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No Pain No Gain, une comédie noire d’inspiration tarantinesque

No Pain No Gain s’inspire de l’histoire incroyable mais vraie de ces trois kidnappeurs amateurs qui, à la recherche d’une vie meilleure, se retrouvent embarqués dans une série d’actes criminels qui dégénèrent rapidement… Rien ne se déroule jamais comme prévu!

Michael Bay, est le réalisateur connu de films comme 2 Bad Boys, la trilogie blockbusters des Transformers ou encore Armageddon et Pearl Harbor, des films grands spectacles, du lourd.

Loin des blockbusters explosifs, Michael Bay signe ici une comédie noire de son vrai titre Pain & Gain traduit en français « No Pain No Gain », sur fond de rêve américain, à partir d’une histoire basée sur des faits réels, où 3 culturistes dégénérés décident de monter un plan et de braver la loi en kidnappant un self-made man « qui aura une réplique à retenir » «T’es fauché parce que t’es un gros con qu’a jamais fait d’études» pour le forcer a leur donner tout ce qu’il a.

S’inspirant de Pulp Fiction et de Fargo, Michael Bay livre un film où il traîne dans la boue la notion de rêve américain, en prenant pour héros des décérébrés qui voulaient croquer la Big Apple.

L’idée de mettre sur pellicule des criminels idiots, la vraie histoire du gang Sun Gym, ne va pas être appréciée par tous le monde. Le film a des imperfections mais il n’en reste pas moins drôle, violent, cynique par moment, voire dérangeant. Michael Bay fait preuve de sarcasme, d’autodérision en critiquant ce qu’il a érigé en valeurs, le patriotisme et le fameux American Dream.

Ce film joue sur le décalage, l’humour noir est omniprésent. Il est fascinant de voir le prix qu’est prêt à payer le chef de Gang, Daniel Lugo incarné par l’excellent Mark Wahlberg, un idiot congénital qui croit que la vie se résume en belle voiture, maison et argent en abondance. Ce film est une véritable critique du mode de vie à l’américaine, où tuer et torturer son prochain sans jamais prendre conscience de la monstruosité de ses actes est juste un moyen comme un autre d’arracher le rêve. Les 3 criminels réalisent l’adage du tout est possible aux USA avec une telle innocence idiote que même les moments les plus durs prêtes à rire.

Le style outrancier de Bay parvient à nous dresser un tableau des dérives de cette Amérique avec son culte du corps, la glorification de bimbos décérébrés où n’importe quel crétin peut devenir un modèle.

A travers des images très travaillées, de beaux ralentis, la voix off constante avec en arrière plan la bannière étoilée, une bonne bande son, Mickael Bay réalise un film délirant, une fable cruelle qui lève le voile sur cette illusion qu’est le rêve américain …

Pour le reste du casting il est bon de retrouver le formidable Tony Shalhoub (que certain reconnaîtront pour avoir joué dans la série Monk), le charismatique Ed Harris et Dwayne Johnson qui interprète un personnage surréaliste, grâce à sa dualité morale, une montagne de muscles, un fou de dieu, amoureux du Christ au visage béat, ne supportant pas la violence et qui tabasse des mecs car tuer un homme c’est lui éviter de souffrir. Un rôle de tordu croyant franchement hilarant!

Un film un peu trop long, mais un scénario totalement déjanté, de l’humour noir grinçant décapant. No pain No gain est à la fois drôle et sarcastique, il transforme le rêve en cauchemar et la laideur en une sorte de beauté.

Synopsis : A Miami, Daniel Lugo, coach sportif, ferait n’importe quoi pour vivre le « rêve américain » et profiter, comme sa clientèle fortunée, de ce que la vie offre de meilleur : maisons de luxe, voitures de course et filles de rêve…Pour se donner toutes les chances d’y arriver, il dresse un plan simple et (presque) parfait : enlever un de ses plus riches clients et… lui voler sa vie. Il embarque avec lui deux complices, Paul Doyle et Adrian Doorbal, aussi influençables qu’ambitieux.

Fiche Technique – No Pain No Gain

Réalisé par: Michael Bay.
Avec: Mark Wahlberg, Dwayne Johnson, Anthony Mackie, Tony Shalhoub, Ed Harris, Rob Corddry, Bar Paly, Ken Jeong et Rebel Wilson.
Genre: Action, Drame, Comédie.
Nationalité: Américain.
Titre original: Pain & Gain.
Distributeur: Paramount Pictures France.
Durée: 2h09min.
Date de sortie: 11 septembre 2013.
Public: Interdit aux moins de 12 ans.

Poétique, complétement fou, surréaliste, La Danza de la Realidad d’Alejandro Jodorowsky, est une œuvre surprenante, pleine d’audace et de magie.

Après 20 ans d’absence cinématographique, le poète cinéaste chilien Alejandro Jodorowsky, underground et psychédélique revient avec La Danza de la Realidad, un long métrage audacieux, kitsch, une autobiographie fantasmée à l’ambiance fellinienne où il explore la psychogénéalogie des Jodorowsky.

Alejandro Jodorowsky est un scénariste de bande dessinée, romancier, tarologue comptant parmi ses inconditionnels David Lynch et Nicolas Winding Refn (Only God Forgives) Ses films sont poétiques, singuliers, mystiques, surréalistes et l’image sert de métaphores à des thèmes comme la question sociale, l’engagement politique, la violence, le sexe, la mort ou encore la spiritualité. Un cinéma underground certes dérangeant mais surtout magiquement réaliste comptant des œuvres cultes comme d’El Topo (1970) Montagne sacrée (1973) Santa Sangre (1989).

(Jodo) est un film personnel, le cinéaste-shaman-tarologue évoque son enfance durant les années 1930-40 dans sa ville Tocopilla. Ce film familial, où son propre fils Brontis Jodorowsky joue le rôle du père est tourné d’ailleurs dans cette ville avec un petit budget.La danza de la realidad est un trip poétique coloré, une fable politique à la Pablo Neruda où l’image est utilisée comme une métaphore pour parler du fascisme, de son regard sur le Chili, d’une enfance dans un milieu où ses origines juives sont perçues comme un travers, avec un père autoritaire tendance stalinienne niant toute spiritualité, prônant une discipline de fer, et une mère douce s’exprimant par des chants lyriques.

Le film peut dérouter par son aspect burlesque, surréaliste, fantasmagorique, un conte avec des scènes où l’on voit des hommes asexués, des éclopés, des travestis, des nains, des saints, un homme qui devient le drapeau chilien… Cette succession de séquences peut paraître comme un grand cirque mais chacune d’elle raconte une histoire, un souhait comme quand la mère chante de l’opéra, il lui fait réaliser son rêve.

Derrière l’aspect comique, excentrique, il s’agit de voir dans cet univers ésotérique, une thérapie poétique exorcisant les démons familiaux à travers des images fortes et symboliques. Lorsque le père est torturé par des agents de la CIA, il s’agit là d’un parcours vers la rédemption.

La Danza de la realidad est une œuvre mystique d’une grande richesse. Cet univers onirique crée par Alejandro Jodorowsky nous emporte dans une danse enivrante, où jeter un caillou dans la mer tue des milliers de poissons, où des sardines descendent du ciel, où un clochard céleste est assis sur un ponton…

– Meurs et deviens –

A travers cette psychomagie se déroule une quête initiatique entre un père et un fils finalisée par une réconciliation et un nouveau départ. Il est inutile d’être un spécialiste de la filmographie de Jodorwsky, La danza de la Realidad est un trip baroque de l’âme guérissant de ses poisons à travers l’imagination, l’art…

 Synopsis : « M’étant séparé de mon moi illusoire, j’ai cherché désespérément un sentier et un sens pour la vie. » Cette phrase définit parfaitement le projet biographique d’Alexandro Jodorowsky : restituer l’incroyable aventure et quête que fut sa vie. Le cinéaste d’origine chilienne se livre dans une autobiographie imaginaire. Né au Chili en 1929, dans la petite ville de Tocopilla, Jodorowsky est confronté à une éducation très dure et violente, au sein d’une famille déracinée. Bien que les faits et les personnages soient réels, la fiction dépasse la réalité dans un univers poétique où le réalisateur réinvente sa famille et notamment le parcours de son père jusqu’à la rédemption, réconciliation d’un homme et de son enfance.

Fiche Technique – La danza de la Realidad

Réalisateur : Alejandro Jodorowsky
Acteurs : Brontis Jodorowsky, Axel Jodorowsky, Adan Jodorowsky, Pamela Flores, Alejandro Jodorowsky, Jeremias Herskovits, Cristobal Jodorowsky
Scénario : Alejandro Jodorowsky
Images : Jean-Marie Dreujou
Montage : Maryline Montieux
Musique : Adan Jodorowsky, Jonathan Handelsman
Son : Claudio Vargas
Décors : Alejandro Jodorowsky, Alisarine Ducolomb
Costumes : Pascale Montandon-Jodorowsky
Effets visuels : Ekkarat Rodthong
Production : Caméra One (France), Le Soleil Films (Chili)
Producteurs : Alejandro Jodorowsky, Michel Seydoux
Producteurs exécutifs : Moisés Cosío, Xavier Guerrero Yamamoto
Distributeur français : Pathé Distribution
Vente internationale : Pathé International

White House Down : Critique d’un film Pop Corn assumé

Après La chute de la Maison Blanche, White House Down est le deuxième film sur la thématique de la destruction de la Maison Blanche par des groupes terroristes, Roland Emmerich en est à sa troisième destructions de l’Aigle, après les Aliens d’Independence Day, les catastrophes naturelles du Jour d’après, il réitère avec White House Down, une version super pop corn de Die Hard.

Dans ce blockbuster, un groupe de mercenaires s’attaque au fief présidentiel, avec dans le rôle du Président Sawyer (Jamie Foxx), qui a affirmé « avoir essayé de garder la ligne comme Barack Obama afin d’incarner le rôle du président américain dans « White House Down ».

Fort heureusement, John Cale (Channing Tatum), membre de la police du Capitole, sur les lieux, avec sa fille en simple visiteur se verra offrir l’opportunité de protéger le président.

Le film raconte le sauvetage du président des Etats-Unis, un président pas comme les autres, puisque lui aussi sera dans l’action, on le verra ramper à quatre pattes, tirer au bazooka, conduire la voiture présidentielle dans les jardins de la Maison-Blanche et en plus il porte des baskets, un président trop cool…

Le film joue avec l’humour décalé et le second degré, en nous montrant un président très héroïque et la star montante, Channing Tatum vraiment «too much», tout est permis, tout est possible, on dirait un super héros, rien ne l’arrête… White House Down oscille entre situations rocambolesques, chaos, rires et excentrisme. Un film à regarder si on ne cherche pas une mise en scène irréprochable et que l’on n’a pas peur de l’exagération, ça peut même être fun.

Toutefois le scénario téléphoné reste un copié collé moins bon que Die Hard à la sauce de buddy movie, même si l’alchimie entre les deux acteurs (Tatum et Foxx) fonctionne parfaitement. Hélas ce n’est pas le seul reproche que l’on peut faire à ce film, les effets spéciaux sont ratés, de toute évidence une grosse partie du tournage à eu lieu sur des fonds verts, comme la discussion dans une bagnole sur fond extérieur, quant aux scènes introduisant des hélicos, les avions de chasse c’est du numérique et ça se voit…

Pour le reste, si vous êtes un afficionado des films d’action et si la glorification du patriotisme très second degré comme dans ce dernier plan au ralenti où (la fille de Tatum fait flotter le drapeau américain au-dessus de sa tête). Au final, ça reste un bon divertissement Pop Corn revendiqué d’ailleurs par le réalisateur Allemand.

Synopsis : Membre de la police du Capitole, John Cale vient de se voir refuser le job dont il rêvait : assurer la protection du président des États-Unis. Espérant éviter à sa fille une déception lorsqu’il lui apprendra la nouvelle, il l’emmène visiter la Maison-Blanche. C’est à ce moment qu’un groupe paramilitaire lourdement armé attaque le bâtiment. Alors que le gouvernement américain sombre dans le chaos, Cale va tenter de sauver sa fille, le président, et le pays tout entier…

Fiche Technique : White House Down

Réalisateur : Roland Emmerich
Casting : Channing Tatum, Jamie Foxx, Maggie Gyllenhaal et l’actrice québécoise Rachelle Lefevre.
Genre : Action, Drame
Durée : 2H11 mn
Distributeur : Sony Pictures
Année de production : 2013

Sortie en salles le 04 Septembre 2013

Notons que la musique aux accents métallique et électronique a été écrite par le producteur Harald Kloser en collaboration avec son partenaire Thomas Wander.

Alabama Monroe : une bombe sentimentale sur fond de musique

Synopsis : Bluegrass Didier (Johan Heldenbergh) et Élise (Veerle Baetens) vivent une histoire d’amour passionnée et rythmée par la musique. Lui est joueur de banjo dans un groupe de Bluegrass Country et vénère l’Amérique. Elle, tient un salon de tatouage et chante dans le groupe de Didier. De leur union fusionnelle naît une fille, Maybelle (Nell Cattrysse). Un couple fusionnel qui va être confronté à la très grave maladie de leur petite fille.

Alabama Monroe met la Belgique à l’honneur ! Quatre ans après La merditude des choses (premier film du cinéaste),le talentueux Felix van Groeningen réalise un véritable mélodrame, poignant, d’une force et d’une délicatesse extrêmes. L’histoire de ce beau film dépeint la rencontre d’un couple passionné, fusionnel, dont l’alchimie est sublimée à l’écran par l’interprétation remarquable de Veerle Baetens et de Johan Heldenbergh, en parfaite osmose. Ces acteurs sont tellement brillants que l’on oublie très vite qu’ils jouent un rôle. L’humanité des deux personnages crée une empathie immédiate et émeut le spectateur. La toute jeune Nell Cattrysse, livre également une prestation étonnante, qui vous demandera un effort personnel pour ne pas fondre en larmes.

Outre un casting formidable, l’intelligence du film tient en la destruction chronologique, qui transcende un scénario linéaire, et qui permet d’explorer les émotions et de varier les tons, la joie, la gaieté, le bonheur familial, puis la descente aux enfers, la déstructuration d’un couple face au drame, la tristesse, le malheur inéluctable… La musique Bluegrass est au final le cœur de cette belle histoire et transcende le drame; elle s’accorde parfaitement au tempo d’Alabama Monroe, et ponctue brillamment la variété des émotions fluctuantes des personnages, en permettant de cristalliser immédiatement un sentiment. La technique du film est sans défaut avec des tons sombres, un cadrage et des mouvements de caméra imperturbables. Dans une esthétique à la photographie irréprochable de Ruben Impens, le film prend des couleurs captivantes et des lumières rougies.

Alabama Monroe accède en son dénouement à une surprenante dimension onirique, par un mélange parfait des deux tons du film, une séquence criante de bonheur, et de tristesse. L’histoire est psychologiquement violente : c’est un film où le spectateur souffre avec les personnages, compatie à leurs malheurs. C’est un film dramatique d’une grande puissance émotionnelle, un discours à la fois réaliste, idéologique et utopique sur l’amour, le deuil et la religion, avec parfois quelques envolées d’humour. Il est presque nécessaire de découvrir une telle œuvre bouleversante, troublante et touchante, une ode à la vie et à la musique d’une poésie envoutante. Alabama Monroe est une révélation, un gros coup de cœur, un film magnifique, dont le sujet lourd est abordé ici avec force, sensibilité et élégance.

Fiche technique : Alabama Monroe

Titre original : (The Broken Circle Breakdown)
Réalisation : Felix Van Groeningen
Scénario : Carl Joos, Felix Van Groeningen
Interprétation : Veerle Baetens (Élise), Johan Heldenbergh (Didier), Nell Cattrysse (Maybelle)
Image : Ruben Impens
Son : Jan Deca
Montage : Nico Leunen
Musique : The Broken Circle Breakdown Band, dirigés par Bjorn Eriksson
Producteur(s) : Dirk Impens
Production : Menuet, Topkapi Films
Distributeur : Bodega Films
Date de sortie : 28 août 2013
Durée : 1h52

Jeune & jolie : Ode à la jeunesse, fable poétique en quatre saisons

Isabelle (Marine Vatch), 17 ans, est une jeune adolescente, jolie, intelligente, et d’un milieu aisé. Au cours  de vacances estivales dans le midi, elle perd sa virginité. De retour à Paris, elle s’adonne librement à la prostitution sur internet et dans les grands hôtels, par simple plaisir. Les folies clandestines d’Isabelle finissent par être révélées et sa famille, résolue à ramener la lycéenne à la raison… Interdit aux moins de 12 ans.

Présenté en compétition à Cannes 2013, Jeune & Jolie est le 14ème long métrage de François Ozon Dans la Maison (2012), aborde un de ses thème de prédilection : les errances de l’adolescence, ici en quatre saisons et 4 chansons. Malgré le scandale provoqué, Jeune & Jolie va bien plus loin que l’idée de prostitution : ce sont toutes les thématiques de la séduction, du jeu, des valeurs sociétales, de l’entrée dans la vie adulte, du rapport au corps et à l’altérité, qui sont abordées ici avec élégance et distance par un réalisateur accompli. Dans le cocktail de ce beau film, l’amoralité est en effet un ingrédient parmi d’autres, il y a aussi et surtout de la tendresse, de l’humour, de l’ingénuité et de l’innocence.

Véritable diamant brut, Marine Vatch magnétise l’écran par sa beauté froide et triste. Elle campe une Isabelle aussi belle qu’insaisissable, aussi lumineuse que Ludivine Sagnier dans Gouttes d’eau sur pierres brûlantes (1999), sublimée par une mise en scène discrète et distanciée, d’un réalisme assumé. L’érotisme que dégage l’actrice se concocte parfaitement avec une certaine pudeur qui la rend infiniment touchante : « Ce n’est pas moi qui suis dangereuse » 

En effet, jamais on ne songe à vouloir réprimander son personnage dont on suit pourtant le curieux trajet. Ozon dont on connaît le goût de la provocation, parvient ici avec intelligence et une certaine finesse à éviter l’écueil d’une explication psychologisante rébarbative, et ne tombe jamais ni dans le vulgaire, ni dans le voyeurisme. Aucune volonté de juger ni de disperser une quelconque morale. Ici tout est dans la poésie, le regard, les plans très courts et serrés sur Isabelle. Ozon joue comme souvent avec les codes de la narration classique et les références cinématographiques notamment Belle de jour de Luis Bunuel (1967).

Jeune &Jolie est saisissant, justement parce que le mystère est suspendu : quelles sont les motivations d’Isabelle, le fantasme ? L’interdit ? Le danger ? Ici, tout est affaire de sensualité et de suggestion et les questions en tout genre hanteront longtemps après l’esprit du spectateur, scotché par cette troublante initiation des sens et du corps qui s’achève par une scène épilogue avec Charlotte Rampling d’une puissance émotionnelle impressionnante, comme un miroir vieillesse/jeunesse, un relai d’une rare sensibilité.

Le reste du casting est attachant et frappe par son authenticité : la complicité d’Isabelle avec son frère Victor campé par Fantin Ravat est intéressante : un frère fan de sa PlayStation mais aussi solidaire des nouveaux émois que connaît sa sœur. Frédéric Pierrot joue le rôle du beau père, maladroit mais désolé de constater que sa fille n’est pas que jolie ; un beau-père aux attitudes parfois plus qu’ambigües.

Géraldine Pailhas joue avec enthousiasme le rôle d’une mère dépassée par les événements, indignée par le comportement de sa fille, qui sera surprise par Isabelle dans une attitude équivoque avec un ami de la famille. Les chansons mélancoliques de Françoise Hardy, dont « Je suis moi » au dénouement du film, apportent une note de gaité et d’insouciance qui allègent un peu le sujet.

Jeune & Jolie déroute et dérange longtemps. François Ozon livre un portrait d’adolescente parmi les plus beaux et ambigus que le cinéma ait eu à proposer. Grâce à un traitement élégant, profond, et tout en finesse, une réalisation envoûtante et poétique, aux couleurs extraordinaires, portée par une Marine Vacth brillante et charismatique, Jeune & Jolie est un film audacieux et contemplatif, juste et sensible, une ode à la jeunesse, au mystère féminin, une fable contemporaine sur l’envoutement des sens, à l’âge de l’insouciance. Rappelons-nous :  On n’est pas sérieux, quand on a dix-sept ans » (Rimbaud).

François Ozon est un des plus grands réalisateurs français, aux sujets pourtant éclectiques. Depuis Sitcom, son premier long métrage, François Ozon n’est pas loin de tenir le rythme du film annuel. On peut observer chez lui deux types de réalisations : une veine délirante (Sitcom, 1998, Huit femmes, 2002, Potiche, 2010…) et une plus réaliste (Sous le sable, 2000, 5X2, 2004, Ricky par certains aspects, 2009…). Dix ans après Swimming Pool, 2003, Jeune et jolie fait clairement partie de cette seconde inspiration. Même si les sujets et les genres qu’il aborde sont très variés, Ozon aime revenir régulièrement sur des thèmes qui lui sont chers. La jeunesse en fait partie : Dans la maison (2012) lui permet un premier retour vers l’adolescence, côté garçon, une belle démonstration de son incroyable capacité à déjouer les codes du roman littéraire. Depuis François Truffaut, Ozon est probablement le réalisateur qui parvient le mieux à sublimer les femmes (Swimming Pool, Le refuge, 2010, ou encore Potiche).

Marine Vacth ressemble de beaucoup à Charlotte Rampling jeune : les mêmes yeux, ce même regard mélancolique…