LeMagduCiné

Pour son deuxième film, Mélanie Laurent nous conte une histoire qu’elle dit personnelle, adaptée d’un roman qu’elle a lu à 17 ans. Cette histoire, c’est celle de l’emprise d’une perverse narcissique sur une toute jeune lycéenne. Si le film Respire est fort en émotions, il se présente plus comme l’analyse d’un phénomène que comme une vraie oeuvre cinématographique audacieuse. Une chose est sûre, la réalisation sied à Mélanie Laurent qui souligne ses intentions dans chaque plan, de la musique aux mouvements de caméra en passant par la mise en scène.

Synopsis : Charlie, une jeune fille de 17 ans. L’âge des potes, des émois, des convictions, des passions. Sarah, c’est la nouvelle. Belle, culottée, un parcours, un tempérament. La star immédiate, en somme. Sarah choisit Charlie.

Le monde de Charlie

Pour débuter ce film qu’elle voudrait sulfureux, vénéneux tout autant que réparateur, Mélanie Laurent se sert de plans très larges qui filment une ville banale d’un coin de France. En quelques plans, la réalisatrice croque un quotidien morne où la jeunesse s’écrit doucement. Toujours en plan large , elle entre dans une chambre mais pas dans l’intimité. Son plan s’arrête un instant sur des converses posées au pied d’un lit, en fond sonore, deux sons, celui d’un portable qui vibre et d’un couple qui se dispute. Le lit s’éveille, deux pieds apparaissent. Ces pieds, que la caméra suit, descendent à présent le long d’un escalier, on entend de plus en plus proche l’écho de la dispute. Quand la paire de pieds entre dans la cuisine, un homme – probablement un père – lui tend un bol de l’ait, s’affère pour lui faire plaisir. Une femme – probablement la mère – reste dos à la fenêtre reniflante, on n’entend qu’elle. Voilà que la caméra s’envole vers un visage caché par un grand bol de lait. Pendant que ce corps qu’on devine féminin, boit, la caméra lui tourne autour. Enfin, on aperçoit son visage doux et sévère à la fois. Mélanie Laurent vient de nous présenter Charlie, sa vie, sa famille, sa triste mélancolie, son ennui. Cette succession de petits clichés (tout autant photographiques qu’attendus) nous présentent donc le personnage principal de cette histoire d’ado. Bientôt, la jeune fille se rend à l’école, où un cours de philo lui parle de passion, celle qui se loge dans le ventre comme le dit Platon. Dès lors, voilà que Mélanie Laurent, telle un Kechiche parlant de La vie de Marianne, nous donne le programme de son film: la passion qui détruit, qu’on ne contrôle pas. Bref, l’inverse de la raison quoi ! Pendant un cours de math où le rigolo de la classe amuse la galerie, la porte s’ouvre, tout le monde se lève. Elle entre. Cette fois, son visage, sa voix, son corps, tout est immédiatement identifiable. Sarah débarque, elle fait rire tout le monde. Et, comme le synopsis l’avait si bien prédit : elle choisit Charlie. Enfin, c’est plutôt  la prof de math qui décide qu’elle s’assiéra à côté de Charlie, identifiée comme bonne élève, laissant de côté pour un moment Victoire, la (meilleure) amie, jusqu’ici, de Charlie. Sa présentation à elle (Victoire) va vite : elle n’est pas super jolie mais passe-partout, elle a des difficultés avec les garçons, et puis elle est pas trop futée et surtout pas assez forte pour aider Charlie ensuite. Cette impression de déjà-vu ne quittera pas le film. Ni sur la jeunesse, ni sur le cinéma, Mélanie Laurent ne nous propose de vraie révolution.

Narcisse

Sarah est un personnage vénéneux, elle est présentée comme celle qui bouffe la vie, avec un passé extraordinaire. Elle se présente pas moins que comme la fille d’une responsable d’ONG qui a voyagé un peu partout dans le monde. Son passé est grandiloquent, elle est libre. Tout semble aussi vrai que faux dans ce qu’elle raconte, mais elle est si électrique que chacun l’écoute. Quant elle entre, on ne regarde qu’elle. Même quand elle dévoile les autres comme des mythomanes, on ne se doute pas un seul instant qu’elle peut en raconter des bobards ou du moins les personnages. Parce que nous, spectateurs, on a bien senti le coup venir… Sarah, qui dit vivre avec sa tante, ne propose jamais qu’on vienne chez elle, s’emmêle dans les dates et raconte des histoires trop belles. Voilà, on se doute que derrière tout ça quelque chose se trame. Mais pour le moment, elle est dans sa première phase : la séduction. Charlie ne voit qu’elle, pense par elle, se redessine à l’image de Sarah. Mélanie Laurent les filme en classe, en groupe, en soirée, toujours ensemble. Puis elle offre une échappée à ses deux héroïnes, des vacances de la Toussaint à la campagne où le rose de l’amitié commence à se changer en venin. C’est que le comportement de Sarah déraille quelquefois, surtout quand elle n’est pas le centre du monde, soit quand Charlie la présente comme « sa copine de classe » ou encore quand la mère de Charlie lui pique sa proie – un bel espagnol qu’elle voudrait mettre dans son lit. Elle est cruelle puis douce, puis cruelle. Et bien sûr, elle reproche à Charlie de lui faire la tête. Voilà, qu’elle a isolé Charlie, deuxième phase. Elle a embaumé tout son monde. De retour en classe, les crasses s’accumulent, toujours entre vraie violence et esthétisation. Les plans se resserrent sur Charlie de plus en plus écrasée et Sarah de plus en plus belle.

Parce que c’était elle, parce que c’était moi

L’erreur de Mélanie Laurent ne réside pas dans ses plans, où la lumière est très belle mais dans leur appartenance à une norme. Ce film est lisse, bien lisse. Même quand il attaque la troisième phase, celle de la destruction : messages sur les murs du lycée, vacheries, appels incessants, moqueries en public… rien des petites attaques du quotidien n’est épargné à Charlie. Celle-ci reste presque de marbre, elle ne réagit pas, ne se plaint pas, accepte même le retour de Charlie comme sa mère celui de son père. La terreur s’intensifie quand Charlie découvre qui est vraiment Sarah. Là, elle lui cherche des excuses, la pardonne un peu. En guise de réponse, Sarah lui promet la mort. Le film est scolaire, on sent à tout moment – de la musique aux plans – que la réalisatrice est là, que le moindre mouvement de caméra, la moindre musique dépend de sa volonté. Mélanie Laurent ne joue pas, mais elle est toute entière présente, là, derrière sa caméra. Son film est une dissection, un simple constat, en belles images, de ce qu’est un pervers narcissique. Voilà comment ça se passe, semble-t-elle nous dire. L’ambivalence de chacune, la respiration haletante de Charlie, son incapacité à se faire comprendre chez elle tout autant que le quotidien tout gris de Sarah sont des prétextes pour en faire des faire-valoir psychologiques. Parce que c’était elle, parce que c’était moi. Sarah sait très bien pourquoi il faut s’attaquer à Charlie, et Charlie sait très bien ce qui est fascinant chez Sarah.

Un souffle sans audace

Peu à peu, le film justifie son titre et s’engouffre dans un manque de souffle, on voit Charlie manquer d’air, ne respirer que celui que Sarah veut bien lui offrir. Elle devient un être isolé, comme dans la scène où elle s’assoit dans les escaliers, la respiration haletante et où personne ne lui vient en aide. On la voit s’enfermer dans sa douleur, dans son mutisme aussi, dans sa volonté de ne rien dire et continuer de croire en l’amitié de Sarah. Mais celle-ci, si elle a attiré par les mensonges, le corps, détruit par les mots, transforme à nouveau la réalité, la retourne contre celle dont elle devient l’ennemie. La respiration de Sarah devient nocive pour Charlie, c’est ce que veut démontrer Mélanie Laurent à travers sa mise en scène, qui, tout aussi scolairement que le reste, se resserre à mesure que l’emprise de Sarah se fait plus tenace. Plus question de voyage, d’océan ou de rire mais de l’espace de la chambre,  l’intimité s’ouvre de plus en plus à nous. Et Charlie ne peut plus rien contrôler, elle échappe à son destin. Elle n’est plus qu’un jouet sans souffle qui devient même violent, émotionnellement contrainte aux agissements de Sarah. Le constat dressé par Mélanie Laurent, son analyse ne sont pas faux, elle raisonne bien, elle filme bien, ses actrices sont mêmes plutôt douées mais si la fin nous glace, rien ne nous surprend. On connait ces histoires de domination, ces terribles personnages qui fascinent le cinéma. Mélanie Laurent veut guérir, se guérir mais manque d’audace pour vraiment faire de son sujet fort un vrai moment de cinéma – avec des enjeux de réalisation plus envoûtants. L’objectif de la réalisatrice est de revenir à un plan large, de libérer Charlie, et le spectateur par la même occasion. Charlie doit alors retrouver son souffle, on entre de plus en plus dans sa tête, on n’entend plus qu’elle, sa rage, son cri… sa respiration.

Respire – Bande Annonce

Fiche technique: Respire

Réalisation : Mélaie Laurent
Scénario : Mélanie Laurent et  Julien Lambroschini
Distribution : Joséphine Japy (Charlie), Lou de Laâge (Sarah), Isabelle Carré (Vanessa), Roxane Duran (Victoire)
Montage :  Guerric Catala
Musique : Marc Chouarain
Photographie : Arnaud Potier
Production :  Bruno Levy
Sociétés de production : Move Movie, Gaumont, Mely Production
Durée : 90 minutes
Genre : Drame
Date de sortie : 12 Novembre 2014

Cette semaine, entre Interstellar et le nouveau François Ozon, il y a ’71, un thriller britannique sur fond de guerre qui sort de manière discrète en salles et qui fait son bonhomme de chemin. Avec sa mise en scène radicale et brute, le film s’est attiré les louanges de l’exigeante critique hexagonale.

Synopsis: Belfast, 1971.Tandis que le conflit dégénère en guerre civile, Gary, jeune recrue anglaise, est envoyé sur le front. La ville est dans une situation confuse, divisée entre protestants et catholiques. Lors d’une patrouille dans un quartier en résistance, son unité est prise en embuscade. Gary se retrouve seul, pris au piège en territoire ennemi. Il va devoir se battre jusqu’au bout pour essayer de revenir sain et sauf à sa base.

Bloody Night

Premier long-métrage de Yann Demange, réalisateur régulier pour la télévision (Dead Set, Criminal Justice, etc.), ce jeune britannique franco-algérien démontre tout son savoir-faire avec ’71 et prouve à quel point il en a dans le ventre. Après avoir convaincu les producteurs de la télévision, des pontes de la production cinématographique lui proposent un premier projet de long-métrage. Ayant reçu des dizaines de scénarios à adapter, il ne trouvait pas le matériau adéquat qui pouvait le convaincre de se lancer dans l’aventure. Lorsqu’il lit le scénario de Grégory Burke, il estime avoir du mal à passer après la claque qu’était Hunger (Steve McQueen, 2008). Mais c’est un récit qui retient particulièrement son attention, car il le touche personnellement. Yann Demange dira sans hésitation qu’avec ce récit, au-delà du conflit irlandais, il a pensé à tous ces conflits qui jalonnent le monde et un en particulier qui l’a profondément touché, La Guerre d’Algérie. Il se lance alors dans cette entreprise qui se veut percutante et n’offre rien de moins qu’un film qui fait passer la perception du spectateur d’un naturalisme caméra à l’épaule au film d’angoisse intimiste. Avec cette belle ambition pour un premier film, le réalisateur s’incorpore avec brio dans cette longue liste de films qui traitent du conflit en Irlande du Nord.

Et le challenge était élevé pour ne pas tomber dans la ressasse de précédents films maîtrisés. On pense donc tout naturellement au récent Hunger, Au Nom du Père (Jim Sheridan, 1993), au Bloody Sunday de Paul Greengrass (2002) dont semble s’inspirer Yann Demange dans sa première partie. Si le film de Yann Demange s’avère plus minimaliste, moins percutant que ceux précédemment cités, il n’empêche qu’il se fond à travers eux et parvient à exister malgré tout. Et à cela, il faut bien évidemment rendre grâce à l’immersion qu’arrive à injecter le réalisateur dans son film. Après une intervention dans les rues irlandaises qui tourne mal, une jeune recrue se retrouve oubliée en territoire ennemi et se retrouve pris dans une chasse à l’homme par les membres de l’IRA. Privilégiant très justement la shaky-cam, la course-poursuite s’avère des plus déstabilisantes et éprouvantes tant le personnage principal est amené à se dépasser, à se surpasser physiquement pour éviter les tirs et réussir à s’enfuir. Et que dire de ce plan-séquence parfaitement maîtrisée de l’explosion dans le bar, une prouesse visuelle épatante, même si peu novatrice, elle mérite d’être saluée. Une fois achevée, cette dimension du film entre les chasseurs et la proie se mue en un thriller politique à rebondissements avec différentes organisations qui cherchent à tout prix à récupérer cette recrue qui pourrait créer quelques tensions supplémentaires au sein des diverses factions du film.

A la tête de ce ’71, il y a Jack O’Connell, cet acteur britannique qui s’impose comme un véritable atout pour le film et un acteur majeur en devenir. Il porte véritablement tout le poids du film sur ses épaules. En l’attendant dans le Invincible d’Angelina Jolie, Jack O’Connell a déjà été remarqué dans la série Skins, This is England, Eden Lake ou plus récemment Les Poings contre les Murs, film carcéral choc de David Mackenzie. Un acteur magistral, performant et juste, dont on espère qu’il évitera soigneusement les productions hollywoodiennes médiocres et continuera à construire une filmographie de qualité. A ses côtés, Sean Harris interprète un capitaine douteux, borné et impulsif qui servira la cause de plusieurs factions à la fois. Un acteur brillant, bien que replié sur des rôles quelques peu caricaturaux et que l’on a déjà vu dans Prometheus, la série Borgias et en l’attendant dans le Macbeth de Justin Kurzel. Une autre gueule britannique complète ce casting en la personne de Paul Anderson qui s’annonce déjà comme l’une des révélations de l’année. Dur et déterminé ici, Paul Anderson s’est révélé ces dernières années avec sa prestation actuelle dans la série Peaky Blinders, un rôle dans le Passion de De Palma ou sa prochaine interprétation dans le In the Heart of Sea de Ron Howard. Un casting donc des plus efficaces qui sert avec puissance tout le sujet du film.

La seconde partie du film est davantage concentré en un thriller nerveux et tendu, où les différentes factions se décarcassent pour retrouver la recrue, avec l’objectif de le garder ou non en vie. Yann Demange fait cependant la prouesse de ne jamais être manichéen et montre sans prise de position trop explicite, les intentions et convictions de chacun. Bien que comprenant quelques personnages adeptes de l’assassinat sans appel, chaque faction voit son image être renversée en fin de film. C’est la dure loi de ce conflit où chaque division a dû passer par des crimes horribles pour s’affirmer et tenter de reconstruire un certain équilibre en Irlande. On pourra néanmoins reprocher au film ces quelques retournements improbables en fin de parcours qui donne à ‘71 un cachet un peu grotesque de film à twists. En ce sens, la première partie, plus nerveuse, plus poisseuse, plus près des corps est efficace en tout point à la deuxième, même si l’immersion dans l’intimité des familles dans cette deuxième moitié de film contient quelques éléments intéressants.

Avec ’71, Yann Demange se crée une très bonne réputation grâce à une première impression parfaitement maîtrisée, séduisant la critique par sa mise en scène qui ne renouvelle pas le genre, mais qui s’avère suffisamment secouée pour sortir de la salle avec une impression nauséeuse. Si le film n’est pas une innovation dans le genre « guerre urbaine » en reprenant ce schéma d’un personnage en territoire ennemi, il faut reconnaître que le réalisateur a parfaitement su adapter l’image à son récit et offre un très bon rôle à Jack O’Connell, révélation britannique de l’année. Avec une salve de récompenses prestigieuses et -on l’espère- un succès en salles, Yann Demange est désormais dans les petits papiers des studios de productions. Il a déjà trouvé un producteur pour son premier projet français et les américains lui font déjà les yeux doux. A l’instar de Shadown Dancer de James Marsh l’an passé, ’71 n’atteint pas la puissance de ses aînés mais s’avère être un film parfaitement maîtrisé et des plus efficaces. Inutile de souligner que le prochain projet de Yann Demange est attendu de pied ferme.

‘71 : Bande-annonce

‘71 : Fiche Technique

Réalisation: Yann Demange
Scénario: Gregory Burke
Interprétation : Jack O’Connell (Gary Hook), Lewis Paul Anderson (Sergent Leslie), Richard Dormer (Eamon), Sean Harris (Capitaine Sandy Browning), Martin McCann (Paul Haggerty), Charlie Murphy (Brigid), Sam Reid (Lt. Arrmitage), David Wilmot (Boyle)
Image: Tad Radcliffe
Décor: Chris Oddy et Kate Guyan
Costume: Jane Petrie
Montage: Chris Wyatt
Son : David Holmes
Producteur: Angus Lamont, Robin Gutch, Robert How, Dan MacRae, Danny Perkins, Hugo Heppell, Mark Herbert, Lizzie Francke, Leslie Finlay
Production: Warp Films, Apple Films, Protagonist Pictures
Distributeur: Ad Vitam
Festival: Prix du Jury Festival du Film Policier de Beaune 2014, Sélection officielle Berlinale 2014, Golden Athena au Festival du Film International d’Athènes
Genre : Drame, Guerre, Thriller
Durée: 99min
Sorti le 05 novembre 2014

Royaume-Uni – 2014

Il Est Difficile d’Être Un Dieu est un film complètement fou, certainement le film le plus fou de ce début 2015, et probablement au-delà. Voilà un film, testament de son réalisateur mort quelques temps après le clap de fin, qui explose tous les codes cinématographiques en vigueur, pour livrer une partition artistique comme peu d’œuvres peuvent prétendre le faire.

Synopsis : Sur la planète Arkanar, la civilisation semble stagner à un stade qui ressemble à notre Moyen-âge, des scientifiques y sont alors envoyés pour tenter de faire progresser la population vers l’âge des Lumières.

Le Règne Du Chaos

Post-Mortem

Il Est Difficile d’Être Un Dieu inquiétera quelques-uns des cinéphiles parmi les plus frileux, inquiets à l’idée d’un film à ce point à la marge et poussant si loin l’idée de création artistique. S’il est vrai qu’aujourd’hui le cinéma est devenu un média de masse (certaines sorties ont un nombre de salles parfois indécent), il devrait rester plus que tout un art et pour qu’il y ait art, il doit y avoir création et pour qu’il y ait création, il doit y avoir de nouveaux codes.

Déconstruction

Un code qu’on déconstruit : la narration. Si un film doit aujourd’hui avoir une narration fluide, assortie d’une construction chronologique, avec une introduction, un développement et une conclusion (pas forcément dans cet ordre d’ailleurs), ce film balaie ce principe (cette contrainte ?) d’un revers de main dédaigneux, refusant de se laisser enfermer dans l’idée même d’histoire. Le scénario, s’il existe, tient donc sur un fil à couper le beurre. On y parle de scientifiques envoyés sur une planète, Arkanar, restée coincée au Moyen-âge, pour l’aider à évoluer, la voix off vient d’ailleurs très à propos nous expliquer de quoi il retourne. Seulement voilà, à part nous exposer effectivement un monde arriéré, il n’est jamais réellement question de ces scientifiques ou de leur action bienfaitrice, ou alors de manière très indirecte. On comprend que ce monde (comme l’a été le nôtre), possède une hiérarchie sociale et que cette hiérarchie rejette le progrès, que ceux qu’ils surnomment « les Gris », se promettent de leur apporter.

Humour Et Décadence

Là, tient sans doute le côté le plus repoussoir du film, cette absence d’histoire, et d’enjeux qui en découlent : l’attachement aux personnages, leurs rapports entre eux et surtout, l’envie de connaitre le dénouement bref, la peur au mieux de s’ennuyer, au pire de rejeter complètement l’œuvre d’Alexeï Guerman. Et puis non en fait, cette absence de narration, véritable volonté artistique (comme chacun sait, l’art fait peur) est assortie d’un joyeux bordel à l’écran, de scènes et de répliques parfois d’une drôle intelligence telle que : « Ce n’est pas parce-que nous parlons que nous avons une conversation ». S’il n‘y avait pas, à défaut d’un scénario, une thématique commune, on pourrait presque parler d’un film à sketchs, tant différentes saynètes se succèdent distinctement, mais avec toujours un fond de bouffonnerie. Certes, le film est long, mais l’idée que chaque séquence soit un paquet surprise qui réserve au choix : de l’humour, un peu d’action ou un peu de gore, aide à ne pas voir le temps passer.

Extinction

On peut parler de gore, tant le monde filmé par Guerman est peut-être la pire manière d’imaginer notre Moyen-âge. C’est un univers humide et pourrissant (accentué par un superbe noir & blanc), couvert de cette boue primitive qui vit naitre l’humanité, où les corps sont « chaire » avant d’être « esprit » que Guerman nous fait découvrir. Le résultat reflète le désespoir d’une société qui semble retourner à des temps primitifs, tant elle semble vouloir refuser le moindre progrès intellectuel. D’où la présence presque étouffante des corps, vivants ou morts, de l’exposition des fluides corporels sous toutes leurs formes, qu’il s’agisse du sang, de la morve, des selles ou de l’urine. Les sages, ces « gris » dont on ne parle qu’en mal sont très peu montrés, on préfère donner la parole à toute une galerie de personnages qui ressemblent à des psychopathes en puissances.

Asile d’Aliénés

Mention « excellent » avec les félicitations du jury, à tous ces figurants qui jouent à merveille cette population, sortie tout droit d’un asile de fous dangereux. Lorsqu’ils regardent la caméra (et donc vous regardent), le malaise est immense de se dire que cette crainte qu’ils inspirent serait juste le fruit de leur primitivité, alors que nous les jugeons fous. Se pose alors la question de savoir si la folie ne serait pas juste une régression vers nos instincts les plus primaires. Face à cette populace arriérée, un homme seul: aristocrate et imposant un charisme incroyable : Don Rumata. Il est tout à la fois le leader respecté, l’adversaire farouche des sages « gris », mais aussi celui qui sait profiter au mieux d’un statut que ces « gris » semblent vouloir lui ôter. Le rôle est tenu par un certain Leonid Yarmolnik, illustre inconnu d’un cinéma russe méconnu, mais absolument mémorable dans ce rôle sans doute le plus difficile, puisqu’il doit être l’acteur qui a eu le plus d’heures de tournage.

Dantesque

Car ce tournage a dû être un des plus épiques de l’histoire du cinéma, dans un vieux château, sous des trombes d’eau (ou même de neige) qui semblent ne jamais vouloir s’arrêter, les pieds dans une boue qui inspire plus la saleté que la vie apportée par cette Terre nourricière. Chaque plan de Guerman est un chaos sans fin mais étrangement, un chaos qu’on sent voulu, réfléchi et organisé. Chaque scène croule sous des détails confinant parfois au surréalisme, dont Guerman s’inspire sans aucune discrétion. La technique cinématographique, dans des conditions pareilles, tient du génie forcené d’un cinéaste, qu’on ne connaitra finalement que de manière posthume. La caméra se fait précise, presque chirurgicale lorsqu’elle s’attarde sur les visages et surtout, sur les boyaux que l’on voit déversés plus d’une fois, accompagnés de ce son caractéristique des entrailles qui se répandent.

Surréalisme

Il Est Difficile d’Être Un Dieu restera comme un objet captivant, la pépite d’un réalisateur qui trouva une fulgurance artistique juste avant de trépasser. Un film qui déconstruit un art pour mieux le reconstruire sur les cendres du surréalisme. Un film épique, sale et répugnant mais qui captive, par un foutoir récréatif et sans tabous pour ces corps, que l’on donne en pâture à un public coupable et voyeur. Les corps ne sont pas beaux, on expose des femmes obèses aux crânes rasés, qui exhibent seins et fesses flasques, qu’on imagine nauséabondes. Le public devra oublier ses réticences envers un cinéma qu’il imagine trop différent, car pour peu qu’on sache trouver la clé (très simple à trouver d’ailleurs) ce film, sans dire qu’il apportera du plaisir, peut absolument captiver. Il Est Difficile d’Être Un Dieu baigne dans la boue, la fange et la saleté des corps humains, mais derrière c’est une pépite qui sommeille en attendant que le cinéphile y pose un regard.

Il Est Difficile d’Être Un Dieu / Hard to Be God/ Teaser

Fiche Technique : Il Est Difficile d’Être Un Dieu

Titre Original : Trudno byt’ bogom

Réalisation : Alexeï Guerman
Scénario : Alexeï Guerman & Svetlena Karmalita d’après Arcadi & Boris Strou (auteurs de Stalker, adapté à l’écran par Andreï Tarkovsky)
Origine : Russie
Genre : Science-Fiction
Format : Noir et blanc – 35 mm – 1,85:1 – Dolby DigitalDurée : 170’
Casting : Leonid Yarmolnik, Dmitriy Vladimirov, Laura Lauri, Aleksandr Ilin, Yuriy Tsurilo, Evgeniy Gerchacov, Aleksandr Chutko, Oleg Botin
Sortie France: 11 février 2015

Auteur Freddy M.

La petite histoire, au sein de la grande histoire. C’est ainsi que se définit cette tragédie, un mélange de réalité et de fiction. Pour sa première réalisation et scénario, Andrea Di Stefano s’attaque au personnage de Pablo Escobar. Un énorme challenge, sur lequel Oliver Stone et Joe Carnahan entre autres, se sont cassés les dents.

Synopsis : Nick pense avoir trouvé son paradis en rejoignant son frère en Colombie. Un lagon turquoise, une plage d’ivoire et des vagues parfaites ; un rêve pour ce jeune surfeur canadien. Il y rencontre Maria, une magnifique Colombienne. Ils tombent follement amoureux. Tout semble parfait… jusqu’à ce que Maria le présente à son oncle : un certain Pablo Escobar.

Une carte postale légèrement écornée

Mais au lieu de faire un biopic sur le tristement célèbre parrain de la drogue, il utilise des faits réels sur ce dernier, en y insérant une histoire d’amour, entre sa nièce et un canadien, venu rejoindre son frère en Colombie. Un choix discutable, tant la présence de Pablo Escobar, qui plus est, incarné par Benicio Del Toro, focalise l’attention et donne envie de le voir plus souvent, d’en savoir plus sur lui et donc de se retrouver devant un biopic, et non une romance tragique.

Le film Paradise Lost, se compose de deux parties : l’histoire d’amour qui naît entre Nick (Josh Hutcherson) et Maria (Claudia Traisac), avec en fond la découverte du personnage de Pablo Escobar et de son lien avec elle. Puis, la belle idylle vire au cauchemar, avec la descente aux enfers du parrain, qui emporte tout le monde avec lui dans sa chute.

L’histoire commence avec Nick dans une église, visiblement amoché et Maria apeurée, accourant à l’intérieur de celle-ci. On devine facilement, que la romance, va mal se finir. Andrea Di Stefano a choisi de passer par un flashback pour nous conter leur histoire.

La Colombie est belle, la mer tout autant, le soleil brille et Maria illumine l’écran avec son sourire. C’est beau, comme une carte postale, malgré des individus au faciès peu sympathique, qui menacent la tranquillité de Nick et son frère. Mais quand tu sors avec la nièce de Pablo Escobar, la vie devient plus facile, un peu comme le film, qui enchaîne les clichés et les répliques toutes faites, limite dégoulinantes entre Nick et Maria. Cela manque de profondeur, c’est plat et il n’y a pas d’autres personnages intéressants, le réalisateur préférant se concentrer surtout sur Nick, découvrant ce monde, auquel il n’adhère pas.

Maria va présenter Nick à Pablo Escobar, lors d’une fête organisée dans sa demeure pour son anniversaire. Lorsqu’il lui demande ce que fait son oncle dans la vie, elle lui répond le plus naturellement du monde : il exporte la drogue. Sa naïveté est touchante, elle vit dans une bulle, protégée des réalités du monde dans l’immense propriété familiale.

La découverte de la réalité, fait basculer le film dans un drame où la sympathie affichée par Pablo Escobar se fissure, laissant place à sa noirceur. Cette seconde partie est plus intéressante, on passe de la mièvrerie de la première, à un drame sombre où Nick se retrouve pris par la folie du parrain. Malgré tout, cela ne sauve pas l’ensemble; déjà peu enthousiasmante au début, elle tente de se donner un second souffle, sans y parvenir. Il faut dire que le manque de charisme de Josh Hutcherson n’aide pas vraiment, difficile de s’attacher à son couple, à leur histoire, surtout avec toujours cette envie irrépressible d’en savoir plus sur le personnage de Pablo Escobar.

Andrea Di Stefano ne réussit pas sa première réalisation et sans la présence de Benicio Del Toro, elle serait passée inaperçue. C’est étonnant de la part d’un acteur devenu réalisateur, de ne pas développer davantage ses personnages. Il se contente de raconter son histoire, n’enthousiasmant ni par sa réalisation, ni par son scénario. Le sourire de Claudia Traisac ne suffit pas à maintenir l’attention durant près de deux heures et pourtant, il est irrésistible et contraste avec le regard sombre de Benicio Del Toro, le seul intérêt de se rendre dans une salle de cinéma, pour s’infliger ce film.

Paradise Lost – Bande-annonce

Fiche technique: Paradise Lost

Escobar : Paradise Lost
2014 – France-Espagne-Belgique
Réalisation : Andrea Di Stefano
Scénario : Andrea Di Stefano
Distribution : Benicio Del Toro, Josh Hutcherson, Brady Corbet, Claudia Traisac, Carlos Bardem, Ana Girardot, Laura Londono et Aaron Zebede
Montage : Maryline Monthieux
Musique : Max Richter
Photographie : Luis David Sansans
Production : Dimitri Rassam
Sociétés de production : Alta Films, Chapter 2, Nexus Factor, Pathé et Roxbury Pictures
Société de distribution : Pathé
Durée : 120 minutes
Genre : Thriller
Date de sortie française : 5 Novembre 2014

Auteur : Laurent Wu

A Girl at My Door, un coup de poing pour le cinéma Coréen

Synopsis : Young-Nam, jeune commissaire de Séoul, est mutée d’office dans un village de Corée. Elle se retrouve confrontée au monde rural avec ses habitudes, ses préjugés et ses secrets. Elle croise une jeune fille, Do-hee dont le comportement singulier et solitaire l’intrigue. Une nuit, celle-ci se réfugie chez elle…  

Un drame coréen réalisé par la jeune réalisatrice, July Jung, abordant des thèmes comme l’alcoolisme et la maltraitance sur les enfants. A Girl at My Door, a été présenté au festival de Cannes dans la catégorie Un Certain Regard.

Le Cinéma Coréen n’en finira pas de nous surprendre. Fièrement, ce premier film de la jeune et talentueuse July Jung, parvient à s’introduire dans les salles sombres françaises. Une rareté scénaristique et de mise en scène pour un scénario simple. Avec la touche grinçante propre aux films coréens, A Girl at My Door s’attaque au rejet et la violence chez l’enfant différent, mais en filigrane, traite aussi de l’impossible acceptation de l’homosexualité dans cette société encore très traditionaliste représenté par ce village de pécheurs.

Des personnages féminins forts, en présence et en émotions

Do-hee, interprétée par Sae-ron Kim, est cette jeune fille, marginale et rejetée de son village. En plus d’être maltraitée par son père alcoolique (Yong-Ha) et sa grand-mère, elle est martyrisée par des jeunes de son collège. Muette et si chétive que sa silhouette spectrale fait penser au fantôme de films d’horreur tel que Sadako dans The Ring. Son seul refuge se situe dans l’art et l’imaginaire. L’image s’adoucit, et entre en accord avec sa danse aliénante et onirique au bord de l’eau.

Young-Nam (Doona Bae de Cloud Atlas et The Host), fraîchement arrivée, se retrouve nouvelle chef de la police du village et se prend de pitié pour elle et les difficulté qu’elle traverse. La prenant sous son aile, elle devient sa protectrice et une sorte de mère adoptive. Mais cette relation devient de plus en plus ambiguë, faisant référence à Mother et cette identification amoureuse dépassant la relation maternelle saine. Les limites et faiblesses de ces deux personnages deviennent de plus en plus visible, et leur vision ne devient plus aussi fiable pour le spectateur.

L’histoire se concentre sur Do-Hee, les difficultés de son quotidien et l’ambiguïté de son caractère si mystérieux. En tant que figure de femme forte et indépendante, Young-Nam est l’héroïne du film en tentant de protéger Do-Hee des griffes de son père. Mais elle souffre également d’une certaine fragilité et doit faire face à ses propres démons. Grace aux plans répétitifs de ces bouteilles transparentes, l’alcoolisme devient pourtant un mal visible. Difficile à liquider, il devient source de tous les problèmes relationnels pour les personnages alcooliques. Le problème d’alcoolisme chez Young-Nam rend notre héroïne à la fois humaine pour sa fragilité, mais autodestructrice. Elle s’enferme dans une addiction qu’elle alimente de sa propre volonté, tout comme elle cache son homosexualité par peur du jugement des autres.

Un huis clos perfide

La tension du film se resserre autour de la mort accidentelle de la grand-mère et ainsi l’enquête de Young-Nam fait ressurgir les secrets et démons de ce village aux apparences si tranquilles. En action, la policière revêtit son costume de justicière naïvement et aveuglement. Pourquoi aveuglement ? Car son personnage honorable ne voit pas au-delà des apparences. Les maux et secrets de ce village sont une abîme dans laquelle elle s’y plonge aussi profondément que dans son alcoolisme. Trompée et manipulée, elle finit par être elle-même la rejetée du village pour un crime dont elle est injustement puni. Les rôles s’inverses, se confondent : Young-Nam devient victime de Do-hee. Les deux héroïnes se reflètent et s’opposent, jusque dans une apparence similaire que les champs et contre champs amplifient.

Un vice caché par l’innocence enfantine

Le véritable mal du village se situe dans les recoins les plus cachés. Sous l’innocence apparente de Do-hee se cache un démon de violence et de perversité. Son arme devient son rôle de victime et son apparence angélique. Mais, sous ce masque, elle personnifie le mal refoulé. Décuplant tout ce qu’on lui a fait subir, son retour de force est surprenant. Le spectateur, tel que Young-Nam l’avait sous-estimé. Alors, chacun est perplexe entre accepter la morale tangente de ce film ou rejeter cet exemple cathartique.

Très naturellement, A Girl at My Door aborde frontalement les problèmes actuels de l’acceptation de la différence dans cette société occidentale qui rejette les vices et démons. Mais le cinéma coréen retransmet bien cette noirceur dans leurs anti-héros diaboliques qui fatalement font payer dix fois le prix de leur rejet. Si ce film n’est pas à proprement dit du genre « horrifique », il montre le monstre viscéral et caché sans artifice. Un démon refoulé qui sert ici de sauveur et justicier. Une fin intrigante mais qui laisse le spectateur avec une sorte de soulagement indéfinissable. Au final, des figures de femmes fortes et triomphantes face à une campagne troublante et oppressante.

Fiche Technique: A Girl at My Door (Dohee-ya) 

Corée du Sud – 2013
Réalisation: July Jung
Scénario: July Jung
Interprétation: Bae Doona (Young-nam), Kim Sae-ron (Dohee), Song Sae-byuk (Yong-ha), Jang Hee-jin (Eun-jung)
Genre: Drame
Date de sortie: 5 novembre 2014
Durée: 1h59
Image: Kim Hyun-seok
Son: Kim Hyun-sang
Montage: Lee Young-lim
Musique: Jang Young-gyu
Producteur: Lee Chang-dong, Lee Joon-dong
Distributeur: Epicentre Films