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Synopsis : 1967 – 1976. La rencontre de l’un des plus grands couturiers de tous les temps, Yves Saint Laurent, avec une décennie libre. Aucun des deux n’en sortira intact. 

Les fulgurances de Bertrand

La fin d’un monde

Saint Laurent, est le nouveau film de Bertrand Bonello, le cinéaste des lieux clos, retirés du monde (L’Apollonide, souvenirs de la maison close, De la guerre), où l’homme est rompu au seul désir. Le réalisateur distille, depuis plusieurs films, cette impression de liberté que ressentent ses personnages alors qu’ils construisent, sans le savoir vraiment, les prisons dorées dans lesquelles ils vont bientôt étouffer. Le couturier participe à la fin d’un monde, celui de la haute couture comme art à part entière, avec l’introduction du prêt-à-porter dans la mode de luxe. Yves Saint Laurent (YSL), personne réelle, devient à ce titre un personnage Bonnelien, plein d’une pulsion destructrice. C’est ça la force principal de ce biopic anticlassique, avoir fait du Bonello avec un être et des faits réels.

Saint Laurent se démarque ainsi dès les premières minutes, parce qu’on ne voit pas Yves de suite, enfant puis grandissant, il est pris à rebours, le temps n’est jamais chronologique. Il est le premier à apparaître mais de biais, en s’enregistrant sous un faux nom et en parlant de dos, dans une sorte de clair-obscur. La voix, reconnaissable entre mille, se livre à nu, explique l’enfermement psychiatrique. D’autres images viennent ensuite se succéder, mais que l’on ne comprendra que plus tard.  Le film part donc de cet être réel pour devenir esthétique. C’est une œuvre d’art à part entière, que l’on découvre jusque dans l’écran qui se divise en plusieurs images, comme autant de points de vue, à la manière des robes inspirées de Mondrian que dessina Yves Saint Laurent. Pas de classicisme donc ici, mais une vision assez « noire » de Saint Laurent. Cette lecture s’inscrit dans le choix de la période contée ici de sa vie, entre 1967-1976. La décennie est libre, traversée par mai 68, dont Bonello livre sa vision par les archives. Mais cette décennie sera finalement une désillusion : révolution avortée, être déchiré, détruit par la drogue et sa propre mélancolie de lui-même. Le regard de Saint Laurent sur Saint Laurent est très parlant : « J’ai créé un monstre, je dois maintenant vivre avec ». De création, il est d’ailleurs rarement question dans ce film. On ne voit pas le créateur en action, en train d’avoir une idée. L’image est pourtant un des passages obligés du biopic, toujours un peu artificiel. On y échappe ici, car ce sont les paradis qui sont artificiels. Les moments d’extase d’Yves sont toujours suivis d’une catastrophe. D’où cette insistance de Bonello à casser son rythme, on passe de l’euphorie à la réflexion, du bordel au silence. Après une nuit de défonce intense, Yves retrouve Moujik mort au petit matin, sa dépression renaît à ce moment-là. C’est toujours la fin du monde qui guette les personnages, comme l’époque.

Pierre N. VS Gaspard / Pierre B. VS Bonello

Il y a deux bagarres, relatives, à l’origine de ce film. La première est une guerre de ressemblance. La grande question qui a fait couler beaucoup d’encre en début d’année étant : comment Gaspard Ulliel réussira-t-il à faire oublier l’interprétation de Pierre Niney (dans le Yves Saint Laurent, de Jalil Lespert) ? Si l’acteur a avoué que cet autre biopic lui a mis plus de pression pour interpréter Yves Saint Laurent, il était aussi prêt à le jouer (il devait le faire dans un projet avorté de Gus Van Sant). D’ailleurs, la ressemblance physique entre les deux, Yves et Gaspard, a souvent frappé, explique-t-il dans certaines interviews. Mais au-delà de la performance physique, perdre 12 kilos pour avoir son allure « svelte », Ulliel parvient à faire oublier qui il est, à se fondre dans un autre lui-même, tout en créant son Saint Laurent. C’est surement parce que chez Bonello, plus que chez Lespert, le corps est un outil indispensable, il se tord, se contorsionne et se dédouble. C’est alors que le film s’attache à faire durer des scènes de rencontre, comme le magnifique premier regard entre Betty et Yves et plus tard, entre le couturier et son amant Jacques De Bascher. La danse, la mise en scène de soi font partie de ces rencontres languissantes. La posture chez Bonello est une manière de dire l’homme comme la femme, d’en faire des silhouettes. Ainsi, nous ne regardons pas l’histoire d’un homme qui a existé mais Yves Saint Laurent éclaté dans des fulgurances. On peut alors le retrouver seul entouré de ses costumes dans une pièce rouge vive, lisant une lettre d’Andy Warhol. Bonello prend le temps de laisser Saint Laurent se faire écraser par le décor. Il ne le fait jamais vieillir par un stratagème. C’est un autre qui l’endosse alors, Helmut Berger, et on ne cesse, à cet instant, d’osciller, par échos, entre deux âges et deux acteurs.

L’autre combat est celui que Pierre Bergé a livré à Bonello. Il n’a jamais « approuvé » le film, il lui a mis des bâtons dans les roues. Résultat, la frustration de n’avoir pas eu accès aux « vrais lieux », ni aux véritables costumes de Saint Laurent, Bonello l’a tranformée en geste libre, beaucoup moins muséifié que celui de Lespert, très Bergé-centré. Nous avons donc comme deux Pierre Bergé. Ici, il est beaucoup moins question d’amour que dans le Lespert. A part une scène de tendresse, Bergé est plus montré comme un gestionnaire qui subit les colères, gère Saint Laurent, l’inadapté à la vie, et le rassure. D’où l’insistance de Bonello sur une scène de négociation avec traducteur sur le « nom » YSL, ou encore l’histoire chaotique entre Jacques De Bascher (Louis Garrel, convaincant) et Yves. L’amant est malsain, il entraîne Yves dans une forme de déchéance, le mène vers les ombres de l’amour à la sauvette alors que Bergé l’enferme, le ramène face à ce qu’il ait et hait : en voulant créer son propre nom, il s’est enfermé dans une création cyclique qui l’épuise et le détruit. Le geste est contraint par les saisons, les commandes. Pourtant, avec Bergé, Saint Laurent a sû renaître de ses cendres, même quand beaucoup voulaient déjà écrire sa nécrologie. A la fin du film de Bonello, on le quitte aussi mort que vivant. Tout va continuer même si l’on sait déjà ce qui l’attend au bout : la solitude. L’image est saisissante : Lespert croquait la fin de vie d’YSL auprès de Bergé, Bonello les rapproche au téléphone, laissant, une fois la conversation non physique terminée, Saint Laurent seul avec ses démons.

« Yves Saint Laurent, je devais l’aimer sans espoir », Bertrand Bonello

Rien ne commence vraiment mais tout se termine avec Bonello («Je suis tellement fatiguée, je pourrais dormir mille ans», disait Céline Sallette dans la toute première scène de l’Apollonide / « Vous être à Paris pour affaire ? – Non pour dormir », répond Gaspard Ulliel au tout début de Saint Laurent). Son regard sur les êtres est sans espoir, il en fait des œuvres d’art qui, à l’image des femmes que Saint Laurent habillait, peuvent se mouvoir librement dans des costumes amples, mais qui ne parviennent pourtant pas à atteindre la légèreté nécessaire. La femme libérée par le corps, n’en n’est pas moins une femme, et le créateur libéré par le défilé ovationné, n’en est pas moins un homme que seul le travail récompense tout en le vidant de ses forces. La vie paraît alors irréelle, tout n’est que fête, débauche la nuit et tristesse, mélancolie le jour. Pour ne pas apprendre à changer une ampoule, Saint Laurent est prêt à attendre dans le noir que Pierre revienne. Il a besoin d’obscurité pour réfléchir. Le noir, Bonello le décline, jusque dans sa mise en scène. Les couleurs sont éclatantes dans les décors (le rouge de l’appartement), ou lors des défilés (surtout celui d’inspiration orientale, de 1976) mais YSL est vêtu de noir. Le contraste est puissant. De ce noir, il faudra d’ailleurs trouver la tonalité parfaite, à la toute fin. Et finalement, comme au début, le titre apparaît sur un tissu parfait, profondément noir.

Bonello ne raconte pas la vie d’Yves Saint-Laurent, il le met en scène, par le corps, dans des espaces sans issue, où quelques rencontres, souvent tentaculaires, le font parfois renaître. Jamais il ne se promène librement dans la rue, en plein jour. Il reste, il demeure en deçà comme au-delà du monde, et se déconstruit. C’est un nerveux, de ces êtres qui subliment le monde tout en ne pouvant y vivre. Bonello et Saint Laurent se fondent alors comme dans une seule et même personne : des embaumeurs de réel qui connaissent la vie, les êtres et les aiment comme ils les détruisent, sans espoir.

Pour prolonger le plaisir : Bertrand Bonello, Résonances, au Centre Pompidou jusqu’au 26 octobre 2014

Fiche Technique : Saint Laurent 

France – 2014
Réalisation: Bertrand Bonello
Scénario: Thomas Bidegain, Bertrand Bonello
Interprétation: Gaspard Ulliel (Yves Saint Laurent), Jérémie Renier (Pierre Bergé), Léa Seydoux (Loulou de la Falaise), Louis Garrel (Jacques de Bascher), Amira Casar (Anne-Marie Munoz), Aymeline Valade (Betty Catroux), Helmut Berger (Yves Saint Laurent en 1989), Jasmine Trinca (Talitah Getty), Valeria Bruni Tedeschi (Mme Duzer), Valérie Donzelli (Renée).
Date de sortie: 24 septembre 2014
Durée: 2h30
Genre: Biopic
Image: Josée Deshaies
Costume: Karine Charpentier, Anaïs Romand
Montage: Fabrice Rouaud
Musique: Bertrand Bonello
Producteur: Eric Altmayer, Nicolas Altmayer
Distributeur: EuropaCorp Distribution

Sin City : J’ai Tué pour Elle : Un exercice de style visuel bluffant assorti d’un scénario relativement bancal…

Sin City : J’ai Tué pour Elle, n’a jamais constitué qu’un hommage. L’hommage d’un homme de cinéma à une bande dessinée, toute droit sortie d’un auteur cynique, désabusé et esquissant dans ses traits de crayons l’inquiétude et la peur de ce monde nouveau, un monde dangereux, pressé, ayant perdu sa morale au détriment de pouvoir ou d’argent. Une BD ou comic constituant à elle seulE un hommage à tout un pan de la culture cinématographique US : le film noir. Un genre aujourd’hui défendu par Martin Scorsese, les frère Coen ou encore Brian de Palma, préférant tisser un tableau austère, lugubre, froid, suspicieux, plutôt qu’une myriade de personnages sans profondeurs et sans charismes.

Et dans ce sens, voir Robert Rodriguez à la barre de ce projet avait constitué dès le départ une surprise. Lui un énergumène dopé aux VHS et slashers des 70’s, bon qu’à filmer de minables séries B ou Z et à voguer dangereusement vers les cimes du moviemaking mercantiliste outrancier. Un choix improbable, voire voué à l’échec, mais qui se révèle après étude, parfaitement cohérent. Car cet énergumène, grand pote de Quentin Tarantino partage avec ce dernier, l’amour du cadre, préférant ainsi dépeindre d’abord l’univers dans lequel évolueront les personnages que les personnages eux-mêmes.

Une toile de fond, un univers capital que cette ville du péché. Cette Babylone d’où émane le vice, la violence et le stupre, est le lieu de pérégrinations de flics, qu’ils soient ripoux ou intègres, tueurs, hommes d’églises, sénateurs, strip-teaseuses et pédophiles. Une brochette de personnages tarés, évoluant dans une ville aux airs de prisons mentale et sociale, qui tel un aimant, attire tous les pourris.

Polar urbain stylisé et violent, Sin City avait ébranlé la planète ciné pour avoir été le premier film entièrement tourné sur fond vert et qui malgré un casting dithyrambique (Bruce Willis, Mickey Rourke, Rutger Hauer, Elijah Wood, Josh Hartnett, Clive Owen ou encore Benicio Del Toro) avait su capter l’attention par une de ses spécificités attirant bien malgré elle le regard : son ton monochrome.

Forme picturale reléguée à symboliser le virage entrepris par le cinéma lorsqu’il est passé à la couleur, le style monochrome utilisé ici, en plus d’épouser la prose des comics d’origine de Frank Miller, parvient tout simplement à conférer au film un parfum rétro-futuriste impressionnant, évoluant constamment dans un cadre contemporain ou se reflètent les maux du monde moderne entre violence urbaine, corruption endémique et mégapoles tentaculaires, tout en revendiquant une partie de son univers aux 50’s avec cigarette, alcool à outrance et ton très sombre.

Une réussite formelle indéniable toutefois entachée par des soucis de narrations récurrents, donnant au film un rythme clairement distordu, conséquence de la difficile transcription de la case de BD à la pellicule monochrome.

Fort d’un succès loin d’être immérité et une publicité cannoise inespérée (le film fut en effet au sein de la Compétition du Festival de Cannes 2005), Sin City avait généré bien malgré lui une horde de fans irréductibles, prêts à tout pour voir la suite des aventures de Marv, du sénateur Roarke ou de Dwight McCarthy.

A force de cris de désespoir d’une communauté de fans se sentant oubliés et ressemblant années après années à d’intenses sollicitudes véhémentes, Sin City J’ai Tué Pour Elle est finalement arrivé finalement sur la planète ciné et ce, quelques neuf ans après la sortie du premier. Neuf années d’attentes lancinantes, de doutes, de questionnements harassants et de frayeur, attestant du chemin de croix quasi matriciel auquel a dû se plier Robert Rodriguez pour sortir la suite tant attendue de son chef d’œuvre.

BACK IN BLACK

Après être retombé dans les travers de son cinéma popcorn ultra référencé, à la fois empli de niaiserie et de jouissance, fait d’invasion de zombies (Planète Terreur) et de survival dopé au tacos et aux tapins (Machete) tout en opérant une renaissance à la nouvelle mascotte Old El Paso, Robert Rodriguez accompagné de Danny Trejo a  finalement repris le chemin des studios pour s’attaquer à l’arlésienne de sa filmographie.

L’objectif officieux : combler les attentes des fans profondément étiolées face à l’émergence massive de productions 3D pétaradantes (Gravity, L’Odyssée de Pi, Avatar) tout en évitant l’erreur de parcours, représentée par le banal film de commande sensé rehausser le parcours de son auteur.

Four monumental aux States, avec seulement 6,5 millions de dollars récoltées pour son premier week-end d’exploitation (à titre d’exemple Les Gardiens de la Galaxie en ont fait 94), Sin City : J’ai Tué pour Elle arrive affublé d’un nombre conséquent de casseroles, si ce n’est d’exécutions critiques US en bonne et due forme, dont la quasi-unanimité ne pouvait qu’accroitre la curiosité apportée sur cette œuvre étrange.

Les fans auraient-ils trop attendus ? Signe avant-coureur de la piètre qualité du film ? Ou simplement banalisation de ce genre de produits hyper-stylisés dépeignant un univers magnifique pour cacher un scénario la plupart du temps assez pauvre ? Difficile à dire….

VOL AU DESSUS D’UN NID DE COUCOUS

Nous revoilà donc, à Sin City, John Hartigan s’est sacrifié pour protéger la seule femme n’ayant jamais compté dans sa vie, la strip-teaseuse Nancy Callahan. Dwight McCarthy, revient à Sin City récupérer son amour perdu, symbolisée par l’envoûtante et sensuelle Ava Lord, tandis que Johnny, fils illégitime du sénateur Roarke, arrive dans la ville du péché pour régler ses comptes avec son paternel.

En somme, une pluralité d’histoires empruntant autant au préquel qu’au séquel, et provoquant dans le cerveau de son spectateur une surprise assez forte, tant voir un tel contenu assimilable à un numéro de funambule sans filet de sécurité, ne mérite tout simplement pas neuf ans d’attente.

Car encore une fois, Rodriguez se joue de son spectateur en promettant monts et merveille, alors qu’à l’écran le résultat est pauvre. Ne pouvant plus compter sur l’effet de surprise généré par le teint monochrome du premier opus, ce deuxième film dévoile au grand jour tous les défauts du premier qui malheureusement étaient déjà conséquents : des histoires à la durée inversement proportionnelles à leur importance, une galerie de personnages la plupart du temps peu exploités, si ce n’est inutiles (pourquoi sortir Doc Brown de sa retraite ?), un rythme distordu voire long, une nouvelle fois un univers stylisé impressionnant.

Presque seul mérite du film, l’univers Noir et Blanc stylisé ne vaut que pour son ajout de la 3D qui confère à Sin City : j’ai tué pour elle, une profondeur permettant de rapprocher l’image à une case de BD telle qu’imaginée par Frank Miller. Couplé à un jeu d’acteur inégal (Eva Green en femme fatale dénudée est le seul personnage valant la peine) et des musiques omniprésentes quasi dérangeantes, ce Sin City charmera sans doute les spectateurs peu regardants mais ne satisfera pas la horde de fan de Miller qui se sentiront esseulés.

Synopsis: Marv se demande comment il a fait pour échouer au milieu d’un tas de cadavres. Johnny, jeune joueur sûr de lui, débarque à Sin City et ose affronter la plus redoutable crapule de la ville, le sénateur Roark. Dwight McCarthy vit son ultime face-à-face avec Ava Lord, la femme de ses rêves, mais aussi de ses cauchemars. De son côté, Nancy Callahan est dévastée par le suicide de John Hartigan qui, par son geste, a cherché à la protéger. Enragée et brisée par le chagrin, elle n’aspire plus qu’à assouvir sa soif de vengeance. Elle pourra compter sur Marv… Tous vont se retrouver à Sin City…

Fiche Technique: Sin City : J’ai Tué pour Elle (Sin City : A Dame to Kill for)

Américain – 2014
Réalisation: Robert Rodriguez, Frank Miller
Scénario: Frank Miller d’après: la série de bandes dessinées Sin City de: Frank Miller
Image: Robert Rodriguez
Interprétation: Eva Green (Ava Lord), Josh Brolin (Dwight McCarthy), Jessica Alba (Nancy Callahan), Bruce Willis (John Hartigan), Mickey Rourke (Marv), Joseph Gordon-Levitt (Johnny), Rosario Dawson (Gail)…
Genre: Action, Thriller, Drame
Son: Angelo Palazzo, Clark Crawford, Tim Rakoczy
Montage: Robert Rodriguez
Musique: Robert Rodriguez, Carl Thiel
Producteur: Robert Rodriguez, Aaron Kaufman, Stephen L’Heureux, Sergei Bespalov, Alexander Rodnyansky, Mark Manuel
Production: Troublemaker Studios, Miramax Films, Aldamisa Entertainment
Distributeur: Metropolitan FilmExport
Date de sortie: 17 septembre 2014
Durée: 1h42

Synopsis: Dans une banlieue de Londres en 2012, le quotidien d’une faune de voyous, dealers, proxénètes, prostituées et marginaux, dont les destins vont se croiser, à l’approche des jeux olympiques d’été.

La rue et ses vices

Aaron (Riz Ahmed) et Ed (Ed Skrein) ont grandi ensemble dans un orphelinat. Le premier est un poids plume avec une sensibilité qui détonne dans cet univers machiste et violent. le second représente bien ce monde, il n’a aucune empathie et abuse de son physique de boxeur. Ils vivent de la drogue et d’arnaques. Kirby (Keef Coggins) est un ex-dealer sortant de prison. Il tente de reprendre le contrôle de la rue, mais se retrouve sous le joug de son beau-fils Chris (Lee Allen), qui n’a pas oublié les sévices physiques infligés par celui-ci. Michelle (Anouska Mond) est une prostituée, tentant de survivre, tout en aidant Katya (Natalie Press), une sans-papiers qui a abandonné son bébé et qui fuit ses proxénètes. Jack (Ryan De La Cruz) est un adolescent intégrant un gang violent dirigé par Marcel (Nick Sagar). Tout ses personnages vont se croiser et influencer le destin de chacun, pour le pire et un peu le meilleur.

Ill Manors est le premier film de Ben Drew, un jeune réalisateur de 29 ans. Mais il a déjà une riche carrière en tant que rappeur au sein de son groupe, Plan B. Son film est une sorte de long clip, ou il aborde les thèmes qu’il connait bien : la rue, la violence, la prostitution et tout les drames qui s’y jouent quotidiennement. Il illustre certains moments de l’histoire par ses morceaux, dont il signe la BO. C’est un drame musical, sombre et froid.

Le procédé est plaisant, mais un peu déstabilisant, cassant un peu le rythme du film, mais la force des paroles, accentue la noirceur du récit. Si la forme est originale, le fond l’est beaucoup moins. Un énième film sur la banlieue et ses travers. Le genre a ses codes et il est difficile de les contourner. Souvent, ce sont les personnages qui font la différence. Mais ils manquent de psychologie et parfois de charisme.

Le côté choral du film, Ill Manors est intéressant, le récit est fluide. Ben Drew fait preuve de maîtrise, il sait ou il va et ne nous perd pas en route. Cela rend encore plus dommage, l’absence de profondeur.

Le « héros » Riz Ahmed est le reflet de cette absence. Il est transparent et sans sa casquette qui le caractérise, il passerait inaperçu. Ed Skrein est impressionnant de par son physique et la violence qui s’échappe de chacun de ses mots et gestes. Les extrêmes s’attirent et se complètent. C’est le cas avec ces deux-là, le cerveau associé aux muscles. Ils sont le fil rouge de l’histoire. Ils ne sont ni bons, ni mauvais. Ils s’adaptent à la rue, selon leurs degrés de sensibilité et agissent en conséquence. Agir ou subir, il n’y a pas d’autres échappatoires. Sauf par la drogue, Anouska Mond va prendre ce chemin. Un moyen d’échapper à sa condition de femme prostituée et sans domicile fixe.

A travers ses portraits et ses destins, Ben Drew dresse un constat effrayant de la jeunesse anglaise, des rapports hommes/femmes et de la société en générale, régit par l’argent et la violence, ou l’être humain est considéré comme une marchandise. Le constat est pessimiste, l’amitié n’existe pas et les rêves se transforment vite en cauchemars. C’est un film sans concessions, qui aurait mérité un scénario plus développé pour emporter l’adhésion. Un long clip, sans les effets faciles mais avec l’absence de puissance dramatique, malgré la violence des vies qui y sont dépeintes.
Un premier film qui annonce des œuvres plus abouties, Ben Drew est un cinéaste en devenir. Il s’épanouit dans tout les genres, un artiste à suivre.

Ill Manors – Bande Annonce

Fiche technique : Ill Manors

Royaume-Uni – 2012
Réalisation : Ben Drew
Scénario : Ben Drew
Distribution : Riz Ahmed, Ed Skrein, Nathalie Press, Anouska Mond, Mem Ferda, Lee Allen, Dannielle Brent, Martin Serene, Jo Hartley, Éloïse Smyth et Nick Sagar
Photographie : Gary Shaw
Montage : Farrah Drabu, David Freeman, Sotira Kyriacou et Hugh Williams
Musique : Ben Drew et Al Shux
Production : Atif Ghani
Sociétés de production : Aimimage Productions, BBC Films, Film London, Gunslinger, Ill Manors et Microwave
Société de distribution : Revolver Entertainment
Genre : drame
Durée : 102 minutes

Auteur : Laurent Wu

Michel Houellebecq, hasard ou non du calendrier, est presque simultanément à l’affiche de deux films centrés sur lui : le film de Guillaume Nicloux non encore sorti en salle, mais diffusé sur Arte fin Août, L’enlèvement de Michel Houellebecq, et maintenant ce Near Death Experience, qui comme son nom l’indique, est un film quasi-expérimental du duo Delépine/Kervern.

Synopsis: Paul, un employé sur une plateforme téléphonique, est en plein burn-out. Un vendredi 13, la chronique du journal télévisé sur ce jour particulier lui apparaît comme un signal pour passer à l’acte.Décidé à concrétiser son geste, Il s’enfuit dans la montagne où il va vivre une expérience unique….

Pour le succulent Enlèvement de Michel Houellebecq, et suite à des rumeurs d’enlèvement dans la vie réelle, Nicloux a écrit un scénario qui met en scène cet épisode, l’enlèvement mystérieux de Michel Houellebecq joué par lui-même. Le réalisateur a laissé une part belle à l’improvisation dans les dialogues, notamment en ce qui concerne son personnage principal. De fait, Houellebecq décale complètement  le film, en apportant son phrasé si particulier, et ses aphorismes très pince-sans-rire (sur Le Corbusier, sur les meubles scandinaves, etc.) dans un film qui prend du coup toutes les tonalités d’une belle comédie très réussie. A la fin du film, on lui  offre  une magnifique Bentley en « compensation » du mystérieux enlèvement, au bord de laquelle il s’empresse de rouler à 300 Km/h sur l’autoroute – il a semé la terreur auprès du cadreur, ayant souhaité rédiger son testament avant de prendre le volant ! -. « Je crois plus trop à la vie » dit-il en guise de conclusion.

« Je crois plus trop à la vie ». Tel pourrait être le départ de Near Death Experience. Cette fois-ci, Michel Houellebecq est Paul, le chef d’une famille anonyme (on la voit très peu et très partiellement dans le film), un employé d’une Plateforme ( !!) téléphonique de France Telecom Assistance, lui qui a besoin d’être assisté,  mal dans sa peau, mal dans sa vie, et qui un Vendredi, un Vendredi 13 comme le souligne un Pernaut futile et fidèle à lui-même sur son écran de télévision,  décrète que trop c’est trop, et part avec son vélo et son maillot Bic rouge vif avec l’intention ferme de se suicider dans la montagne. Comme Paul « parle trop et ne se suicide pas assez », le film raconte ses « aventures » dans la montagne.

Il semblerait que le projet du duo Delépine/Kervern arrive à son cœur, à son noyau. Car si on regarde les trois derniers films Mammouth/Le grand soir / Near Death Experience, le dépouillement est de plus en plus important tant dans le forme que sur le fond. Dans Mammouth, il y a de la tendresse encore, de l’espoir encore ; dans Le grand soir, ils franchissent une étape vers le No future, et dans ce nouveau film, la révolte n’est même plus là, le suicide est l’ultime solution.

Etant seul la majeure partie du film, au milieu d’une nature qu’il découvre finalement peu amène (« Les pierres d’ici sont dures » dit-il), Michel Houellebecq soliloque forcément, dans sa tête ou en dehors de sa tête quand il harangue  sa famille délaissée au village, mise en scène sous la forme de totems en cailloux, des totems au cœur de pierre (« je suis comme un pigeon voyageur qui porte un message que personne n’a réussi à déchiffrer », dit-il encore).

Il est à la fois stupéfiant et compréhensible que ces soliloques ne soient pas de Houellebecq lui-même, mais écrits par les réalisateurs. Stupéfiant, car ça sonne comme du Houellebecq, et avec sa voix fluette plaquée dessus, l’illusion est encore plus grande. Compréhensible, car son univers est si particulier, si cohérent, qu’il est finalement assez facile d’imiter son style  et de faire passer Paul pour Michel. In fine, le fond du discours reste bien celui de Delépine/ Kervern, un discours qui fustige encore et toujours la société moderne laissant peu de places aux individus, et surtout aux individus les plus faibles. A 56 ans, Paul/ Michel est un homme lessivé qui en paraît 20 de plus, et comme il dit, il est « obsolète ». Un discours qui souligne l’écart grandissant entre les exigences de plus en plus fortes de la société envers l’individu, et a contrario une existence de plus en plus éreintante ne permettant pas de rester au sommet, grand écart que certains comme Paul n’arrivent pas à faire.

Le film peut dérouter dans sa forme très indigente. Un flou quasi permanent sur cet homme, si ce n’est sur sa tête édentée, vieille, marquée. Une lumière sans nuance qui écrase les beaux paysages. Des cadrages aléatoires, en somme une non-esthétique qui veut peut-être coller au nihilisme du propos. On notera cependant un magnifique jeu d’ombres sur cet oiseau décharné qu’est devenu Michel Houellebecq.

Near Death Experience est un film émouvant, et désespérément drôle qui révèle un acteur fabuleux dans la personne de Michel Houellebecq, un acteur porté par un don de soi dans un jeu pourtant minimaliste. Le trouble est augmenté par le fait qu’on n’arrive pas à distinguer ce qui est de la part de Paul et de Michel dans cette souffrance, cette défaite face à la vie. Un film qui mérite plus qu’un détour…

Fiche Technique: Near Death Experience

Titre original : –
Réalisateurs : Benoît Delépine & Gustave Kervern
Genre : Drame
Année : 2014
Date de sortie : 10 Septembre 2014
Durée : 87 min.
Casting : Michel Houllebecq (Paul), Marius Bertram (Le vagabond), Manon Chancé (l’automobiliste)
Musique : Guillaume Le Bras
Scénario : Benoît Delépine, Gustave Kervern
Chef Op : Hugues Poulain
Nationalité : France
Producteur : Benoît Delépine, Gustave Kervern
Maisons de production : No Money Productions, Canal+, Ciné+, CNC
Distribution (France) : Ad Vitam Distribution

Sur le plan culturel, la Scandinavie est devenue une vraie terre propice aux thrillers policiers et autres drames familiaux. La faute à ses auteurs du Nord à l’origine de sagas littéraires sombres, glaciales et fascinantes dont les plus fidèles représentants sont Stieg Larsson (Millénium), Camilla Läckberg (La Princesse des Glaces) ou Henning Mankel (Kurt Wallander).

Synopsis: La Norvège, l’hiver. Nils, conducteur de chasse-neige, tout juste gratifié du titre de citoyen de l’année, apprend le décès de son fils par overdose. Réfutant cette version officielle, il se lance à la recherche des meurtriers, et va se forger une réputation de justicier anonyme dans le milieu de la pègre. Si la vengeance est un plat qui se mange froid, la sienne sera glacée !

Très centré autour du polar, les adaptations de ces ouvrages ont définitivement donné à la Scandinavie l’image d’une région européenne avec ses maux, ses failles et les sombres recoins de son Histoire. Mais cette approche mystérieuse et glaciale de la société scandinave n’empêche pas le film de Hans Petter Moland d’être une œuvre bourrée d’humour noir et d’ironie. Un vrai polar second degré qui a été présenté dans de très nombreux festivals dans le monde. Nominé à Berlin, Seattle, Toulouse et présenté à Strasbourg, Refroidis est reparti avec le Prix du Film International au Festival Fantasia de Montréal mais a surtout remporté le Grand Prix du Festival du Film Policier de Beaune. Rien de moins que le must de l’événement polar en France.

Sang-froid scandinave

Refroidis est un film de vengeance à l’ambiance glaciale qui trouve son efficacité dans un subtil dosage d’humour noir et de cynisme. Tout droit venu de Norvège, le nouveau film de Hans Petter Moland aborde le genre « vigilante movie » avec dérision mais sans toutefois oublier de sa vue le caractère déterminé de son personnage. Le septième long métrage de Hans Petter Moland, ce dernier est un réalisateur norvégien confirmé depuis plus de vingt ans, ne trouvant qu’une certaine notoriété avec les films Zero Kelvin (1995) et Un Chic Type (2010), tous deux déjà avec Stellan Skarsgård. Tout l’intérêt de l’intrigue de Refroidis repose dans ce long jeu de massacre sur les terres hivernales d’une Norvège plus blanche que jamais. Le réalisateur apportant un soin tout particulier à l’image pour représenter à l’écran l’entendue des vastes paysages nordiques enneigés. Chaque plan se déroulant dans une ambiance plus que glaciale, où cette couche de blanc risque à tout moment d’être tâchée par la mort d’un personnage.

Le vigilante movie est abordé non sans dérision, par le biais d’un père meurtri par la mort de son fils qui trouve la force de se venger quelques instants avant de lamentablement se suicider dans un morne garage. Moland effectue un travail réjouissant en réalisant une sorte de parodie cynique de l’Inspecteur Harry, où le metteur en scène aligne les gangsters aux surnoms ridicules, pour certains tirés de Top Gun. Film de dialogues et de personnages, le réalisateur représente à l’écran des individus assez perchés qui trouvent une vraie manière d’exister par le ridicule des situations qui ne fait que s’entasser. Macabre, tordue et givré, Refroidis enchaîne des séquences toutes plus mémorables où chaque mort est un véritable moment tragico-comique, marqué par une croix religieuse à l’écran. Simples d’esprits, imprévisibles ou justes déterminés, qu’il soit un premier ou un second rôle, chaque personnage apporte quelque chose à l’intrigue, rendant l’écriture des personnages extrêmement justes. En ce sens, Refroidis se rapproche esthétiquement et sensiblement de Fargo, la touche scandinave en plus.

Car Hans Petter Moland profite de son film pour délivrer un message sur son pays natal. Satirique sur la mentalité éco-environnementale et sociale de son pays, le propos se fait brut lorsque le réalisateur évoque ces nations étrangères qui arrivent dans un pays dont elles ne connaissent pas grand-chose mais dont elles souhaitent prendre le pouvoir. Pouvoir malfrat dira-t-on avec ces trafics de drogue et d’humains. Un discours qui ne peut finir que dans l’affrontement entre norvégiens et serbes. A la tête de ces deux clans se trouvent chez les norvégiens Pal Sverre Hagen dit « Le Comte » (qui a pensé au Duc de chez les Coen ?) imprévisible et sans arrêt dans l’excès, et Bruno Ganz en serbe vieillissant mais pas dénué de cruauté. Stupidité des hommes désirant sans cesse le pouvoir et le plaisir de dominer. A contrecœur, on reprochera au film de ne jamais surmonter ce décompte mortel qui attend tous ceux qui se mettront en travers du chemin de ce père déterminé. Sans suspense, ni rebondissements, Refroidis se perd cependant dans un étirement de son récit, plutôt dispensable. A trop vouloir magnifier les codes d’une sorte de western polaire, Hans Petter Moland s’embourbe lui-même dans cette fameuse neige norvégienne. Conséquence direct d’un humour qui tombe parfois à plat et d’un rythme qui faiblit à de nombreuses reprises, avant de jouir dans un final intense où l’issue est aussi sanglante que jubilatoire.

Porté par une galerie d’acteurs qui semble jouir d’interpréter de tels personnages et dans laquelle on peut trouver un Stellan Skarsgård aussi déterminé qu’en roue libre, Refroidis est un thriller froid à l’humour macabre comme on les aime. Un Fargo du Nord qui s’amuse avec différents genres. Contemplatif et stylisée, Refroidis nous offre par la même occasion un jeu de massacre complètement givré. Une farce scandinave maîtrisée avec sang-froid par les mains de maître de Hans Petter Moland.

Fiche Technique: Refroidis

Titre originale: Kraftidioten
Norvège
Réalisation: Hans Petter Moland
Scénario: Kim Fupz Aakeson
Interprétation : Stellan Skarsgård (Nils), Bruno Ganz (Papa), Pål Sverre Valheim Hagen (Greven), Jakob Oftebro (Aron Horowitz), Birgitte Hjort Sørensen (Marit), Kristofer Hivju (Strike)
Genre: Action, thriller et comédie
Durée: 116min
Image: Philip Øgaard
Décor: Jørgen Stangebye Larsen
Costume: Sofie Rage Larsen
Montage: Jens Christian Fodstad
Son : Brian Batz, Kaspar Kaae et Kåre Vestrheim
Producteur: Finn Gjerdrum, Stein B. Kvae,  Graum Jorgensen, Charlotte Pedersen, Madeleine Ekman, Jessica Ask, Finn Gjerdrum, Stein B. Kvae, Peter Garde, Erik Poppe, Stellan Skarsgård, Hans Petter Moland
Production: Paradox Produksjon et Film i Väst
Distributeur: Chrysalis Films
Budget : /
Festival: Grand Prix & Prix Spécial Police au Festival international du Film Policier de Beaune 2014, et Compétition Internationale de la Berlinale 2014.