisie de l’activisme à l’ère numérique, où le poids des images se voudrait une arme plus forte que les actes. Déjà, se met en place un humour noir et un cynisme assumé, incarnés alors par Kaycee, la colocataire désinvolte de Justine, à qui la chanteuse Sky Ferreira prête ses traits. Mais l’aventure dans la jungle péruvienne va elle aussi être irriguée de ce second degré, au point de dénaturer l’horreur des scènes de rituels anthropophages. Dès l’accident d’avion, à l’origine des événements, beaucoup de personnages secondaires sont brutalement éliminés, alors que certains (à commencer par la blondasse hypocondriaque) auraient mérités d’être victimes de sévices inhumains. Justine se retrouve donc avec cinq de ses compagnons de voyage dans une cage, incapable de lutter contre le régal que les autochtones se font de les dévorer un à un.

Plutôt que les images insurmontables de corps nus et accrochés, mutilés, à des piquets ou dévorés sauvagement qu’a pu nous offrir Cannibal Holocaust, Eli Roth préfère transformer chaque scène où les victimes sont se font dépecer en un moment jubilatoire allant s’achever par une pirouette comique. Gags scatophiles, blagues de cul, usage de la marijuana… Tant d’éléments qui ont fait le capital sympathie de Cabin Fever, première réalisation d’un trentenaire immature, mais qui n’avaient pas leur place dans ce que l’on attendait d’un Green Inferno, vendu comme un digne héritier des films de cannibales lancés en Italie par Umberto Lenzi et Ruggero Deodato. Malgré la qualité de certaines scènes où les corps sont découpés, cuisinés et dévorés de façon rituelle, le taux d’hémoglobine n’atteint pas les sommets qui pouvaient revigorer, comme beaucoup de fans l’espéraient, le cinéma gore. Les habitudes du torture-porn reviennent tout naturellement au réalisateur, avec notamment le supplice de l’excision qu’il soumet à son héroïne mais qui n’est jamais mené jusqu’à terme, ou celui des fourmis tueuses mises en scène grâce à des effets numériques assez grossiers. Hormis Lorenza Izzo, la jeune épouse d’Eli Roth a qui il offre avec courtoisie le rôle principal, le reste du casting est essentiellement composé d’autres acteurs, comme Ariel Levy ou Ignacia Allamand, qu’il a eux-aussi rencontré sur le tournage d’Aftershock ou ayant joué dans divers films de genre, dont Daryl Sabara (l’ancien Juri dans la trilogie Spy Kids de son pote Robert Rodriguez), mais aussi de beaucoup d’autochtones transformés en figurants appartenant au village cannibale. Peut-être est-ce ce rapprochement avec les habitants d’une région victime de la déforestation qui a poussé le réalisateur à abandonner son nihilisme anti-américain pour faire dévier la fin de son film vers une happy-end porteuse d’un message politiquement correct édulcoré.

Alors que l’on espérait un film d’épouvante radicalement hardcore, c’est finalement une comédie noire, peut-être trop trash pour être commercialisé mais surtout trop soft pour satisfaire les afficionados du genre, que signe Eli Roth. Le manque d’audace et l’incapacité à se prendre au sérieux dont le cinéaste fait preuve rend impossible Green Inferno à s’affirmer comme un digne héritier de ses modèles et lui empêchera très probablement de trouver son public.

Synopsis : Partie accompagner un groupe de militants de sa faculté pour lutter contre la déforestation au Pérou, la très naïve Justine n’imagine pas vers quel cauchemar elle se dirige. Une série de mésaventures va mener cette équipe de jeunes étudiants new-yorkais entre les griffes d’une tribu locale adepte de rites cannibales.

Green Inferno : Bande-annonce

Green Inferno : Fiche Technique

Réalisation : Eli Roth
Scénario : Eli Roth, Guillermo Amoedo, Nicolás López
Interprétation: Lorenza Izzo (Justine), Ariel Levy (Alejandro), Aaron Burns (Jonah), Sky Ferreira (Kaycee), Kirby Bliss Blanton (Amy), Magda Apanowicz (Samantha), Ignacia Allamand (Kara), Daryl Sabara (Lars), Nicolás Martínez (Daniel)…
Photographie : Antonio Quercia
Direction artistique : Nicholas Tong
Décors : Nicholas Tong et Armann Ortega
Costumes : Elisa Hormazabal
Son : Mauricio Molina
Montage : Camilo Campi
Musique : Manuel Riveiro
Producteurs: Christopher Woodrow, Molly Conners, Miguel Asensio Llamas, Nicolas Lopez, Eli Roth
Production: Worldview Entertainment, Sobras International Pictures, Dragonfly Entertainment
Distribution: Wild Side
Genre : Épouvante horreur, comédie
Durée : 103 mn
Date de sortie en e-Cinema: 16 octobre 2015

Etats-Unis : 2015

Vertiges de l’amour

Qu’il est difficile, en France, de se mettre à la comédie de nos jours, tant elles sont sans réelle audace et sans réels partis pris. Aujourd’hui, rares sont celles qui sortent du lot par leurs qualités plutôt que par le nombre d’entrées qu’elles font au cinéma. On pourrait regretter les comédies d’antan, où on misait plus sur le scénario que sur le casting, certaines arrivant à mêler les deux à la fois. Mais il ne faut pas être mauvaise langue car des comédies arrivent tout de même à réussir leur pari, même si le parcours est périlleux.

Après avoir gagné le César du meilleur court-métrage pour La Femme de Rio, Emma Luchini revient à la réalisation, pour son second long-métrage, en adaptant le roman de Nicolas Rey, avec qui elle avait réalisé le court-métrage précédemment évoqué. Et, une fois n’est pas coutume dans le cinéma français, la réalisatrice nous propose une comédie sur la famille avec en guest star Manu Payet et son père, le seul et l’unique, Fabrice Luchini. Et une fois n’est pas coutume, Un début prometteur s’enlise dans une certaine facilité décrédibilisant toutes les vaines tentatives d’originalité.

Emma Luchini nous conte une (des?) histoire(s) d’amour, frôlant avec le triangle amoureux. Deux frères (Manu Payet et Zacharie Chasseriaud) une femme (Veerle Baetens) se cherchent alors qu’au second plan, un père est désarçonné par une rupture (Fabrice Luchini). La réalisatrice se perd dans des faits superflus, qui ne sont là que pour meubler, comme si l’amourette du jeune garçon de 19 ans est trop faible pour tenir 1h35. La course de lévrier ne nous révèle pas grand chose sur les personnages. Une jeune femme joueuse ? Peut-être. Faut-il en conclure que son jeu continue dans son affinité avec les deux hommes ? Emma Luchini laisse perplexe le spectateur sur les réelles intentions du film. Mais on sent tout de même une motivation, celle d’émouvoir et de montrer une certaine douceur dans un monde de brut, notamment lors du mariage. L’interprétation de Veerle Baetens de la chanson « Mes hommes » de Barbara transporte, même si beaucoup moins que l’originale. Mais sur la forme, cette scène est ratée, car elle n’émeut pas et nous laisse simplement voir une femme chanter un amour à trois hommes, cela sans aucune émotion, comme si tout est censé passer par les acteurs. Emma Luchini aurait du faire des choix esthétiques mettant mieux en valeur ses acteurs, ce qui aurait transporté les spectateurs, mais malheureusement, le résultat est fade et commun. Commun à des dizaines de déclarations d’amour que l’on a déjà pu voir au cinéma de ces dernières années.

Hasard du calendrier, le film ne peut que nous rappeler le récent Les Deux amis de Louis Garrel, avec des scènes aux schémas identiques. Lequel retenir ? Les Deux amis, et de loin, ce dernier étant porté par un casting délaissant le jeu pour se cantonner à un naturel de « vrais potes ». La direction d’acteurs d’Emma Luchini à ce quelque chose de très théâtral. Un jeu moins naturel, plus forcé, où l’on peine à trouver de réelles émotions. Ainsi, Veerle Baetens et Zacharie Chasseriaud ne sont pas toujours des plus crédibles, surtout lors de leurs différents flirts. Toutefois, faire tourner Fabrice Luchini s’avère être une valeur sûre. Cet homme à ce je-ne-sais-quoi qui passionne, ou qui désespère, mais il est impossible de lui reprocher son jeu, qui s’adapte à toutes les situations. De son côté, Manu Payet, en gros barbu avec des cheveux made in Tarzan, a changé et grandit, tout en continuant de nous faire sourire, voire rire. Radiostars lui a permis d’exploiter de nouvelles ressources et de ne plus se cantonner à cette image d’humoriste qu’il renvoyait, malgré lui. Au final, Un début prometteur se voit légèrement sauvé par une partie du casting, mais son classicisme et son manque d’ambition lui font défaut.

Synopsis : Martin, désabusé pour avoir trop aimé et trop vécu, retourne chez son père, un horticulteur romantique en fin de course. Il y retrouve Gabriel, son jeune frère de 16 ans, exalté et idéaliste, qu’il va tenter de dégoûter de l’amour, sans relâche.Mais c’est sans compter Mathilde, jeune femme flamboyante et joueuse, qui va bousculer tous leurs repères…

Bande Annonce

 Fiche technique : Un début prometteur

Pays: France
Réalisation: Emma Luchini
Scénario: Emma Luchini, Vanessa David, Nicolas Rey
Interprétation : Fabrice Luchini, Manu Payet, Veerle Baetens, Zacharie Chasseriaud, Jean-Michel Balthazar
Décors: Wouter Zoon
Costumes: Judith de Luze
Montage: Benjamin Favreul
Musique: Nicolas Tescari
Producteur(s): Albane de Jourdan, Maxime Delauney, Romain Rousseau
Production: NoLiTa Cinema, Les Productions maison, D8 Films.
Distributeur: Gaumont Distribution
Date de sortie: 30 septembre 2015
Durée: 90 minutes

Dealer a magistralement réussi à se faire une petite réputation sur le net, loin des circuits traditionnels. Une bande-annonce coup de poing promettait un Pusher à la française mais intégralement tourné dans la rue et sans soutien de production, donc trop anticonformiste pour avoir le droit à une exploitation en salle.

Synopsis : Petit dealer dans le 18e arrondissement, Dan s’était promis de ne plus marchander de la cocaïne. Mais lorsque son meilleur client lui promet une fortune en échange d’un kilo de poudre, il y voit l’opportunité de réaliser son rêve : s’envoler pour l’Australie et commencer une nouvelle vie. Ce qu’il ne sait pas c’est que commence alors une cavale ultra-violente dans les rues de la capitale.

Mais cela s’avère être un tour de force promotionnel d’autant plus impressionnant compte tenu de la qualité du film.Les plus cinéphiles s’attendront peut-être à un pur cinéma avant-gardiste qui n’a nul besoin d’un gros budget pour raconter son histoire et faire du cinéma. Ils seront déçus. Dealer veut égaler Pusher mais n’a pas les moyens à la hauteur de ses ambitions. Le réalisateur Jean-Luc Herbulot n’a pas su faire de son modeste budget une force de création. Loin d’être un cinéma novateur, Dealer n’a que le statut d’une énième série B.

Le problème est que le cinéaste amateur n’a pas une idée à lui. Dealer est un condensé de références et d’emprunts de mises en scène. À commencer par la trilogie culte de Nicolas Winding Refn. Herbulot veut se lancer dans l’ultra-violence, libre à lui, mais pourquoi faire comme son modèle s’il n’a pas les moyens pour le faire ? La scène de torture (aussi inexplicable qu’inexpliquée) se contente d’effets spéciaux et maquillages cheaps grotesques quand elle aurait pu jouer avec le hors-champ, moins ridicule et plus efficace. Il en va de même avec la resucée du cinéma de Guy Ritchie, notamment Snatch. Une voix off qui distille des dialogues du style « Mon nom : Truc. Conseille numéro 1 : Ne jamais machin». Ce procédé de mise en scène ringard embarrasse jusqu’au contenu si pauvre de ses dialogues.

On dit que le film a été tourné en quelques jours. Loin d’être le signe d’une virtuosité, c’est plutôt celui d’un sentiment de travail bâclé qui nous anime. À l’exception peut-être de Dimitri Storoge, les acteurs sont tous mauvais, même le personnage principal, pas charismatique pour un sou. Comme si le réalisateur n’avait pas voulu perdre son temps avec des répétitions qui auraient pu aider ses acteurs amateurs et donner un tant soit peu de crédibilité à son premier long métrage. Et il ne s’est pas efforcé non plus de penser sa réalisation, multipliant les clichés du genre. C’est dommage puisque bien que les ficelles du scénario soient plus que visibles, Dealer est parfaitement rythmé. Un peu plus d’une heure et une course contre la montre qui ne s’essouffle jamais. S’il faut regarder Dealer par le prisme d’un cinéma d’amateurs sans prétention, il séduira les adeptes du genre. Sinon un réalisateur plus inspiré et davantage ambitieux aurait pu donner à ce film l’aura qu’il laissait espérer lors de sa cyber-promotion.

https://www.youtube.com/watch?v=fQaDiN2yr6o&feature=youtu.be

Dealer : Fiche Technique

Titre original : Dealer
Date de sortie : En VOD, à partir du 01 octobre 2015.

Réalisateur : Jean-Luc Herbulot
Auteurs : Jean-Luc Herbulot, Samy Baaroun
Distribution : Dan Bronchinson, Elsa Madeleine, Salem Kali, Dimitri Storoge
Monteur : Jean-Luc Herbulot, Zohar Michel
Producteurs : Dan Bronchinson
Musique : Reksider

Le deuil guidé par les morts

Comme il parait loin le temps où Kiyoshi Kurosawa nous traumatisait en nous présentant, dans Kairo, des fantômes aux allures monstrueuses capables de pirater les ordinateurs et surtout de tuer brutalement les vivants qui les approchent! Quatorze ans plus tard, l’image que l’ancien réalisateur de films de genre (qui a surtout signé des polars et des films d’épouvante, mais aussi quelques comédies et films érotiques, avant de se faire connaitre en Europe par le thriller ultra-glauque Cure en 1999) dresse des fantômes est une image beaucoup plus adoucie. Mais il est impossible de ne pas voir une continuité entre ce parangon de l’horreur nippone et cette fable poétique car si Kurosawa a adapté le roman de Kazumi Yumoto, c’est sans doute parce que les esprits qu’elle y a décrit partagent avec les poltergeists de Kairo une profonde mélancolie. C’est en effet ce sentiment qui s’impose dans la récente filmographie du réalisateur comme un leitmotiv qui lie chacun des genres auquel il s’essaie avec succès. La façon dont Yusuke, pour faire son deuil,  a besoin d’échanger avec son mari disparu en mer depuis trois ans, semble un acte parfaitement naturel, filmé sans la moindre intention de faire du morbide et du pathos, avec une sobriété digne d’un Ozu et une poésie digne d’un Mizoguchi.

L’apparition du mari mort dans le foyer familial se fait avec une telle banalité que la juxtaposition du visible et de l’invisible semble avoir entièrement quitté le domaine du fantastique pour n’être qu’un argument romantique acté. Et ainsi va tout le film: jamais la présence de fantôme ne semble choquante, au contraire elle est toujours une source d’apaisement. La narration est pensée à la façon d’un road-trip, qui ferait quitter la ville à ses deux personnages principaux (le milieu urbain étant toujours un symbole d’oppression dans le cinéma de Kurosawa), vers une nature de plus en plus sauvage, apparaissant comme un lieu de spiritualité rappelant presque l’imaginaire de Miyazaki, jusqu’à cette mer où il est mort et où tout doit finir. Le processus de cette quête initiatique s’accompagne évidemment d’une série de rencontres avec des individus, tous touchés par le problème du deuil, et dont le récit sera toujours -plus ou moins- bouleversant. Le récit de cette femme hantée par le souvenir des mélodies de piano (un instrument déjà symbole de cohésion familiale dans Tokyo Sonata d’ailleurs) jouées par sa sœur partie trop tôt, est en cela l’un des passages au plus fort pouvoir lacrymal. Car on pleure devant Vers l’autre rive, difficile d’y échapper, la question de la vie après la mort (tant pour les morts eux-mêmes que pour leurs survivants) étant le sujet le plus universel qui soit. C’est d’ailleurs ce que démontre le film en nous offrant un panel de personnages issus de tous les milieux sociaux.

Evidemment, l’inconvénient d’un tel procédé dramaturgique est le risque de devenir mécanique. Pris en ballotage entre l’obligation de mettre en place une surenchère mélodramatique et le risque d’enchaîner des situations d’une qualité inégale, Kiyoshi Kurosawa livre un récit parfois bancal et comportant quelques passages excessifs. La retrouvaille avec le père est en cela une scène dispensable, et l’usage d’effets spéciaux grossiers pour appuyer le brouillard de la forêt va à contre-sens de l’effort de réalisme fait dans l’ensemble du long-métrage. Hormis ces quelques maladresses, Kurosawa confirme son talent pour le cadrage, tant chacune des images sont porteuses de poésie et de symbolisme. Que ce soit le face-à-face, filmé avec un superbe effet de miroir, entre Mizuki et la femme dont elle est jalouse ou les paysages bucoliques, chaque scène est visuellement travaillée, et il en est de même les dialogues puisque que Kurosawa réussit à transformer en de très touchants monologues les cours de physique (pas très glamours) que Yusuke dispense à ses élèves. Le montage très étiré, dans la pure tradition du cinéma romanesque japonaise, participe à l’aspect contemplatif du film, au risque de perdre l’attention d’un public occidental habitué au surdécoupage hollywoodien, mais s’accorde parfaitement à la finesse avec laquelle Kurosawa illustre l’épanouissement psychologique de cette veuve. Mais cette délicatesse ne serait évidemment rien sans les interprétations de ces acteurs, la très belle Eri Fukatsu et Tadanobu Asano (ce proche de Takeshi Kitano dont la double carrière des deux côtés du Pacifique nous permettra de la revoir dans le prochain Scorsese), tous deux dans une retenue et un naturel exemplaires.

L’argument fantastique sur lequel repose le film n’est en fait qu’un prétexte finement trouvé pour créer un amour impossible et interroger sur la difficulté de faire son deuil en l’absence de celui que l’on a perdu. En découle un récit empli de romantisme et de nostalgie, pas exempt de longueurs et de maladresses mais sans jamais de pathos ni de métaphysique lourdaude. Du début à la fin, le film est inondé de lyrisme grâce à une mise en scène soignée et à la description qui est faite des relations entre ses personnages, qu’ils soient vivants ou morts.

Synopsis : Dans un petit village japonais, Mizuki, veuve depuis trois ans, reçoit la visite du fantôme de son défunt mari Yusuke. Ensemble, ils vont partir à la rencontre de tous ceux qui ont été marqué par sa disparition pour adoucir leur peine et se préparer à son départ définitif.

Vers l’autre rive : Bande-annonce

Vers l’autre rive: Fiche technique 

Titre original : Kishibe no tabi  (Journey to the Shore en anglais)
Réalisation : Kiyoshi Kurosawa
Scénario : Kiyoshi Kurosawa, Takashi Yujita, d’après le roman de Kazumi Yumoto
Interprétation : Eri Fukatsu (Mizuki), Tadanobu Asano (Yusuke), Yû Aoi (Tomoko), Akira Emoto (Mr Hoshitani), Masao Komatsu (Mr Shimakage)…
Musique : Yoshihide Otomo, Naoko Eto
Photographie : Akiko Ashizawa
Décors : Norifumi Ataka
Montage : Tsuyoshi Imai
Sociétés de production : Office shirous, Showgate, Pony Canyon Enterprises, Hakuhodo, Comme des Cinémas, Amuse Pictures, Wowow
Sociétés de distribution : Version Originale / Condor
Récompense(s) : Prix de la mise en scène de la sélection « Un Certain Regard » 2015
Genre : Drame, fantastique
Durée : 127 minutes
Date de sortie : 30 septembre 2015

Japon- 2015

Genre soumis à trop peu d’itérations marquantes – tout juste se souviendra-on de Cliffhanger et du mal-aimé Vertical Limit – les films montagnards, bien que souvent vecteur de péripéties ascensionnelles désastreuses, sont pourtant tombé dans l’oubli. La faute à un criant manque de demande du public, pour qui l’héroïsme est désormais assuré par les films de super-héros, mais surtout à un manque d’Histoire prompte à susciter le stress et l’abnégation. C’était sans compter sur Everest et son réalisateur islandais Baltasar Kormakur (2 Guns, Contrebande), qui déjà rompu au genre – il a réalisé Survivre, centré sur le récit de survie d’un pécheur ayant nagé 5 h dans une eau glaciale – et qui se focalise ici sur la terrible histoire accompagnant la saison d’alpinisme 1996 du plus haut sommet du monde. A l’issue de la projection, un seul constat : Kormakur évite de manière miraculeuse les écueils suscités par un tel projet, et se focalise sur l’humain dans une œuvre forte et sèche, chassant le mélo comme une dameuse sur des congères.

Un anti film-catastrophe

Connue aujourd’hui du plus grand nombre par le livre écrit par Jon Krakauer, lui-même survivant de l’ascension, l’incroyable histoire donnée par Everest est tout sauf fictive. Des hommes face au plus haut sommet du monde, une nature inhospitalière et un Eden à la hauteur de croisière d’un 747 ; les enjeux du film sont simples. La caractérisation des personnages aussi. On retrouvera le Texan dépressif, le postier avide de sensations fortes, l’alpiniste japonaise aguerrie et deux guides aux antipodes, l’un froid et raisonné (Jason Clarke) et l’autre foufou limite défoncé (Jake Gyllenhaal). Mais cela importe peu, puisque outre de donner son nom au film, la montagne éponyme est de tous les plans. Un tant mystique, un tant majestueuse ; un tant havre de paix aux couleurs chatoyantes, un tant tombeau de glace, Kormakur parvient à sans cesse altérer l’image dégagée pour ce mont, pour finalement le muer en l’objet de fascination, qui pousse des hommes à souffrir pour le fouler. Offrant de fait une mise en scène atmosphérique, très aérienne et prompte à susciter l’aventure et le dépassement de soi (la musique étant d’ailleurs au diapason de cette envie d’évasion), Kormakur excelle dans un premier temps à dépeindre une atmosphère légère quasi guillerette. Prenant le temps d’introduire la logistique complexe rendant ces hommes aptes à atteindre le sommet, le film propose aussi, et c’est là sa plus grande force, une étonnante alternative aux divers films catastrophes, auxquels l’ambition et ses moyens l’ont longtemps attaché. Car Everest, malgré son casting dithyrambique comprenant Jason Clarke, Jake Gyllenhaal, Robin Wright, Josh Brolin, John Hawkes, Keira Knightley et Sam Worthington n’est pas un blockbuster hollywoodien sans âme. Pire, il n’est pas même un film catastrophe.

Une expérience immersive ultime

Annoncé comme la transposition alpine du survival Gravity – son passage à la Mostra de Venise ne pouvant qu’appuyer cette déclaration- Everest est surtout une expérience. Sensitive. Sensorielle. Physique. Les conditions et les ressentis qui baignent sur l’œuvre, autant multiples que très réussies, permettent, de concert avec la 3D, à susciter la sensation sans doute désirée par le réalisateur ; à savoir ressentir la tempête. On est dedans. On assiste impuissant à ce réveil soudain de la Nature, qui rappelle aux hommes que nous sommes, son caractère indomptable, indépendant et dévastateur. On assiste aussi la boule au ventre, à cette incroyable tragédie, qui voit des hommes et des femmes payer le fruit de leur erreur que d’avoir sous-estimé la difficulté d’une telle entreprise. Mais on assiste surtout à un réel effort du réalisateur pour perpétuer cette veine doloriste et immersive. Point de musiques tires-larmes, de pathos ou de scènes promptes à susciter le rire pour captiver l’audience, point de séquences obligées, le film prend le pari de l’épure et simplifie au maximum, pour paradoxalement maximiser ses effets. On aurait sans doute préféré voir le réalisateur asséner cette épure également sur son parterre de personnages, sans doute trop important pour le film, mais le fait est que leur temps d’écran est la plupart du temps calquée sur ce souci d’archétype, directement esquissé dans les premières minutes. Si ce détail est parfois prompt à faire naître à une certaine confusion, le résultat final reste toutefois le même : on en ressort lessivé, transi par un froid inexistant mais qui a sévi sur nos esprits, et surtout curieux de se renseigner sur ces personnes auxquelles le film rend hommage de manière discrète, loin des cadors hollywoodiens attendus.

Synopsis: Inspiré d’une désastreuse tentative d’ascension de la plus haute montagne du monde, Everest suit deux expéditions distinctes confrontées aux plus violentes tempêtes de neige que l’homme ait connues. Luttant contre l’extrême sévérité des éléments, le courage des grimpeurs est mis à l’épreuve par des obstacles toujours plus difficiles à surmonter alors que leur rêve de toute une vie se transforme en un combat acharné pour leur salut.

Everest / Bande-Annonce

Everest : Fiche Technique

Royaume-Uni, États-Unis, Islande – 2015
Réalisation : Baltasar Kormákur
Scénario : William Nicholson, Simon Beaufoy
Interprétation : Jason Clarke (Rob Hall), Jake Gyllenhaal (Scott Fischer), Josh Brolin (Beck Weathers), John Hawkes (Doug Hansen), Robin Wright (Peach Weathers), Emily Watson (Helen Wilton), Michael Kelly (Jon Krakauer), Keira Knightley (Jan Hall), Sam Worthington (Guy Cotter), Martin Henderson (Andy Harris), Elizabeth Debicki (Dr Caroline Mackenzie), Ingvar Eggert Sigurðsson (Anatoli Boukreev)…
Image : Salvatore Totino
Décors : Gary Freeman
Costumes : Guy Speranza
Montage : Mick Audsley
Musique : Dario Marianelli
Producteur(s) : Tim Bevan, Eric Fellner, Baltasar Kormákur, Nicky Kentish Barnes, Tyler Thompson, Brian Oliver
Production : Working Title, RVK Studios, Free State Pictures
Distributeur : Universal Pictures International France
Date de sortie : 23 septembre 2015
Durée : 2h02

Avec Asphalte, Samuel Benchetrit s’inspire très très librement de son recueil de nouvelles en trois parties intitulé Chroniques de l’asphalte.

Synopsis : L’immeuble d’une cité indéfinie mais néanmoins délabrée va être le témoin de trois histoires : celle d’un homme pris au piège de son avarice, celle d’un astronaute revenu trop tôt, et celle d’une nouvelle voisine au passé mystérieux.

Putain c’qu’il est blême, mon HLM

Il reprend ici le point de départ de deux de ses histoires, qu’il étoffe ou dont il change la fin, et en rajoute une troisième inédite. Tout comme J’ai toujours rêvé d’être un gangster, le film est composé de plusieurs parties, à la différence que les segments sont cette fois menés en parallèle. Si malgré l’unité de lieu les personnages ne se croiseront pas réellement, les trois récits sont réunis par une unité thématique.

Il y a, au départ de chaque segment, la solitude.

On rencontre d’abord Sterkowitz (Gustave Kervern), seul résident à ne pas vouloir payer l’entretien de l’ascenseur. N’ayant de fait pas le droit de s’en servir tant qu’il ne paie pas, il se retrouvera contraint de l’utiliser en maraude, la nuit, quand un AVC le privera provisoirement de l’usage de ses jambes et le contraindra à se déplacer en fauteuil roulant. On croise ensuite un astronaute (Michael Pitt) multipliant les exercices physiques, seul au fond de l’espace. Le dernier personnage est enfin Charly, un lycéen (Jules Benchetrit, fils de Samuel Benchetrit et de Marie Trintignant) qui habite seul avec une mère que l’on ne verra jamais, et dont la présence ne s’exprime que par de vagues mots laissés au coin de la table.

Le lieu même est isolé : introduite par un plan de destruction de façade de l’un des immeubles qui la composent, la cité semble posée au milieu de nulle part. Elle n’est pas décrite comme un lieu d’affrontement mais comme un lieu de solitude où l’on ne croise personne passé une certaine heure, où le syndic n’agit pas, et où chacun est renvoyé à sa propre peine, comme un récif sur lequel viendraient s’échouer nos héros. Le cadre de la mise en scène est serré, les images simples mais belles, le silence présent. On ressent l’ennui de l’endroit sans que le film en lui-même ne soit ennuyeux pour le spectateur.

Devenir quelqu’un d’autre pour être vraiment soi-même

Il suffit pourtant d’une part de hasard, une rupture de la routine, pour que ces solitudes en rencontrent d’autres : une infirmière mélancolique (Valeria Bruni-Tedeschi, superbe de tristesse rentrée), une dame retraitée, ou une voisine perdue dans ses cartons. Chacun de ses trois autres personnages a sa propre routine : une pause cigarette, les visites au fils prisonnier, se saouler à en perdre conscience.

Mais alors, comment, alors que chaque personnage semble pris dans les habitudes d’une vie engluée, arriver à se comprendre ? Chaque personnage a une barrière à franchir : celle de la langue, celle de la honte de soi, celle de l’expérience face à la vie.

Samuel Benchetrit est un réalisateur très référentiel, mais Asphalte trouve un joli moyen de mettre cette cinéphilie au service du film. En effet, c’est en passant par la fiction, là un hommage à Sur la route de Madison, ici une discussion sur Amour gloire et beauté, que les personnages vont se reconnecter au réel. La réalité étant trop laide, il faut la réinventer, pour mieux finir par revenir à une sincérité déchirante.

Cela ne va pas de soi. Asphalte est un film qui prend le temps de construire, intention par intention, phrases par phrases, gestes par gestes, ces relations qui donnent un sens à ces vies, et permettent de sortir du rôle dans lequel les personnages étaient enfermés pour, ne serait-ce que l’espace d’un instant, en prendre un nouveau qui leur redonne de l’espoir.

Une réussite dans l’union des contraires

Asphalte est un film qui porte la marque de son réalisateur. Très soigné visuellement, il marque surtout le spectateur par la manière dont il arrive à unir des concepts contraires : très écrit mais qui laisse une grande part au silence, porté par des performances d’acteur à la limite de la théâtralité dans un dispositif pourtant minimal et juste, ancré dans une réalité brute transcendée par la cinéphilie, concret jusque dans son imagerie de conte de fées.

Samuel Benchetrit réussit un film cohérent mais qui surprend le spectateur, un moment de vie fugace qui pourtant accompagne le spectateur après la séance. On le savait capable de faire des films beaux visuellement, Asphalte est peut-être son premier beau film tout court.

Asphalte – Bande annonce :

 Fiche technique: Asphalte

Date de sortie :07 octobre 2015
Nationalité : Française
Réalisation : Samuel Benchetrit
Scénario : Samuel Benchetrit
Interprétation : Gustave Kervern, Valeria Bruni Tedeschi, Tassadit Mandi, Michael Pitt , Jules Benchetrit, Isabelle Huppert
Musique : Raphaël
Photographie : Pierre Aïm
Décors : Jean Moulin
Montage : Thomas Fernandez
Production : Julien Madon, Marie Savare, Ivan Taieb, Alexander Akoka
Sociétés de production : La Caméra Deluxe, Maje Productions, Single Man Productions
Sociétés de distribution : Paradis films
Genre : Comédie dramatique
Durée : 01h40
Récompense(s) : projeté en séance spéciale lors du festival de Cannes 2015