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Amat Escalante n’est pas un réalisateur qui a froid aux yeux. A l’image d’une certaine vague du cinéma mexicain qui voit en son sein, Michel Franco ou Carlos Reygadas, le cinéaste aiguise son style entre une forme documentariste austère et une violence visuelle sèche non loin d’une certaine  complaisance, à la fois esthétique et morale. Et La Région Sauvage continue le sillon tracé par Escalante, même si cette fois la violence du réel est suppléée par sa rencontre avec le fantastique, donnant alors une œuvre hybride et fascinante.

Pendant qu’Escalante nous décrit un quotidien morne et déliquescent, avec cette petite famille qui se liquéfie à cause des divers mensonges et d’une réalité sociale difficile, une cabane abandonnée au fin fond d’une forêt « originelle » cache en son antre une « chose » qui voit s’éclater toute forme de rationalité et qui va assouvir tous les plaisirs les plus primitifs: un alien, au graphisme tentaculaire, sorti d’une météorite venue s’écraser sur la Terre et qui fait l’amour comme personne. Comme un Dieu, dieu de la luxure, qui libère nos pulsions les plus enfouies. Dans sa manière de découper son film, La Région Sauvage ressemble un peu à Under the Skin. Les deux œuvres n’ont certes rien en commun dans leur sous-texte thématique même si elles placent la femme en leur épicentre, mais les réalisateurs ont la même approche quant à l’utilisation de la science-fiction : expliciter l’aspect fantastique et sa connotation sexuelle avec vigueur et violence dans une ambiance inquiète, tout en le catapultant dans un univers esthétique naturaliste flamboyant et documentariste.

La Région Sauvage n’est pas un film d’anticipation qui crée une mythologie, mais un film fantôme qui accroît son étrangeté tapie dans l’ombre, qui délite sa réalité pour mieux la contempler, et qui multiplie les scènes coup de poings pour démystifier leur vanité. Amat Escalante reste ancré dans le réel et n’écrit pas une œuvre de science-fiction à proprement parler. Le réalisateur mexicain garde un rapport très austère à sa description du quotidien : comme peut le faire un certain Michael Haneke. La Région sauvage est fait la plupart du temps de plans fixes, à la lumière naturaliste et sans aucun accompagnement sonore (ou presque). Le style est aride et assez opaque pour voir s’entretenir une certaine forme d’empathie pour ce qui se déroule à l’écran. C’est la limite du cinéma d’Amat Escalante, même si l’émotion lacrymale n’est pas du tout une volonté du mexicain, qui se veut plus nihiliste qu’autre chose. Qu’on se le dise, un cinéaste comme lui ou Carlos Reygadas sont des artistes qui aiment parler du Mexique et de ses dérives contemporaines. La beauté esthétique se fait sensorielle et aussi dérangeante. L’érotisme ésotérique du film est mélancolique (le chef op’ est celui de Lars Von Trier), démonstratif mais extrêmement froid dans sa mise en scène.

Tout comme dans Heli, la violence sociale et militariste ne peut être remplacée que par l’onde de choc qu’est le sexe, et le plaisir qui en découle. Et la Région Sauvage devient même la suite logique d’Heli, prend à bras le corps le thème de l’éveil sexuel et de l’acceptation de soi: la dernière scène nous montrait un couple en plein ébat sexuel, torride et libérateur. Sauf que là, les choses ont changé : le « couple » a grandi (ce n’est pas le même) et le rapport sexuel du couple est devenu une sorte de passage obligatoire, une action sans plaisir : tirer un petit coup devient aussi intéressant que se laver les dents ou faire la tambouille quotidienne pour les gamins. Cette misère des mœurs, agencée par l’âpreté journalière, entre le boulot et les gosses, peint avec férocité une société et une cellule familiale mexicaines qui marchent sur la tête et qui voient la femme être la victime de la pression contemporaine.

Comme dans l’œuvre de Jonathan Glazer, le fantastique est une métaphore de la réalité, celle d’une libération féminine dans un monde misogyne ou homophobe et qui aussi lie le sexe à la mort. Et même si le versant documentaire prend parfois le pas, Amat Escalante arrive à créer de réels personnages, notamment féminins, passionnants à regarder : comme cette femme addict, Veronica, au bord du précipice où le plaisir est aussi synonyme de mort; ou encore cette mère de famille qui tente de se retrouver en tant que femme. Alors qu’Heli était influencé par Larry Clark, La Région Sauvage se rapproche du Festin Nu de David Cronenberg et surtout de Possession de Andrzej Zulawski.

Car même si La Région Sauvage peut paraître parfois assez banal même si dénonciateur dans son écriture, avec ce trio amoureux, qui ne l’est pas réellement, où le mari trompe sa femme avec le frère de cette dernière, c’est bel et bien ce prisme surnaturel qui va irriguer toute la magie de La Région Sauvage. Car le drame social va basculer en enquête policière et en récit initiatique protéiforme. L’apparition de l’aspect fantastique permet à Amat Escalante de façonner des séquences marquantes, proche du Hentai (« Urotsukidoji »), et de mélanger le réel au mystique. Dans cette forêt, qui cache des partouzes d’animaux, la nature se fait plus foisonnante et dissimule aussi bien le plaisir que le mal incarné. La Région Sauvage est un film fort, frontal dans sa manière d’aborder ses sujets et qui détient une austérité un peu morne voyant s’immiscer en son antre une sexualité mortifère fascinante.

La Région Sauvage : Bande annonce

Synopsis : Alejandra vit avec son mari Angel et leurs deux enfants dans une petite ville du Mexique. Le couple, en pleine crise, fait la rencontre de Veronica, jeune fille sans attache, qui leur fait découvrir une cabane au milieu des bois. Là, vivent deux chercheurs et la mystérieuse créature qu’ils étudient et dont le pouvoir, source de plaisir et de destruction, est irrésistible…

La Région Sauvage : Fiche technique

Réalisation et scénario : Amat Escalante
Interprétation : Ruth Jazmin Ramos, Simone Bucio, Jesús Meza, Edén Villavicencio.
Image : Manuel Alberto Claro
Montage : Fernanda de la Peza
Décors : Daniela Schneider
Costume : Daniela Schneider
Producteur : Jaime Romandia et Amat Escalante
Société de production : Le Pacte
Distributeur : Le Pacte
Durée : 99 minutes
Genre : Drame, expérimental, hentai
Date de sortie : 19 juillet 2017

Nationalités mexicain, danois, français, allemand, norvégien, suisse

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Quarante ans après sa mort, la réalisatrice Lisa Immordino Vreeland revient sur la vie remarquable de Peggy Guggenheim, une légende artistique du XXe siècle.

Synopsis : Libre et avant-gardiste, Peggy Guggenheim a traversé les bouleversements du XXème siècle aux côtés d’artistes qu’elle a fait connaître mondialement. Elle a notamment révélé le talent de Jackson Pollock ou encore Max Ernst. Des entretiens inédits de Peggy Guggenheim ainsi que des témoignages d’artistes et de critiques d’arts mettent en lumière la vocation et la vie tumultueuse de cette grande collectionneuse et icône de l’art moderne.

Peggy Guggenheim, une avant-gardiste

Avis aux amateurs d’art, ce documentaire est fait pour vous. Du moderne au contemporain, ces deux périodes artistiques sont très largement mises en lumière à travers ce film, dédié à cette icône du XXe siècle.

Ce documentaire est une biographie ouverte de Peggy Guggenheim. Construite en six parties, il s’agit d’une œuvre intégrale, sur la vie de cette artiste. Plus connue pour son musée, fondé sur le Grand Canal de Venise, que pour sa véritable personne, la vie de cette femme est aujourd’hui, quasi inexplorée. Ce documentaire permet ainsi, de reconsidérer l’artiste en tant que telle.

De son enfance, bercée par un univers familial richissime à son essor dans le monde artistique, Peggy Guggenheim a eu un parcours extraordinairement rare. Nous découvrons, grâce à de multiples témoignages, l’incroyable parcours de cette femme, décrite comme étant une autodidacte. Collectionneuse d’un genre nouveau, Peggy a consacré sa vie à l’amour de l’art. C’est auprès de Marcel Duchamp, pionnier dans l’art du XXe siècle, que cette femme s’est ouverte au monde abstrait. Ce documentaire, d’abord centré sur son parcours professionnel, insiste sur la dimension émotionnelle de son travail. Peggy Guggenheim a lutté, tout au long de sa vie, contre la vague de tristesse qui l’engouffrait. C’est le monde artistique qui a donc donné un sens à son existence.

L’histoire de cette femme est particulièrement touchante, dans le sens où elle est partie de rien pour arriver à un tout. Durant sa jeunesse, Peggy Guggenheim n’avait aucune réelle connaissance de l’art. C’est au fil de ses rencontres, de son acclimatation avec ce monde étranger, que l’artiste a compris que c’était à travers cette nouvelle passion, qu’elle pourrait être libre. Et justement, la liberté était à cette époque, plus que tout recherchée. On découvre durant ce documentaire, les blessures laissées par le totalitarisme, durant les années 1940. C’est justement pendant cette période de guerre que l’artiste a commencé à développer une incroyable collection. Elle a acquis au cours des années, une quantité impressionnante d’œuvres rares. À la fin de sa vie, le palmarès artistique de Peggy Guggenheim s’élève à 326 oeuvres d’art !

L’art et la sensualité : deux indissociables

« Si je devais compter mes relations, j’en mourrais. » Peggy Guggenheim.

Ce documentaire n’est pas uniquement dédié à l’incroyable collection de cette femme. C’est également un film personnel, intime et révélateur. Peggy Guggenheim aimait les artistes et ce film nous le montre bien. À travers son interview réalisée quelques temps avant sa mort, l’artiste se dévoile et révèle sa passion quasi obsessionnelle pour les hommes. De Max Ernst à Jackson Pollock, Peggy Guggenheim a fréquenté aussi bien professionnellement qu’intimement, de grands noms du monde artistique. Modèle de la femme libre, Peggy Guggenheim était sa propre création.

Ce documentaire est un voyage formateur, à travers l’incroyable parcours de cette icône féminine de l’art moderne.

Peggy Guggenheim, la collectionneuse : Fiche Technique

Titre original : Peggy Guggenheim
Réalisateur : Lisa Immordino Vreeland
Genre : Documentaire
Durée : 96 minutes
Distributeur Happiness Distribution / MK2 Distribution
Date de sortie : 26 juillet 2017
Nationalité : américain

Peggy Guggenheim, la collectionneuse : Bande-annonce

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Nombreux sont les drames ayant pour thématique celle de l’handicap. Walk With Me de Lisa Ohlin tente de se démarquer de ces derniers en inscrivant au sein de son intrigue, deux univers opposés : la guerre et la danse. 

Synopsis : Thomas, soldat d’élite, perd l’usage de ses deux membres inférieurs à la suite d’une opération militaire. Il commence alors une longue rééducation. Il fait la connaissance de Sofie, une ballerine du Ballet Royal qui l’aide au fil des jours, à reprendre physiquement et moralement goût à la vie. De cette rencontre, naît alors une grande complicité…

Deux vies complémentaires

La souffrance d’un individu liée aux séquelles psychologiques d’un retour à la guerre est un sujet intemporel. Walk With Me a été inspiré par une rencontre entre Lisa Ohlin et  un combattant souffrant de problèmes post-traumatiques. Ce film est donc le fruit de l’expérience personnelle de la réalisatrice, et de sa volonté d’écrire un film, sur le combat intérieur de ces soldats. 

Walk With Me, c’est la rencontre entre deux mondes opposés. Thomas et Sofie viennent de deux univers entièrement distincts : la guerre, caractérisée par la violence, et la danse, reflétée par la douceur. Pourtant, leurs personnalités se complètent jusqu’à devenir presque indissociables. Les danseurs étoiles, tels que Sofie, utilisent la maîtrise de leur corps pour aider les soldats blessés dans leur rééducation. Ce travail sur l’écoute de soi-même amène de nombreux questionnements tels que la rudesse de l’exercice physique et la persévérance, comme force mentale. Ces questions, Lisa Ohlin les a très largement traitées à travers cette réalisation.

Ce drame danois teinté d’une histoire d’amour est une ode à la vie. Construit autour de nombreuses allégories, Walk With Me brille par son originalité. La plus reconnaissable des métaphores est l’éveil sensitif des membres inférieurs de Thomas, et cela, par le biais d’une ballerine. Mais l’émotion du film se retrouve également dans la thématique de la perte. Qu’elle soit physique (amputation) ou mentale (décès), les personnages principaux subissent tout deux la douloureuse étape de la disparition.

De l’héroïsme à l’impuissance

Walk With Me est un drame explorant avec une grande profondeur, la faiblesse et la force mentale des soldats portant désormais le nom d’invalides. La symbolique de la renaissance y est particulièrement importante. En effet, l’intrigue est construite autour de l’autodestruction du personnage de Thomas. Ses jambes faisaient de lui le militaire intrépide qu’il était. Voyant du jour au lendemain son principal atout de guerre disparaître, le soldat amputé sombre dans un amas de colère. De cette soudaine désillusion, surgissent tout un tas de questionnements : la détresse humaine, l’incompréhension du présent et l’enfermement social.

La figure héroïque qu’il vénérait tant laisse brutalement place à un profond dégoût de soi-même. Walk With Me est une plongée dramatique dans le cauchemar éveillé de cet homme.  Mais ce film est également la preuve que derrière chaque épreuve, se trouve une lumière. D’une rencontre inattendue peu naître un espoir. Et de cet espoir, peut renaître la vie.

Même si l’ambiance du film peut sembler particulièrement pesante par la dureté du sujet traité, la réalisatrice n’omet pas d’inverser la tendance. L’histoire d’amour, qui naît au fil du temps, apporte une certaine légèreté à l’intrigue et permet de dédramatiser la situation. Le combat personnel de Thomas se transforme alors en un corps-à-corps émotionnel des plus touchants.

En nous contant le sombre portrait d’un mutilé de guerre, Lisa Ohlin fait de ce film un profond récit sur la reconstruction humaine.

Walk With Me : Bande Annonce

Fiche technique : Walk With Me

Réalisée par : Lisa Ohlin
Acteurs : Mikkel Boe Følsgaard (Thomas), Cecilie Lassen (Sofie), Karen-Lise Mynster (Ruth), Silja Eriksen Jensen (Nina), Morten Holst (Jimmy), Dar Salimaas (Sami)
Assistants du réalisateur : Tue Czajkowski, Ida Gabrielsen
Directeur de la photographie : Lars Skree
Montage : Anders Nylander
Musique : Louise Alenius, Marcus Jarlbo, Sebastian Öberg
Régie : Lennart Storgaard
Directeur de production : Per Holst
Producteur délégué : Henrik Zein
Produit par : Asta Films
Genres : Drame, Romance
Durée : 1h 45min
Date de sortie : 26 juillet 2017

Danemark – 2016

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