LeMagduCiné

Synopsis : Les relations entre les étudiants et le nouveau professeur d’allemand, Robert, sont extrêmement difficiles. Il est autoritaire et froid et compte bien montrer dès le départ à sa classe qui est aux commandes. Le professeur ne fait preuve d’aucune compassion envers ses élèves. Quand une de ses élèves se suicide, ses camarades de cours accusent le professeur. L’escalade des provocations ne fait alors que commencer, laissant les autres enseignants dépassés par les événements et les élèves face à toutes leurs violentes contradictions.

Virgin suicide

Les films réalisés en Slovénie sont rares, c’est pourquoi L’Ennemi de la classe, premier film de Rok Bicek, 30 ans à peine, suscite l’intérêt. Huis-clos dans un lycée, dont on ne sortira pas pendant près de deux heures, le film est plutôt intense, bavard, jeune et décomplexé. Suite au suicide d’une élève, ses camarades font de leur nouveau et très stricte professeur d’allemand (avec tout ce que cela comporte dans leur imaginaire), la cible d’une rébellion en apparence simpliste, mais, dans ce cinéma-là, tout n’est pas toujours aussi limpide qu’il n’y paraît.

L’école comme allégorie du monde, mais « coupée » des regards extérieurs

La première fois qu’il rencontre ses élèves, noyés dans un joyeux bordel, Richard (interprété avec brio par Igor Samobor), professeur d’allemand remplaçant, leur fait accomplir un rituel. Il s’agit de se lever à l’arrivée d’un professeur. Il les prend de court, car cet acte qu’ils ont l’habitude de respecter « parce qu’il le faut » est, pour eux, dénué de sens. Pour le professeur, c’est ce qui distingue un être humain d’un animal. Le ton est donné, ici, la discipline règne. Parmi les élèves, Sabina se demande « mais alors à quoi ça sert de vivre ? ». Dans un système hiérarchique, selon Richard, la vie s’organise autour d’un système, ici l’école, dont chacun est un rouage. Ce système-là, les élèves l’acceptent tant que la discipline est aussi douce que joyeuse. Richard vient alors rappeler aux élèves leur incompétence, leur faiblesse, leur inaptitude à devenir adulte alors que c’est ce qui les attend fondamentalement après cette année charnière de Terminale : la vie, la vraie. Ce que cherche avant tout ce professeur, c’est faire comprendre aux élèves que « rien n’est blanc, rien n’est noir » (cette phrase revient deux fois dans le film). Cela semble d’une évidence criante, pourtant, au regard de la montée en puissance de la tension (rejet, violence) qui s’installe dans le film, il est bon de le rappeler. Cette classe en révolte a tout de celle que décrivait déjà Dennis Gansel dans La Vague, à la différence près que le professeur n’est pas adulé ici. Un rouage va faire flancher le système, remis en cause, mais c’est finalement lui qui sort vainqueur, pas les hommes qui le composent. « La vie continue ». D’un côté, certains cherchent à accomplir un deuil difficile, de l’autre, Richard ne laisse aucune place au hasard, ni à l’hésitation. Le film est donc une confrontation.

Si le film n’est pas tout à fait un miroir de « toutes les sociétés », c’est que certaines situations ne peuvent se comprendre sans connaître un peu du passé comme du présent de la Slovénie. Il y a d’abord ce rejet de l’autoritarisme en langue allemande (le terme « nazi » est employé assez vite), pour un pays marqué par la Seconde Guerre Mondiale pendant laquelle régnait l’obligation, pour tous les élèves des écoles, de parler allemand. Dans la tête de ces jeunes-là, entendre leur professeur les sermonner en allemand équivaut à être un « nazi » (c’est l’insulte principale que reçoit le professeur). D’autre part, la Slovénie connaît un taux de suicide chez les jeunes plutôt élevé ces dernières années. Deux sujets tabous donc, abordés par un jeune cinéaste qui a vécu, dans sa jeunesse, la même situation que celle décrite dans le film. Il n’était pas un des protagonistes, mais cette histoire de suicide et de remise en cause du système éducatif ainsi que du professeur (la figure de l’autorité aujourd’hui peu crainte), il en a été l’observateur attentif. C’est sûrement pour cela que son film est mis en scène comme une confrontation où la caméra ne choisit jamais de camp (et tremblotte à cause de cette mode « réalisme à l’épaule », mais c’est autre chose). Chaque acteur joue avec la certitude que son personnage a raison, d’où la force et l’emballement des situations. Par un subtile jeu de caméra et de placement des corps, le réalisateur ne marque jamais le passage des jours et n’entraîne à aucun moment son récit dans un discours trop politique. Il observe, avec une relative neutralité, l’engrenage dans lequel quelques élèves – c’est à leur hauteur qu’il filme, le spectateur étant comme immergé parmi ces adolescents pas si sûrs d’eux – et leur professeur, qui fait quelques erreurs dans sa communication. C’est intéressant de voir à quel point le film engage tout un discours qui résonne avec nos sociétés actuelles, même s’il se départit de filmer l’extérieur et donc de confronter cette histoire à la réaction de ceux qui y seraient moins impliqués. On verra donc qu’il est difficile, vraiment, de faire d’un sujet de société clivant, l’objet d’un cours. Comment parler de la mort d’un élève dans un sujet de dissertation, sans paraître vouloir rebondir, passer à autre chose trop rapidement ?

« Vouloir n’est pas pouvoir »

Chaque réaction extérieure à celle jugée comme « la bonne » par les élèves devient alors suspecte. D’aucun préfèrera dire, maladroitement, qu’il veut passer à autre chose, on le bannira.  Pourtant, les élèves finiront peut-être par se rendre compte eux-mêmes que ce qu’ils reprochent aux autres est aussi dans leur manière d’agir. Dès lors, le film est, parfois maladroitement, mais avec des procédés assez habiles, une réflexion sur les réactions individuelles et collectives. Comment savoir quelle décision est la bonne ? Devant le suicide, acte inexplicable et inexpliqué ici puisque Sabina n’a pas laissé de lettre, chacun tente de trouver un coupable, mais la difficulté reste de chercher les bonnes réponses. La force du film est qu’il ne cherche pas à prendre position en faveur de l’un ou de l’autre côté. Le film oppose la réflexion à l’émotion. D’un côté, une froideur clinique qui veut tout définir (et faire définir), maîtriser, analyser et, de l’autre, des élèves en pleine ébullition, qui réagissent avec leurs tripes et s’encouragent à aller toujours plus loin. L’effet de groupe, autre parallèle avec La Vague, est également une des facettes qu’analyse Rok Bicek avec talent. Son film décortique donc un système de l’intérieur, entre au cœur d’un monstre froid. Il offre quelques scènes très fortes, comme lorsque les élèves installent des bougies dans toute l’école jusqu’à la salle des professeurs ou encore quand la meilleure amie de Sabina, plus détachée du groupe de rebelles, lit sa dissertation dans laquelle elle s’interroge sur l’acte de sa copine disparue.

Les interprètes des élèves ont cette fougue de la jeunesse, avec la force et faiblesse (les deux mêlés) de leurs visages et de leurs affirmations. Leurs rôles sont plutôt justes, le réalisateur se dédouanant en affirmant qu’ils ont réellement existé dans son école. Pourtant, pour rendre son film plus « fort », il a donné à chacun une figure reconnaissable et donc quelque peu archétypale : le jeune garçon meurtri par la mort de sa mère, la jeune fille à l’allure garçonne, l’asiatique sage, le rigolo de service et le plus tendancieux d’entre eux, capable de comparer les homosexuels à des animaux et d’accuser son prof d’être un nazi et ce, dans la même phrase. C’est ce dernier le plus virulent car, derrière ce suicide, prétexte à une rébellion, il pense pouvoir remettre en cause tout le système. Pour lui, les notes, la pression, ça ne fonctionne pas. Là encore, la société et ses dérives sont visées. Mais le système éducatif reste trop survolé. Ainsi, les autres professeurs de ce lycée ne sont que des silhouettes sympathiques, ayant troqué l’éducation pour une vaste garderie, mention spéciale à ce rôle de prof de sport forcément « blonde » et un peu « cool/bête ». Quant aux parents, qui apparaissent dans une scène de confrontation entre eux (toujours placés face au prof qui leur oppose sa connaissance, sa maîtrise de lui-même) et l’école, ils ne sont finalement que les caricatures de leurs progénitures, le réalisateur semblant vouloir dire qu’ici les parents sont aussi responsables de la dérive. D’ailleurs, les parents de Sabina affirment que c’est parce qu’ils l’ont adopté qu’elle s’est suicidée. Elle venait de l’apprendre. Les parents, l’école, la sensibilité, la peur de l’avenir, le trou noir… Voilà sûrement mille raisons pour Sabina d’avoir voulu quitter le monde. Se laisser couler et délaisser au vivant la responsabilité d’accomplir des rituels, de remplir leurs journées et de tenter de remonter le courant.

Avec de grosses faiblesses (des caricatures un peu énervantes principalement) dues certainement à la force de son propos, ici mis en scène comme une démonstration, Rok Bicek réalise un premier film sur le fil. Quelque chose entre la grâce de comprendre et la force de l’émotion. « Apprendre n’est pas savoir, vouloir n’est pas pouvoir ». C’est une des premières choses qu’explique Richard à ses nouveaux élèves. Son erreur aura été de les mépriser un peu au début, de ne pas chercher à les écouter. Il faut les deux tensions pour faire un homme : l’envie de comprendre, la joie de ressentir. Entre les deux, il y a des décisions à prendre, le droit à l’erreur et la peur d’être plongé dans un labyrinthe sans fin et de l’erreur qui entraînera l’exclusion. A la fin, le professeur explique, détaille, ne prend jamais le parti de la réaction à chaud et décide de ne pas accompagner ses élèves en voyage scolaire, moment de relâchement avant le grand bain de la vie d’adulte. On les quitte au milieu de l’eau, dans un bateau. Ils sont redevenus des adolescents parmi lesquels la figure fantomatique de Sabina se promène, comme un vieux rêve. Eux semblent comme apaisés.

Fiche Technique – L’Ennemi de la classe

Slovénie – 2014 / Titre original : Razredni sovraznikn
Date de sortie française : 4 mars 2015
Drame de Rok Bicek
Scénaristes : Nejc Gazvoda, Janez Lapajne, Rok Bicek
Interprètes : Igor Samobor (Richard), Natasa Barbara Gracner (Zdenka), Tjasa Zeleznik (Sasa),  Voranc Boh (Luka), Jan Zupancic (Tadej), Doroteja Nadrah (Mojac),Špela Novak  (Spela), Pia Korbar (Marusa)…Directeur de la photographie : Fabio Stoll
Montage : Rok Bicek et Janez Lapajne
Producteurs : Aiken Veronika Prosenc, Janez Lapajne
Distributeurs : Paname Distribution

L’Autriche n’est pas une terre fondamentalement reconnue pour la singularité de son cinéma. Quelques réalisateurs notables ici et là mais c’est un pays relativement discret, dont le fait le plus marquant de ces dernières années est d’avoir été le théâtre d’un sordide fait divers. Rappelez-vous l’enlèvement et la séquestration durant huit ans de Natascha Kampusch. Fait marquant encore bien ancré dans les mentalités locales (voire internationales), Goodnight Mommy en tire toute sa force et nous dessine le sombre reflet d’un pays qui n’a jamais su s’en relever.

Synopsis: Durant un été caniculaire, dans une maison de campagne, perdue au milieu des champs de maïs et des bois, des jumeaux de neuf ans attendent le retour de leur mère. Lorsqu’elle revient à la maison, la figure cachée par des bandages, suite à une chirurgie esthétique, ces derniers doutent de son identité…

De film contemplatif quasi-malickien, l’intrigue prend un nouveau virage en se muant en drame psychologique avant d’aboutir à un torture movie (et non pas porn) implacable. A la tête de leur premier long-métrage après avoir réalisé quelques courts et un documentaire, Veronika Franz et son acolyte Severyn Fiala ont eu le soutien de producteur d’Ulrich Seidl (Dogs Days, Import/Export, trilogie Paradis). Si Veronika Franz a pu compter sur le célèbre cinéaste autrichien, c’est par ce qu’ils sont avant tout très proche. En effet, elle est la scénariste de la quasi-totalité des films de Seidl. De fait, on y retrouve donc cette même identité visuelle, plus généralement singulière du cinéma autrichien. On pensera également au cinéma de Michael Haneke. Mais pour faire un bon film, il ne suffit pas de reproduire le travail des maîtres, il faut y apporter sa patte. Et c’est encore plus difficile avec un film de genre. Ça tombe bien, Goodnight Mommy est un véritable uppercut horrifique. Un tourbillon infernal dans lequel la violence s’immisce lentement jusqu’à pousser ses protagonistes dans leurs derniers retranchements.

Papyrus

Les esprits scientifiques sauront de quoi je veux parler avec le titre énigmatique ci-dessus. Pour cette raison, je vous déconseille de vous renseigner sur son sens avant d’avoir vu le film, sous peine de vous gâcher tout l’intérêt narratif du film. Bref. Goodnight Mommy, c’est trois acteurs, un huis-clos et des bandages. La recette pour obtenir un film autrichien horrifique et contemplatif mémorable. Dans une première séquence, une famille bavaroise toute droite sortie d’une publicité pour chocolats nous chante un air de boîte à musique. Cette toute première image casse déjà l’image de la famille modèle, ambiance faussement chaleureuse et filmée avec une pellicule abîmée qui lui donne un grain sale. La suite s’ouvre sur une villa d’architecte en rase campagne à la croisée d’un champ de maïs et d’une forêt sombre et épaisse, c’est là qu’on découvre ces deux jumeaux s’amusant des derniers jours de l’été. Pendant une partie du film, il n’y a qu’eux. Le film s’attarde sur la complicité des jumeaux, sur leur débrouillardise et leur hyperactivité. Ce sont surtout deux frangins qui ne se quittent jamais. Alors dès qu’une femme se disant être leur mère rentre à la maison, le visage recouvert de bandages, l’équilibre est troublée. Et si elle n’était pas leur mère ? D’un côté, il y a cette femme qui tente une première approche amicale avec les jumeaux alors que de l’autre côté, exténuée par leur refus de croire à son identité, elle se voit contrainte d’avoir recourt à une certaine maltraitance à l’égard de ces (ses ?) enfants. Toute l’intrigue tient en haleine par le fait que les interrogations du spectateur sont constamment remises en question. Est-ce-bien leur mère ? Pourquoi n’est-elle pas la bienvenue dans la maison ? Pourquoi personne d’autres ne semblent vivre dans le voisinage ? Pourquoi cette femme tient tant à séparer la fratrie ? Même si certaines zones d’ombres ne seront jamais éclairées, il faut reconnaître que l’écriture est assez fine, suffisamment juste dans la représentation de ces jumeaux soudés et qu’elle trouve un formidable parallèle avec sa mise en scène.

En effet, les deux réalisateurs évoquent Goodnight Mommy comme un film en miroir. Ce miroir, c’est celui où cette femme se regarde sans cesse avec le souvenir d’une vie passée. C’est également cette symbolique du double et donc des jumeaux qui sont pareils et différents à la fois. Dans une scène où les deux enfants sont face à face, se regardent et se coupent les cheveux, cela se situe pile au milieu du film, à la seconde près. Dans la première partie, de l’œil de la mère dans le miroir grossissant répond, dans la dernière partie, le plan de la loupe. Les réalisateurs se sont amusés à créer un parallèle scénaristique qui se retrouve jusque dans l’image. C’est brillant. La direction artistique est également à noter puisqu’elle fait contraster le naturel des extérieurs, ses jolies imperfections et ses fulgurances de beauté, avec le cadre d’une maison luxueuse et architecturale, trop lisse pour être vraie où les cafards s’y invitent occasionnellement. A l’instar de ce qui est arrivé à Natascha Kampusch, ce qui inspire le plus la peur, c’est le cadre anodin d’une maison familiale. Personne ne les entendra crier. Le film bascule ainsi dans l’horreur la plus effroyable et distille dans sa dernière partie des scènes de torture comme on en a rarement vu au cinéma. Comme si Funny Games rencontrait Hostel. A ce sens, la direction d’acteur est remarquable. Les jumeaux s’impliquent véritablement et semblent s’amuser devant la caméra, témoignant d’une sincérité notable et d’une performance touchante.

Même si on lui reprochera un rythme peut-être poussif, des maladresses et quelques incohérences, Goodnight Mommy est tout simplement brillant. Une pépite de genre toute droit venue d’Autriche, récompensée à Sitges et à deux reprises à Gérardmer. Derrière son apparence onirique et de conte de fées, les deux réalisateurs s’amusent à jouer avec les attentes des spectateurs. Une forme de mystère intrinsèque et de poésie macabre qui donnent toute son identité à ce drame familiale. Car avant d’être horreur, Goodnight Mommy est le portrait d’une famille détruite qui a perdu toute notion avec la réalité. Les réalisateurs vont jusqu’à faire venir le plus abominable de là où on ne l’attend pas venir. Si la toute-fin tombe dans l’explication outrancière de son retournement de situation, dès le générique finale, on n’a envie que d’une chose, le revoir ! Le film sera surement distribué dans une combinaison (très) limitée de salles nationales. Mais si les exploitants proches de chez vous osent le programmer, il serait dommage de passer à côté de ce que l’on verra de plus marquant en film d’épouvante au cinéma, à l’instar de It Follows en début d’année.

Fiche Technique : Goodnight Mommy

Titre original: Ich seh, Ich seh
Autriche
Genre: Drame, épouvante-horreur
Durée: 99min
Sortie en salles le 13 mai 2015

Réalisation: Veronika Franz & Severin Fiala
Scénario: Veronika Franz & Severin Fiala
Image : Martin Gschlacht
Décor : /
Costume: Tanja Hausner
Montage: Michael Palm
Musique : Olga Neuwirth
Producteur: Louis Oellerer, Ulrich Seidl
Production: Ulrich Seidl Film Produktion GmbH
Distributeur: Luminor
Budget : /
Festival: Méliès d’Argent au Festival International du Film de Sitges 2014, Prix du Jury Jeune et du Jury SyFy au Festival du Film Fantastique de Gérardmer 2015

Jupiter le destin de l’univers : une histoire à la fois trop et pas assez ambitieuse

Synopsis : des extraterrestres tentent d’assassiner Jupiter Jones (Mila Kunis), femme de ménage d’origine russe. La raison : elle est la réincarnation de la matriarche du millénaire clan Abrasax, qui possède de nombreuses planètes, dont la terre qui lui revient en héritage, ce qui pourrait modifier les équilibres de pouvoir entre les trois frères et sœurs. Son chemin pour réclamer son titre sera dangereux : elle pourra heureusement compter sur la protection de Cain Wise (Channing Tatum), un chasseur de prime aux talents légendaires.

Le cinéma d’auteur des Wachowski

Les Wachowski sont un cas à part dans l’industrie cinématographique. Après le succès du premier Matrix, tout le monde pensait assister à l’arrivée de nouveaux Steven Spielberg, capables de produire des films intelligents, spectaculaires et grand public. La cassure s’est pourtant opérée dès Matrix Reloaded et Revolutions : malgré des scènes épatantes comme celle de l’autoroute où de l’attaque des machines, le public n’a pas compris ou tout simplement pas aimé la direction prise par le scénario. La confiance n’a jamais été redonnée à Andy et Lana : Speed Racer a été un terrible échec, Cloud Atlas aussi (mais sur un sujet plus difficile). Jupiter : le destin de l’univers (un titre français assez étrange puisqu’il n’est question que de celui de la Terre) est peut-être leur dernière chance de réaliser un énorme blockbuster.

Ce projet a été lancé à une époque où chaque studio voulait un gros projet de science-fiction, ce qui en terme de box-office a donné des drames (John Carter, la stratégie Ender) des petites réussites (Edge of Tomorrow ou Pacific Rim, rentables grâce à l’international) et peu de gros cartons (les Gardiens de la galaxie, Interstellar). Malgré une bande annonce présentée fin 2013, le film n’est sorti qu’en ce début d’année dans un climat de scepticisme global.

Pourquoi ? Peut-être est-ce parce que malgré leur caractère grand public, les films des Wachowski sont des films très personnels, avec des thématiques fortes et récurrentes : volonté de mettre en avant des figures féminines fortes, intérêt pour l’idée de réincarnation et de destinée, lutte contre le capitalisme mangeur d’hommes, ou même cette étrange fascination pour les scènes qui se déroulent dans des toilettes. Même quand ils adaptent un matériel déjà existant, leur double casquette de réalisateur et de scénariste fait que l’on reconnaît immédiatement leur style, qui, on l’a vu fascine autant les uns qu’il ne repousse les autres.

Depuis Matrix Reloaded, les Wachowski ont la fâcheuse tendance à en vouloir trop oubliant le dicton : « le mieux est l’ennemi du bien ». En multipliant les épisodes sans les développer, ils créent un sentiment de trop et de trop peu chez le spectateur. On se souvient de l’épisode complètement bâclé de la synchronisation des trois capitaines dans Matrix Reloaded, de la dernière course de Speed Racer, ou des six segments qui composaient Cloud Atlas, chacun ayant assez de substance pour être un long métrage.

Une fois encore, il y a deux histoires dans les deux heures de Jupiter. La première est tout simplement un remake de Matrix : comme Néo, Jupiter l’élue exerce un travail qui l’abrutit et ne la laisse même pas rêver d’un avenir meilleur. Alors que des puissances supérieures veulent la tuer, elle est sauvée par un personnage mystérieux qui l’a cherchée toute sa vie et qui va lui révéler non seulement que les choses ne sont pas ce qu’elles semblent être, mais qu’elle se trouve au centre de tous les conflits.

Lorsque Cain et Jupiter arrivent à quitter la terre, le film bascule dans une deuxième histoire, celle de l’ascension promise par le titre américain. Mila Kunis va y rencontrer les trois membres de la famille Abrasax. Si les Wachowski disent s’être inspirés du magicien d’Oz, dans cette structure où Jupiter / Dorothy va d’un endroit étrange à l’autre alors qu’elle n’aspire qu’à rentrer chez elle, il est clair que nous sommes plus dans une structure d’album jeunesse que dans un scénario classique de film d’action. En effet chaque rencontre de Jupiter avec un Abrasax se déroule suivant le même schéma : elle se fait capturer, subit un moyen de pression différent, hésite, semble prête à accepter d’abdiquer son pouvoir quand arrive Channing Tatum pour la délivrer. Si Mila Kunis s’affirme un peu plus à chaque étape, elle reste malgré tout une demoiselle en détresse, ce qui est un peu surprenant voire décevant de la part des Wachowski.

Coïncidence intéressante, les trois Abrasax rappellent les trois Satan qui rendent visite à Baudelaire dans le poème : les tentations ou Eros, Plutus et la gloire : Kalique qui insiste sur le prestige de la famille pourrait être la gloire, Titus qui tente de la séduire serait Eros, et Balem serait Plutus, lui qui domine les peuples et les considère comme des matières premières à exploiter. Si cette comparaison n’était pas forcément à l’esprit des Wachowski (encore qu’il n’y aurait rien d’étonnant à ce qu’ils aient lu Baudelaire), elle marque le fait que l’ascension de Jupiter n’est pas à prendre au sens de la puissance mais de la morale : Jupiter résistera-t-elle à la tentation de devenir maître du monde où restera-t-elle la même ?

Ce mélange d’enjeux moraux et de space opéra aurait pu créer une trame passionnante : il représente pourtant le grand échec du film. Les Wachowski sont passés maîtres dans l’art de créer des situations intéressantes qu’ils vont exploiter d’une manière surprenante voire décevante. A l’image d’une trilogie Matrix qui nous laissait croire à un hymne à la rébellion pour aboutir à un traité sur la liberté et la nécessité, Jupiter pose tous les éléments d’une lutte de pouvoir façon Trône de fer entre les Abrasax avec une héroïne qui servirait d’arbitre, reprenant peu à peu sa place de matriarche, et décide de ne rien en faire, chaque personnage secondaire disparaissant dès lors qu’il a accompli sa tâche.

Un choix qui a le malheur de donner l’impression d’un film à la trop rempli (deux intrigues), trop répétitif (situations qui se répètent) et trop vide (impression finale de tout ça pour ça).

Un film d’un mauvais goût somptueux

Cette idée de trop et de trop peu transparaît aussi dans la réalisation. Si Jupiter est le plus conventionnel des films des Wachowski, il contient malgré tout plus d’idées visuelles que la plupart des blockbusters de l’année dernière mis bout-à-bout. Les deux réalisateurs ne se donnent pas de limite, et surtout pas celle du bon goût, multipliant les ambiances toutes plus grandiloquentes les unes que les autres. On y voit des chasseurs de prime tout droit sortis d’un clip de Rob Zombie, des palais galactiques de style renaissance ornés de statues dépassant la dizaines de mètre, un dédale administratif digne de la maison des fous d’Astérix, des méchants dinosaures, des abeilles et un méchant qui se fait transporter tel un phararon égyptien. On se trouve constamment dans un univers qui évoque aussi bien les bande dessinée publiées dans Métal Hurlant qu’un défilé de mode galactique.

Si Jupiter, le personnage principal, est malheureusement fade dans sa caractérisation et son interprétation, les deux personnages les plus intéressants, Balem et Caine, se caractérisent par ce mélange de mauvais goût absurde et de démesure.

Eddie Redmayne vient de gagner l’oscar du meilleur acteur, mais ce n’est pas pour son interprétation de Balem. Plus cruel que les cruels, et en même temps fils fragile aux pulsions oedipiennes, il est incarné d’une manière ultra-cabotine, son visage passant par toutes les expressions dans son décor de gaz et d’or. On ne pourra pas reprocher cet excès d’expressivité à Channing Tatum dont le principal jeu d’acteur dans ce film est lié à son beau torse musclé. Le génie de son personnage d’homme chien aux oreilles d’elfe tient à un accessoire aussi fantastique que navrant : des patins anti-gravité. Ces chaussures lui permettent de voler, d’avancer plus vite, et de marcher sur les murs, permettant des chorégraphies intéressantes et surtout une verticalité et une utilisation de l’effet de profondeur de la 3D qui sont au cœur de la meilleure scène d’action du film. Affrontant des chasseurs de prime dans le ciel de Chicago, sauvant une Jupiter en chute libre constante, volant d’un vaisseau à l’autre, Caine virevolte à l’écran dans une séquence complètement folle qui nous rappelle que, quand ils le veulent, les Wachowski n’ont que peu de rivaux d’un point de vue visuel.

Si l’idée de ces chaussures est remarquable, pourquoi avoir absolument tenu à ce que Channing Tatum mime des mouvements de patins à roulette, le torse nu sous son imperméable, ce qui lui donne l’aspect et la démarche d’un héros de série B des années 80 ?

Dernier reproche enfin que l’on pourra faire : le film manque d’une certaine gradation dans l’action : aucune scène de la seconde partie ne sera à la hauteur de ce que l’on a vu dans la première. On verra pourtant bien Channing Tatum affronter des milliers de drones ou provoquer la destruction d’une ville entière suite à un enchaînement assez hasardeux, mais toutes ces scènes semblent un peu précipitées, comme si toutes les idées avaient été épuisées dans la conception des décors.

Jupiter : le déclin des Wachowski

Si les Wachowski comptaient sur Jupiter : le destin de l’univers pour se relancer, son échec critique et publique pourrait signifier la fin de leurs ambitions. Pourtant, malgré ses énormes défauts, il s’agit d’un film attachant, car ses auteurs ont des idées et du talent.

Il est d’ailleurs intéressant de le comparer aux Gardiens de la galaxie : là où Marvel a trouvé la stratégie adéquate pour vendre un film classique mais parfaitement écrit et exécuté, la Warner n’a pas su intéresser le public pour un film qui oscille constamment entre le sublime et le ridicule, tiraillé entre sa volonté d’écriture Hollywoodienne classique et une ambition démesurée.

Il s’agit donc d’un film auquel on ne peut objectivement pas donner une très bonne note mais que l’on a malgré tout envie de vous conseiller, parce que les Wachowski sont ces créateurs de prototype qui ne fonctionnent pas toujours vraiment mais qui préfigurent du futur.

Espérons donc qu’en passant au format série avec Sens8 pour Netflix, prévu pour mai – juin de cette année, ils nous donnent quelque chose que nous puissions aimer sans réserve, comme si l’on était de nouveau en 1999.

Jupiter : Bande annonce

Fiche Technique : Jupiter : le destin de l’univers

Etats-Unis – 2015
Titre original : Jupiter ascending
Réalisation: Andy et Lana Wachowski
Scénario: Andy et Lana Wachowski
Interprétation: Mila Kunis (Jupiter), Channing Tatum (Caine Wise), Eddie Redmayne (Balem Abrasax), Douglas Booth (Titus Abrasax), Tuppence Middleton (Kalique Abrasax)
Date de sortie: 4 février 2015
Durée: 02h07
Genre : Science fiction, space opera
Chef-opérateur: John Toll
Compositeur : Michael Giacchino
Monteur : Alexander Berner
Producteur: Grant Hill, Andy et Lana Wachowski
Production: Village Roadshow Pictures, Warner Bros

Kingsman : Services secrets, Un divertissement qui aurait mérité d’être bien plus délirant

Synopsis : Eggsy est un jeune adolescent vivant de larcins depuis la mort de son père qui, après une nuit en garde à vue, croise le chemin de Harry Hart, un membre de l’agence d’espionnage KINGSMAN, venu tenir la promesse faite à son père en l’entraînant dans l’univers des services secrets. Pendant qu’Eggsy enchaîne des exercices pour le moins mortels, l’agence tente de son côté d’élucider la mystérieuse mort d’un de ses espions, liée aux activités de Richmond Valentine, un puissant et riche homme d’affaires…

Après un passage remarqué dans l’univers des super-héros (Kick-Ass, X-Men : le Commencement), le réalisateur britannique Matthew Vaughn se tourne cette fois-ci vers le monde de l’espionnage, en adaptant un nouveau comic book de Mark Millar (auteur de Kick-Ass) intitulé The Secret Service. Un projet qui semble porter ses fruits, à la vue des nombreuses critiques élogieuses accompagnant sa sortie, allant du « jouissif » au « jubilatoire » en passant par « classe et trash ». En même temps, c’est ce que le public se doit d’attendre d’un divertissement signé Matthew Vaughn ! Mais est-ce que finalement, Kingsman mérite-t-il autant d’intérêt ?

À voir la bande-annonce du film, il est indéniable que l’objectif principal du cinéaste ait été d’initier une toute nouvelle franchise pour relancer un genre cinématographique en perdition (l’espionnage), tout en essayant de faire du neuf avec du vieux. Il reprend ainsi tout ce qui a fait le succès de la saga maîtresse du genre (James Bond), à savoir le charme et la classe british représentée par ces agents habitués des beaux costumes et bonnes manières devant affronter un grand vilain au plan diabolique visant à détruire le monde, pour mélanger le tout à son côté trash et décontracté qui ont fait la réputation de ce réalisateur. Ainsi, le spectateur est en droit d’attendre de Kingsman une sorte de parodie totalement déjantée qui doit, en plus de cela, divertir un maximum avec les moyens du bord (un budget de 81 millions de dollars). Pari en quelque sorte réussi, non sans accrocs.

Dès les premières secondes du film, un mini générique explosif accompagné des guitares de Dire Staits, la couleur est annoncée : Kingsman n’est rien d’autre qu’un divertissement fun et jouissif. Et il suffit de voir les personnages, dont un antagoniste hors norme (qui ne supporte ni la violence ni la vue du sang) et de son acolyte déjanté (une femme aux prothèses tranchantes), et des situations totalement déjantées pour comprendre que la simplicité du scénario n’est pas la principale préoccupation de Matthew Vaughn. Ici, tout est justement prétexte à utiliser de très grosses ficelles du cinéma d’espionnage pour à la fois s’en moquer et s’en servir afin de livrer au public un spectacle détonnant qui balance entre humour noir et séquences d’action à la Quentin Tarantino n’ayant pas peur du gore. Allié à la mise en scène très « punchy » à la limite du jeu vidéo du réalisateur et à sa manière d’utiliser tous ces petits détails pour en faire ressortir l’essence comique, Kingsman saura en séduire plus d’un, se présentant pour le coup comme le blockbuster tant attendu de ce début d’année. Et ce n’est pas le prestigieux casting qui viendra dire le contraire, ce dernier proposant tout un lot de célébrités parfaitement à l’aise dans leur rôle respectif : un Colin Firth à la grande classe, un Samuel L. Jackson hilarant, un Mark Strong au top…

Cependant, un sentiment de frustration se fait ressentir lorsque le générique de fin pointe le bout de son nez. Celle de ne pas avoir vu un film qui, comme l’annonçait les critiques et la promotion, se lâchait totalement. En effet, pour en arriver à un final décérébré (vu la scène, c’est le cas de le dire), il a fallu au préalable passer par l’apprentissage du personnage principal, un jeune voyou qui se retrouve propulsé dans l’univers de l’espionnage malgré lui dont il doit en assimilé les techniques et les rouages. Une partie du film qui fait donc intervenir des adolescents et qui entraîne du coup le spectateur dans un enchaînement de situations dans lesquels ces protagonistes vont être mis à rude épreuve. Ce genre de trame vous dit quelque chose ? Eh bien il suffit de repenser aux récents La stratégie Ender et Divergente pour se rendre compte que même Matthew Vaughn n’a pas su éviter un passage qui sonne affreusement cliché et mille fois vu dans les films pour adolescents. Le pire dans tout cela, c’est que cette fameuse partie plutôt longue (au moins une heure sur les 129 minutes du projet) fait tâche à l’ensemble du long-métrage, se prenant bien trop au sérieux alors que Kingsman se présente pourtant comme un divertissement complètement barré. Et même si quelques situations cocasses font patienter jusqu’à un dénouement tant espéré, l’ennui se fait pourtant sentir. Ne concentrer la trame que sur l’enquête et le plan machiavélique du grand méchant aurait sans doute été plus judicieux que de perdre son temps inutilement pour donner à Kingsman une impression de film pour adolescents qui ne lui va pas, et ce même si les jeunes interprètes (Taron Egerton en tête) s’en sortent honorablement.

Un malheureux constat qui vient ternir les nombreux éloges faits à ce film, qui mérite pourtant le coup d’œil en se présentant comme un divertissement de bonne facture. Mais le résultat aurait pu se montrer bien plus détonnant que cela si la partie adolescente avait été mise de côté, au profit des situations délirantes et spectaculaires que propose Kingsman. Étant donné qu’il s’agit de l’introduction d’une nouvelle franchise hollywoodienne, il ne reste plus qu’à espérer que le second opus, s’il se fait, saura corriger cela.

Kingsman : Services secrets : Bande-annonce

 Kingsman : Services secrets : Fiche technique

Titre original : Kingsman : The Secret Service
Réalisation : Matthew Vaughn
Scénario : Matthew Vaughn et Jane Goldman, d’après le comic book de Mark Millar et Dave Gibbons
Interprétation : Colin Firth (Harry Hart/Galahad), Taron Egerton (Gary « Eggsy » Unwin), Samuel L. Jackson (Richmond Valentine), Mark Strong (Merlin), Sofia Boutella (Gazelle), Sophie Cookson (Roxy), Michael Caine (Arthur/Chester King), Geoff Bell (Dean)…
Image : Georg Richmond
Décors : Andrew Ackland-Snow
Costumes : Arianne Phillips
Montage : Conrad Buff et Eddie Hamilton
Musique : Henry Jackman et Matthew Margeson
Budget :  81 M$
Producteurs : Matthew Vaughn, Adam Bohling et David Reid
Productions : 20th Century Fox et Marv Films
Distributeur : 20th Century Fox France
Durée : 129 minutes
Genres : Espionnage, action, comédie
Date de sortie : 18 février 2015
États-Unis, Royaume-Uni – 2015