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En cinq films sélectionnés à Cannes, Nuri Bilge Ceylan a raflé 5 prix, dont la palme d’or pour Winter Sleep. Avec un tel historique, on peut facilement imaginer que le réalisateur ait constamment la pression de bien faire, et même de succomber à la recherche de la sur-performance, au risque de s’éloigner de son propos artistique initial.

Synopsis : Aydin, comédien à la retraite, tient un petit hôtel en Anatolie centrale avec sa jeune épouse Nihal, dont il s’est éloigné sentimentalement, et sa sœur Necla qui souffre encore de son récent divorce. En hiver, à mesure que la neige recouvre la steppe, l’hôtel devient leur refuge mais aussi le théâtre de leurs déchirements…

Le seigneur des steppes

De fait, ce film peut être qualifié de magistral à bien des égards. Il raconte l’histoire d’un homme ambivalent, Aydin, qui dans une des premières scènes, se fait « caillasser » la voiture par le fils d’un autre homme auprès de qui il vient réclamer des arriérés de loyer. Plus exactement, son intendant Hidayet se soumet à cette basse besogne, tandis que lui reste à l‘écart. Aydin semble interloqué par l’incident. Lui un homme simple, dont le plaisir dans ce matin hivernal est d’aller ramasser des champignons, et de les proposer pour le petit déjeuner aux clients de son cossu hôtel troglodytique de la Cappadoce. Il ne comprend donc pas un tel ressentiment. Du moins est-ce la sensation que le film procure.

Pourtant, sous ces dehors faussement magnanimes, envers ses locataires, ses clients, sa belle et jeune femme qui essaie de se rebeller contre son emprise, Aydin est en fait une personnalité ambiguë, à la fois généreux et intransigeant, sûr de son droit, compréhensif mais composant sans problème avec une conscience de classe. Du désarroi, donc face aux réactions qu’il suscite, mais de la condescendance aussi. Un personnage pas forcément héroïque, pas détestable non plus.

Le film est esthétiquement proche de la perfection. Ce qui frappe en premier sont les images splendides, boostées par une nature ultra-généreuse, la Cappadoce magnifiquement filmée en hiver, en plans larges et étourdissants, en légère plongée, sous la neige, selon les habitudes de Nuri Bilge Ceylan qui déclare aimer filmer la neige par dessus tout. La steppe anatolienne et les chevaux sauvages sont sublimés par le réalisateur, et même les simples scènes d’intérieur éclairées au feu de bois sont remarquables.

Puis il convient de souligner la qualité des dialogues, certes largement inspirés par Tchekov (dont 3 nouvelles ont servi de matériau à ce scénario co-écrit avec son épouse), qui apportent au film beaucoup de dynamisme dans leur succession, ce qui ne laisse aucune place au risque de l’ennui, malgré une durée de film qui fait peur a priori, et un rythme assez languissant, le film n’étant émaillé d’aucune scène d’action. La mise en scène enfin, est d’une fluidité et d’une maîtrise totales, tant aucune scène, aucun décor, aucune parole ne sont laissés au hasard.

Et pourtant, en terme d’émotions, le film n’arrive pas à créer le sublime qu’on serait en droit d’attendre avec un tel niveau de perfection. Certes, la beauté elle-même du film est un vecteur d’émotions, mais on reste à la marge de l’histoire de cet homme. Même les deux personnages féminins, l’épouse Nihal et la sœur Necla ne parviennent pas à nous émouvoir vraiment, leur motivation et la place qui leur est laissée ne sont pas très claires finalement… Peut-être que le « sleep » du titre se traduit par un engourdissement et une torpeur généralisés des personnages qui du coup, ont du mal à convaincre.

Cependant, le jury du festival de Cannes a sans doute pris la bonne décision en attribuant cette palme d’or. Au travers de son discours, le film fait réfléchir sur bien des thématiques. Ces 196 minutes de dialogues presque ininterrompus sont, dans leur majeure partie, axées sur des interrogations entre les différents personnages dont la profondeur est réelle. Ceylan aborde par exemple la violence de classe et son caractère inéluctable, à travers cette très belle scène où le jeune garçon qui a lancé la pierre sur sa voiture, est emmené un peu de force par son oncle (un religieux) chez Aydin pour demander pardon. Aydin lui tend la main d’une manière un peu joueuse, voire moqueuse, pour recevoir une sorte de baiser d’allégeance. Le jeune garçon s’évanouit alors, dans un refus inconscient de l’oppression, déjà une révolte qui ne dit pas son nom.

De même, le film évoque l’éthique comme dans cette longue conversation entre Aydin et sa sœur Necla, l’attitude à adopter face du mal, afin d’emmener le « malfaisant » à un repentir quasi spontané… Il relate également la responsabilité morale d’une figure qui se veut tutélaire comme celle d’Aydin, (auto) érigé en Seigneur de ces lieux, la conduite il devrait tenir par rapport à ses « sujets » … Des sujets importants, traités par les personnages et le réalisateur sur un mode plutôt grave.

Winter Sleep est beau, et est intelligemment construit, ce qui justifie pleinement sa palme d’or.

Fiche technique – Winter Sleep

Winter Sleep (Kış Uykusu)
Turquie – 2013
Réalisation: Nuri Bilge Ceylan
Scénario: Nuri Bilge Ceylan, Ebru Ceylan
Interprétation: Haluk Bilginer (Aydin), Melisa Sözen (Nihal), Demet Akbağ (Necla), Ayberk Pekcan (Hidayet), Serhat Mustafa Kılıç (Hamdi), Nejat İşler (Ismail)…
Date de sortie: 6 août 2014
Durée: 3h16
Genre:
Image: Gökhan Tiryaki
Décor: Gamze Kuş
Son: Andreas Mücke-Niesytka, Thomas Robert, Benoît Gargonne, Lars Ginzel
Montage: Nuri Bilge Ceylan, Bora Gökşingöl
Production: Zeynofilm
Distributeur: Memento Films Distribution

Après Pompéi en début d’année, place à un film catastrophe un peu plus contemporain. Au pays des clichés narratifs, Black Storm s’ajoute allègrement avec la seule volonté d’offrir quelques frissons à un public affamé d’un genre assez rare au cinéma (quand ce n’est pas Asylum et ses potes qui les produisent à la chaîne pour la télévision).

Et en ce sens, Black Storm réussit pleinement sa mission : celle de proposer un déluge de sensations et d’effets-spéciaux époustouflants. Annoncé implicitement comme un ersatz de Twister, Black Storm est un film tempétueux convaincant et (es)soufflant sur le plan visuel, bien au-dessus de toutes les sorties Direct-to-Video faisant la part belle aux dérèglements climatiques. Entre tous les blockbusters du mois d’août, Black Storm se cale timidement dans la programmation mais ravira les fans nostalgiques de Twister et Le Jour d’Après.

Après avoir réalisé le cinquième volet de la saga Destination Finale et accessoirement supervisé les effets-spéciaux d’Avatar, Steven Quale persiste dans la veine d’un cinéma catastrophe et entreprend de réaliser ce projet de vrai-faux remake de Twister à l’aube où les Etats-Unis subissent depuis plusieurs années des tornades toujours plus dévastatrices. La bonne idée du Monsieur -qui s’avérait d’abord déroutante- est d’aborder le point de vue exclusif des héros -petits hommes face à l’immensité de la Nature- par le biais d’une mise en scène caméra à l’épaule et parfois found-footage. A nouveau (cf. Chronicle), le procédé ne tient pas sur la longueur et le réalisateur doit avoir recours à de très nombreux plans fixes extérieurs pour bien faire prendre conscience de la grandiloquence des tempêtes qu’il filme.

Black Storm : Une tornade tellement puissante qu’elle en a dévasté le scénario

Tout comme le fait que même dans les moments les plus difficiles, il y a toujours une personne présente pour filmer. Un peu grotesque. Mais il ne s’agit là que de rechigner et finalement, ce choix délibéré d’impliquer le spectateur fonctionne à un certain niveau et on s’imagine que le film pourrait être une formidable vitrine pour une expérience en 4D. Black Storm est un film dont la communication a toujours mis l’accent sur le frisson que provoque le visionnage de l’impact de la Nature sur la civilisation. En témoigne le dernier trailer qui captait les réactions des gens devant les films ainsi que les différents tweets post-projection. Pas de mensonges sur la marchandise, ce qu’on est venu voir, c’est de la pure destruction urbaine par Dame Nature et du coup, de quoi est capable Steven Quale en termes d’effets-spéciaux et d’intensité pour nous faire frissonner.

Si les CGI et fonds verts se ressentent quelques peu, il serait mensonger de dire que le film n’est pas impressionnant et qu’on s’en prend plein les mirettes. Un véritable déluge s’abat sur cette petite ville des Etats-Unis et chaque séquence va toujours plus loin. Steven Quale s’égare parfois allègrement dans quelques moments crépusculaires pour notre plus grand plaisir, notamment par le biais de ce passage au-dessus des nuages, loin de la tempête, au plus près du soleil … avant de retomber brutalement sur la terre ferme et ravagée. Un bref instant de poésie au pays des tornades dévastatrices. Mais des quatre-vingt-neuf minutes que le film dure, on retiendra ces quelques séquences d’apocalypse notamment l’impressionnante destruction d’un aéroport, performance visuelle implacable.

Pour donner un sens à ces effets spéciaux, le scénariste John Swetnam nous gratifie d’une galerie de personnages plutôt caricaturaux renforcés par des séquences prévisibles et une terrible impression de déjà-vu. Un fils en conflit avec son père qui partira à sa recherche, un garçon amoureux, une mère loin de sa fille pour le travail, un documentariste obnubilé par la captation de la moindre image d’une tornade et enfin deux rednecks débiles qui veulent faire le buzz sur Youtube. Quatre points de vue s’offrent nous afin tour-à-tour de nous plonger dans le drame familial, la romance, la tragédie et la comédie lourdingue. Très concrètement, on n’est vraiment pas loin de Twister en ce qui concerne le ton du film, entre drame et humour.

Deux têtes d’affiches viennent se greffer au casting de Black Storm à commencer par le trop-rare Richard Armitage (Thorin dans les Hobbit) qui joue un directeur adjoint d’un lycée et père de famille strict ainsi que Sarah Wayne Callies que les amateurs des séries Prison Break et The Walking Dead reconnaîtront allègrement. Strict minimum au niveau des performances tant elles s’avèrent lisses et sans personnalité. Il faut dire qu’un scénario aussi vide et caricatural ne plaide pas en leur faveur. Par moment, le film s’égare dans quelques réflexions de comptoirs sur l’écologie, le devoir de l’homme de protéger sa planète, la solidarité et les générations futures. C’en est tellement naïf que ça en devient touchant.

Black Storm est donc le film catastrophe impressionnant et décérébré qu’on attendait. Une expérience qui ne peut que se faire au cinéma pour profiter pleinement des sensations proposées. Si le scénario est d’un vide abyssal, Black Storm a néanmoins le mérite de proposer des effets-spéciaux dantesques et il faut reconnaître que l’on aura dû attendre longtemps avant de se voir proposer une réactualisation de Twister aussi efficace. On n’a qu’à dire que ce Black Storm sera le plaisir coupable de ce mois d’août. Et c’est déjà bien suffisant (et très bien payé).

Synopsis: En une journée, la petite ville de Silverton est dévastée par une multitude de tornades sans précédent. Les habitants sont désormais à la merci de ces cyclones ravageurs et meurtriers, alors même que les météorologues annoncent que le pire est à venir… Tandis que la plupart des gens cherchent un abri, d’autres se risquent à se rapprocher de l’œil du cyclone pour tenter d’immortaliser en photos cet événement exceptionnel.

Fiche Technique: Black Storm

Titre originale: Into the Storm
U.S.A
Réalisation: Steven Quale
Scénario: John Swetnam
Interprétation : Richard Armitage (Gary), Sarah Wayne Callies (Allison), Matt Walsh (Pete), Max Deacon (Donnie), Nathan Kress (Trey), Alycia Debnam Carey (Kaitlyn), Arlen Escarpeta (Daryl)
Genre: Catastrophe
Durée: 1h29
Image: Brian Pearson
Décor: David Sandefur, Brana Rosenfeld
Costume: Kimberly Adams-Galligan
Montage: Eric A. Sears
Musique: Brian Tyler
Producteur: Todd Garner, John Swetnam, Richard Brener, Walter Hamada, Dave Neustadter, Jeremy Stein, Bruce Berman, Sean Robins
Production: Broken Road Productions, New Line Cinema, Village Roadshow Pictures
Distributeur: Warner Bros France
Festival: Prix du Meilleur Montage Son au Golden Trailer Awards 2014

Auteur de la critique : Kévin List

Critique du film Young Ones de Jake Paltrow

Synopsis : Dans un futur proche et violent, l’eau est devenue rare. Elle suscite la convoitise. Dans ce contexte hostile, Ernest Holm vit avec ses enfants Jerome et Mary. Si son fils est admiratif de lui, sa relation avec sa fille, Mary, est beaucoup plus conflictuelle. Ernest tente tant bien que mal de protéger sa ferme et sa famille des bandits. Il espère par ailleurs que ses terres seront à nouveau fertiles. De son côté, Flem Lever fréquente Mary en secret et veut à tout prix récupérer les terres d’Ernest.

L’eau, aussi rare, qu’un scénario

L’eau se fait rare, elle est convoitée, comme les terres fertiles, en attendant le retour des pluies. Ernest Holm (Michael Shannon) est propriétaire d’une des rares terres encore fertiles, il les protège, avec l’aide de son fils Jerome (Kodi Smith-McPhee). Sa fille, Mary (Elle Fanning) est en conflit avec lui, tout en étant amoureuse de Flem Lever (Nicholas Hoult), qui convoite celle-ci et ses terres. Un conflit s’engage entre Ernest Holm et Flem Lever, pour prendre le contrôle de l’eau.

Une tendance se dessine de plus en plus dans le cinéma hollywoodien, l’absence d’un scénario. Certes, c’est une production internationale, loin des majors US, mais elle reste entre les mains d’un réalisateur américain, doué à la caméra mais pas dans l’écriture. Une double casquette, que l’on retrouve de plus en plus dans les autres productions (comme James Gunn pour Les Gardiens de la galaxie).

A partir de là, comment rendre le film intéressant et captivant ? Pas évident et cela va le pénaliser du début à la fin. La trame est classique : la fille aime le mauvais garçon, le père ne veut pas de cette relation, un conflit naît entre eux, qui va au-delà de cette liaison, jusqu’au drame. Le scénario décousu, finit par devenir assommant. Le film en pâtit et devient de moins en moins passionnant. L’histoire étant finalement banale, malgré un contexte différent.

Le film se découpe en trois chapitres : Ernest Holm, Flem Lever et Jerome. On a trois points de vue différents, mais uniquement masculins, la femme étant reléguée à un rôle de potiche. Un choix intéressant dans son découpage, mais gênant en mettant de côté Elle Fanning, qui n’apporte absolument rien, tout comme sa mère Aimee Mullins. En se focalisant sur son trio masculin, Jake Paltrow décide de faire un film d’hommes. Mais même là, il n’y arrive pas. Tout comme dans le rapport père/fils, malgré un début prometteur, il se perd rapidement dans des facilités, qui laisse perplexe.

Le casting reste son point fort, avec l’affrontement Nicholas Hoult/Kodi Smith-McPhee. On attendait Michael Shannon, mais les deux jeunes prennent le dessus sur ce dernier. Certes, Michael Shannon reste un bon acteur, mais se contente de faire le minimum ; sa folie semble disparue, à ce rythme-là, il risque de devenir un acteur quelconque en cédant aux stéréotypes d’Hollywood, en affinant son physique, rendant son jeu transparent.

La révélation Kodi Smith-McPhee offre un peu de fraîcheur dans ce film qui en manque cruellement, au sens propre, comme au figuré. Ce n’est pas un débutant, il était déjà émouvant dans The Road (2009) et on peut actuellement aussi le voir dans La planète des singes : l’affrontement. Il semble un peu simplet au début, avant de faire preuve de maturité, par la force des événements. Nicholas Hoult surprend avec un rôle plus adulte, bien loin des grosses productions, dans lesquels il se complaît, en traînant sa tête de jeune premier. Il étend son registre et vole la vedette à Michael Shannon, ce qui n’est pas une mince affaire. Le robot a son importance. Il est la cause du conflit et il sera encore au milieu de ceux qui vont s’ensuivre. Il est aussi, le seul élément futuriste du film, celui qui donne son côté science-fiction.

Une version plus soft que The Rover, autre film d’anticipation dans un monde désertique et violent. Un cinéma pessimiste, qui est le reflet d’un monde en crise, au futur incertain. Intéressant dans sa démarche, décevant dans la forme et le fond.

Fiche technique – Young Ones

2014 – Royaume-Uni, Afrique du Sud et Irlande
Réalisation : Jake Paltrow
Scénario : Jack Paltrow
Distribution : Nicholas Hoult, Kodi Smith-McPhee, Michael Shannon, Elle Fanning, Aimee Mullins, Christy Pankhurst, Alex McGregor, Robert Hobbs, David Butler, Andy McPhee
Direction artistique : Sharon Lomofsky
Décors : Emilia Roux
Costumes : Diana Cillers
Montage : Matt Mayer
Musique : Nathan Johnson
Photographie : Giles Nuttgens
Son : Julian Slater
Production : Michael Auret et Tristan Lynch
Sociétés de production : Quickfire Films, Spier Films et Subotica Entertainment
Sociétés de distribution : Potemkine Films, Screen Media Films et Signature Entertainment
Genre : Science-fiction
Durée : 90 minutes
Date de sortie française : 13 août 2014

Auteur : Laurent Wu

Nos étoiles contraires : « Okay, Okay » ou la magie de l’instant

Il ne faut pas être effrayé par le synopsis. L’amour et le cancer frappant simultanément une jeunesse pleine d’espoir, n’est certes pas une thématique aisée à aborder. Mais Nos étoiles contraires de Josh Boone [i], est une œuvre gracieuse et poétique, un hymne à l’amour et à la vie, une ode à la ténacité de l’espoir, avec une touche d’humour parfaitement dosée. C’est le genre de film qui travaille l’esprit durablement. Une histoire universelle faite pour les amoureux du 7ème art, qui appréhendent avant tout le cinéma comme pure émotion.

Fidèlement adapté de la célèbre nouvelle éponyme de John Greene (The Fault in Our Stars, 2012), et réunissant à nouveau les deux talentueux scénaristes de (500) Days of Summer (2009) et The Spectacular Now (2013), Scott Neustadter et Michael H. Weber, Nos étoiles contraires est indéniablement une belle réussite. Josh Boone parvient ici parfaitement à s’affranchir des codes de la comédie romantique hollywoodienne classique, afin de donner à voir le vrai, de saisir la magie de l’instant. Nous croisons ces deux adolescents qui s’entraident et évoluent ensemble, malgré l’absurde de la maladie, et c’est bien plus romantique que des promesses universitaires d’amour éternel au soleil couchant !

Le réalisateur aborde cette merveilleuse romance, sans misérabilisme, sans mièvrerie, mais avec un profond réalisme, et une subtilité, une pudeur, dignes des plus grands. Les personnages ne sont jamais complètement des héros stoïques ou tragiques. Josh Boone met d’abord en lumière, leur profonde humanité : leurs espoirs, leurs craintes, leurs humiliations, leur colère, la façon dont ils vont apprendre à vivre tout en sachant qu’ils vont mourir. C’est ainsi que Nos étoiles contraires trouve le ton juste.

Bien évidemment, la grande force du film réside dans la complicité d’un duo d’acteurs exceptionnels. Ansel Elgort, au visage angélique, campe un Augustus idéal et charismatique, à la fois sensible, taquin et attentionné, la sorte d’ado qui met une cigarette entre ses lèvres mais jamais ne l’allume, une métaphore gestuelle pour indiquer qu’il crache dans les yeux de la mort. C’est assurément un acteur à suivre, une étoile montante. Son alchimie à l’écran avec Shailene Woodley est évidente (ils sont déjà frère et sœur dans l’aventure dystopienne Divergente ; cette dernière s’est également distinguée dans The Spectacular Now et The Descendants). Shailene campe une Hazel épatante, une jeune femme d’abord solitaire, fragile et résignée, qui va peu à peu céder et se laisser emporter par la douceur irrésistible de cette romance. Elle a bien fait de se battre pour décrocher le rôle [ii]; il pourrait lancer véritablement sa carrière. Les personnages secondaires délivrent eux aussi une interprétation authentique : Nat Wolff (Isaac) est une pièce maîtresse de la distribution, et révèle à de nombreux moments un talent irrésistiblement comique et salvateur, afin de dédramatiser l’ensemble. Laura Dern (Mrs Lancaster), est une mère touchante et déchirante, au visage transfiguré à l’écran. Enfin, Willem Dafoe est parfait dans le rôle de l’écrivain reclus, détestable et alcoolique, Peter Van Houten.

Nos étoiles contraires est la grande surprise du box-office américain et a su toucher l’Amérique. Car c’est une histoire universelle, une magnifique histoire d’amour et d’amitié, au climat émotionnel intense à chaque instant, ponctuée par quelques chansons pop rock bien senties. Cet univers à la fois réaliste et onirique, aux splendides moments de vie comme des temps suspendus, aux nombreux flashbacks, aux sms flottants sur l’écran, aux œufs vengeurs s’écrasant sur les façades, révèle la pureté et le réalisme d’une romance prodigieuse, d’une Love Story moderne et sublimée, qui procurera assurément au spectateur un rire mêlé de larmes, un instant d’émerveillement.

Synopsis : Hazel Grace et Gus sont deux adolescents hors-normes, partageant un humour ravageur, le mépris des conventions et un amour qui les entraîne dans un voyage inoubliable, littéraire et initiatique, à Amsterdam. Leur relation est elle-même miraculeuse, étant donné qu’ils se sont rencontrés lors d’un groupe de soutien pour les malades du cancer.

Fiche technique – Nos étoiles contraires

Titre original : The Fault in our Stars
Réalisation : Josh Boone
Scénario : Scott Neustadter et Michael H. Weber d’après le roman Nos étoiles contraires de John Green
Interprétation : Shailene Woodley, Ansel Elgort, Nat Wolff, Willem Dafoe, Laura Dern…
Direction artistique : Gregory A. Weimerskirch
Décors : Merissa Lombardo
Costumes : Diane Collins
Photographie : Ben Richardson
Montage : Robb Sullivan
Musique : Katrina Schiller
Production : Wyck Godfrey et Marty Bowen
Société(s) de production : Temple Hill Entertainment
Société(s) de distribution : Fox 2000 Pictures
Budget : 12 millions de dollars
Pays d’origine : États-Unis
Format : Couleurs – 35 mm – 2.35:1 – Son Dolby numérique
Genre : Romance Drame
Durée : 2h05
Dates de sortie : France : 20 août 2014

Le Policier de Nadav Lapid  : Un cri d’alerte salvateur contre l’intégrisme archaïque

Synopsis : Yaron se trouve au cœur d’un groupe de policiers d’élite, appartenant à une unité anti-terroriste israélienne. Ses compagnons et lui sont l’arme pointée par l’État sur ses adversaires, «l’ennemi arabe». Yaron adore l’unité, la camaraderie masculine, son corps musclé, sa beauté. Sa femme est sur le point d’accoucher ; il pourrait devenir père d’un moment à l’autre. Sa rencontre avec un groupe peu commun, violent, radical, le confrontera à la guerre des classes israélienne et à celle qu’il livre à l’intérieur de lui-même. 

Nadav Lapid, nouveau venu dans le jeune cinéma israélien, lance un cri d’alerte salvateur et salutaire. Il dénonce un pays sclérosé et archaïque qui s’est trop longtemps conforté dans son rôle réconfortant de sauveur de la Nation juive. Cette obsession, fédérant dirigeants politiques et tenants d’un judaïsme rigoriste, est volontairement exacerbée au profit d’une cohésion nationale. Il est ainsi plus facile de trouver un ou des ennemis communs pour étouffer une réalité sociale beaucoup plus complexe. Ainsi, la question palestinienne n’est jamais réellement évoquée explicitement, mais tout de même bien présente. Cette thématique est dépeinte assez subtilement, afin de pointer du doigt l’irresponsabilité d’un gouvernement trop à son affaire. Par ce biais là, ce dernier peut évacuer son incompétence et sa corruption.

L’histoire de ce soldat de l’armée de Tsahal est très significative de ce point de vue. Ces corps massifs et virils expriment leurs amitiés brutalement. Toute cette puissance qui s’en dégage est une parfaite métaphore du corporatisme de cet Israël protecteur, arrogant et suffisant. La première partie décrit une société installée dans un conformisme trop rassurant, que rien ne semble écorner. Pas même le cas de conscience de ces hommes suspectés d’actes de tortures lors d’une opération commando en terre Arabe. Ils s’en déchargeront facilement et rapidement en rejetant la faute sur leur pauvre camarade en fin de vie. C’est un premier avertissement, signe que ce pays qui se veut juste envers ses compatriotes, n’est pas assez consciencieux. La mort rode, annonciatrice d’une certaine culpabilité.

Le basculement est définitivement acté lorsque apparaît à l’écran cette nouvelle jeunesse réclamant dignité et justice. Elle, qui ne se reconnait pas dans cette judaïté traditionaliste, se radicalise à force de désespérance sociale. La lutte des classes, qui fait écho aux révoltes de plus en plus courantes en Terre Sainte, est le résultat de l’exaspération de la classe moyenne, mais est occultée au profit des nouveaux riches ayant la mainmise sur l’État. S’ensuit un patriotisme sincère mais dangereux car de conception diamétralement opposée dans les deux camps.

Cette radicalisation ne sert l’intérêt de personne, tel semble être le message de Nadav Lapid. Elle ne fera que renforcer et attiser la déliquescence morale d’un peuple fatigué de devoir lutter sur tous les fronts. Un point de vue très intéressant, tant dans la forme que dans le fond. La première heure met en place de façon précise et cohérente les enjeux essentiels de cette charge courageuse. La suite est un peu moins travaillée, d’où une impression de didactisme trop appuyé. Mais ce procédé sert de point d’appui nécessaire pour une meilleure compréhension d’ensemble. Cela s’avère donc moins démonstratif que de prime abord.

Il est judicieux de constater qu’une nouvelle génération de cinéastes osent aborder des sujets pour le moins délicats, et ainsi questionner de front le devoir de mémoire et sa remise en cause. Vivement conseillé à tous ceux qui se passionnent pour les sujets d’ordre philosophiques, politiques et moraux, ô combien d’actualité !

Fiche technique – Le Policier

Titre Original : Ha-shoter
Réalisation : Nadav Lapid
Scénario : Nadav Lapid
Producteur : Itai Tamir
Avec Ben Adam, Michael Aloni, Meital Barda…
Montage : Rea Lapid1
Photo : Shai Goldman
Costumes : Amit Berlowitz
Dates de sortie : 28 mars 2012
Durée : 1h47

Auteur de la critique : Le Cinéphile Dijonnais

Prix du scénario au festival de Cannes 2013, A Touch Of Sin est une mise en abîme de la Chine contemporaine, le film nous dévoile un pays gangrené par la corruption et la violence.

Longtemps considéré comme un État du Tiers Monde par les occidentaux en raison de son histoire (le communisme comme doctrine politique dans un monde capitaliste) et de son régime dictatorial, la Chine a depuis une vingtaine d’années rattrapé puis dépassé ce retard en devenant la première puissance mondiale. Au prix d’un développement effréné exigé par une mondialisation à laquelle le pays n’était pas suffisamment préparé, obligeant un peuple à se soumettre à cette idéologie. C’est ce que Jia Zhang-Ke nous raconte à travers l’histoire de 4 personnages vivant dans 4 régions différentes, représentative de la situation actuelle. La conscience de ces nouveaux indignés est une métaphore du soulèvement et de la révolte qui gronde dans ce pays…

A Touch Of Sin : Une fresque violente et froide d’une Chine laborieuse

Un mineur de fond, las des magouilles financières de ses patrons et surtout de l’humiliation subie au quotidien, se transforme en prédateur. Un jeune père de famille (dont on devine plus ou moins les origines paysannes et le rôle que jouent les rituels traditionnels à travers certaines situations), las de sa condition d’oublié de la croissance économique, décide de s’en prendre aux nouvelles classes aisées voire riches. Une réceptionniste d’un sauna maltraitée par des clients, dessine la condition des femmes de la classe moyenne, où pauvre comme étant soumises au machisme et au patriarcat. Ces femmes n’ont d’autres choix que de s’affirmer dans la vengeance.

Enfin, qu’advient-il de cette jeunesse perdue sans repères dans cette société qui l’oblige à des actes désespérés, où l’amour et la solidarité sont éradiqués, car signes de faiblesse, un pays ou le productivisme forcené est le maître mot?

La mise en scène suit ces personnages au plus près de leurs colères, et évoque avec finesse tout en la dénonçant, l’idéologie Maoïste (allers-retours fréquents dans la première partie du film du mineur avec images presque subliminales de prosternation devant sa statue), où l’individualisation de cette société ne pouvait que s’exacerber à cause de cet esprit de collectivisme. Les paysages montagneux et désertiques, les espaces clos et confinés, la neige qui tombe abondamment avec des tonalités de couleurs froides filant la métaphore d’un pays replié sur lui même de peur de ne pas être prêt à rentrer dans ce monde global.

A Touch of Sin, ce chef d’œuvre annoncé n’en est pourtant pas un. La faute à une certaine complaisance dans la représentation de cette violence qu’on peut assimiler à une apologie de la vengeance. Tout en décrivant cette triste réalité, le cinéaste semble prendre un malin plaisir à voir cette rage exploser dans un déluge de tueries toutes plus sauvages les unes que les autres. Il ne s’embarrasse d’aucune mise à distance et semble approuver celle-ci. Le capitalisme sauvage engendre des monstres qui ne peuvent que compter sur eux mêmes pour se faire justice.

La fin justifie les moyens, d’après lui. Cette justification est assez ambiguë et laisse une impression plutôt mitigée. De même que le traitement de leur cheminement est parfois inégal (l’histoire du père méritait une approche plus longue alors que celle du mineur est un peu trop développée…), ce qui donne quelques longueurs superflues. A voir car cela reste une vision lucide et réaliste d’une Chine qui court à sa perte en sacrifiant l’humanité sur l’autel du capitalisme roi, tout en le déconseillant aux âmes sensibles et à ceux que l’ambivalence de ce discours rendra sceptiques.

Synopsis: Dahai, mineur exaspéré par la corruption des dirigeants de son village, décide de passer à l’action. San’er, un travailleur migrant, découvre les infinies possibilités offertes par son arme à feu. Xiaoyu, hôtesse d’accueil dans un sauna, est poussée à bout par le harcèlement d’un riche client. Xiaohui passe d’un travail à un autre dans des conditions de plus en plus dégradantes. Quatre personnages, quatre provinces, un seul et même reflet de la Chine contemporaine : celui d’une société au développement économique brutal peu à peu gangrenée par la violence. 

Fiche technique : A Touch of Sin

A Touch of Sin (Tian Zhu Ding)
Chine, Japon – 2013
Réalisation: Jia Zhang-Ke
Scénario: Jia Zhang-ke
Interprétation: Wu Jiang (Dahai), Wang Baoqiang (Zhou San), Zhao Tao (Xiao Yu), Luo Lanshan (Xiao Hui)…
Genre: Drame
Durée: 2h10
Image: Yu Likwai
Son: Zhang Yang
Montage: Matthieu Laclau, Lin Xudong
Musique: Lim Giong
Production: Office Kitano, Xstream Pictures
Distributeur: Ad Vitam

Auteur de la critique : Le Cinéphile Dijonnais