Dreamworks n’a pas encore la féerie dans son A.D.N. comme l’ont les studios Disney. Cela se ressent dans leurs scénarios, mais également dans leur approche musicale. Là où Disney va produire des chansons bien « traditionnelles », Dreamworks va privilégier des chansons plus fashion et grand public. Résultat avec la bande original d’En Route ! (Home en v.o.), supervisée par Lorne Balfe : des chansons qui n’hésitent pas à flirter avec le r’n’b, si cher aux jeunes générations. On retrouve donc sur la galette une brochette de supers stars du moment, telles que Rihanna et Jennifer Lopez. Après tout, rien de plus normal, puisqu’elles doublent respectivement les voix de Gratuity « Tip » Tucci et Lucy Tucci, dans la version originale du film.
Si on la compare au travail musical de Walt Disney Records, cette bande originale peut sembler à côté de la plaque. Mais au final le résultat, s’il s’éloigne du féérique de rigueur (rien de bien nouveau en fait), se digère plutôt bien après plusieurs écoutes. Rien de désagréable, mais pas non plus de quoi grimper aux rideaux. Juste une bande son que les plus jeunes vont surement adorer puisqu’après tout, Libérée, Délivrée (La Reine Des Neiges), qui insupporte tant de parent normalement constitués, aura eu un succès monstre. De bonne grâce, souhaitons le même succès à la bande originale d’En Route (ça ne mange pas de pain)!
Et un peu de #cute et de #music avec la danse de Oh du film En Route (« Home » en version originale) qui sort au cinéma le 15 Avril 2015.
Will Smith est cool, le film, Diversion repose sur cet aspect de sa personnalité la plus exploité au cinéma, tout comme auparavant dans le hip hop, en tant que Fresh Prince avec son DJ Jazzy Jeff.
Synopsis : La relation entre un arnaqueur professionnel et une apprentie criminelle vient perturber les affaires de chacun, quand ils se recroisent quelques années après leur première rencontre.
Une arnaque peu savoureuse
L’histoire est à son image, légère et drôle. C’est un divertissement, qui manque d’imagination, en enchaînant les twists pour tenter de surprendre, alors que la fin est connue dès le début. Malgré tout, ça swingue, grâce à une BO aussi élégante que Will Smith. Il est la tête d’affiche, le pilier qui tente de garder le spectateur en haleine, face à la vacuité de l’intrigue. Un acteur peut sauver un film de l’ennui, même si sa performance n’a rien d’exceptionnelle, surtout quand il se contente de faire du Will Smith.
Il est bien loin le temps ou cet acteur surprenait son monde dans Six degrés de séparation, avant de se sublimer devant la caméra de Michael Mann pour Ali. Il ballade son charisme dans des productions sympathiques, mais ne semble pas en mesure de vouloir s’élever et reste un acteur juste sympathique. Pour autant, sa classe et son élégance, sont bien mis en avant, en défilant dans diverses tenues chic, dans un univers clinquant. Il le fait en compagnie de la belle Margot Robbie, qui ballade sa plastique avantageuse, en oubliant d’être une actrice. Le duo est improbable et ne fonctionne pas vraiment. La superficialité qui se dégage du film, de ce luxe étalé à chaque plan, représente bien cette actrice, qui a mis en émoi de nombreux mâles dans le réussi Le loup de Wall Streetde Martin Scorsese, ce qui reste son seul fait d’arme, c’est dire si son talent est purement visuel.
La rencontre des deux personnages se fait avec une telle facilité, comme le lien qui se créer entre eux, qu’on a du mal à croire à leur association, moins à l’affection que Will Smith lui porte. C’est par la grâce de son humour et de son rire, que cela fonctionne dans une première partie réussie. L’arrivée d’Adrian Martinez rajoute au côté sympathique du film. Il est le personnage secondaire qui illumine ses scènes de par sa seule présence, associé à des réparties toujours drôles, même lors de ses face à face avec Margot Robbie, continuant de jouer la potiche. Mais il y a un homme, qui va mettre tout le monde d’accord, il s’agit de B.D. Wong. Son duel face à Will Smith est le sommet d’une histoire, qui va en pâtir et ne sera jamais en mesure de renouer avec la folie de cette scène. Elle marque une rupture et on retrouve notre héros, trois ans plus tard, en laissant en plan Brennan Brown, au profit de Rodrigo Santoro et de son cabotinage. Autant la première partie, arrivait à être passionnante, sous la chaleur de la Nouvelle-Orléans. Autant la seconde partie, se traîne, malgré des tentatives de relancer une histoire, qui enchaîne les poncifs, comme Will Smith et ses vodka pomme, sous la chaleur de Buenos Aires.
On passe d’un paysage exotique à l’autre, comme d’un twist à un autre, puis encore un, etc….mais cela swingue quand même. Le tempo est agréable, on est jamais dérangé, ni surpris. Gerald McRaney peut faire son entrée, pour tenter de secouer un peu, un ensemble qui stagne dangereusement. Il réussit à sortir tout le monde, de la torpeur, surement dû à la chaleur étouffante de l’Argentine. Mais cette absence de surprise, pèse sur la fin. Pas que tout soit prévisible, loin de là, sauf qu’au final, on sait très bien, que tout ça, n’est qu’un feu de paille.
Glenn Ficarra et John Requa ne sont pas réputés pour leurs talents derrière la caméra, ni même à l’écriture. Ce sont de bons faiseurs, dont la seule ambition est de divertir, comme dans leurs deux films précédents : I love you Phillip Morris et Crazy, Stupid, Love. Ils s’en sortent plutôt bien, ils ont su enrober leurs films dans une musique et une photographie réussies, masquant les faiblesses du scénario, tout comme celles d’une réalisation, qui ne décolle jamais, comme le film.
C’est un film conventionnel, Will Smith retrouve le haut de l’affiche, après un léger passage à vide avec les navrants Men in Black 3, puis After Earth. Il prouve qu’il peut toujours tenir un film sur ses épaules, encore faut-il que celui-ci tienne la route. Avec une meilleure partenaire et un scénario moins prévisible, on aurait pu se retrouver devant une histoire plus captivante, au lieu de ce produit trop lisse, mais qui se laisse voir sans déplaisir.
Diversion : Fiche technique
Focus
USA – 2015
Réalisation : Glenn Ficarra et John Requa
Scénario : Glenn Ficarra et John Requa
Distribution : Will Smith, Margot Robbie, Rodrigo Santoro, Gerald McRaney, B.D. Wong, Robert Taylor, Dominic Fumasa, Adrian Martinez et Brennan Brown
Photographie : Xavier Pérez Grobet
Musique : Nick Urata
Montage : Jan Kovac
Productions : Kramer & Sigman Films et Zaftig Films
Distribution : Warner Bros
Budget : 100 000 000$
Genre : Comédie, drame et thriller
Durée : 104 minutes
Date de sortie française : 25 Mars 2015
Dead Space : Aftermath, faire pire que le film précédent, c’est un véritable exploit !
Synopsis :2511. Trois ans se sont écoulés depuis qu’Isaac Clarke a combattu les nécromorphes puis détruit le monolithe, cette pierre qui leur donnait naissance. Trois ans pour qu’une équipe soit envoyée sur la planète Aegis VII afin d’y retrouver d’éventuels fragments du monolithe pour de l’étudier. Mais, bien évidemment, d’étranges phénomènes se reproduisent. Comme la folie naissante de Nick Kuttner, qui pense apercevoir sa fille décédée partout où il va. Ou encore une nouvelle infection de nécromorphes qui va toucher le vaisseau O’Bannon.…
Comme pour le premier jeu, la sortie de Dead Space 2 s’accompagne d’un film d’animation, censé expliquer tous les événements qui se produisent dans la suite vidéoludique. Ou du moins dresser le pont entre les deux opus. Mais le premier essai qu’avait été Dead Space : Downfall s’était révélé catastrophique, au point de faire honte au jeu de base. Ne mettant le point que sur son aspect commercial, dans le but d’être vu par les fans du produit originel, qui ont dû se jeter dessus pour finalement connaître la déception. Un constat corrigé avec ce nouveau film, intitulé Aftermath? L’exploit est là, mais pas dans le sens espéré…
Encore une fois, il ne faut pas s’attendre à des révélations car, malgré son statut de prequel, Aftermath ne fait rien d’autre qu’établir un pont hautement dispensable entre les deux jeux vidéo (la promotion s’avère moins mensongère que pour Downfall, vu qu’Aftermath avait été annoncé ainsi). Juste pour dire comment a été amenée l’infection à bord de la station La Méduse (lieu où se déroule l’action de Dead Space 2). Et encore, cela, nous ne l’apprendrez qu’à la dernière seconde du film. Sinon, vous serez obligés de suivre pendant au moins 1h13 à une histoire et des personnages sans intérêt,j amais creusés ni charismatiques. Juste une sorte de survivor qui a bien du mal à se lancer, en passant par des références poussives d’autres œuvres de la science-fiction, notamment Alien (un personnage « figurant » se nomme Ripley, le nom du vaisseau fait allusion au créateur de la saga Dan O’Bannon…).
Et même si, à nouveau, l’univers du jeu vidéo (décors, vêtements, nécromorphes…) est représenté fidèlement, le fait que ce soit en animation nuit tout autant que Downfall, retirant toute l’angoisse que éprouvée en se plongeant dans le jeu, et le gore n’étant jamais dégoûtant à regarder. Sans compter que l’animation en elle-même se montre toujours aussi obsolète à l’heure actuelle (comme si Aftermathétait tout droit sorti des années 80-90), affichant des incohérences visuelles visibles comme le nez au milieu de la figure (par exemple, la taille des personnages qui ne cesse de changer par rapport au décor, ou qui ne correspondent pas à certains éléments de ce dernier). Bref, rien n’a malheureusement changé depuis Downfall. Pourtant, le résultat n’en est plus que catastrophique !
Cette erreur, le film la doit à son scénario. Alors queDownfallproposait un script tout bonnement classique et peu accrocheur, Aftermath a voulu se livrer avec une histoire bien plus fouillée sur le papier. Cela n’a pas été dit dans le résumé mais c’est pourtant le cas : les actions du film ne sont que des flashes-backs, des souvenirs de témoins qui racontent à des scientifiques ce qu’ils ont vécu. En somme, à l’instar du récent Angles d’attaque, nous suivrez une seule et même histoire mais racontée par le biais de différents points de vue, qui permettent d’apporter son lot de détails au fur et à mesure que l’histoire avance. Seulement, il faut que celle-ci soit intrigante. Ici, elle ne l’est aucunement ! Du coup, les longueurs se font ressentir et les personnages, déjà inintéressants, se montrent encore plus inutiles que l’existence de ce film d’animation.
Mais là où Aftermath se vautre littéralement, c’est dans son animation qui veut refléter le parti pris de son scénario, en changeant de style pour chaque point de vue. Comme si le film osait présenter en 1h13 différents courts-métrages animés qui racontent la même histoire, avec les mêmes protagonistes. Pourquoi pas au final ? Il n’empêche, changer le style de l’animation ne veut pas dire tout remodeler ! Or, il n’est pas rare, lorsque le point de vue change, d’avoir des personnages au physique différent (même la couleur de peau est touchée par le changement, des protagonistes devenant hispaniques sans explication) ou des combinaisons/vêtements qui se modifient sans raison. Et comme si cela ne suffisait pas, pour différencier l’instant présent des souvenirs, l’animation classique laisse sa place à de la CGI (images de synthèse, à l’instar d’un Pixar) d’une piètre qualité, nous faisant croire involontairement à un épisode de Code Lyoko. Avec toutes ces différences, le spectateur perd rapidement le fil de l’histoire, ne comprenant pas pourquoi le film se livre à lui de telle manière.
Il faut admettre qu’Aftermath fait fort. Si, si ! Se montrer encore plus chaotique et inutile que Downfall, c’est un véritable exploit ! Une fois de plus, il vous est conseillé de vous reporter sur les jeux vidéo, véritables prouesses techniques et de mise en scène qui savent vous faire vivre ce qu’est l’angoisse à l’état pur. Avec Downfall et Aftermath, c’est l’ennui et la perte de temps que vous connaîtrez. Le second provoquant, en plus de tout cela, quelques crises d’épilepsie à cause de sa laideur visuelle. En lisant cette critique, dites-vous que votre vie, s’il elle est régie par une puissante curiosité, vient d’être sauvée !
Dead Space : Aftermath : Bande-annonce
Dead Space : Aftermath : Fiche technique
Réalisation : Mike Disa
Scénario : Brandon Auman, Mike Disa, Chuck Beaver et Joe Goyette, d’après les jeux vidéo Dead Space et Dead Space 2
Interprétation : Christopher Judge (Nickolas Kuttner), Ricardo Chavira (Alejandro Borges), Gwendoline Yeo (Isabel Cho), Curt Cornelius (Nolan Stross), Graham McTavish (le capitaine Campbell), Peter Woodward (l’interrogateur), Kari Wahlgren (Rin / Sandra), Yorgo Constantine (le commandant Sergenko)…
Direction artistique : Moon-Joong Han et Hoe-Young Lee
Animation : Sun Myung Back
Musique : Christopher Tin
Producteurs : Joe Goyette et Chuck Beaver
Productions : Electronic Arts, Film Roman Productions, Starz Media, Pumpkin Studio, Gotham Group et Clemensen Capital
Distributeur : Anchor Bay Entertainment
Genres : Animation, Science-fiction
Date de sortie : directement en vidéo
Durée : 1h14
Songs Of Anarchy Vol.4, bande originale de la série Sons Of Anarchy, est en passe de devenir un des meilleurs albums de l’année 2015 en général, et une des meilleures bandes originales en particulier. En langage jeune, on dira que ce disque est une pure tuerie, en langage un peu moins jeune, on dira aussi que ce disque est une pure tuerie. Pourtant, Songs Of Anarchy est un album de reprises, exercice musical le plus risqué, tant on peut se retrouver à massacrer l’original ou, dans le cas contraire, à faire dans l’imitation bête et méchante. Rien de tout ça ici, les interprètes de ces reprises qui jalonnent le disque, s’en tirent avec les honneurs et ont même le mérite de coller totalement à l’esprit de la série.
Car toutes les reprises qui figurent sur cette bande son, ont le mérite de montrer du respect aux œuvres originales, tout en proposant une réelle relecture de la partition musicale et des arrangements. L’ouverture sur une version de Bohemian Rhapsody (du groupe Queen), virile et plus sombre, donne d’entrée des frissons qui se confirmeront tout au long de reprises extraordinaires, telles que la chanson traditionnelle anglaise Greensleeves reprise par Katey Sagal (reprise belle à pleurer), All Along The Watchtower de Jimi Hendrix reprise par Billy Valentine, Boots Of Spanish Leather de Bob Dylan reprise par Amos Lee. On sent tout l’Amérique qu’on aime sur ce disque, capable de tous les excès, les meilleurs comme les pires, sur un fond musical fait de country/folk et de rock’n’roll. Bref, tout ce que la série Sons Of Anarchy tente de faire partager depuis maintenant sept saisons.
Sons of Anarchy Soundtrack
Sortie : 20 février 2015
Distributeur : Columbia Records
Durée : 57’
Tracklist :
1. Bohemian Rhapsody par The Forest Rangers feat. The White Buffalo, Billy Valentine & Franky Perez
2. Never My Love par Audrea Mae & The Forest Rangers feat. Billy Valentine
3. The Age Of Aquarius/Let The Sun Shine In par Joshua James & The Forest Rangers feat. Billy Valentine
4. Greensleeves par Katey Sagal & The Forest Rangers
5. All Along The Watchtower par Billy Valentine & The Forest Rangers
6. Make It Rain par Ed Sheeran
7. Baby, Please Don’t Go par Franky Perez & The Forest Rangers
8. Blue Angel par Billy Valentine & The Forest Rangers
9. All Along The Watchtower par The Forest Rangers feat. Gabe Witcher
10. Boots Of Spanish Leather par Amos Lee & The Forest Rangers
11. Come Join The Murder par The White Buffalo & The Forest Rangers
Pour tout cinéphile amateur de films coréens, Sea Fog est certainement une grosse attente. Bong Joon-ho (ou Joon-ho Bong, c’est selon), le réalisateur de rien de moins que les excellents The Host et Snowpiercer, a offert à son ami Sung Bo Shim, le scénariste de Memories of Murder, l’opportunité de réaliser son premier film en le produisant. En plus de ce duo gagnant derrière la caméra, le plaisir de retrouver Yun-seok Kim, l’acteur vedette de The Chaser et Murderer, fera du film un pur plaisir pour les fans de cinéma made in Korea.
Synopsis : Kang, le fier capitaine de son bateau de pêche, le Jiujin, se voit proposer un contrat inédit, prendre à son bord un groupe de clandestins chinois pour les emmener jusqu’en Corée. La transaction se fait et l’équipage du bateau va chercher en haute mer la cargaison. Sous la peur des garde-côtes et au contact des immigrés, les esprits vont commencer à se crisper et la fin du voyage va être compromis…
C’est la mer qui prend l’homme!
Adapté d’une pièce de théâtre, le film prend l’allure d’un huis-clos maritime, un genre rare car difficile mais qui comprend des œuvres aussi intimistes que Lifeboat qu’imposante que Titanic, mais aussi des films épiques comme Das Boat ou Poséidon. La taille du bateau de pêche, et son équipage composé d’une demi-douzaine d’hommes rapidement rejoints par autant de clandestins, implique la mise en place d’une ambiance claustrophobique dans un espace réduit. La tension qui naît entre les hommes, les coups de nerfs d’un capitaine lunatique et l’épaisseur du brouillard marin (qui offre son titre au film) vont contribuer à cette atmosphère étouffante et à la montée crescendo d’un suspense habilement haletant bâti sur une ambiguïté morale agréablement perverse.
Alors que le premier quart d’heure a toutes les allures d’un drame social sur la condition des pêcheurs sud-coréens et que l’observation compassionnelle de la marchandisation des immigrés appuie cette impression de film consensuel, il est difficile de voir venir le survival hardcore dans lequel le film va peu à peu sombrer. La tension qui monte entre les marins naît en fait de l’arrivée inopportune à bord de deux femmes, la frustration sexuelle devient alors une source de violence extrême. Ce climat de crispation tant psychologique que physique puis le terrible drame qui survient à mi-parcours va tout simplement transformer la suite en une surenchère de folie meurtrière. L’horreur de la situation, ancrée dans une réalité sociale déplorable, va donc céder sa place à une violence purement jouissive, avec, à chaque étape du film, une mise en scène brillamment adaptée au genre duquel elle se rapproche le plus. C’est à ce talent qu’a le réalisateur d’adapter sa façon de filmer à l’état d’esprit de ses personnages que l’on peut y voir la révélation d’un réalisateur talentueux et jusqu’au-boutiste, comme on les aime. Si la conclusion du film peut toutefois sembler évasive, elle a au moins le mérite de nous éviter le happy-end ultra-galvaudé que l’on voyait venir gros comme une maison.
Sea Fog : Bande-annonce (VOST)
Fiche technique: Sea Fog
Titre original: 해무
Réalisation: Sung Bo Shim
Scénario: Sung Bo Shim, Joon-ho Bong
Interprétation: Yun-seok Kim, Park Yu-chun, Han Ye-Ri
Photographie: Alex Hong Kyung-Pyo, Kim Chang-Ho
Montage: Kim Jae-Bum , Kim Sang-Bum
Producteur: Joon-ho Bong, Kim Lewis
Production: Lewis Pictures
Distributeur en France: The Jokers
Durée: 105 minutes
Genre: Drame, Thriller
Date de sortie: 1er avril 2015
Synopsis : Ils viennent d’arriver en France. Ils sont Irlandais, Serbes, Brésiliens, Tunisiens, Chinois ou Sénégalais… Pendant un an, Julie Bertuccelli a filmé les échanges, les conflits et les joies de ce groupe de collégiens âgés de 11 à 15 ans, réunis dans une même classe d’accueil pour apprendre le français. Dans ce petit théâtre du monde s’expriment l’innocence, l’énergie et les contradictions de ces adolescents qui, animés par le même désir de changer de vie, remettent en cause beaucoup d’idées reçues sur la jeunesse et l’intégration et nous font espérer en l’avenir…
la cour des miracles
Cette classe d’accueil, donne l’opportunité à des enfants venant de différents pays, de se mettre à niveau, pour reprendre un cursus scolaire classique. On trouve 24 élèves de 22 nationalités différentes, allant de 11 à 15 ans, essayant de trouver leurs marques dans un pays ou il ne maîtrise pas encore la langue et la culture. Certains sont heureux d’être là, d’autres, pas vraiment. Ils ont fui un pays qui ne voulaient plus d’eux, mettant leurs vies en danger, ou pour rejoindre leurs parents déjà présents en France. Une classe, auquel on s’attache rapidement face à ces visages souriants, mais parfois dur. On va apprendre à connaitre la plupart d’entre eux, à vibrer avec eux, au rythme de leurs rires, mais aussi de leurs larmes. On va découvrir des personnalités aussi différentes, qu’intéressantes. Il y a de la vie dans cette classe, dans leurs mots et surtout, dans leurs rêves. Julie Bertuccelli colle sa caméra à leurs visages, ce qui donne un sentiment d’immersion, en nous mettant au plus près d’eux. L’enseignante principale est invisible au début, elle fait plus office de voix off, avant de prendre de l’importance et d’offrir de fortes émotions. Il y a une foule de sentiments qui se dégagent de ses images, à travers diverses situations.
En alternant les scènes dans la classe, puis celle des élèves avec leurs parents face à l’enseignante principale, après les conseils de classe, cela nous permet de mieux les cerner, de comprendre d’ou ils viennent et pourquoi ils sont là. Des enfants qui font office d’interprètes, mais aussi plus matures, en portant sur leurs frêles épaules, les espoirs de leurs parents, qui veulent les voir réussir, comme ce père émouvant, qui porte un regard rempli de fierté face à sa fille recevant les félicitations. Des enfants passant des classes, aux bureaux des services administratifs, pour aider leurs parents, qui ni ne parlent, ni ne lisent le français. Ils doivent concilier leurs études et les responsabilités, qui sont normalement incombé aux adultes. Ils ne sont pas tous dans ce cas, certains vivent chez leurs tantes ou autres. Mais ils ont tous un point commun, cela restent des enfants.
Dans un film, ou une série, il y a toujours un événement qui tente de créer une forte émotion. Le documentaire n’est pas en reste dans ce domaine et le départ d’une élève, est un véritablement déchirement pour la classe, mais aussi pour nous. On est en empathie face à chacun d’eux, on a envie de les soutenir et de les voir réussir. Il faut les voir débattre sur la religion, ou l’une d’elle est en pleine confusion, avec un père musulman et une mère chrétienne, en passant de la mosquée à l’église. Ils se posent des questions sur l’existence et sortent des vérités, que bien des adultes ont oublié avec le temps. Il y a une sincérité dans leurs mots, dans leurs regards, qui les rendent touchants et émouvants. C’est à ce moment-là que la caméra prend du recul et met plus en lumière l’ensemble de la classe, en dévoilant leurs côtés artistiques, ou se mêle le chant, le dessin et la musique. Il y a un talent brut en eux, qui ne demandent qu’à s’exprimer et qui est récompensé lors d’un festival de court-métrage. C’est une bouffée d’air frais pour eux de sortir de cette classe, de se confronter à ce monde, envers lequel, ils sont pleins d’attentes.
Nominé aux césars 2015, dans la catégorie « Meilleur documentaire », cette cour de Babel est profondément humaine, elle met du baume au cœur et donne envie d’un avenir meilleur, pour ces enfants, venant de tout horizons. L’émotion est réelle, car ils sont vrais, pas encore pervertis par les affres du temps et de la vie. On assiste à une belle leçon de vie, dont on a envie, qu’elle ne se finisse jamais, un pur moment de bonheur.
La cour de Babel – Julie Bertuccelli
Fiche technique : La cour de Babel
France – 2014
Réalisation : Julie Bertuccelli
Montage : Josiane Zardoya
Musique : Olivier Daviaud
Photographie : Julie Bertuccelli
Producteurs : Yaël Fogiel et Laetitia Gonzalez
Production : Les films du Poisson et Sampek Production
Distributeur : Pyramide Distribution
Genre : Documentaire
Durée : 89 minutes
Date de sortie : 12 mars 2014
La saison 3 de House Of Cards marque peut-être un véritable virage par rapport aux deux premières. Virage dû aux événements, mais surtout au fait que Frank Underwood, spécialiste de la conquête et challenger par vocation, n’a plus réellement à conquérir, puisqu’il siège désormais au sommet du monde.
Synopsis : Frank Underwood est désormais président, mais un président privé de son éternel bras droit, Doug Stamper. Du coup, la politique, son couple, tout semble lui échapper et sa vie devient une succession d’échecs.
Le Challenger
Le parfum de la conquête
Virage également dû à ce que subit Doug Stamper en fin de saison deux et qui va l’éloigner, temporairement, de la politique et de ses magouilles, qui faisaient sa raison de vivre. Deux raisons parmi d’autres, qui font que le ressenti sur cette troisième saison est bien différent. Moins incisive et moins saignante, elle gagne fortement en profondeur et prend le temps de la réflexion sur le monde politique ses vérités, ses mensonges, et leur articulation avec la vie privée et sentimentale.
Le chemin plus que le but
C’est finalement plus l’accession au pouvoir que le pourvoir en lui-même qui semble être le moteur de Frank Underwood, non pas que le pouvoir le laisse indifférent, mais il ne le satisfait pas tant que le plaisir de la conquête. Car comme le dit l’adage, le chemin importe plus que la destination, et même si on sentait en fin de saison deux la satisfaction du nouveau président d’être arrivé là, c’est plus les coups tordus qui l’ont mené à destination qu’il savourait et qui font tout le « charme » de Frank Underwood. Dans cette saison Frank est président, doit tout faire pour le rester aux prochaines élections, et découvre que la gestion des affaires courantes du pays et du monde, offre bien moins de latitudes aux embrouilles que le métier d’intriguant, qui était sa spécialité.
Un bras droit amputé
L’autre point majeur de cette saison, qui rejoint directement le premier, c’est l’absence de son âme damnée, l’homme des basses besognes, Doug Stamper, le seul en qui Frank a confiance. Seulement voilà, en fin de deuxième saison, Doug est laissé pour mort et revient progressivement à la vie en début de troisième. Un étrange glissement s’opère alors, durant sa rééducation, qui arrive à le rendre réellement sympathique, car on le sent rempli autant de douleurs psychologiques que physiques. On comprend vite que, si le président Underwood est beaucoup moins fringuant et enchaine les échecs, c’est parce-que Doug n’est plus à ses côtés. On se surprend alors à souhaiter ce retour, qui donnait une telle dynamique à ce duo et à la série. Lorsque cela se produit, dans une réaction malsaine, on s’en réjouit très sincèrement, car ce qui faisait le sel et l’immoralité de cette série, va nous être rendu.
Toujours un cheveu
Il y a juste un bémol dans cette troisième saison, déjà présent dans la deuxième et qui revient de nouveau tel un cheveu sur la soupe, c’est la question des mœurs sexuelles du président. Non pas qu’elles ont un quelconque aspect immoral ou anormal, c’est plutôt la manière dont cette bisexualité est amenée. Même si elle peut expliquer des aspects du personnage, elle a ici un côté trop glauque et reste trop déconnectée de l’intrigue, ne s’y incère pas de manière pertinente, pour ne pas mettre en colère lorsqu’elle s’affiche.
Netflix : naissance d’un empire
Mais le reste, ce qui fait de House Of Cards une série hors normes, y est comme à chaque saison. Qu’il s’agisse d’un Kevin Spacey (Usual Suspects, American Beauty) toujours bluffant, qui transforme son personnage en monstre au dernier épisode. Qu’il s’agisse de Robin Wright (Princess Bride, The Pledge), toujours vaporeuse, d’une classe qui s’affirme toujours un peu plus. Qu’il s’agisse de l’intrigue, toujours menée de main de maître, pleine de ce rythme qui fait que dès que l’ennui commence à poindre, un deus ex machina montre le bout de son nez. Une série qui vient confirmer que Netflix est en train de devenir un empire, qui a compris que les modes de production, de diffusion et le format des séries devaient évoluer et s’adapter aux nouveaux modes de consommations des amateurs.
Fiche Technique – House Of Cards
Création : Beau Willimon
Scénario : Keith Huff, Rick Cleveland, Sarah Treem, Sam Forman, Kate Barnow, Gina Gionfriddo, Bill Cain, Laura Eason, Kenneth Lin, John Mankiewicz, David Manson, Bill Kennedy et Beau Willimon
Casting : Kevin Spacey, Robin Wright, Michael Kelly, Molly Parker, Mahershala Ali
Direction artistique : Eigil Bryld
Costumes : Derek Sullivan
Montage : Kirk Baxter
Musique : Jeff Beal
Production : David Fincher, Kevin Spacey, Eric Roth, Andrew Davies et Michael Dobbs
Sociétés de production : Media Rights Capital, Trigger Street Productions, Wade/Thomas Productions
Société de distribution : Netflix
Format : 13 épisodes de 55’
Statut : en cours
2005 est une année particulièrement prolifique pour Tim Burton, qui sortira deux films en l’espace de quelques mois. Après le triomphe de Charlie et la Chocolaterie, le réalisateur revient à ses premiers amours avec Les Noces Funèbres.
Synopsis : Au XIXe siècle, dans un petit village d’Europe de l’est, Victor, un jeune homme, découvre le monde de l’au-delà après avoir épousé, sans le vouloir, le cadavre d’une mystérieuse mariée. Pendant son voyage, sa promise, Victoria l’attend désespérément dans le monde des vivants. Bien que la vie au Royaume des Morts s’avère beaucoup plus colorée et joyeuse que sa véritable existence, Victor apprend que rien au monde, pas même la mort, ne pourra briser son amour pour sa femme.
Hymne à la joie
Douze ans après L’Étrange Noël de Monsieur Jack, le revoilà aux commandes d’un projet en animation stop motion. Cette fois-ci, il est de tous les postes ou presque, assumant la triple casquette de metteur en scène, scénariste (s’il n’écrit pas les dialogues, l’idée et la trame principale sont de lui) et producteur. Un excellent moyen de s’assurer un contrôle total d’une œuvre qui, sans atteindre la brillance visuelle ou l’émotion narrative de L’Étrange Noël, porte tout de même la griffe de son créateur.
La mort leur va si bien
À commencer, bien sûr, par l’esthétique. Les Noces Funèbres se scinde en deux univers clairement définis : celui des vivants, terne et gris, et celui des défunts, bien plus joyeux et coloré. Une dichotomie qui se trouve au centre de l’histoire, opposant deux mondes séparés par l’ultime frontière : celle de la mort. Le thème est cher à Burton, et peut se retrouver, déjà, dans Beetlejuice. L’entre-deux y était déjà représenté comme un lieu aux couleurs flashys, plus étrange que véritablement festif comme c’est le cas ici, mais déjà loin de l’idée que s’en fait la culture populaire occidentale actuelle. On peut également la retrouver dans Batman Le Défi, où l’antre du Pingouin, dans les égouts de la Gotham, a des allures de carnaval grotesque, très éloigné de l’aspect sombre de la ville au-dessus de lui.
Puisant son inspiration dans le gothique Anglais le plus pur, Burton crée un monde presque monochrome, fait de salles immenses à l’ambiance morose. On retrouve là certains aspects d’un de ses films cultes, La Belle et la Bête (la version Cocteau, pas celle de Disney), le manoir du prince ayant visiblement marqué le jeune homme. Dans le même temps, il mixe des éléments venus d’Europe de l’Est, et notamment de la Russie, pays dont est tirée la légende ayant inspiré l’histoire. Les fêtes dans le monde des morts font en effet irrésistiblement penser au folklore des Balkans et à la convivialité régnant dans les pays de l’Est.
Les histoires les plus courtes…
Si la direction artistique et la mise en scène de Burton sont toujours aussi efficaces, Les Noces Funèbres pêche un peu au niveau de son scénario. La durée relativement courte du film (seulement 75 minutes) devrait assurer son intérêt, pourtant quelques longueurs apparaissent rapidement au fil d’un récit finalement assez quelconque. Une fois passé le plaisir de la découverte du monde des morts, force est de constater que la magie retombe un peu et qu’un certain ennui s’installe alors. S’il reste une belle réussite, Les Noces Funèbres pâtit de la comparaison avec L’Étrange Noël, qui parvenait sans mal à charmer jusqu’au bout.
Un défaut mineur, et qui ne gâche pas le charme de ce nouveau bijou de stop-motion. Un style que Burton aura réussi à transcender en seulement deux films. Le mélange des univers est une totale réussite, prouvant encore une fois le génie visionnaire de son créateur, lorsqu’il ne tente pas d’en faire trop. Ses deux films suivants, Sweeney Todd et Alice aux pays des merveilles, en reprendront d’ailleurs plusieurs éléments visuels. Sans atteindre le même degré de réussite, tout de même.
Les Noces Funèbres – Fiche Technique
USA – 2005
Animation, Fantastique, Romance
Réalisateur : Tim Burton, Mike Johnson
Scénariste : John August, Caroline Thompson, Pamela Petter, sur une idée originale de Tim Burton
Distribution : Johnny Depp (Victor Van Dort), Helena Bonham Carter (Emily), Emily Watson (Victoria Everglot), Tracey Ullman (Nell Van Dort/Hildegarde), Christopher Lee (Le Pasteur)
Producteurs : Tim Burton, Allison Abbate
Directeur de la photographie : Peter Kozachik
Compositeur : Danny Elfman
Monteur : Jonathan Lucas
Production : Warner Bros, Vinton Studios
Distributeur : Warner Bros France
Il faut bien dire qu’elle a la classe cette bande-originale, très riche de tous les grands artistes qui jouent dessus. Elle oscille entre jazz lounge et chic et des sonorités un peu plus rock. Un mélange inhabituel donc, très agréable à laisser tourner, un disque qui s’écoute en fait pour lui-même, sans qu’il y ait besoin de le rattacher au film. Pour le peu qu’on a vu de ce film à venir, on sent la volonté d’installer une ambiance de douce soirée d’été, lorsqu’on se laisse aller avec une coupe de champagne à la main sur des airs de jazz langoureux.
Mais pas que, puisqu’on retrouve de tout sur cet album, même jusqu’à un morceau d’Iggy & The Stooges, légendaire groupe rock américain de la fin des années 60. Voilà donc une bande originale d’une qualité rare, même si le therme « originale » semble du coup un peu usurpé, qui accompagne un film qui semble par contre être la source d’avis plus que partagés. Il faut espérer alors que cette superbe bande son saura rallier tous les suffrages, dans le cas contraire, la présence de Will Smith ne suffira pas à sauver le film du naufrage.
Nick Urata, « Crazy, Stupid, Love »est le compositeur du film Diversion réalisés par Glenn Ficarra et John Requa.
Que tous ceux qui pensaient encore que L’Étrange Noël de Monsieur Jack avait été réalisé par Tim Burton lèvent la main… Perdu !
Synopsis : Jack Skellington, roi des citrouilles et guide de Halloween-ville, s’ennuie : depuis des siècles, il en a assez de préparer la même fête de Halloween qui revient chaque année, et il rêve de changement. C’est alors qu’il a l’idée de s’emparer de la fête de Noël…
Ce petit bijou de l’animation a en réalité été mis en scène par Henry Selick, autre amateur d’imagerie gothique et d’univers un peu à part, qui a également adapté James et la Pêche Géante, toujours produit par Burton, mais aussi l’excellent Coraline, il y a tout juste cinq ans. Pourquoi, alors, parler de ce film dans une rétrospective consacrée au réalisateur deBig Eyes ? Parce que, hormis la réalisation justement, pratiquement tout est signé Burton. Et, franchement, cela se voit un peu…
D’une saison à une autre
Le scénario, tout d’abord. L’Étrange Noël de Monsieur Jack est l’adaptation en long métrage d’un poème écrit par le jeune homme au début des années 80, à une époque où il n’est encore que simple animateur chez Disney. Il faudra attendre presque dix ans et les débuts de la starification de son auteur pour voir enfin les personnages qu’il a créé prendre vie sur grand écran. On retrouve d’ailleurs les thèmes chers à Burton dans ce conte de Noël d’un genre un peu particulier à travers l’histoire de Jack Skellington, roi d’Halloween qui aspire à être ce qu’il n’est pas, et cherche à découvrir un monde nouveau, loin de la froideur de son univers.
La légende veut que l’idée lui soit venue alors qu’il passait devant la devanture d’un magasin. Il aurait alors observé les employés changeant la décoration des vitrines, échangeant les personnages d’Halloween contre ceux de Noël, et combinant les deux l’espace d’un instant. Le poème The Nightmare before Christmas (titre original du film, bien plus mélodieux et original par ailleurs) comporte déjà la trame du film, et il a dès lors suffi de rajouter une intrigue amoureuse et un grand méchant digne de ce nom pour obtenir le scénario final. Restait alors à donner vie à cette vision décalée.
Citrouilles et sapins
C’est là, une nouvelle fois, qu’intervient Tim Burton. C’est à lui, en effet, que revient la tâche de créer décors et personnages. Après tout, c’est lui qui a imaginé ce monde. Quoi de plus naturel que de lui en confier la direction artistique ? Après avoir plongé dans les méandres de Gotham City, le voici donc chargé de créer HalloweenLand, mais aussi la ville du Père Noël, et tous leurs contrastes. L’occasion idéale pour tester sa créativité débordante. L’Étrange Noël de Monsieur Jack est d’ailleurs un sacré challenge pour les équipes d’animateurs. Pour la petite histoire, il s’agit du tout premier long-métrage réalisé exclusivement en stop-motion…
S’il n’est pas (vraiment) signé Burton, L’Étrange Noël de Monsieur Jack est associé au réalisateur d’Edward aux mains d’argent pour une raison. Sans tenir la caméra, celui-ci se retrouve partout, à chaque seconde, à chaque plan. Après tout, l’histoire est de lui, les décors et le design sont de lui… Certes, Selick est un grand réalisateur… Mais on a tout de même envie de rendre à César ce qui lui appartiendrait presque.
L’Étrange Noël de Monsieur Jack – Fiche Technique
USA – 1993
Animation, Fantastique, Familial
Réalisateur : Henry Selick
Scénariste : Tim Burton, Michael McDowell, Caroline Thompson
Distribution : Chris Sarandon (Jack Skellington), Danny Elfman (Jack Skelligton, Barrel), Catherine O’Hara (Sally)
Producteurs : Tim Burton, Denise DiNovi, Kathleen Gavin Jeffrey Katzenberg
Directeur de la photographie : Pete Kozachik
Compositeur : Danny Elfman
Production : Skellington Productions, Touchstone Pictures
Distributeur : Walt Disney Studios Motion Pictures France
1984 : Tim Burton, alors jeune cinéaste de 26 ans réalise son septième film, un court métrage d’une trentaine de minutes intitulé Frankenweenie.
Synopsis : Victor Frankenstein vit avec sa famille et son chien dans une banale banlieue américaine et se passionne pour les sciences. Lorsque son chien Sparky est écrasé par une voiture, Victor tente tout pour le ramener à la vie.
Tim Sans Burton
Plus c’est long plus c’est bon…vraiment ?
Ce court, assez réussi mais encore éloigné de l’univers en devenir de cet enfant terrible, pose déjà les jalons de ce que sera demain son cinéma : une transposition dans nos sociétés modernes des mythes et des peurs ancestrales qui hantent l’humanité depuis qu’elle sait avoir peur. Transposition qui ici, à travers des acteurs comme Barret Oliver (L’Histoire Sans Fin) ou Shelley Duvall (Shining), ne revêt pas toute la subversion et l’irrévérence à venir d’un réalisateur, qui fera de la banlieue américaine moyenne sa cible privilégiée.
Garanti avec édulcorants
2012 : Tim Burton, alors moins jeune réalisateur de 54 ans, réalise son 25ème film (télévision comprise), transformant le court-métrage Frankenweenie en un long-métrage d’animation. Loin de réadapter son œuvre initiale, Tim Burton en reprend trait pour trait le canevas (parfois au plan près) et l’étire à l’infini pour n’en faire qu’une (pâle) copie, en plus long, perdant au passage la sincérité artisanale du court. Une copie certes, mais passée par le filtre des studios Disney, spécialistes reconnus des édulcorants cinématographiques, convaincus qu’ils semblent être, depuis des décennies, qu’il ne faut surtout plus faire peur aux enfants.
Politiquement correct
Même s’il y avait un côté rassurant à voir Burton tenter de se réapproprier une œuvre de jeunesse, le fait qu’en cette année 2012 sa carrière de cinéaste de génie semble n’être qu’un souvenir s’arrêtant à Sleepy Hollow (et peut-être à Sweeney Todd) prend le dessus sur les intentions du cinéaste, dont les thématiques semblent tourner en rond. Car Tim Burton bégaye (aux sens propres et figurés) ici son cinéma, qui a perdu une partie de ce qui en faisait l’intérêt : la subversion. Plus que ses références gothiques, son univers fantastique et ses personnages « à la marge », c’est cette critique féroce et sans concession d’une Amérique sclérosée, qui le caractérisait. Il avait (et a surement encore) en horreur cette banlieue américaine aux gazons bien taillés, aux maisons identiques et alignées sans que rien n’en dépasse, et surtout pas les idées ou les opinions de leurs occupants. Ces soi-disant « communautés » où la solidarité n’existe que si on la mérite.
Monstres & Cie
Frankenweenie version 2012, ne fait qu’effleurer cette banlieue, déjà disséquée dans d’autres de ses films mais ici simplement montrée, sans que rien de politiquement incorrect n’en ressorte réellement. C’est bien une galerie de monstres qui peuple ce film, mais aux caractères devenus consensuels et, surtout, qui ne font plus peur à personne. Tim Burton n’est plus le seul à la critiquer, cette société américaine qui est, depuis, passée du nombrilisme à l’autopsie. De ce point de vue, Frankenweenie n’apporte rien de neuf, reprenant, sous prétexte de les critiquer, des personnages qui sont devenus des clichés : le méchant voisin, le génie incompris, le copain jaloux, la voisine commère. Dans le fond, il tente de nouveau l’impertinence, certainement avec sincérité, mais oublie de se renouveler et surtout, d’être cruel.
Le blanc et le noir
Il n’y a guère que par sa forme que Frankenweenie est une réussite. L’animation est sans faille, sans pour autant tomber dans l’esbroufe propre aux studios à la souris, ni dans le « déjà vu ailleurs », à part chez Burton et en cela, il arrive à conserver une certaine authenticité. Il livre un noir et blanc superbe et des personnages aux faciès, même pour les plus « normaux » d’entre eux, qui n’inspirent certainement pas confiance et affichent un potentiel criminel certain. En cela la scène finale, proche des premiers Godzilla, restera sans doute la plus savoureuse en permettant à Burton de faire, pendant un instant, ce qu’il fait le mieux : prendre un univers et le torpiller comme un sale gosse.
Quand la musique est moins bonne
En revanche Danny Elfman, compositeur et complice de Tim Burton, rate à moitié sa partition. Sa bande-originale colle parfaitement au film, à l’univers dépeint et aux scènes qu’elle accompagne, mais le problème est justement là : elle ne fait qu’accompagner. Danny Elfman oublie de faire de sa musique une actrice du film, de faire que le film ne puisse se passer d’elle. Il ne lui donne pas de personnalité, si ce n’est quelques sonorités qui ont fait les beaux jours (et les belles nuits) de Batman. Le problème de Danny Elfman est qu’il signe ici une bande certes originale, mais en oubliant de lui donner ce qui fait qu’elle serait devenue mémorable : un thème.
American way of Tim
Les fans les plus durs affirment que Tim Burton s’est embourgeoisé, il y a certainement un fond de vérité depuis qu’il a commencé à travailler pour Disney, chacun comprenant qu’il s’agissait d’une mauvaise nouvelle. Sa copie de Frankenweenie ne donne pas ce coup de pied au derrière habituel. Il y a comme toujours des idées (de sombres idées), des trouvailles en pagaille, mais exploitées par un Tim Burton rattrapé par la jeune génération (probablement fan), qui ne trouve plus comment garder son originalité et donc, se démarquer. Frankenweenie, s’il ne l’avait pas réalisé, aurait certainement été mieux considéré et n’aurait pas souffert la comparaison avec la flamboyance de Sleepy Hollow ou la poésie macabre d’Edward Aux Mains d’Argents, marqueurs de cette époque où Tim Burton se moquait, très ouvertement et sans crainte aucune, d’une partie de ses compatriotes. Aujourd’hui, c’est de lui-même dont il semble se moquer.
Bande annonce : Frankenwenie
Frankenwenie – Fiche Technique
Réalisateur : Tim Burton
Musique : Danny Elfman
Production : Tim Burton & Allison Abbate
Sociétés de production : Walt Disney Pictures, Tim Burton Productions
Montage : Chris Lebenzon
Décors : Rick Heinrichs
Direction artitique : Denis Greco
Durée : 83’
Voix françaises : Henri Bungert, Pierre Tessier, Rafaèle Moutier, Kelly Marot, François Siener
Synopsis: En 1752, Joshua et Naomi Collins quittent Liverpool, en Angleterre, pour prendre la mer avec leur jeune fils Barnabas, et commencer une nouvelle vie en Amérique. Mais même un océan ne parvient pas à les éloigner de la terrible malédiction qui s’est abattue sur leur famille. Vingt années passent et Barnabas a le monde à ses pieds, ou du moins la ville de Collinsport, dans le Maine. Riche et puissant, c’est un séducteur invétéré… jusqu’à ce qu’il commette la grave erreur de briser le cœur d’Angelique Bouchard. C’est une sorcière, dans tous les sens du terme, qui lui jette un sort bien plus maléfique que la mort : celui d’être transformé en vampire et enterré vivant. Deux siècles plus tard, Barnabas est libéré de sa tombe par inadvertance et débarque en 1972 dans un monde totalement transformé…
Une famille dispensable.
Autrefois adulé pour son imaginaire délirant, Tim Burton finit par subir le lot de tout réalisateur au style trop marqué, il lasse son public. Les succès de Beetlejuice et Batman sont loin derrière et le voici dans une position inconfortable et paradoxale. D’un coté le public réclame du changement, de l’évolution, qu’il cesse de nous ressasser les mêmes univers manichéen et la même poésie macabre qui est devenue une caricature d’elle même. Mais de l’autre, les spectateurs veulent voir du Burton…donc du fantastique, du macabre, de l’humour et de la poésie. Difficile de les contenter, mais avec Dark Shadows, le réalisateur tente tout de même la carte de la réinvention en essayant de ne pas renier son style. De ce jeu d’équilibriste découle un film bancal, où les bonnes idées se confrontent aux erreurs de jugement les plus agaçantes.
Adapté d’un soap opéra gothique culte aux états-unis, l’histoire suit les aventure de la famille collins dans les années 60, qui tente de sortir de la ruine, tandis que leur ancêtre Barnabas, vampire de son état, revient du passé pour les aider. Le premier écueil que Burton n’a pu éviter est justement l’importance donné à ce personnage, incarné une fois de plus par son alter-ego Johnny Depp. Barnabas Collins est un personnage charismatique, et Depp s’en sort plutôt bien dans le rôle, mais il aurait été judicieux de centrer un peu moins l’intrigue autour de sa personne, car pour une chronique familiale, le reste du clan n’est pas très représenté et surtout dépend complètement des action du patriarche. Problème d’argent ? Barnabas à un trésor caché. Soucis syndical ? Barnabas hypnotise le prolétaire moyen d’un geste de la main. Tout les soucis de la famille sont résolu d’un claquement de doigt et aucun obstacle ne semble faire défaut au vampire, ce qui est problématique lorsqu’il s’agit de créer une tension dramatique. Johnny Depp peut faire toutes les grimaces qu’il veut, s’il n’a pas de point faible, on ne peut s’inquiéter pour lui. Même sa propulsion du XVIéme siècle au Xxéme ne semble pas l’incommoder plus que cela. Sa seul faille, c’est ça libido légèrement hors de contrôle, mais là encore on ne peut le suivre dans ses aventures. Alors qu’il ne cesse d’évoquer l’amour de sa vie qu’il cherche à retrouver, ré-incarné dans le corps de victoria la nouvelle gouvernante, rien ne l’empêche de se taper tout ce qui bouge dans le voisinage. Comment croire que son amour est sincère ? Le personnage cumule finalement plus de défauts que de qualités (il est arrogant, peu enclin à l’empathie…) ce que le rend finalement assez détestable.
Cela aurait pu fonctionner (on à tous un papy ou un oncle un peu aigri) à condition de contrebalancer ce caractère atypique par au moins un autre personnage plus positif. Mais non, La matriarche est manipulatrice et froide, même s’il on peut admettre que Michelle Pfeiffer ne se lasse jamais démonter par le cabotinage de Johnny Depp. La fille (Chloé Moretz) correspond à tout les clichés de l’ado rebelle etc… Bref la famille Collins n’est pas vraiment recommandable, et en aucun cas attachante. Leur seul objectif est de retrouver leur fortune perdue (on a rarement vu plus égoïste et auto-centré comme projet), ils n’ont que faire de leurs employés, de leur ville, ou du monde. Tout ce qui compte, c’est la famille, et rien ni personne ne doit s’immiscer dans leur univers. Là où la famille Adams nous présentait un clan macabre mais extrêmement joyeux, Dark Shadow nous offre leur envers sinistre et peu sympathique. Amusant au début, mais on espère une évolution, voir ces personnages révéler des facettes méconnue et devenir attachant…et quel gâchis ! Chaque fois que l’on espère voir un personnage se révéler, il est évacué aussi sec, comme l’oncle Roger qui disparaît à la moitié du film, sur ordre de Barnabas, qui ne cesse de recentrer l’intrigue sur lui.
Le seul enjeu de taille passe par la sorcière Angélique, bombe sexuelle un peu trop possessive. Interprété avec malice par une Eva Green en pleine forme. Antagoniste principal du film, son seul objectif est de détruire Barnabas et sa famille. Et une fois de plus on ne comprend pas l’obsession généralisée pour le vampire. Pourquoi, après 400 ans, est-elle toujours obsédée par son amour pour Barnabas ? Cela parait peu logique. Si leur confrontation fait des étincelles (notamment lors d’un coït mémorable et furieux), on reste déçu que leur histoire commune fasse de l’ombre à tout les autres personnages. On aimerait en savoir plus sur la fille mal dans sa peau, et son état de loup-garou (que le film révèle dans son final par un twist aussi crétin que prévisible), sur l’oncle Roger, sur Victoria la gouvernante… Mais non, tout les regards sont sans cesse redirigés vers Barnabas. Tout tourne autour de lui, et seulement lui, ce qui est l’un des principaux reproche que l’on peut faire sur la collaboration Burton-Depp. Mettre ce personnage en retrait aurait véritablement marqué la différence, et diviser équitablement l’intrigue entre tout les protagonistes aurait relevé le niveau du film de plusieurs crans.
Mais même si le film pêche principalement par son scénario bancal, il reste tout de même pas mal de bonne choses à récupérer. L’esthétique du film est toujours aussi cohérente et léchée (un beau film gothique c’est de plus en plus rare ne boudons pas notre plaisir) et l’imaginaire Burtonien est toujours là. On ne peut qu’être admiratif devant ce fantôme à l’aspect aqueux et la désarticulation d’Angélique, poupée de porcelaine qui se fissure, est une image à la fois poétique et angoissante qui ne laisse pas de marbre. Le film est également ponctué de scènes d’horreur pure (lorsque Barnabas se nourrit) particulièrement efficaces, tandis qu’en opposition l’humour burlesque et parfois un peu potache fait toujours mouche. Porté par les mélodie des Carpenters, Moddy Blues, Barry White et Alice Cooper, Dark Shadow entretient une ambiance plus rock qu’a l’accoutumée, offrant des moments musicaux de toute beauté. Ce n’est pas le retour triomphant de Burton que l’on attendait, mais les germes du renouveau semblent êtres là, et Dark Shadow, plus que tout autre film du réalisateur, mérite une suite capable de corriger les défauts de ce premier film.
Dark Shadows – Bande Annonce Officielle (VOST)
Dark Shadows : Fiche Technique
Titre français : Dark Shadows
Titre québécois : Ombres et ténèbres
Réalisateur : Tim Burton
Scénario : Seth Grahame-Smith, d’après les personnages créés par Dan Curtis
Décors : Rick Heinrichs
Costumes : Colleen Atwood
Photographie : Bruno Delbonnel
Montage : Chris Lebenzon
Musique : Danny Elfman
Production : Graham King, Christi Dembrowski, Johnny Depp, David Kennedy et Richard D. Zanuck
Sociétés de production : Village Roadshow Pictures, GK Films, Infinitum Nihil, The Zanuck Company
Société de distribution : Warner Bros.
Budget : 150 000 000 $2
Pays d’origine : États-Unis
Langue originale : anglais
Format : couleur – son stéréo, DTS, Dolby Digital — 35 mm
Genre : comédie horrifique, fantastique
Dates de sortie :
Belgique,France : 9 mai 2012
Canada,États-Unis : 11 mai 2012
