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Mise à l’épreuve (Ride Along) est un buddy cop movie avec Ice Cube et Kevin Hart, qui fait aussitôt penser à 48 heures ou L’arme fatale.

Synopsis : Ben, agent de sécurité dans un lycée, tente en vain de prouver qu’il est plus qu’un geek baratineur à James, grand frère protecteur de sa petite amie et flic aux méthodes musclées. Quand Ben est enfin accepté à l’Académie de l’APD (Atlanta Police Department), il demande la bénédiction de James pour épouser Angela, pensant avoir enfin gagné son respect. Sceptique, James le met à l’épreuve pour lui apprendre le métier et voir s’il est digne ou non d’épouser sa soeur. Durant 24 heures il devra patrouiller avec lui dans les rues d’Atlanta.

Une rude épreuve 

Une comparaison peu flatteuse, ses aînés sachant combiner l’action et la comédie, en se reposant sur des réalisateurs de talents, Walter Hill et Richard Donner. Tim Story n’est pas de leur trempe : il a déjà causé des dégâts en maltraitant Les 4 fantastiques par deux fois, ce qui vous classe un homme. Mais c’est un film entre amis, c’est une production Ice Cube, qu’il a déjà dirigée dans Barbershop, tout comme avec Kevin Hart dans Think Like a Man.

Le duo est classique, le policier chevronné solitaire et dur en la personne d’Ice Cube et le nain hystérique cabotinant comme une adolescente dans un concert des 1D, Kevin Hart. Tout les oppose mais à la fin, ils deviennent beaux-frères, ou presque. Kevin Hart du haut de son 1m57 est en couple avec Tika Sumpter 1m70, qui est du genre top-modèle international. L’ensemble manque de crédibilité. Après, il faut bien avouer que le réalisme n’est pas vraiment une des qualités du film, ni même son scénario, ni son interprétation, ni ses dialogues, ni ses scènes d’actions, ni….. En fait, il n’y a pas grand chose de réussi là-dedans. Il est évident que si l’on est hermétique à l’humour de Kevin Hart, cela va vite se transformer en une longue épreuve. Ses scènes sont longues et vides ; il y a peu de réparties renversantes, c’est plat, sans chutes, c’est du vent.

La première demi-heure est pourtant encourageante : Kevin Hart semble sobre et ses échanges avec Tika Sumpter mettent un peu de vie, dans un film sans rythme, malgré une scène d’action réussie pour ouvrir le film, mais intégré au générique, ce qui gâche un peu le plaisir. Cela marche moins bien avec Ice Cube, qui semble toujours énervé. Certes, il convient d’être indulgent avec un des meilleurs rappeurs des 90’s, qui a su construire une carrière dans l’Entertainment et retrouve ici Laurence Fishburne, qui faisait parti de son premier film en tant qu’acteur Boyz’N the Hood. Ce qui confirme le côté « film entre amis », en oubliant l’essentiel, offrir un divertissement de qualité, drôle et explosif.

En associant la caméra paresseuse de Tim Story, un Kevin Hart qui ne possède qu’un ersatz du talent de Chris Tucker, auquel il est en permanence comparé (ce qui renvoie à un autre Buddy Movie réussi Rush Hour), on obtient un film qui se traîne, rate ses scènes d’action, rarement drôle, se moque du talent de John Leguizamo et totalement inoffensif, au point de se révéler limite soporifique.

Fiche technique – Mise à l’épreuve

Ride Along – 2014
États-Unis
Réalisateur: Tim Story
Scénario: Greg Coolidge
Casting : Ice Cube, Kevin Hart, John Leguizamo, Bruce McGill, Tika Sumpter, Bryan Callen, Laurence Fishburne, David Banner, Angie Stone
Photographie: Larry Blanford
Montage: Craig Alpert
Genre: Buddy Movie
Durée: 100 minutes
Date de sortie en France: 14 mai 2014
Budget: 25 millions de $
Musique: Christopher Lennertz
Production: Matt Alvarez, Larry Brezner, Ice Cube et William Packer
Sociétés de production: Cube Vision, LBI Entertainment, Rainforest Films et Universal Pictures

Auteur de la critique : Laurent Wu

Dans une Union Européenne ultralibérale où seuls les pays les plus forts peuvent s’en sortir, les nouveaux arrivants rêvent de ce nouveau mirage économique, tel un miracle qui leur permettrait d’intégrer la puissante mondialisation, au nom d’une promesse d’un avenir qu’ils espèrent meilleur.

Synopsis : Parti de Sofia, Kamen se rend en stop à Roussé, dans le nord de la Bulgarie. Sur la route, il rencontre Avé, une jeune fugueuse de 17 ans, qui lui impose sa compagnie. À chaque nouvelle rencontre, Avé leur invente des vies imaginaires et y embarque Kamen contre son gré. D’abord excédé par Avé et ses mensonges, Kamen se laisse troubler peu à peu… 

Une Europe avide d’argent à l’économie destructrice

Mais cette entité, pensée et créée au sortir de la Seconde Guerre Mondiale dans un but de prospérité, s’avère symbolique d’une économie destructrice car mal fignolée. Au lieu d’être un espace de mutualisation et d’harmonie, elle symbolise une course toujours plus catastrophique a l’appât du gain qui dessert les pays adhérents.

La Bulgarie n’échappe pas à cette rengaine. Son entrée en 2007 dans L’UE a encore plus affaibli cet idéal démocratique car son économie trop exsangue ne peut soutenir la comparaison avec les places fortes historiques du marché. Son intégration, voulue par des élites politiques corrompues et une mafia gangrenée par la violence, n’a pu se faire qu’avec la malsaine complicité d’une Europe avide d’argent. Au détriment d’un projet équilibré et libérateur qui enfonce un peu plus chaque jour ce vaste territoire dans un abyssal déficit et laisse ses concitoyens dans une précarité insoutenable, surtout depuis la crise de 2008. Les jeunes héros que nous suivons dans ce très beau film en sont les malheureux héritiers.

L’histoire débute à Sofia, capitale du pays, où cet adolescent, frêle et chétif pratique l’auto-stop au bord d’une autoroute pour rejoindre une ville plus au nord. Apparaît alors cette gamine espiègle et peu farouche dont on ne sait trop quoi penser au premier abord. S’ensuit un long périple au long duquel nous découvrons ces deux âmes esseulées en quête de transcendance, cherchant à fuir un passé douloureux et avancer vers un avenir plus qu’incertain. Lui, mystérieux et hermétique, va retrouver la famille endeuillée de son meilleur ami mort dans un suicide désespérant. Elle, irritante et intrigante à force de mensonges répétés, veut sauver son frère d’une toxicomanie comme seul apaisement d’une situation sociale affligeante.

La confrontation donne à voir une troublante métaphore d’une société partagée entre le déni de réalité ,comme pour mieux se protéger d’une vérité sordide, et la détermination sans faille d’une jeunesse décidée à prendre en main son destin, quoi qu’il lui en coûte. La mort, présente insidieusement tout au long du récit, sert d’avertissement à un dangereux désinvestissement d’un gouvernement délaissant ses enfants au bord du gouffre. On y sent tout le malheur de familles dévastées par cette lâcheté. Cadrant au plus près leur longue traversée du désert, la caméra épouse leurs mouvements incertains et leur détermination à s’ouvrir à la vie. Des squats miteux aux transports routiers graveleux en passant par des rencontres humiliantes se dessine une trajectoire constitutif d’un passage à l’âge adulte précaire mais nécessaire. C’est aussi un merveilleux apprentissage des sentiments, où la découverte de la sexualité élabore une sensibilité à fleur de peau, ultime rempart contre la déchéance d’un monde exterminateur. Le réalisateur fait preuve d’une grande douceur et d’une dextérité bouleversante et réussit à nous entrainer dans leur sillage passionnant avec une étonnante économie de moyens. Cette finesse d’esprit, si elle ouvre un possible chemin du bonheur aussi évanescent soit-il, n’en est pas moins lucide sur la difficile rédemption à suivre. Témoin cette fin où elle se fantasme en star hollywoodienne, paroxysme du faux et fuite en avant pour s’oublier. Lui n’aura de cesse de poursuivre cette fugace sensation de plénitude, symbole d’un irrépressible besoin de tendresse pour panser des cicatrices ouvertes trop tôt.

Dans une photographie et une lumière éclairant de mille feux ces personnages, nous assistons à l’émergence plus que prometteuse d’un metteur en scène plein de talent et d’acteurs à la justesse extraordinaire. Découvert au Festival de Cannes en 2011 dans la section « Semaine De La Critique »,ce petit bijou réconciliera les cinéphiles parfois déçus par une compétition officielle à l’audace en voie de disparition. Le cinéma des Balkans profite de cette aubaine pour se faire entendre et connaitre du plus grand nombre, et c’est tant mieux tant il semble en plein essor.

Fiche Technique: Avé de Konstantin Bojanov

Réalisation: Konstantin Bojanov
Scénario Konstantin Bojanov, Arnold Barkus
Casting: Avé (Anjela Nedyalkova) et Kamen (Ovanes Torosian)
Catégorie: Drame
Durée: 87 min
Langue: Bulgare
Directeur de la photographie: Nenad Boroevich, Radoslav GotchevMontage
Montage: Stela Georgieva
Costumes: Marina Yaneva
Musique: Tom Paul

Auteur de la critique: Le Cinéphile Dijonnais

Synopsis : Un homme aigri, approchant de la quarantaine, profite d’une faille de système pour s’inscrire à un concours d’orthographe pour enfants… 

The Jason Bateman Show

Pour sa première réalisation, Jason Bateman reste dans un genre qu’il maîtrise, la comédie. Comme on est jamais mieux servi que par soi-même, il s’offre le premier rôle, celui de Guy Trilby, un homme solitaire, qui se moque de tout et de tout le monde. Pour participer à ce concours d’orthographe, il doit-être sponsorisé par un grand journal. Allison Janney est dépêchée pour relater cette aventure hors du commun. Une femme isolée et un brin dérangée, un couple bien assorti, en marge de la société et de ses conventions. Au cours de l’aventure, Jason Bateman va faire la rencontre de Rohan Chand, dont les origines lui permettent de faire toutes les réflexions racistes possible à ce charmant Slumdog. Un enfant de dix ans qui cherche à être son ami, lui aussi étant solitaire, malgré la présence de parents plus que discrets.

Jason Bateman n’est pas un acteur comique qui va montrer ses fesses ou grimacer bêtement. Son truc, c’est de sortir des punchlines corrosives. Un pince sans rire qui se régale dans cette comédie noire, qui rappelle un autre Bad, celui de Billy Bob Thornton dans le bien-nommé Bad Santa. Ce n’est pas politiquement correct : ses réparties visent autant son jeune ami, que la journaliste ou les parents qui viennent l’insulter ou lui cracher dessus. Même si Jason Bateman reste vêtu, ses répliques visent parfois au-dessous de la ceinture. Mais c’est aussi émouvant. Son rapport avec son jeune acolyte devient quasi paternel, comme le démontre la jouissive scène du super store au son des Beastie Boys. Puis, il y a la raison qui le pousse à faire ses concours. Elle se dévoilera doucement mais ne perturbera pas le rythme effréné de cette comédie plus que réussie.

Ce qui surprend, c’est surtout la réalisation impeccable de Jason Bateman. Pour un premier essai, c’est une belle réussite. La photographie est aussi sombre que l’humour noir qui imprègne chaque scène. Les différents ralentis sont toujours utilisés aux bons moments et pour les bonnes raisons. La comédie est une partition qui demande une certaine exigence. Jason Bateman démontre qu’il maîtrise déjà celle-ci et nous sentons l’influence de Jason Reitman dans son traitement de l’histoire, sur un scénario d’Andrew Dodge (son premier).

Jason Bateman est parfait dans son rôle, tout comme la révélation Rohan Chand. Allison Janney et Kathryn Hahn qui en bonnes habituées de ce genre de comédie, sont à l’aise comme un poisson dans l’eau, sans oublier le patriarche, l’excellentissime Philip Baker Hall.

Malheureusement, Bad Words n’est pas sortie dans nos salles françaises. Cette comédie mérite une séance de rattrapage, un petit bijou d’humour noir non dénué d’humanité, une vraie bonne surprise.

Fiche technique – Bad Words

On a failli être amies : Un film en demi-mesure

Synopsis : Marithé travaille dans un centre de formation pour adultes. Sa mission : aider les autres à changer de métier et à trouver leur vocation. Se présente alors Carole, qui vit et travaille dans l’ombre de Sam, son mari, énergique et talentueux chef étoilé. Ce n’est cependant pas tant de métier, dont Carole semble avoir besoin de changer, mais de mari. Marithé se donnera à fond pour aider Carole à se projeter dans une nouvelle vie. Mais quelle est la nature profonde de ce dévouement, quand Marithé ne semble pas insensible au charme de Sam, ni à sa cuisine ?

Devant et derrière la caméra

Plus connue pour ses rôles au cinéma et à la télévision, Anne Le Ny s’est essayée à la réalisation en 2007 avec le très réussi Ceux Qui Restent, film sensible et touchant sur le destin solitaire de ces gens dont le conjoint est hospitalisé pour une maladie grave. Elle revient sept ans plus tard avec On a failli être amies : tout à la fois vaudeville, film social, film gastronomique, film familial et comédie. Un film riche donc, trop riche peut-être, en tout cas un film qui aurait gagné à plus de sobriété scénaristique. Cette histoire d’une formatrice qui reçoit comme stagiaire l’épouse d’un grand chef cuisiner aurait largement suffit à la réussite d’un bien meilleur film.

Un film brouillon

On a failli être amie veut traiter trop de sujets à la fois, courir plusieurs lièvres pour finalement n’en attraper aucun. Si Anne Le Ny a un talent de réalisatrice certain, il semble être encore insuffisant pour parvenir à aborder dans une même œuvre les questions de l’adultère, de l’amitié, du chômage et bien d’autres encore. Aucune d’entre elles n’est suffisamment approfondie et perd alors beaucoup d’intérêt, cette dispersion du scénario fait du coup perdre sa profondeur à cette histoire qui ne trouve jamais vraiment son fil conducteur. Sa courte durée ajoute à ce goût d’inachevé qui persiste après la fin : cette idée que chaque histoire prise séparément aurait pu être plus belle, plus touchante ou plus drôle.

Un titre en trop

Le film commence en fait sur une erreur grossière, sur ce titre qui en dit trop avant même de s’asseoir dans la salle de cinéma. On a failli être amies, résume à la fois la conclusion du film et toute son histoire. On ne peut s’empêcher de la garder en tête tout en le regardant et de n’y voir, tout du long, cette conclusion dont on sait par avance qu’elle est inexorable. Pourtant, cette histoire de deux femmes qui ne se comprennent pas mais tentent malgré les circonstances d’être amies, aurait pu être plus convaincante si elle n’était éventée dès l’affiche. C’est d’autant plus dommage qu’on en oublierait presque les petits moments de grâce et d’humour qui le sauvent du naufrage. On repense bien sûr à l’ordinateur dévoilant à Carole qu’elle est sa véritable vocation, délicieux instant d’humour totalement absurde.

Mais d’excellents acteurs

Il n’y a guère que la troupe de comédiens pour jouer sans fausses notes, Emmanuelle Devos en tête ; désormais habituée des films d’Anne Le Ny, elle renforce de film en film un talent de plus en plus évident, qui fera un jour d’elle un mythe du cinéma français. Roschdy Zem campe lui un étonnant chef cuisiner et outre le fait qu’on ne l’attend pas dans de tel rôle, on découvre que cette « gueule » de cinéma peut se glisser dans tous les personnages. Ce triangle amoureux se referme avec Karin Viard, décidemment incapable d’une contre-performance et finalement aussi douée pour la comédie que pour le drame. Ces acteurs ont tout compte fait plus de relief que la réalisation d’Anne Le Ny, car certes son film ne se prête pas à des prouesses en la matière, mais un peu plus de fantaisie (en plus de celle du générique) aurait été appréciable. Dans le fond sa mise en scène n’est pas bonne ou mauvaise, mais laisse juste indifférent.

Pour un film plein de regrets

On A Failli Être Amies a failli être réussi, plutôt plusieurs films qui auraient pu être réussis et qui, mêlés les uns aux autres, font un amalgame souvent indigeste malgré le fait que quelques bons moments le traversent. Il confirme en tout cas que le cinéma français semble traverser une période de doute qui, à quelques exceptions près, fait qu’on n’a plus droit à ces étonnants succès critiques et publics que l’on n’attendait pas. Anne Le Ny est finalement dans l’air du temps, livrant un film en demi-teinte, plein de demi-mesure et finalement, guère plus qu’un demi-film.

Fiche Technique : On a failli être amies

Réalisation: Anne Le Ny
Scénario: Anne Le Ny
Interprétation: Karin Viard (Marithé), Emmanuelle Devos (Carole Drissi), Roschdy Zem (Sam Drissi), Anne Le Ny (Nathalie), Philippe Rebbot (Pierre), Annie Mercier (Jackie)
Date de sortie: 25 juin 2014
Durée: 1h31
France – 2013
Genre: Comédie
Image: Jérôme Alméras
Décor: Yves Brover
Costume: Isabelle Pannetier
Montage: Guerric Catala
Musique: Éric Neveux
Producteur: Bruno Levy
Production: Move Movie, Mars Films
Distributeur: Mars Distribution

Auteur de la critique: Freddy M.

Sublime et envoutant, In Mood For Love de Wong Kar-Wai, est un chef-d’œuvre d’une perfection esthétique absolue.

In The Moood For Love est l’œuvre d’une vie, l’œuvre d’un auteur qui depuis toujours, a fait de son cinéma une exigence. Plus beau film du maître, il est l’aboutissement de toute une carrière qui vit s’enchaîner les chefs-d’œuvre pour aboutir à l’ultime sommet d’un talent artistique, œuvre unique dans le cinéma d’aujourd’hui. Pourtant, In The Mood For Love effraie, le cinéma de Hong-Kong impressionne par son exotisme et son univers qu’on imagine inaccessible. Cinéma du ressenti plus que du raconté, film de l’impression plus que de la narration, Wong Kar Wai captive par ce qu’il suggère, plus que par ce qu’il montre, mais reste accessible à tous les esprits.

L’histoire tient en quelques mots, écrits à l’encre de Chine sur le papyrus du scénario. M. Chow et Mrs Chan emménagent avec leurs conjoints dans la même pension. La promiscuité des lieux et les circonstances vont pousser leurs conjoints respectifs l’un vers l’autre, laissant M. Chow et Mrs Chan seuls face à face, hésitants sur l’attitude à adopter, d’autant que la vie semble vouloir les pousser eux aussi l’un vers l’autre. Le film de Wong Kar Wai tournera autour de cette idée des amours trahies, comme une variation sur le même thème, qui verrait peu à peu la naissance d’un amour refusant d’éclore pleinement.

 Wong Kar Wai impressionniste

Tout le talent du metteur en scène est là. Enchanteur de l’image, Wong Kar Wai est réputé pour son talent pictural. D’une histoire d’amour, il tire une galerie de peinture, parvenant à transmettre par sa mise en scène, par ses cadrages purement plastiques, les plus fortes émotions que peuvent ressentir deux êtres épris. Chaque plan, chaque accessoire, chaque ligne de fuite est voulue, à sa place et pleine de sens. Le hasard est prohibé; le travail de l’image est unique et sublime la beauté des décors, des personnages et de leurs sentiments.

Wong Kar Wai aime ses personnages presque physiquement. Il suffit pour cela de voir à quel point M. Chow et Mrs Chan sont d’une troublante beauté sous l’œil de sa caméra, suscitant un mélange unique de désir et de fascination. Maggie Cheung est sublimée comme jamais elle ne l’a été et jamais plus ne le sera. Mélange de fatale beauté et d’intense fragilité, elle devient la femme ultime : reine de beauté et femme universelle. Elle déambule d’une image à l’autre, d’une beauté grandissante qui gagne en force sous les ralentis de Wong Kar Wai.

C’est d’ailleurs une des autres forces de ce chef-d’œuvre : ses deux acteurs principaux, habitués des films du réalisateur et ici complémentaires comme jamais ils ne l’ont été auparavant. Ils rivalisent de délicatesse, retenant tout excès de jeu et pratiquant la suggestion par les gestes et les expressions, comme Wong Kar Wai le fait avec sa caméra. Tony Leung promène son flegme quasi britannique de long en large, alternant les sourires las et les regards tristes, donnant plus à voir par un simple regard que par des lignes de dialogues.

Ces dialogues jouent de la partition musicale, autant que les notes du compositeur Shigeru Umebayashi, auteur ici d’une des plus belles et sensibles partitions jamais entendues au cinéma. Les dialogues, le travail sur le son, la composition musicale et la mise en scène entrent en symbiose, créant l’œuvre cinématographique parfaite, débarrassée des oripeaux scénaristiques pour ne se consacrer qu’à la beauté formelle, rendant palpable sur pellicule la notion de beau. Car ce film est d’une beauté pure, de cette beauté capable d’émouvoir aux larmes comme seule la joie peut le faire. Les visages sont lascifs et les scènes d’une tendre intimité, qui embaume une douceur suave.

Wong Kar Wai, qui jusqu’ici faisait de chaque film une expérience, semble trouver sa voix artistique pour atteindre la maturité et le génie qui font désormais de lui un membre de la cour des grands. In The Mood For Love, sans être intellectualisant, amène quiconque le regarde à découvrir la beauté d’une caméra, experte à révéler ce que l’amour renferme d’intensité. Il ne faut pas craindre ce film, ses origines et son sujet. Il est une œuvre unique, qui jamais plus ne se laissera oublier, au risque d’être ému aux larmes, rien qu’en s’en repassant les images au film des pensées…

Synopsis: Hong Kong, 1962, Madame Chan originaire de Shanghai vient de trouver une chambre à louer dans l’appartement de Madame Suen, une compatriote de Shangaï. Le jour de leur déménagement, Monsieur Chow et sa femme emménagent aussi sur le même pallier chez la voisine de Madame Suen. Madame Chan travaille comme secrétaire dans ce qui semble être une agence de voyage. Monsieur Chow lui est rédacteur d’un journal local. Il a comme ami un collègue qui joue, parie son argent et fréquente les putains. Monsieur Chan voyage beaucoup à l’étranger et notamment au Japon d’où il ramène à sa femme et ses amis des objets à la mode , comme un sac à main ou un autocuiseur. Madame Chan et Monsieur Chow finissent par se parler et s’apercevoir que leurs conjoints sont amants…

Fiche Technique: In the Mood For Love

Titre Original : 花樣年華

Réalisateur: Wong Kar-wai
Scénariste: Wong Kar-Wai
Acteurs: Goo Gam-Wa, Kelly Lai Chen, Maggie Cheung Man-Yuk, Mama Hung, Rebecca Pan Di-Hua, Roy Cheung Yiu-Yeung, Siu Ping-Lam, Tony Leung Chiu-Wai
Pays: Chine
Genre: Mélodrame, Drame, Romance
Compositeur: Michael Galasso
Directeur De La Photographie: Christopher Doyle, Mark Lee Ping-Bin
Monteur: William Chang Suk-Ping, Wong Ming-Lam
Date De Sortie: 8 novembre 2000

Auteur : Le Cinéphile Dijonnais

Albert à l’Ouest : 1000 façons de (mou)rire dans l’Ouest

Les amateurs d’humour outrancier et de blagues gratuites connaissent bien Seth Mac Farlane. Le créateur des Griffin et d’American Dad, deux séries à l’humour corrosif et aux répliques bien senties, a fait ses débuts dans le monde de la réalisation il y a deux ans avec Ted. Cette aventure centrée sur un ourson en peluche mignon mais grognon, amateur de pétards et de femmes à petite vertu, avait cartonné au box-office, et prouvé que son humour très particulier pouvait parfaitement s’exporter sur grand écran, sur une durée plus longue que les vingt minutes auxquelles il est habitué.

Pour son second film, Albert à l’Ouest, Mac Farlane fait le choix de voir plus grand. Fini le confort de Boston, place aux plaines désolées de l’Ouest américain, pour une comédie toujours aussi décalée prenant pour cadre l’univers du western. Un monde peuplé de brutes à la gâchette facile, dans lequel survit Albert, un gardien de moutons peu amateur de duels. Lorsque celui-ci est plaqué par sa petite amie (Amanda Seyfried), il sera pris en main par la belle Anna (Charlize Theron), qui va lui apprendre les vertus du courage. Seul problème, la jeune femme est la fiancée de Clinch Leatherwood (Liam Neeson), brigand de grand chemin et meilleur tireur de l’Ouest.

Les fans de Ted se retrouveront en territoire connu. Même type d’humour borderline, mêmes dialogues à se tenir les côtes, mêmes situations abracadabrantesques. Les vannes fusent dans tous les sens, souvent complètement inattendues, toujours totalement gratuites. Le choix de faire dans le film d’époque ne l’empêche pas d’effectuer de nombreux parallèles avec la nôtre, et certaines répliques sont totalement dans l’actualité. S’il est moins irrévérencieux que Ted, qui faisait aussi dans le name-dropping à outrance, l’humour d’Albert à l’Ouest n’en reste pas moins mordant.

Petit changement, comparé avec ses productions habituelles, Seth Mac Farlane a choisi de se passer de l’élément comique central que l’on retrouve d’habitude. Que ce soit avec Brian ou Steewie dans Les Griffin, Roger dans American Dad ou Ted dans Ted, le trublion aime provoquer l’hilarité aux dépens d’un personnage, souvent complètement irréaliste, autour duquel gravite les vannes. Ce n’est pas le cas dans ce film, où les blagues partent de tous les côtés sans être centrées sur un seul personnage.

On retrouve aussi les défauts de Ted, à travers une réalisation plate et parfois maladroite, qui confirme que Mac Farlane est un enfant de la télé, et vient avant tout de l’animation. Les passages visant à provoquer l’émotion sont ainsi souvent insipides, et attirent plus la gêne que l’empathie. Heureusement, il reste un dialoguiste hors-pair, et possède un excellent sens du rythme, qui permet aux deux heures de film de filer sans que l’on ressente la moindre longueur.

Les amateurs d’humour gras et un peu bas du front trouveront une nouvelle fois leur bonheur dans cette nouvelle réalisation signée du créateur des Griffin, qui confirme qu’il est un auteur talentueux. Encore plus barré que Ted, plus abouti aussi, Albert à l’Ouest est une comédie déjantée, férocement drôle, à ne pas manquer.

Synopsis : la couardise d’Albert au cours d’une fusillade donne à sa fiancée volage la bonne excuse pour le quitter et partir avec un autre. Une belle et mystérieuse inconnue arrive alors en ville et aide le pauvre Albert à enfin trouver du courage. Des sentiments s’immiscent entre ces deux nouveaux alliés, jusqu’au jour où le mari de la belle, un hors-la-loi célèbre, découvre le pot-aux-roses, et n’a plus qu’une idée en tête : se venger. Albert aura-t-il le courage nécessaire pour venir à bout du bandit ?

Fiche Technique : Albert à l’Ouest

Titre original : A Million Ways to Die in the West
Réalisateur : Seth MacFarlane
Scénaristes : Seth MacFarlane, Alec Sulkin, Wellesley Wild
Interprètes : Seth MacFarlane, Charlize Theron, Amanda Seyfried, Liam Neeson…
Date de sortie : 2 juillet 2014
Durée du film : 1 h 57
Photographie : Michael Barrett, Paul Elliott
Montage : Jeff Freeman
Montage musical : Charles Martin Inouye
Costumes : Cindy Evans
Décors : Stephen J. Lineweaver
Producteur : Bluegrass Films, Fuzzy Door Productions
Distributeur : Universal Pictures International France

Auteur : Mikael Yung