LeMagduCiné

Night Run, une nouvelle collaboration efficace entre Liam Neeson et le réalisateur Jaume Collet-Serra

Synopsis : Jimmy Conlon était autrefois un tueur à gages surnommé le Fossoyeur qui travaillé pour le caïd de Brooklyn, Shawn Maguire. Depuis, il se noie dans l’alcool pour oublié ses crimes et le fait qu’il soit toujours recherché par l’inspecteur Harding, un policier qui le traque sans relâche. Mais quand il apprend que sa prochaine cible sera son propre fils Mike, Jimmy va se retourner contre son employeur afin de protéger sa famille et enfin pouvoir se racheter. Mais il ne dispose que d’une seule nuit pour résoudre ce conflit de loyautés…

À peine deux mois sont passés que Liam Neeson revient sur les écrans pour jouer à nouveaux des flingues et des poings dans un thriller d’action, le comédien étant désormais l’une des figures emblématiques de ce divertissement hollywoodien à l’instar de Nicolas Cage et Bruce Willis. Mais au lieu de retrouver son personnage de Brian Mills (la trilogie Taken), l’acteur collabore ici pour la troisième fois avec le réalisateur Jaume Collet-Serra (Sans identité, Non-stop) pour une virée nocturne mouvementée dans les rues de New-York avec sa progéniture, policiers et mafieux lancés à leurs trousses. Mais un jour viendra où le public en aura assez de voir Neeson dans ce genre de film (les critiques pleuvent sur le sujet depuis quelques temps). Night Run est-il le film de trop ?

Il est sûr que du point de vue scénaristique, le nouveau long-métrage de Jaume Collet-Serra n’est pas celui qui révolutionnera le genre. Night Run ne se montre, en effet, pas aussi élaboré qu’Identité secrète et Non-stop dans le sens où il ne part pas d’une trame mettant en avant suspense, révélations et twists en tout genre. Ici, juste l’éternelle histoire du tueur à gages qui va devoir se retourner contre son employeur, en passant par quelques thématiques traitées maintes et maintes fois : la rédemption d’un père auprès de son fils, celle d’un homme voulant purger ses crimes un premier temps dans l’alcool puis enfin par une bonne action, le face-à-face avec le tueur d’élite… Autant dire que Night Run se présente comme une énième version d’un action movie lambda des années 80, n’ayant pour ambition que de divertir le spectateur en lui offrant sur un plateau d’argent des comédiens connus (Liam Neeson, Ed Harris, Vincent D’Onofrio…), quitte à sacrifier l’originalité et le suspense. Et si vous allez voir Night Run, c’est que vous n’attendez rien que d’autre que du divertissement pur et dur.

Sur ce plan, le long-métrage remplit amplement son cahier des charges, le réalisateur appliquant son savoir-faire acquis depuis Sans identité, à savoir une mise en scène diablement efficace et fluide. Après une sympathique introduction présentant les personnages et leurs enjeux, avec en prime un savoureux jeu où Liam Neeson interprète un nouveau personnage alcoolique cette fois-ci poussé à l’extrême (allant jusqu’à jouer les Pères Noël vulgaires et cyniques), Night Run ne sera qu’un enchaînement de courses-poursuites, fusillades et autres corps-à-corps palpitants qui tiennent suffisamment en haleine pour faire oublier une trame prévisible, balisée de bout en bout, et assurer le spectacle. C’est rondement mené, rythmé comme il faut pour ne pas ennuyer… bref, vous en aurez pour votre argent ! Bien plus qu’avec Taken 3, étant donné que Night Run peut également compter sur une écriture plus maîtrisée et un casting bien plus prestigieux.

Malgré son classicisme qui pourra en exaspérer certain, le scénario du film fait la part belle aux personnages principaux, notamment la relation père/fils et l’amitié qui unit le personnage de Neeson à celui d’Ed Harris, sans oublier certains détails concernant les protagonistes comme l’alcoolisme du héros. Mettre en avant tout cela permet ainsi une attache simple et rapide envers les personnages, incitant le public à s’inquiéter de leur sort et ce même en l’absence de suspense, tout en donnant une certaine ampleur à quelques séquences du film. L’interprétation des comédiens aide également à ce constat : Liam Neeson a encore suffisamment de charisme pour faire croire à ce type de rôle qui lui colle à la peau, Ed Harris n’a pas besoin de cabotiner pour jouer les méchants, Joel Kinnaman possède bien plus de prestance qu’un Jai Courtney, le rappeur Common a fière allure en meurtrier… Tout a été fait pour que le spectateur puisse s’intéresser ne serait-ce qu’un minimum à l’ensemble pour que Night Run captive l’attention et que ses personnages suscitent l’intérêt.

Bien loin de la balourdise d’un Taken ou encore de l’ennui total généré par Balade entre les tombes, Night Run se range illico aux côtés des récents action movies style années 80, tels que John Wick et The November Man. Efficace et divertissant sont les mots d’ordre de ce long-métrage, exactement ce qu’attendait le public de la part de ce dernier. Il n’empêche, il serait peut-être temps pour Liam Neeson et Jaume Collet-Serra de passer à autre chose, car si la recette marche encore avec Night Run, elle risque vraiment de s’essouffler par la suite…

Night Run – Bande-annonce

Fiche technique – Night Run

Titre original : Run All Night
États-Unis – 2015
Réalisation : Jaume Collet-Serra
Scénario : Brad Ingelsby
Interprétation : Liam Neeson (Jimmy Conlon), Ed Harris (Shawn Maguire), Joel Kinnaman (Michael ‘Mike’ Conlon), Génesis Rodríguez (Gabriela Conlon), Common (Price), Vincent D’Onofrio (l’inspecteur Harding), Bruce McGill (Pat Mullen), Boyd Holbrook (Danny Maguire)…
Date de sortie : 11 mars 2015
Durée : 1h54
Genres : Thriller, action
Image : Martin Ruhe
Décors : Deborah Jensen et Chryss Hionis
Costumes : Catherine Marie Thomas
Montage : Dirk Westervelt
Musique : Junkie XL
Producteurs : Brooklyn Weaver, Roy Lee et Michael Tadross
Productions : Energy Entertainment et Vertigo Entertainment
Distributeur : Warner Bros. France

Papa ou Maman : un film dont on a pas besoin de vanter les mérites

Synopsis : Vincent (Laurent Laffite) et Florence (Marina Foïs) Leroy ont réussi leur vie : leurs carrières sont enviables, leurs enfants turbulents mais intelligents et ils dégagent une impression d’harmonie et de fiabilité qui fait d’eux des amis et des collègues référence. Pourtant, quand ils décident de divorcer, cette bonne entente est remise en question : puisque les deux ont des opportunités de travailler à l’étranger, il n’est plus question de garde alternée. Ils ne vont donc pas se battre pour avoir la garde des enfants, mais pour ne pas l’avoir.

Une comédie réussie dès la première scène

Le souci principal, lorsque l’on parle d’une comédie, est qu’il est facile de dire si l’on a ri ou pas durant la projection, mais il est difficile de dire d’un film qu’il est drôle dans l’absolu. L’humour dépend en effet beaucoup de la connivence entre celui qui fait la blague et celui qui la reçoit. Aucun humour n’est absolu, et même des films comme Qu’est-ce qu’on a fait au bon dieu ? ou Bienvenue chez les Ch’tis sont loin de faire l’unanimité malgré leurs millions d’entrées.

Pourtant, au delà des références culturelles et sociales entre le cinéaste et le public, il existe une mécanique à respecter si l’on veut avoir une chance de faire rire. Dans ce cadre, Papa ou Maman est un film qui a tout compris, et ce dès la première scène où, tout au long d’un plan séquence, Marina Foïs et Laurent Laffite, encore étudiants, se poursuivent dans les couloirs d’une faculté au son du Modern Love de David Bowie (qui décidément, après Mauvais sang et Frances Ha  inspire les cinéastes) . La scène est rythmée, belle et les personnages sont présentés dans l’action. Contrairement à Tiens-toi droite , on n’a pas besoin ici d’une voix-off pour nous expliquer que Vincent fait passer ses intérêts avant ceux de Florence, que leur relation est explosive et que leur amour s’épanouit dans le conflit.

En débutant son premier long-métrage par une telle scène, Martin Bourboulon fait preuve de caractère, comme s’il voulait nous dire : « je vais faire une comédie qui non seulement sera drôle, mais sera aussi belle et vous allez vous en souvenir ! ». Cette énergie et cette volonté se retrouvent tout au long des 85 minutes du film, une durée resserrée pour que le rythme ne redescende jamais.

La montagne russe du rire

Les habitués des montagnes russes savent que ce genre d’attraction se divise en deux phases: une première phase où le wagon monte lentement, laissant au passager tout le soin d’avoir peur à l’avance, et une deuxième phase où il dévale les rails à toute vitesse, enchaînant les loopings et faisant monter l’adrénaline. Papa ou Maman fonctionne exactement sur ce principe.

La tension monte en effet dans la première partie, où le couple, rendu mou par la réussite sociale, est paralysé à l’idée de créer le moindre conflit, ce qui les pousse à vouloir concilier l’impossible : divorcer mais rester amis, aimer ses enfants mais ne pas vouloir sacrifier ses soirées et donc les confier tous les soirs à la baby-sitter, chercher un nouveau challenge à l’étranger mais vouloir continuer à élever ses enfants en France. Pas étonnant dans ces conditions qu’ils soient incapables d’annoncer leur divorce.

Plus la date du jugement arrive, plus grande est la tension, et plus le choix devient difficile. Pendant ce temps, on apprend à mieux connaître les protagonistes et surtout les enfants : le grand frère qui a des problèmes de discipline à l’école, la pré-ado bourrée de complexes, et le petit dernier qui est un génie des échecs. Évidemment, toutes ces infos données l’air de rien vont servir de moteur au film dans la seconde partie.

Il suffit d’une situation de vaudeville pour que la guerre soit déclarée avec pour enjeu de ne pas avoir la garde des enfants. Le film ne cherche pas à nous bloquer sur une dimension psychologique de parents qui placent leurs ambitions personnelles avant le bien-être de leurs enfants, pour se concentrer sur cette très bonne idée comique : en inversant la lutte pour la garde, le scénario s’offre un éventail de situations très large. C’est que, à l’inverse d’une comédie de remariage classique, les personnages ne se redécouvrent pas pour s’aimer à nouveau, mais vont s’intéresser à leurs enfants dans le but de les dégoûter d’eux, déployant des trésors d’ingéniosité dans un crescendo de gags de plus en plus osés et drôles, certains étant même plutôt hilarants.

Le film a de ce point de vue bien retenu la leçon du Vilain et de 9 mois ferme d’Albert Dupontel : on peut faire une comédie « méchante » du moment que cela reste bon esprit. Comme dans un dessin animé où Bugs Bunny fait subir les pires horreurs à des méchants immortels, on sait que, contrairement à un film très noir comme la guerre des Rose, nos deux héros s’arrêteront avant d’atteindre le point de non-retour et que personne ne sera vraiment en danger.

Il y a des films ratés sur lesquels on pourrait parler des heures, et de très bons films qui se passent de commentaires.

On pourrait gloser sur le thème sociologique du film, celui des quarantenaires ambitieux pour qui la vie de famille et les enfants ont toujours été plus une gêne qu’un accomplissement, ou insister sur la dynamique du conflit pour sortir du train train quotidien. Mais là où le Prénom, aussi scénarisé par Matthieu Delaporte et Alexandre de la Patellière abordait le thème de la famille dans une forme extrêmement dialoguée, Papa ou Maman est tout entier tourné vers le gag de situation. Il exploite au mieux le tempo comique et les personnages de vachard sympathique auxquels on associe naturellement Laurent Laffite et Marina Foïs.

Ce film est une mécanique d’une grande précision qui ne repose ni sur des bons mots auxquels on rirait par complaisance, ni sur un jeu d’acteur outré, mais enchaîne les gags suivant un rythme parfait, le film n’étant ni hystérique, ni lent.

Si ce genre de compétences fait de Papa ou Maman une réussite qui tient plus de l’artisanat que du génie artistique, il accomplit si bien ce qu’il tente de faire que l’on ne peut que rire pendant et applaudir après.

Papa ou maman : Bande-annonce

Fiche Technique : Papa ou Maman

France – 2015
Réalisation: Martin Bourboulon
Scénario: Matthieu Delaporte, Alexandre de la Patellière avec la collaboration de Jérôme Fansten d’après une idée de Guillaume Clicquot de Mentque
Interprétation: Laurent Laffite, Marina Foïs, Alexandre Desrousseaux, Anna Lemarchand, Achille Potier
Date de sortie: 4 février 2015
Durée: 01h25
Genre : Comédies
Chef-opérateur: Laurent Dailland
Compositeur : Jérôme Rebotier
Monteur : Virginie Bruant
Producteur: Alexandre de la Patellière et Dimitri Rassam
Production: Chapter 2

Chappie, un film mieux écrit et maîtrisé qu’Elysium

Synopsis : 2016, Johannesbourg. Après des années de violences urbaines, la criminalité a irrémédiablement chuté depuis la mise en service de robots policiers, incitant les malfrats à freiner leurs activités et à agir avec la plus grande précaution. Dans l’espoir de se sortir d’un mauvais pas, une bande de loubards vont kidnapper le concepteur, Deon Wilson, au moment où il a mis au point la première intelligence 100% artificielle qu’il teste sur l’un de ces droïdes. Il va ainsi donner naissance à Chappie, un robot capable de penser et de ressentir par lui-même, qui va devoir affronter la cruauté de la vie et la jalousie de Vincent Moore, un concepteur de robot de sécurité…

Avec le succès de l’inattendu et surprenant District 9, il fallait bien se douter qu’Hollywood allait aussitôt s’intéresser à un réalisateur talentueux tel que Neill Blomkamp, lui faisant du pied pour produire ses futurs projets en espérant que ces derniers aient un minimum d’intérêt lucratif. Mauvaise pioche avec son premier blockbuster, Elysium, film d’action SF efficace mais assez maladroit qui a fait croire au monde entier que le cinéaste était passé du côté obscur des grands studios. Chappie, son nouveau film, est l’occasion pour lui de montrer qu’il n’est pas ce genre de metteur en scène à abandonner son savoir-faire au service des producteurs.

Dès l’annonce du projet, cela se sentait que Neill Blomkamp voulait que Chappie fasse écho à District 9 (et à son succès ?), à tel point qu’il adapte ici avec l’aide de son épouse Terri Tatchell au scénario un autre de ses courts-métrages, son tout premier (Tetra Vaal), tout en faisant démarrer son nouveau-né de la même manière, à savoir un montage d’interviews et de séquences à l’allure de reportages de JT. Sauf que cette fois-ci, ce n’est pas pour parler d’extra-terrestres immigrés et maltraités mais plutôt d’un univers semblable à RoboCop : un futur pas si lointain dans lequel une ville jugée dangereuse (Johannesburg, encore une fois) se retrouve sécurisée par des robots servant la cause de la police. Une nouvelle « variation » aussi violente du long-métrage de Paul Verhoeven qui, visuellement, continue sur la lancée de District 9 et Elysium en présentant un univers cyber punk proche de Deux Ex mais réaliste et ghettoïsé, qui pioche quelques idées de concept design dans les franchises de RoboCop justement (l’Orignal fait penser à l’ED-209) et du jeu vidéo Halo. À la différence qu’ici, ce n’est pas un homme qui se retrouve robotisé mais une intelligence artificielle qui va s’humaniser.

Même s’il reprend les éternelles thématiques de l’obsession de l’homme pour la technologie et le pouvoir ainsi que les différences sociales, donnant ainsi l’impression au spectateur de se promener en terrain connu, Chappie possède néanmoins un atout de charme qui va faire toute la différence : son personnage éponyme. Une boîte de métal interprété via la motion capture par Sharlto Copley, le comédien fétiche de Blomkamp depuis son court-métrage Alive in Joburg, qui possède un charme fou. D’une part pour son aspect visuel très réussi alliant de très bon effets spéciaux et la gestuelle imposante du comédien, qui fait de l’ombre et ses complices de chair et de sang, notamment à des acteurs tels que Sigourney Weaver et Hugh Jackman. De l’autre, le protagoniste Chappie est servi par une écriture de qualité, qui le rend incroyablement attachant et irrésistible par le biais de son côté enfantin et des séquences poétiques et touchantes au possible (sa rencontre avec un chien, sa joie d’avoir un livre, sa découverte de la peinture…) sans oublier quelques passages drôles (quand il essaye d’avoir une allure de « gangsta »). Un héros digne d’un conte de fées, symbole de l’enfant devant trouver sa place dans ce monde violent qu’est le nôtre et qui ne peut que réussir en faisant ce qu’il désire (survivre, exprimer sa créativité) plutôt que ce qu’on lui dit ou impose (jouer les criminels).

Vous l’aurez compris : Chappie est le pilier de ce long-métrage, à tel point que le personnage arrive à effacer les quelques défauts du film. Comme des séquences d’action certes mieux maîtrisées que dans Elysium, notamment via une caméra plus stable (ne vibrant pas dans tous les sens) et un abus de ralentis moins excessif, mais qui donnent l’impression de ne pas avoir de raison d’être si ce n’est de justifier le budget (49 millions de dollars) et le statut de blockbuster du film. Efficaces et palpitantes en adéquation avec l’ambiance violente du film, elles n’apportent pourtant pas grand-chose au récit si ce n’est une dernière demi-heure un chouïa décousue qui traîne la patte pour aboutir à une ouverture thématique sortie de nulle part mais néanmoins intéressante (qui ne sera pas révélée dans cette critique). Un constat qui gâche un peu l’excellente impression laissée par ce Chappie, ne lui permettant pas d’arriver à la cheville de District 9.

Mieux écrit et maîtrisé qu’Elysium, Chappie se présente au public comme un divertissement diablement attachant et qui ne soit pas vide de sens malgré un aspect blockbuster dispensable. Avec ce nouveau long-métrage, le réalisateur Neill Blomkamp rassure ceux qui suivent sa carrière depuis District 9 et qui pensaient l’avoir perdu avec son action movie maladroit où Matt Damon errait en mode badass. De quoi donner une fière allure, certes prématurée mais certaine, à son nouveau projet, le tant attendu Alien 5, que beaucoup attendent avec impatience !

Chappie : Bande-annonce

Chappie : Fiche technique

Réalisation : Neill Blomkamp
Scénario : Neill Blomkamp et Terri Tatchell
Interprétation : Sharlto Copley (Chappie), Dev Patel (Deon Wilson), Yo-Landi Visser (Yo-Landi), Ninja (Ninja), Jose Pablo Cantillo (Amerika), Hugh Jackman (Vincent Moore), Sigourney Weaver (Michelle Bradley), Brandon Auret (Hippo)…
Image : Trent Opaloch
Décors : Jules Cook
Costumes : Diana Cilliers
Musique : Hans Zimmer, Ryan Amon et Rich Walters
Budget : 49 M$
Producteurs : Neill Blomkamp et Simon Kinberg
Productions : Sony Pictures Entertainment, Columbia Pictures, Simon Kinberg Productions, Alpha Core, Genre Films, LStar Capital, Media Rights Capital et Ollin Studio
Distributeur : Sony Pictures Releasing France
Durée : 1h59
Genre : Science-fiction
Date de sortie : 4 mars 2015

États-Unis – 2015

Synopsis : Les relations entre les étudiants et le nouveau professeur d’allemand, Robert, sont extrêmement difficiles. Il est autoritaire et froid et compte bien montrer dès le départ à sa classe qui est aux commandes. Le professeur ne fait preuve d’aucune compassion envers ses élèves. Quand une de ses élèves se suicide, ses camarades de cours accusent le professeur. L’escalade des provocations ne fait alors que commencer, laissant les autres enseignants dépassés par les événements et les élèves face à toutes leurs violentes contradictions.

Virgin suicide

Les films réalisés en Slovénie sont rares, c’est pourquoi L’Ennemi de la classe, premier film de Rok Bicek, 30 ans à peine, suscite l’intérêt. Huis-clos dans un lycée, dont on ne sortira pas pendant près de deux heures, le film est plutôt intense, bavard, jeune et décomplexé. Suite au suicide d’une élève, ses camarades font de leur nouveau et très stricte professeur d’allemand (avec tout ce que cela comporte dans leur imaginaire), la cible d’une rébellion en apparence simpliste, mais, dans ce cinéma-là, tout n’est pas toujours aussi limpide qu’il n’y paraît.

L’école comme allégorie du monde, mais « coupée » des regards extérieurs

La première fois qu’il rencontre ses élèves, noyés dans un joyeux bordel, Richard (interprété avec brio par Igor Samobor), professeur d’allemand remplaçant, leur fait accomplir un rituel. Il s’agit de se lever à l’arrivée d’un professeur. Il les prend de court, car cet acte qu’ils ont l’habitude de respecter « parce qu’il le faut » est, pour eux, dénué de sens. Pour le professeur, c’est ce qui distingue un être humain d’un animal. Le ton est donné, ici, la discipline règne. Parmi les élèves, Sabina se demande « mais alors à quoi ça sert de vivre ? ». Dans un système hiérarchique, selon Richard, la vie s’organise autour d’un système, ici l’école, dont chacun est un rouage. Ce système-là, les élèves l’acceptent tant que la discipline est aussi douce que joyeuse. Richard vient alors rappeler aux élèves leur incompétence, leur faiblesse, leur inaptitude à devenir adulte alors que c’est ce qui les attend fondamentalement après cette année charnière de Terminale : la vie, la vraie. Ce que cherche avant tout ce professeur, c’est faire comprendre aux élèves que « rien n’est blanc, rien n’est noir » (cette phrase revient deux fois dans le film). Cela semble d’une évidence criante, pourtant, au regard de la montée en puissance de la tension (rejet, violence) qui s’installe dans le film, il est bon de le rappeler. Cette classe en révolte a tout de celle que décrivait déjà Dennis Gansel dans La Vague, à la différence près que le professeur n’est pas adulé ici. Un rouage va faire flancher le système, remis en cause, mais c’est finalement lui qui sort vainqueur, pas les hommes qui le composent. « La vie continue ». D’un côté, certains cherchent à accomplir un deuil difficile, de l’autre, Richard ne laisse aucune place au hasard, ni à l’hésitation. Le film est donc une confrontation.

Si le film n’est pas tout à fait un miroir de « toutes les sociétés », c’est que certaines situations ne peuvent se comprendre sans connaître un peu du passé comme du présent de la Slovénie. Il y a d’abord ce rejet de l’autoritarisme en langue allemande (le terme « nazi » est employé assez vite), pour un pays marqué par la Seconde Guerre Mondiale pendant laquelle régnait l’obligation, pour tous les élèves des écoles, de parler allemand. Dans la tête de ces jeunes-là, entendre leur professeur les sermonner en allemand équivaut à être un « nazi » (c’est l’insulte principale que reçoit le professeur). D’autre part, la Slovénie connaît un taux de suicide chez les jeunes plutôt élevé ces dernières années. Deux sujets tabous donc, abordés par un jeune cinéaste qui a vécu, dans sa jeunesse, la même situation que celle décrite dans le film. Il n’était pas un des protagonistes, mais cette histoire de suicide et de remise en cause du système éducatif ainsi que du professeur (la figure de l’autorité aujourd’hui peu crainte), il en a été l’observateur attentif. C’est sûrement pour cela que son film est mis en scène comme une confrontation où la caméra ne choisit jamais de camp (et tremblotte à cause de cette mode « réalisme à l’épaule », mais c’est autre chose). Chaque acteur joue avec la certitude que son personnage a raison, d’où la force et l’emballement des situations. Par un subtile jeu de caméra et de placement des corps, le réalisateur ne marque jamais le passage des jours et n’entraîne à aucun moment son récit dans un discours trop politique. Il observe, avec une relative neutralité, l’engrenage dans lequel quelques élèves – c’est à leur hauteur qu’il filme, le spectateur étant comme immergé parmi ces adolescents pas si sûrs d’eux – et leur professeur, qui fait quelques erreurs dans sa communication. C’est intéressant de voir à quel point le film engage tout un discours qui résonne avec nos sociétés actuelles, même s’il se départit de filmer l’extérieur et donc de confronter cette histoire à la réaction de ceux qui y seraient moins impliqués. On verra donc qu’il est difficile, vraiment, de faire d’un sujet de société clivant, l’objet d’un cours. Comment parler de la mort d’un élève dans un sujet de dissertation, sans paraître vouloir rebondir, passer à autre chose trop rapidement ?

« Vouloir n’est pas pouvoir »

Chaque réaction extérieure à celle jugée comme « la bonne » par les élèves devient alors suspecte. D’aucun préfèrera dire, maladroitement, qu’il veut passer à autre chose, on le bannira.  Pourtant, les élèves finiront peut-être par se rendre compte eux-mêmes que ce qu’ils reprochent aux autres est aussi dans leur manière d’agir. Dès lors, le film est, parfois maladroitement, mais avec des procédés assez habiles, une réflexion sur les réactions individuelles et collectives. Comment savoir quelle décision est la bonne ? Devant le suicide, acte inexplicable et inexpliqué ici puisque Sabina n’a pas laissé de lettre, chacun tente de trouver un coupable, mais la difficulté reste de chercher les bonnes réponses. La force du film est qu’il ne cherche pas à prendre position en faveur de l’un ou de l’autre côté. Le film oppose la réflexion à l’émotion. D’un côté, une froideur clinique qui veut tout définir (et faire définir), maîtriser, analyser et, de l’autre, des élèves en pleine ébullition, qui réagissent avec leurs tripes et s’encouragent à aller toujours plus loin. L’effet de groupe, autre parallèle avec La Vague, est également une des facettes qu’analyse Rok Bicek avec talent. Son film décortique donc un système de l’intérieur, entre au cœur d’un monstre froid. Il offre quelques scènes très fortes, comme lorsque les élèves installent des bougies dans toute l’école jusqu’à la salle des professeurs ou encore quand la meilleure amie de Sabina, plus détachée du groupe de rebelles, lit sa dissertation dans laquelle elle s’interroge sur l’acte de sa copine disparue.

Les interprètes des élèves ont cette fougue de la jeunesse, avec la force et faiblesse (les deux mêlés) de leurs visages et de leurs affirmations. Leurs rôles sont plutôt justes, le réalisateur se dédouanant en affirmant qu’ils ont réellement existé dans son école. Pourtant, pour rendre son film plus « fort », il a donné à chacun une figure reconnaissable et donc quelque peu archétypale : le jeune garçon meurtri par la mort de sa mère, la jeune fille à l’allure garçonne, l’asiatique sage, le rigolo de service et le plus tendancieux d’entre eux, capable de comparer les homosexuels à des animaux et d’accuser son prof d’être un nazi et ce, dans la même phrase. C’est ce dernier le plus virulent car, derrière ce suicide, prétexte à une rébellion, il pense pouvoir remettre en cause tout le système. Pour lui, les notes, la pression, ça ne fonctionne pas. Là encore, la société et ses dérives sont visées. Mais le système éducatif reste trop survolé. Ainsi, les autres professeurs de ce lycée ne sont que des silhouettes sympathiques, ayant troqué l’éducation pour une vaste garderie, mention spéciale à ce rôle de prof de sport forcément « blonde » et un peu « cool/bête ». Quant aux parents, qui apparaissent dans une scène de confrontation entre eux (toujours placés face au prof qui leur oppose sa connaissance, sa maîtrise de lui-même) et l’école, ils ne sont finalement que les caricatures de leurs progénitures, le réalisateur semblant vouloir dire qu’ici les parents sont aussi responsables de la dérive. D’ailleurs, les parents de Sabina affirment que c’est parce qu’ils l’ont adopté qu’elle s’est suicidée. Elle venait de l’apprendre. Les parents, l’école, la sensibilité, la peur de l’avenir, le trou noir… Voilà sûrement mille raisons pour Sabina d’avoir voulu quitter le monde. Se laisser couler et délaisser au vivant la responsabilité d’accomplir des rituels, de remplir leurs journées et de tenter de remonter le courant.

Avec de grosses faiblesses (des caricatures un peu énervantes principalement) dues certainement à la force de son propos, ici mis en scène comme une démonstration, Rok Bicek réalise un premier film sur le fil. Quelque chose entre la grâce de comprendre et la force de l’émotion. « Apprendre n’est pas savoir, vouloir n’est pas pouvoir ». C’est une des premières choses qu’explique Richard à ses nouveaux élèves. Son erreur aura été de les mépriser un peu au début, de ne pas chercher à les écouter. Il faut les deux tensions pour faire un homme : l’envie de comprendre, la joie de ressentir. Entre les deux, il y a des décisions à prendre, le droit à l’erreur et la peur d’être plongé dans un labyrinthe sans fin et de l’erreur qui entraînera l’exclusion. A la fin, le professeur explique, détaille, ne prend jamais le parti de la réaction à chaud et décide de ne pas accompagner ses élèves en voyage scolaire, moment de relâchement avant le grand bain de la vie d’adulte. On les quitte au milieu de l’eau, dans un bateau. Ils sont redevenus des adolescents parmi lesquels la figure fantomatique de Sabina se promène, comme un vieux rêve. Eux semblent comme apaisés.

Fiche Technique – L’Ennemi de la classe

Slovénie – 2014 / Titre original : Razredni sovraznikn
Date de sortie française : 4 mars 2015
Drame de Rok Bicek
Scénaristes : Nejc Gazvoda, Janez Lapajne, Rok Bicek
Interprètes : Igor Samobor (Richard), Natasa Barbara Gracner (Zdenka), Tjasa Zeleznik (Sasa),  Voranc Boh (Luka), Jan Zupancic (Tadej), Doroteja Nadrah (Mojac),Špela Novak  (Spela), Pia Korbar (Marusa)…Directeur de la photographie : Fabio Stoll
Montage : Rok Bicek et Janez Lapajne
Producteurs : Aiken Veronika Prosenc, Janez Lapajne
Distributeurs : Paname Distribution

L’Autriche n’est pas une terre fondamentalement reconnue pour la singularité de son cinéma. Quelques réalisateurs notables ici et là mais c’est un pays relativement discret, dont le fait le plus marquant de ces dernières années est d’avoir été le théâtre d’un sordide fait divers. Rappelez-vous l’enlèvement et la séquestration durant huit ans de Natascha Kampusch. Fait marquant encore bien ancré dans les mentalités locales (voire internationales), Goodnight Mommy en tire toute sa force et nous dessine le sombre reflet d’un pays qui n’a jamais su s’en relever.

Synopsis: Durant un été caniculaire, dans une maison de campagne, perdue au milieu des champs de maïs et des bois, des jumeaux de neuf ans attendent le retour de leur mère. Lorsqu’elle revient à la maison, la figure cachée par des bandages, suite à une chirurgie esthétique, ces derniers doutent de son identité…

De film contemplatif quasi-malickien, l’intrigue prend un nouveau virage en se muant en drame psychologique avant d’aboutir à un torture movie (et non pas porn) implacable. A la tête de leur premier long-métrage après avoir réalisé quelques courts et un documentaire, Veronika Franz et son acolyte Severyn Fiala ont eu le soutien de producteur d’Ulrich Seidl (Dogs Days, Import/Export, trilogie Paradis). Si Veronika Franz a pu compter sur le célèbre cinéaste autrichien, c’est par ce qu’ils sont avant tout très proche. En effet, elle est la scénariste de la quasi-totalité des films de Seidl. De fait, on y retrouve donc cette même identité visuelle, plus généralement singulière du cinéma autrichien. On pensera également au cinéma de Michael Haneke. Mais pour faire un bon film, il ne suffit pas de reproduire le travail des maîtres, il faut y apporter sa patte. Et c’est encore plus difficile avec un film de genre. Ça tombe bien, Goodnight Mommy est un véritable uppercut horrifique. Un tourbillon infernal dans lequel la violence s’immisce lentement jusqu’à pousser ses protagonistes dans leurs derniers retranchements.

Papyrus

Les esprits scientifiques sauront de quoi je veux parler avec le titre énigmatique ci-dessus. Pour cette raison, je vous déconseille de vous renseigner sur son sens avant d’avoir vu le film, sous peine de vous gâcher tout l’intérêt narratif du film. Bref. Goodnight Mommy, c’est trois acteurs, un huis-clos et des bandages. La recette pour obtenir un film autrichien horrifique et contemplatif mémorable. Dans une première séquence, une famille bavaroise toute droite sortie d’une publicité pour chocolats nous chante un air de boîte à musique. Cette toute première image casse déjà l’image de la famille modèle, ambiance faussement chaleureuse et filmée avec une pellicule abîmée qui lui donne un grain sale. La suite s’ouvre sur une villa d’architecte en rase campagne à la croisée d’un champ de maïs et d’une forêt sombre et épaisse, c’est là qu’on découvre ces deux jumeaux s’amusant des derniers jours de l’été. Pendant une partie du film, il n’y a qu’eux. Le film s’attarde sur la complicité des jumeaux, sur leur débrouillardise et leur hyperactivité. Ce sont surtout deux frangins qui ne se quittent jamais. Alors dès qu’une femme se disant être leur mère rentre à la maison, le visage recouvert de bandages, l’équilibre est troublée. Et si elle n’était pas leur mère ? D’un côté, il y a cette femme qui tente une première approche amicale avec les jumeaux alors que de l’autre côté, exténuée par leur refus de croire à son identité, elle se voit contrainte d’avoir recourt à une certaine maltraitance à l’égard de ces (ses ?) enfants. Toute l’intrigue tient en haleine par le fait que les interrogations du spectateur sont constamment remises en question. Est-ce-bien leur mère ? Pourquoi n’est-elle pas la bienvenue dans la maison ? Pourquoi personne d’autres ne semblent vivre dans le voisinage ? Pourquoi cette femme tient tant à séparer la fratrie ? Même si certaines zones d’ombres ne seront jamais éclairées, il faut reconnaître que l’écriture est assez fine, suffisamment juste dans la représentation de ces jumeaux soudés et qu’elle trouve un formidable parallèle avec sa mise en scène.

En effet, les deux réalisateurs évoquent Goodnight Mommy comme un film en miroir. Ce miroir, c’est celui où cette femme se regarde sans cesse avec le souvenir d’une vie passée. C’est également cette symbolique du double et donc des jumeaux qui sont pareils et différents à la fois. Dans une scène où les deux enfants sont face à face, se regardent et se coupent les cheveux, cela se situe pile au milieu du film, à la seconde près. Dans la première partie, de l’œil de la mère dans le miroir grossissant répond, dans la dernière partie, le plan de la loupe. Les réalisateurs se sont amusés à créer un parallèle scénaristique qui se retrouve jusque dans l’image. C’est brillant. La direction artistique est également à noter puisqu’elle fait contraster le naturel des extérieurs, ses jolies imperfections et ses fulgurances de beauté, avec le cadre d’une maison luxueuse et architecturale, trop lisse pour être vraie où les cafards s’y invitent occasionnellement. A l’instar de ce qui est arrivé à Natascha Kampusch, ce qui inspire le plus la peur, c’est le cadre anodin d’une maison familiale. Personne ne les entendra crier. Le film bascule ainsi dans l’horreur la plus effroyable et distille dans sa dernière partie des scènes de torture comme on en a rarement vu au cinéma. Comme si Funny Games rencontrait Hostel. A ce sens, la direction d’acteur est remarquable. Les jumeaux s’impliquent véritablement et semblent s’amuser devant la caméra, témoignant d’une sincérité notable et d’une performance touchante.

Même si on lui reprochera un rythme peut-être poussif, des maladresses et quelques incohérences, Goodnight Mommy est tout simplement brillant. Une pépite de genre toute droit venue d’Autriche, récompensée à Sitges et à deux reprises à Gérardmer. Derrière son apparence onirique et de conte de fées, les deux réalisateurs s’amusent à jouer avec les attentes des spectateurs. Une forme de mystère intrinsèque et de poésie macabre qui donnent toute son identité à ce drame familiale. Car avant d’être horreur, Goodnight Mommy est le portrait d’une famille détruite qui a perdu toute notion avec la réalité. Les réalisateurs vont jusqu’à faire venir le plus abominable de là où on ne l’attend pas venir. Si la toute-fin tombe dans l’explication outrancière de son retournement de situation, dès le générique finale, on n’a envie que d’une chose, le revoir ! Le film sera surement distribué dans une combinaison (très) limitée de salles nationales. Mais si les exploitants proches de chez vous osent le programmer, il serait dommage de passer à côté de ce que l’on verra de plus marquant en film d’épouvante au cinéma, à l’instar de It Follows en début d’année.

Fiche Technique : Goodnight Mommy

Titre original: Ich seh, Ich seh
Autriche
Genre: Drame, épouvante-horreur
Durée: 99min
Sortie en salles le 13 mai 2015

Réalisation: Veronika Franz & Severin Fiala
Scénario: Veronika Franz & Severin Fiala
Image : Martin Gschlacht
Décor : /
Costume: Tanja Hausner
Montage: Michael Palm
Musique : Olga Neuwirth
Producteur: Louis Oellerer, Ulrich Seidl
Production: Ulrich Seidl Film Produktion GmbH
Distributeur: Luminor
Budget : /
Festival: Méliès d’Argent au Festival International du Film de Sitges 2014, Prix du Jury Jeune et du Jury SyFy au Festival du Film Fantastique de Gérardmer 2015