LeMagduCiné

Palo Alto :  Critique stéréotypée, aiguë et troublante de la jeunesse américaine

Un nouveau membre de la famille Coppola rejoint le cercle assez fermé du cinéma. Il s’agit de Gia Coppola, petite fille de Francis Ford, le réalisateur du désormais culte, Le parrain. Gia nous offre, pour sa toute première réalisation, une critique de la jeunesse américaine avec quatre adolescents, Teddy, April, Fred et Emily. Nous suivons leur parcours à la découverte du monde et de ses limites où l’alcool, la drogue et le sexe trompent leur ennui.

Cependant, nous pouvons tout d’abord faire un rapprochement totalement justifié avec une, si ce n’est la meilleure œuvre de sa tante, Sofia Coppola, Virgin suicides, qui critique également la jeunesse américaine avec une adolescente souffrante et dépressive à laquelle nous pouvons rattacher April, le personnage joué par la juste et sublime Emma Roberts. Toutefois, la comparaison s’arrête là, le film étant une adaptation d’une nouvelle de l’acteur James Franco, jouant à merveille, comme d’habitude le rôle assez ingrat d’un professeur de football attiré par ses joueuses lycéennes, en particulier April, qui est au premier abord séduite, mais appréhende au final la partie incestueuse de leur relation, et renonce à cette idylle. Les autres personnages, surtout Fred et Teddy, joué respectivement par Nat Wolff (honorable) et Jack Kilmer, le fils de Val Kilmer, un acteur pépite, qui décollera assurément dans les années à venir. A noter le caméo du papa Val Kilmer, jouant le beau-père de April.

Gia Coppola ne cherche pas la facilité avec son premier long métrage malgré la comparaison inévitable avec la technique scénique de sa tante, dont elle s’inspire sur beaucoup de points. Nous retrouvons en premier plan le spleen des ados des classes aisées, thème récurant dans les longs métrages de Sofia Coppola. Cependant, Gia a aussi son propre tempérament en essayant honorablement de renier difficilement ses envahissantes influences familiales. A partir de là, plutôt que de s’inspirer de son aînée, elle crée un pont qui passe par Virgin Suicides bien évidement mais aussi à des films de son grand père Francis Ford, où l’exemple le plus approprié serait Outsiders, même si le contexte est différent.

Nous en restons au final intrigué, quelque fois abasourdi ou repu, notamment lorsque le récit devient malheureusement trop stéréotypé pour être apprécié. Les scènes de soirées enchaînent les clichés, plus abrutissants les uns que les autres, envers la future génération. Nous noterons également la lourde inclusion de scènes de sexe brut, ou celles où la beuverie est un loisir et la drogue, une banalité.

Synopsis: Piégés dans le confort de leur banlieue chic, Teddy, April, Fred et Emily, adolescents livrés à eux-mêmes, cherchent leur place dans le monde. Ils ont soif de sensations fortes et testent leurs limites. L’alcool, les drogues et le sexe trompent leur ennui. Ils errent sans but dans les rues ombragées de Palo Alto incapables de voir clair dans le tourbillon confus de leurs émotions. Sauront-ils éviter les dangers du monde réel?

Fiche technique: Palo Alto

Small Soldiers de Joe Dante : Les résines de la colère

Quand des figurines sont dotées de puces électroniques militaires dernier cri, la guerre ne peut qu’éclater entre soldats et Gorgonites, et elle sera violente pour tout ce qui est fait de résine! L’humanité est-elle à l’abri pour autant?

Mené tambour battant par un Chip Hazard charismatique (merci la voix rauque de Tommy Lee Jones), l’aventure prend rapidement une tournure épique grâce à des effets visuels particulièrement soignés. Stan Winston est dans la place et cela se ressent, il n’y a qu’à voir ces animations au top pour des figurines douées de conscience, et aux déplacements plus vrais que nature. Pour en revenir au voice acting, Sarah Michelle Gellar et Christina Ricci sont aussi de la partie, elles sont survoltées et nous gratifient de leur voix hystérique tout au long de certaines des séquences les plus drôles du film. Et comment ne pas évoquer la présence d’une partie des 12 salopards d’Aldrich, de nouveau réunis plus de 30 ans après (Ernest Borgnine, Clint Walker, George Kennedy, Jim Brown. Richard Jaeckel était prévu lui aussi, le destin en a décidé autrement, il décèdera durant le tournage et sera remplacé par Bruce Dern).

L’histoire en elle-même n’est pas forcément mémorable. Heureusement, la distribution assure le show en y croyant dur comme fer. Gregory Smith, qui sera le fils de Mel Gibson et le frère d’Heath Ledger dans The Patriot deux ans plus tard, campe brillamment l’ado en difficulté, amoureux éconduit, victime d’un conflit paternel en prime. Une toute jeune Kirsten Dunst s’entraîne à faire des bisous à un gamin avant d’embrasser Spidey, on fait ce qu’on peut pour tisser sa toile. Les autres s’en sortent bien aussi, Kevin Dunn en tête. Et puis comment ne pas avoir une pensée pour l’excellent Phil Hartman, au destin si tragique à l’heure où le film débarquait en salles. Face à des jouets qui en imposent tant, les acteurs sont donc loin de faire pâle figur(ine).

Dans Small Soldiers, les références à d’autres œuvres au travers de scènes, d’une musique, d’une réplique, sont nombreuses. Parfois le résultat est trop appuyé (Frankenstein). Joe Dante parvient aussi à davantage de subtilité pour des films comme Apocalypse Now, Piranhas ou encore Gremlins (ces deux derniers étant ses propres progénitures). Un paquet d’autres clins d’œil sont à découvrir tout au long de l’heure cinquante du film, plutôt bien rythmée dans l’ensemble.

La véritable prouesse de Small Soldiers est de faire décrocher un paquet de sourires. Nous attendions à un film à budget honorable avec un rendu de série Z, et ce n’est pas exactement ce que nous obtenons ici. Retomber en enfance tout en offrant plusieurs niveaux de lecture, tel est le programme proposé par le géniteur de l’Aventure Intérieure. De la petite histoire gentillette pour enfants au film d’action burné et à la punch line acérée, en passant par une satire de l’Amérique, de la société de consommation façon World Company et enfin de la guerre, dans tout ce qu’elle présente de plus néfaste, take your pick!.

La bande son quant à elle, est excellente (du Led Zeppelin, du Queen, du Wagner…). Pour ne rien gâcher, Jerry Goldsmith nous balance quelques thèmes franchement sympathiques, une reprise mémorable de « When Johnny Comes Marching Home » en prime ! Pour couronner le tout, Small Soldiers se pare d’humour par palettes, grâce à son lot de situations rocambolesques, nous montrant des figurines en mode A-Team ayant fabriqué des engins militaires sur un skateboard et tant d’autres choses. Grâce à une foultitude de dialogues parsemés de pépites aussi, en VO tout du moins, à l’image de la « guerre psychologique », ou encore la rencontre entre Archer, le Gorgonite, et Alan, le jeune héros: « Archer: what’s your name? » Alan: « Alan. Now shut up ! » Archer: « greetings, Alannowshutup ».

Small Soldiers propose donc un divertissement léger, fun, et rempli de figurines hargneuses. Une aventure à suivre seul ou en famille. Merci Mister Dante ! A ce que j’ai pu voir, toi aussi tu t’es bien amusé avec tes GI, Joe !

Synopsis: Alan Abernathy est un adolescent trop remuant pour la petite bourgade de l’Ohio où il habite. Expulsé du lycée pour une innocente plaisanterie, il aimerait se racheter aux yeux de son père, marchand de jouets. Un jour où son père part en voyage d’affaires, il prend sur lui de renouveler un stock de jouets désuets. C’est ainsi qu’il obtient une douzaine de figurines d’action : un commando d’élite super-musclé et une tribu de monstres patauds, les Gorgonites. Comment pouvait-il se douter que ces charmants jouets étaient programmés pour s’entretuer et semer la panique ?

Fiche Technique : Small Soldiers

Réalisateur: Joe Dante
Scénario: Gavin Scott, Adam Rifkin, Ted Elliott, Terry Rossio
Interprétation: Gregory Smith, Kirsten Dunst, Kevin Dunn, Phil Hartman, Tommy Lee Jones (voix), Ernest Borgnine (voix)
Durée: 1h48
Budget: 40M $
Directeur de la photographie: Jamie Anderson
Musique: Jerry Goldsmith
Effets spéciaux animatronic: Stan Winston
Production: Amblin Entertainment, Dreamworks Pictures, Universal Pictures
Distribution (France): United International Pictures

Auteur de la critique : Sébastien

2 Jours 1 Nuit : Une fresque sociale à fleur de peau portée par le talent de Marion Cotillard

Ça commence par un visage. Fatigué. Endormi. Abattu. Ce visage, c’est celui de Sandra, modeste employée d’une entreprise de panneau solaire qui va être confrontée à la sauvagerie et l’âpreté du monde contemporain lorsqu’elle apprend son licenciement, obtenu suite à un vote effectué par ses collègues de travail, devant choisir entre son renvoi ou une prime. Bénéficiant d’un sursis d’un weekend, 2 jours et 1 nuit (les frères Dardenne ont toujours opté pour des titres évocateurs et simplistes), celle-ci va, a l’instar d’un Henry Fonda dans le mythique 12 Hommes en Colère, tenter de rallier à sa cause ces mêmes collègues ayant voté pour son renvoi.

Un personnage principal féminin, une thématique sociale forte, un minimalisme de la production apparent : nous sommes bien dans un film des frères Dardenne. Tandem de réalisateurs belges connus pour figurer dans la courte liste des doubles récipiendaires de la Palme d’Or, au même titre que Francis Ford Coppola ou Emir Kusturica, ils demeurent en compagnie de Mike Leigh ou plus indirectement Abdellatif Kechiche, les chefs de file du cinéma social européen et aussi les maîtres de la représentation du vrai.

Point de sous-entendu philosophique, mais plus la propension, la dextérité que ces cinéastes ont de capter l’instant présent, de saisir le vrai. Le cinéma des Dardenne est un cinéma brut, dépouillé de tout vernis ou artifices, un cinéma qui ne glorifie pas ou ne soumet pas au misérabilisme ses personnages. Un cinéma qui dresse des personnes, face à l’adversité d’un monde devenu impitoyable, gangrené par la crise économique, les difficultés, la peur et l’incertitude. En somme un cinéma poussant jusqu’à son paroxysme l’aspect social.

Un aspect maintes et maintes fois étudié dans leur filmographie mais jamais répété. Que ça soit l’errance d’une jeune femme à la recherche de travail dans Rosetta, les problèmes relatifs à l’insertion dans Le Fils, la précarité et les choix désespérés qu’on est prêt à faire pour en sortir dans L’Enfant, ou la filiation dans Le Gamin à Vélo, cette thématique rend compte d’une certaine manière de la vision du cinéma qu’entretiennent ces deux réalisateurs. Une vision qui se veut davantage contemplative que lucrative et qui de fait, privilégie un style intimiste, un style personnel doublée d’une simplicité et d’une profondeur paradoxale et très loin des figures attendues du cinéma social ou musiques larmoyantes et intrigues complexes sont légions.

Deux Jours, Une Nuit, perpétue cette image d’un monde où règne l’adversité et où la vie est un combat tant celui auquel se confronte Sandra parait sans issue !

Ce quasi chemin de croix auquel elle doit se plier, ce devoir de mendiante dont elle doit s’acquitter, cet espoir de susciter par sa demande la compassion et non pas la pitié, illustre les ravages de la crise économique, événement ayant fait resurgir des sentiments aussi primaires que l’égoïsme, la haine et le mépris et ayant conduit à la situation où elle se retrouve empêtrée.

Pourtant l’espoir subsiste. C’est bel et bien l’espoir, l’espoir de continuer pour réussir à conserver son emploi, l’espoir de voir ses collègues accepter en guise d’humanité l’abandon de cette prime qui leur est résolument nécessaire, qui pousse Sandra dans ses derniers retranchements, qui l’oblige à tout tenter. Un espoir également apporté par le rôle de Fabrizio Rongione, qui à l’instar du spectateur que nous sommes, veut y croire, comptabilise les voix obtenues et celles qui reste à obtenir, veut croire que l’égoïsme peut s’effacer face à l’humanité revendiquée par Sandra. Pour incarner cette femme, presque droguée au Xanax et toute droite sortie de dépression, les frères Dardenne, ont une fois de plus réussi à trouver la personne au diapason de ce plaidoyer sur la dignité : Marion Cotillard !

Encore raillée outre-Atlantique pour sa mort grotesque dans le dernier volet de Batman, Cotillard opère ici rien de moins qu’une renaissance tant la prestation qu’elle dégage est désarmante de sincérité. Cette sincérité est grandement due au traitement de son personnage. Cette fois-ci, point de costumes grimés Dior, de maquillage tape à l’œil ou démarche envoutante, la Sandra que joue Cotillard n’est qu’un personnage de plus sur l’autel du désespoir érigé par les Dardenne. Jean délavé, et simple débardeur sur le dos, presque mise à nu, Marion Cotillard peut ici exprimer son talent, qui indéniablement devrait être mieux reconnu dans son pays tant celui-ci est grand !
Un talent qui jusqu’à un final quoique surprenant et décevant, ne faiblit pas et rend incroyablement humaine cette nouvelle incursion des frères Dardenne dans le milieu social.

Synopsis: Un jour, un chef d’entreprise demande à ses employés de choisir entre leur prime annuelle de mille euros ou virer une de leurs collègues, Sandra. Cette femme qui fait parfaitement son travail ne supporte pas l’injustice qu’on lui fait. Sans formation, elle ne peut pas se permettre de perdre son emploi. Soutenu par Manu, son mari, elle va alors tenter de convaincre ses collaborateurs de renoncer à leur prime pour qu’elle puisse rester dans l’entreprise. Elle ne dispose que d’un week-end pour les persuader. Si certains de ses collègues acceptent sans hésiter, d’autres, aux fins de mois difficiles, renâclent et refusent de l’aider…

Fiche Technique : Deux jours, une nuit

Réalisateurs: Jean-Pierre et Luc Dardenne
Scénaristes: Jean-Pierre et Luc Dardenne
Casting: Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Pili Brise-lames, Simon Caudry, Catherine Salée, Baptiste Sornin, Timur Magomedgadzhiev, Philippe Jeusette, Christelle Cornil, Serge Koto, Olivier Gourmet
Nationalité: Français, Belge
Genre: Drame
Date de sortie: 21 Mai 2014
Producteurs: Jean-Pierre et Luc Dardenne, Denis Freyd
Producteur exécutif: Delphine Tomson
Directeur de la photographie: Alain Marcoen
Chef décorateur: Igor Gabriel
Costumière: Maira Ramedhan-Levi
Éditeur: Marie-Hélène Dozo

Tristesse Club : Le club des joyeux dépressifs

Synopsis: Si vous aimez les jeux de pistes, les vieilles Porsche, les sœurs qui n’en sont pas, les pères pas vraiment morts, les lacs et leurs secrets: bienvenue au club.

Fraîchement diplômé de la FEMIS en 2009 en section scénario, Vincent Mariette n’a pas tardé avant de se lancer dans l’écriture et la réalisation de courts métrages. Et il n’a pas chômé puisqu’en trois ans, il a officié sur cinq courts métrages dont trois en étant également le réalisateur. Il a acquis la notoriété au sein de la profession avec Les Lézards, nommé aux Césars cette année. Ce huis-clos beau et amusant a contribué à la popularité de Vincent Macaigne, l’un des espoirs français les plus charismatiques du moment et a surtout conforté le réalisateur dans son envie de continuer et de se montrer toujours plus ambitieux. Sorti flatté et grandi d’un accueil critique ravi, Vincent Mariette se lance dans la réalisation de son premier long métrage, une version développée d’un travail de fin d’études. Tristesse Club est une sorte de road-trip dépressif farfelu au casting ravissant qui sonne comme une vieille chanson de Michel Houellebeck.

Déjà présent dans les premiers projets de Vincent Mariette, Vincent Macaigne et Noemie Lvovsky retrouvent le réalisateur sur ce premier long, accompagné de deux nouveaux, Ludivine Sagnier qu’on n’avait pas revue depuis Amour et Turbulences et Laurent Laffite, éternel abonné des comédies mais ici dans un rôle à contre-courant. Jamais il n’a été aussi juste et bon dans ce personnage de Léon, un salaud d’une beaufitude déconcertante, tirant sans cesse la tronche et coincé dans la pire des galères. Avant d’évoquer les ressorts scénaristiques, il faut rester un instant sur ces acteurs tous plus bons les uns que les autres. Laurent Laffite développe véritablement son personnage, et l’emmène dans une constante évolution amenant un vrai sentiment d’empathie. Son frangin Bruno, interprété par l’irrésistible Vincent Macaigne donne un ton juste qui oscille entre l’éternel mélancolique et le blasé touchant. Vincent Mariette qui l’a rencontré lors d’un festival lui avait proposé le rôle des Lézards car il avait été impressionné par cette puissance contenue dans son phrasé, sa gestuelle et ce « quelque chose de phénoménal » chez Macaigne. On ne doute pas que cette amitié va continuer après ce film. Cette vraie-fausse bromance entre ces deux personnages singuliers se verra perturber par l’arrivée d’une sœur inconnue jouée tout en sensualité, subtilité et douceur par une Ludivine Sagnier charmante. Un trio de joyeux gais lurons qui ont tous une profonde tristesse ancrée en eux, rendant le film aussi loufoque que mélancolique.

Car derrière ce road-trip quasi-statique à la recherche d’un père disparu, Tristesse Club est un film qui n’est jamais à mourir de rire. C’est davantage un long métrage qui trouve ses qualités dans ses subtilités, ses dialogues, ses retournements de situations, ses rencontres avec des personnages atypiques. Il n’y a pas la « punchline » qui fera pouffer de rire la salle, mais davantage le ridicule d’une situation qui provoquera des sourires aussi gênés que malicieux. Vincent Mariette aborde un cinéma du détail, de la subtilité. Il n’insiste jamais sur les éléments qui seraient susceptibles d’apporter une bonne tranche de rire. Il suffit de voir l’arrivée de ce trio familial dans la maison d’une des maîtresses de leur père, jouée par une Noémie Lvovsky aussi insensée que suicidaire.

La maison renferme un cadre d’une sobriété totale, très cosy au sein duquel se dégage des tableaux mettant en scène des pénis sculptés en plâtre. De fait, la plus dépressive des discussions prend une tournure ridicule avec ce détail visible mais jamais focalisé dans le cadre, et c’est cela qui apporte une vraie tournure comique au film. Comme cette obsession du réalisateur pour les animaux empaillés. Des chiens, des chats et même un dodo, cet oiseau préhistorique disparu. Les personnages se bloquent sans cesse dans une sphère du mensonge où l’autre sait mais se tait, préférant tempérer et ne jamais décevoir. Lorsque les révélations éclatent, c’est là que le film tient ses moments les plus émouvants.

A force d’osciller entre le rire et le drame, Tristesse Club prend le risque de ne jamais trouver le ton juste. Un public non averti ressortira de la séance avec un goût d’amertume même si le titre est d’une incroyable justesse tant il symbolise le chagrin et le ton léger. Il est vrai que le film donne l’impression d’une suite de sketchs lié par un fil narratif mais qui peut s’avérer découpé en quatre, cinq courts métrages. Peut-être cette manie du format court qu’il vient seulement de quitter pour le long, qu’il ne maîtrise pas encore. De même que le film manque cruellement de rythme mais se voit compensé par l’interprétation des acteurs qui portent véritablement le film. Tout en contemplation, Tristesse Club prend le temps de poser son regard sur cet environnement savoisien et ses personnages perdus. Un parti-pris qui en déstabilisera certains.

A l’inverse, cette obsession de tout vouloir réguler dans le cadre se ressent dans une mise en scène parfaitement maîtrisée, stylisée sans jamais être prétentieuse. Vincent Mariette a toujours affirmé sa reconnaissance pour le cinéma de Noah Baumbach ou Wes Anderson et cela se ressent dans de très nombreux plans, notamment certains travellings amenés en douceur qui voit la caméra reculer de manière à peine perceptible tandis que l’action au centre est particulièrement mouvementée. Un joli effet de mise en scène que les puristes apprécieront. Si l’ombre de Wes Anderson plane au-dessus du film, la symétrie n’est pas de l’ordre de Vincent Mariette qui s’avère être l’élève ayant encore beaucoup à apprendre du maître et surtout de ses expériences. Une lumière envoûtante ajoute cependant un vrai cachet au film tandis que la bande-son offre quelques très bons morceaux mélancoliques au synthé. Tout ce travail technique contribue à la construction de l’univers du film qui tend aussi bien vers le drame familial que le buddy movie. Un récit au ton léger mais au propos rigoureux qui invoque une réflexion sur la famille, la mort, le passé. Tous les personnages ne sont au fond qu’une bande de ratés, de dépressifs touchants avec qui l’on a envie de partager un moment et de les accompagner dans cette éprouvante réconciliation.

Lorsque l’on quitte le Tristesse Club au détour d’un plan final sublime, on ressort bousculé de cette prise de risque d’un cinéma français qui bouscule les codes et ose la subtilité à la lourdeur d’une comédie populaire normée. Cette comédie douce-amère est la suite d’une production française qui revendique son existence avec des réalisateurs comme Guillaume Brac (Un monde sans femmes), Sebastien Betbeder (2 automnes 3 hivers), Justine Triet (La Bataille de Solférino) ou le génial Antonin Peretjatko (La Fille du 14 Juillet). Des films sensibles, poignants, parfois terriblement drôles, parfois pas mais qui donne l’impression d’une nouvelle vague d’un cinéma de genre qui manquait cruellement à la France. Tristesse Club est un petit film déconcertant mais également un petit objet filmique plaisant qui témoigne d’un amour insatiable pour le cinéma. C’est fait avec suffisamment de cœur et de passion pour y jeter un coup d’œil. Vincent Mariette parle déjà d’un projet d’écriture en cours. On ne peut qu’être confiant à l’avenir pour ce petit gars, jeune espoir du cinéma français.

Fiche Technique : Tristesse Club

France – 2014

S’il y a bien un film à aller voir dans cette pleine saison bourrée de blockbusters de plus ou moins bonne qualité, c’est bien cet Edge of  Tomorrow de l’inattendu Doug Liman dans le registre. Il faut dire que ces films d’espionnage (La Mort dans la Peau) ne reçoivent généralement pas l’aval de la critique comme en témoigne le médiocre Mr & Mrs Smith ou l’immangeable Jumper.

Doug Liman a tout du réalisateur à la sauvette capable du correct comme du très mauvais, mais il trouve avec Edge of Tomorrow un matériau formidable pour faire allusion à une culture vidéo ludique toujours plus présente dans la culture populaire, ainsi qu’un incroyable sujet de scénario qui fait rêver Hollywood depuis Un Jour sans Fin, l’éternel recommencement d’une journée.

Egde of Tomorrow : Restart : Un jour, cent fins

A l’inverse du récent X-Men : Days of Future Past qui traitait du voyage dans le temps et des conséquences dans le future avec l’incohérence la plus totale, Edge of Tomorrow a le mérite de ne traiter que le passé et son recommencement, ce qui permet d’éliminer d’office de nombreuses erreurs de cohérence scénaristique. Le film s’appuie avant tout sur le livre d’Hiroshi Sakurazaka, All You Need isKill, petite pépite de science-fiction japonaise selon les lecteurs.

Si la bande-annonce a déjà de bons éléments pour susciter le déplacement, il y a toujours cette crainte qu’Hollywood avec ses gros sabots ne s’approprie le matériau original pour n’en tirer qu’un film coûteux, désaxé, sans saveur et sans lien avec l’œuvre originale. Mais Edge of Tomorrow s’avère être une agréable surprise et un divertissement de très bonne facture agrémenté d’un scénario intéressant et de très nombreuses références vidéo ludiques. Il faut dire qu’avec sa caractéristique de recommencer sans cesse une journée, le film renvoie clairement au bouton « restart » d’un jeu vidéo qui permet de recommencer un niveau en prenant conscience de ses erreurs pour ne plus les commettre. Edge of Tomorrow tire son essence d’un niveau, tout ce qu’il y a de plus classique dans n’importe quel jeu vidéo, avec sa dose d’obstacles, d’ennemis à abattre et d’objectifs à remplir. Dans ce scénario autant que dans son traitement de l’action, les gamers y trouveront de nombreuses références à des jeux vidéo actuels, tel Gears of War ou Vanquish pour ma part. Certaines séquences sont typiquement calquées sur des genres vidéo ludiques précis, que ce soit la scène en avion à Paris qui renvoie à du rail-shooting ou plus généralement l’ensemble du film qui fait très Third Person Shooter.

Ces références crèvent l’écran mais permettent également au film d’exister pour ce qu’il est, un film de science-fiction et d’action efficace et maîtrisé. En ce qui concerne la mise en scène, on pourra pester contre l’aspect épileptique de certains moments du débarquement rendant l’ensemble parfois illisible. Difficile à dire si le cinéma dans lequel avait lieu la projection est responsable ou si la 3D du film est vraiment de mauvaise qualité mais il convient de recommander la simple version numérique du film. De plus, le film gère plutôt mal ses séquences en plein obscurité, certaines séquences de nuit étant totalement brouillonnes. Doug Liman a fait le pari d’omettre une vraie bande-son, un choix décrié par certains mais qui permet au contraire d’avoir affaire à un titanesque travail sonore sur les bruitages, rendant le film très immersif.

Edge of Tomorrow reste généreux en termes d’action, survolté et boosté à l’adrénaline, en particulier la séquence de débarquement très impressionnante. Sans aller jusqu’à la comparer avec celle du chef d’œuvre de Steven Spielberg comme certains l’ont fait. Du saut de l’hélicoptère jusqu’aux multiples morts à répétitions sur le champ de bataille, il s’agit là sans conteste de l’une des meilleures séquences du film. L’arrivée à Paris étant également très efficace. Sur ce point, le film en a vraiment dans le ventre et s’avère être le meilleur blockbuster de cette saison. De l’action débordante qui ravira assurément le public. Si Doug Liman et son équipe ne l’ont pas encore ouvertement mentionné en conférences et interviews, Edge of Tomorrow tombe dans le timing parfait des commémorations des 70 ans du débarquement. Le film se fait donc l’éloge et l’hommage d’une guerre désormais lointain souvenir mais qui continue de hanter. Dans ce sens, et les internationaux apprécieront, le conflit ne prend pas place aux Etats-Unis mais bel et bien en France ainsi qu’à Londres. Une approche moins américano-centrée qu’à l’accoutumée qui a le mérite d’exister et d’être mentionnée.

Il faud également compter sur la présence d’un personnage incarné par Emily Blunt au doux surnom de « l’Ange de Verdun », qui fait piqûre de rappel pour Jeanne d’Arc, La Pucelle d’Orléans. Beaucoup noteront également le plan vif et bref de notre président actuel. Bien que joué par un casting exclusivement anglo-saxon, toute l’intrigue se déroule en et aux alentours de la France. Pour ce qui est du scénario, si les raisons du conflit restent plutôt floues malgré quelques brèves explications, il faut dire que le concept du redémarrage fonctionne à plein régime et Doug Liman agit comme un vrai réalisateur de blockbuster insufflant suffisamment de souffle à son film sans oublier d’y apporter une dose d’humour vraiment appréciable et une romance inévitable, quoique aseptisée. L’aspect répétition du film pet susciter des craintes mais il est parfaitement géré grâce à un travail de montage qui joue parfaitement l’équilibre sans s’avérer redondant. Au contraire, Doug Liman joue justement avec ces répétitions sans cesse pour apporter une dose amusante de second degré. A la tête de Edge of Tomorrow, on retrouve un Tom Cruise en très grande forme et aux excellents choix de carrière depuis son retour sur le devant de la scène avec M-I : Protocole Fantôme. Un très bon acteur, attendu avec impatience dans le prochain Mission Impossible de Christopher Mc Quarrie (qui officie ici sur Edge of Tomorrow en tant que scénariste).

L’introduction du film est plutôt inattendue car le personnage de Tom Cruise nous est présenté comme un lâche, juste bon à communiquer auprès de la population pour les pousser à s’engager. Ce qui rend son personnage plus intéressant puis qu’une vraie évolution lui sera apportée tout le long du film. A ses côtés se trouve une Emily Blunt inhabituelle dans ce genre de film et plus particulièrement de rôle de badasse malgré l’intéressant mais bancal Looper. Plus cantonnée aux comédies romantiques qu’au film d’action nerveux, Emily Blunt s’avère néanmoins être un très bon choix et joue les durs à cuire à cent pour cent. Un duo qui porte véritablement le film sur leurs épaules, le rendant d’autant plus jouissif. Car au fond, les enjeux de ce scénario sont ce qu’il y a de plus simplistes, profiter du pouvoir de redémarrage pour contrecarrer les plans de l’ennemi et gagner la guerre. Il n’y a pas plus de profondeur et malgré quelques tentatives pour pimenter la relation entre les deux personnages. Si le scénario s’avère bien exécuté, il n’en fait pas pour autant de Edge of Tomorrow un divertissementi ntelligent, de par une réflexion totalement absente du film.

Mais le film reste au-dessus de la moyenne dans le genre et est suffisamment efficace pour se regarder avec grand plaisir. Pour conclure cette pré-saison des blockbusters avant l’été, Edge of Tomorrow est assurément le divertissement idéal et efficace de ce mois de juin. Si le film manque de profondeur et la fin expédiée voire frustrante, Edge of Tomorrow est généreux en termes d’action, comportant quelques bonnes lignes de dialogues, des acteurs qui s’impliquent et s’appliquent à l’ouvrage, et suffisamment bien écrit pour rendre le film très sympathique, se démarquant de récentes séquelles et autres reboots. Le montage est par ailleurs remarquable, tant il aurait pu s’avérer casse-gueule. Doug Liman nous prouve qu’il en a dans le ventre et qu’il est capable du meilleur avec ce blockbuster d’une efficacité redoutable.

Synopsis : Dans un futur proche, des hordes d’extraterrestres ont livré une bataille acharnée contre la Terre et semblent désormais invincibles: aucune armée au monde n’a réussi à les vaincre. Le commandant William Cage, qui n’a jamais combattu de sa vie, est envoyé, sans la moindre explication, dans ce qui ressemble à une mission-suicide. Il meurt en l’espace de quelques minutes et se retrouve projeté dans une boucle temporelle, condamné à revivre le même combat et à mourir de nouveau indéfiniment…

Fiche Technique : Edge of Tomorrow

Maps To The Stars : Un pamphlet cynique et violent sur le star-system hollywoodien

On pensait David Cronenberg perdu pour la cause cinématographique. Une perdition, une quasi errance symbolisée par l’épuisement narratif dont il fait preuve depuis quelques années, et qui le voit réitérer de manière plus ou moins informelle ses succès d’antan, et ce, avec des résultats plus ou moins divers. Et à l’heure où bon nombre de cinéphiles restent encore pantois face à la fable hypnotico-financière offerte par Cosmopolis, cela serait oublier qu’avant de livrer des analyses comportementales hypnotiques et malsaines, Cronenberg a fait ses armes dans le domaine de la SF.

Un genre qui a bien des égards, parait surprenant tant ce dernier a pris un malin plaisir dans ses derniers films à sonder l’esprit humain, entre aliénation, folie et violence, le tout avec beaucoup de froideur et de classicisme. Surprenant oui mais pas impossible, car cette volonté de représenter l’homme face à des sentiments aussi destructeurs trouve tout son sens dans la science-fiction car ce genre en plus d’embrasser tous les thèmes chers a Cronenberg, permet d’en témoigner par le gore, l’effroi et d’imprimer ces sentiments à la fois dans le cerveau que sur la rétine. Car, l’œuvre de Cronenberg, reste une œuvre trash, malsaine, violente, qui doublée d’une réelle réflexion, saisit le spectateur par son manque de retenue et de culpabilité. Une œuvre qui ne glorifie ou ne soumet pas au misérabilisme ses personnages, et qui les aborde de manière naturelle.

Une œuvre qui se caractérise aussi par la forte place qu’y occupe la folie ! Qu’elle serve à caractériser la violence dont fait preuve Viggo Mortensen dans History of Violence, à définir la trame de fond comme dans A Dangerous Method ou à poser le décor d’une Amérique, puissance boursière engoncée dans une sphère de violence, d’esseulement et d’avidité a l’instar de Cosmopolis, Cronenberg n’a jamais caché son amour pour ce sentiment, tant ce dernier habite tous les personnages de ses films et donne à ces derniers des pics de cynisme incroyables.

Une œuvre qui encore mise à mal par le trop injustement décrié Cosmopolis, logorrhée verbale politico-financière, avait plus que jamais besoin d’un déclic, d’un renouveau ! Et Maps to the Stars permet d’opérer cette renaissance tant attendue, tant Cronenberg a su choisir le parfait écrin pour sublimer la folie ambiante de son cerveau dérangé : Hollywood !

Ville des vices et des névroses, des incestes et des jalousies ? Dès la tag-line, présente sur l’affiche du film, le cadre est donné : Cronenberg, fidèle à son habitude, ne prendra pas de gants et dressera un pamphlet aux odeurs de brûlot sur le star system hollywoodien, machine à fric malsaine, cynique et dérangée au possible. Une industrie qui érige en code moral le faux-semblant et qui dépeint de manière sombre, crue et quasi hypnotique le quotidien de ces personnes tentant désespérément de s’y frayer un chemin.

Des personnes aussi différentes qu’une star sur le retour, un gourou des stars, un jeune acteur drogué, une pyromane schizo-poète ou un jeune chauffeur de limousine qui baise sur la banquette arrière ; et qui reflètent les différentes névroses propre au succès que peut offrir La Cité des Anges en transformant cette analyse chirurgicale comportementale en film choral, un genre de film rassemblant différents personnages réunis autour d’un ou plusieurs thèmes majeurs, mais évoluant chacun dans des sous-intrigues qui viennent au gré du scénario à se croiser.

Un genre de film, qui assez peu présent dans la filmographie de Cronenberg, ne s’en révèle pas moins inventif. Car, après avoir exploré les névroses et les combats intérieurs auxquels s’adonnent ses personnages la plupart du temps solitaires, il est amusant de voir les différentes facettes que revêtent ces figures clichées. Car entre le gourou des stars campé par un John Cusack dément, l’actrice sur le retour interprétée par une Julianne Moore désarmante de sincérité et de folie ; les personnages sont encore une fois le meilleur atout de ce voyage d’une froideur étonnante aux confins de la démence !

En clair, Maps to the Stars, adroit mélange d’horreur, de cynisme, d’humour noir, d’hypnose, parvient à cristalliser toutes les attentes qu’un film de Cronenberg peut susciter et permet d’opérer la renaissance de son auteur, qui a l’instar de Martin Scorsese, a dû attendre son plus vieil âge pour sortir sa meilleure œuvre !

Synopsis: Stafford Weiss est un psychothérapeute des stars d’Hollywood. Sa femme est la manageuse de leur fils de 13 ans, une star de la télé sortie de cure de désintox. Leur fille vient de sortir d’hôpital psychiatrique. Elle va se lier d’amitié avec un chauffeur de limousine qui rêve de devenir une star de cinéma. Quant à Havana Segrand, elle est une comédienne sur le déclin mais qui pourrait effectuer son come-back avec le rôle de sa propre mère mystérieusement décédée dans un incendie.

Fiche Technique : Maps to the Stars

Pays: Canada, États-Unis, France, Allemagne
Réalisateur(s): David Cronenberg
Scénariste(s): Bruce Wagner
Interprète: Julianne Moore (Havana), Robert Pattinson (Jerome), Mia Wasikowska (Agatha), John Cusack (Stafford), Sara Gadon (Clarice), Carrie Fisher (elle-même), Olivia Williams (Christina), Evan Bird (Benjie), Niamh Wilson (Sam)…
Date de sortie: 21 mai 2014
Budget: 15 000 000 $
Genre: Drame
Durée: 1h 51

La Crème de la Crème : Campus, et Commerce du Sexe

Synopsis : Dan, Kelliah et Louis sont trois étudiants d’une des meilleures écoles de commerce de France. Ils sont formés pour devenir l’élite de demain et sont bien décidés à passer rapidement de la théorie à la pratique. Alors que les lois du marché semblent s’appliquer jusqu’aux relations entre garçons et filles, ils vont transformer leur campus en lieu d’étude et d’expérimentation. La crème de la crème de la jeunesse française s’amuse et profite pleinement de ses privilèges : tout se vend car tout s’achète… mais dans quelle limite ?

Kim Chapiron, c’est un peu « the boy next door » des enfants terribles du cinéma français. C’est ce gamin qui a eu la chance d’être le voisin de palier de Mathieu Kasovitz. C’est cet étudiant qui n’aura même pas obtenu son bac et qui voit La Haine se réaliser dans son quartier. Ses rencontres avec Kasovitz et Cassel vont lui donner envie de devenir réalisateur. 33 ans et désormais trois longs et deux fois plus de courts métrages à son actif, Kim Chapiron ne chôme pas depuis qu’il a fondé avec Romain Gavras, le collectif Kourtrajmé. Son jeune âge fait qu’il s’intéresse de très près à la jeunesse et la génération actuelle. Il prend un certain recul et traite avec justesse les maux de la génération Y. Avec Sheitan en 2006, il se fait un vilain plaisir de donner un rôle démesuré à son pote Vincent Cassel dans un thriller horrifique bruyant qui laisse déjà entendre que ce petit Kim allait marquer les esprits. Quatre ans plus tard sort un véritable uppercut carcéral, remake de Scum d’Alan Clarke, un film de prison hostile et terriblement désenchanté sur ces ados emprisonnés et les moyens que la société se donnent pour les réintégrer au quotidien. Il ressort de ce dernier film, un travail documentaire poignant où le réalisateur n’éloigne jamais la fiction de la réalité. Boulimique de travail, Kim Chapiron avait passé des mois dans ces prisons pour s’imprégner des ambiances, des univers, des gens et donner de véritables épaisseurs à ses intrigues et surtout à ses personnages.

Avec La Crème de La Crème, Kim Chapiron revient en France et s’intéresse toujours autant à ces jeunes, les décideurs de demain, cette élite empêtrée dans l’ambition et la décadence. Mais ce qui le fascine surtout, c’est cette notion d’amour que la nouvelle génération semble avoir oublié. L’effet internet, dira-t-on.

The Social Network ? Il est vrai que le film lui est souvent comparé. A tort forcément car si Kim capte une époque, un mode de vie, une atmosphère actuelle, il n’en fait que son décor pour mettre en avant trois personnages intellos et ambitieux qui cherchent à savoir ce qu’est finalement l’amour à l’heure où ils sont capables de créer un véritable marché sexuel universitaire. La réussite de ce marché ne prouve qu’une chose, on paye, on vient, on baise, on part et on recommence. « Ma première idée avec ce film était d’évoquer le discours amoureux de la jeunesse d’aujourd’hui, dans un contexte où le divorce et la sexualité sont banalisés ». Oui, oui c’est de cela que le film parle. Certes, l’intrigue se passe -semble-t-il- au sein de HEC (LA business school de France) mais jamais le film ne prend le risque de citer l’école. Entre autres, parce que l’école a refusé que l’équipe du film y pose ses caméras mais également car ce n’est pas l’école ou la réussite en son sein qui l’intéresse, c’est avant tout voir comment ces jeunes dopés aux techniques managériales arrive à se saisir du rapport au sexe d’aujourd’hui pour en faire un véritable marché. Kim Chapiron intègre plein de petits trucs qui permettent de saisir le changement des rapports humains. Il lance son film sur la présentation de l’école puis enchaîne sur un étudiant en pleine masturbation, rivé sur son écran et le tout en 3D. Le sexe, presque aussi vrai que le vrai. Avec nostalgie, on retrouve Chatroulette et ses branleurs compulsifs ou ses jugements hâtifs sur le physique et rien d’autres que le physique. Au fond c’est ça le problème et le film y répond bien, c’est qu’au sein de la génération Y que Kim Chapiron appelle finalement Génération Youporn, le physique a détrôné toute personnalité et pour certains le sexe est devenu une denrée rare, d’où création d’un marché.

Cela ne veut pas dire que La Crème de la crème porte un regard pessimiste sur cette génération -et le plan final en témoigne largement. Cela montre juste que le cinéaste ressent les mêmes peurs à l’égard de cette génération. C’est aussi l’occasion pour lui de lancer quelques piques à ces écoles qui construisent l’élite de demain. Au final, il s’agit d’un lieu clos, presque à part de la société, qui a ses rituels, son folklore, son langage. Les personnages observent les soirées de l’école et découvrent des codes, des stratégies, des techniques qu’il faut identifier, analyser et contrôler pour créer ce marché. Ces situations donnent lieu à des dialogues incroyablement bons où le sexe est assimilé aussi facilement à des termes économiques. Il faut dire que les acteurs y sont plutôt bons. Dan, Kelly et Louis sont jeunes et brillants. Certains reconnaîtront Thomas Blumenthal, qui a fait ses débuts dans Les Choristes et qu’on va retrouver dans Babysitting, d’une justesse et d’une retenue effarante. Son personnage est en total décalage dans la vie et se retrouve incertain sur tout. Il n’est jamais sûr de vouloir agir comme il fait, de vouloir tomber amoureux. Même ses goûts musicaux sont en décalage avec la génération d’aujourd’hui, quand les étudiants écoutent Justice ou Brodinski, lui chantent Berger ou Fugain. Alice Isaaz vient juste de se créer un honnête CV de cinéma avec les sorties respectives de La Cage Dorée ou Fiston. Tout comme Thomas Blumenthal, son personnage est en décalage avec la société, de par son orientation sexuelle et s’avère frustrée, presque en colère de voir que son marché tourne, réduisant à néant tous ses espoirs en la notion d’amour. Jean Baptiste Lafarge était déjà présent dans Les Yeux de sa Mère ou JC comme Jésus Christ mais avec ce rôle il s’avère déjà être une gueule du jeune cinéma français. Au sommet de l’élite et de la richesse, égocentrique et prétentieux, belle gueule et agaçant, il n’en est pas moins un personnage dont la réussite importe mais pas autant que « la frayeur ». Deux caméos viendront ponctuer le long métrage, celui de Mouloud Achour en DJ des soirées HEC, ou Jonathan Cohen (la géniale série Les Invincibles), le frère de Thomas Blumenthal.

S’il faut bien reconnaître une chose à Kim Chapiron, c’est qu’il a une vraie patte esthétique. Sa mise en scène ne ressemble à aucune autre en France et c’est un metteur en scène qui sait filmer les déboires d’une génération et surtout ses soirées décadentes. La lumière lors des soirées est juste sublime. La pellicule transpire de toute cette énergie déployée, de cette frénésie ambiante et de la chaleur des corps, des esprits soûls et de la chair dans ce qu’elle a de plus brute. Les peu de rapports sexuels visibles à l’écran sont filmés sans composition sonore, juste le bruit des corps qui s’entremêlent et des respirations alternées. Il y a un vrai travail de montage à laisser durer le plaisir plutôt que le couper trop rapidement. La dernière séquence montre un baiser et quel baiser, un vrai long baiser de cinéma comme on n’en fait plus. Un plan implacable. Derrière ça, les détracteurs du cinéaste continueront à lui reprocher son style publicitaire aux couleurs flashys et au montage ultra-découpé. C’est ce qui a été reproché à Fincher sur The Social Network, c’est un choix mais dans l’idée, ça fonctionne ! Après le film use de grosses ficelles scénaristiques par moment. La Crème de la Crème se rapproche parfois d’une sitcom à la française où les personnages sont empêtrés dans des histoires d’amour qui éclipsent certains propos du film. Quelques séquences viennent appuyer au marteau que ces jeunes n’ont aucune conscience de leurs actions, en témoigne la prise d’ecstasy ou les drinking game. Sans compter et c’est assez étonnant que Kim Chapiron, ou du moins l’intrigue, porte un regard extrêmement misogyne, les femmes étant prêtes à tout pour faire la fête et se sortir de leurs conditions misérabilistes.

Avec La Crème de la Crème, Kim Chapiron achève sa trilogie des moins de 20 ans et s’en va sur un projet plus mature. Il réalise une œuvre implacable dans le paysage audiovisuel français et prend avec parcimonie toute l’essence du film de campus américain en ajoutant une bonne dose de comédie romantique et de cynisme. Si le réalisateur tombe rapidement dans la misogynie, il ne fait jamais l’erreur de retranscrire la caricature du campus avec son lot de bizutage et de personnages winners et losers. Le cinéaste capte avant tout une génération d’étudiants consuméristes qui ne se rendent même pas compte qu’ils frôlent avec le proxénétisme. C’est aussi un regard sur ces jeunes qui souhaitent faire partie de groupes d’appartenance. C’est un regard désenchanté sur une génération qui fait de la peine à Kim Chapiron mais dont le dernier plan laisse à croire qu’il a encore beaucoup d’espoir en ces jeunes, qui apprendront de leurs erreurs. Le cinéaste a le mérite de ne pas porter de regard hautain sur ces élèves. Le plus drôle, c’est que malgré ce qu’est censé dénoncer le film, La Crème de la Crème fait un tabac sur les campus où il a été présenté en avant-première. Il y a même des fêtes appelées « Crème de la Crème ». Pas dénué de défauts, il faut cependant admettre que Kim Chapiron est devenu un enfant terrible du cinéma français et il ne s’agit que d’une question de temps avant les festivals et cérémonies ne récompensent son travail. Là n’est pas son objectif mais ce serait à minima la reconnaissance d’un milieu qui salue timidement son travail.

Fiche Technique : La Crème de la crème