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« Rock’n’roll, mon pote »

Après un premier film dramatique, mais au titre déjà très imagé, Où est la main de l’homme sans tête, les frères Malandrin, Stéphane et Guillaume, passent pour la seconde fois à la réalisation avec une comédie absurde et carrément barrée : Je suis mort mais j’ai des amis. Un film de potes, de motos, de bières, mais aussi d’avion et surtout de train. La première rencontre du film est étonnante : un vieil innu au rire déployé vient nous parler de Pete Best, l’ex-batteur des Beatles, soit le plus malchanceux du monde. On est face à une grande plaine, cette narration servira de fil conducteur au film. Deuxième scène, des « vieux » rochers sur scène, déchaînés. Un chanteur charismatique, de la musique, de la sueur et … de la bière. Voilà l’euphorie des premières minutes de ce film, le contrat euphorique étant tenu jusqu’au bout. De retour en voiture, les quatre membres de « Grand ours », un peu à la Trust, s’offrent une petite virée. Fatale pour le chanteur. Qu’importe, Yvan, Wim et Pierre sont bien décidés à aller jusqu’au bout du voyage, même avec Jipé en cendres dans un sac en plastique. Entre temps, Dany le petit ami (et militaire) caché de Jipé s’invite dans l’avion. Dès lors, tout se met à mal aller, à partir dans tous les sens. Le film suit alors le parcours d’Yvan, toujours aussi étonnant Bouli Lanners, l’homme qui ne renonce jamais, même quand tout paraît partir à vau l’eau. Yvan va devoir ouvrir les yeux sur une réalité, remettre son amitié en question. Le tout est baigné dans un humour pas toujours très fin, aux gros traits. Les frères Malandrin font en effet reposer leur film sur un comique de répétition (la perte des cendres au fur et à mesure du film, la peur des avions, le rock …), pas toujours très inspiré.

« We are not dead » 

Les ressorts comiques de Je suis mort mais j’a des amis jouent beaucoup sur des « clichés » belges : bières, frites, fort accent, personnages comme des adorables nounours ect…On y suit des personnages poursuivis par des péripéties plus ou moins inattendues, le voyage comptant plus que la destination finale puisqu’on est dans un road movie. Au fil des discussions qui les confrontent et des situations absurdes censées nous faire rire à tout bout de champ, les personnages se parlent, se reprochent beaucoup de choses et finissent, bien entendu, par se retrouver. Les personnages vivent un deuil et tentent de s’en dépêtrer, tant bien que mal. Ce deuil-à est d’ailleurs consommé(aussi métaphoriquement que réellement) avec vivacité, refus de l’affronter aussi. L’objectif principal étant de réunir Wim (Wim Willaert) et Yvan (Bouli Lanners) à l’écran comme dans le film. Les deux acteurs portent le long métrage sur leurs épaules, tant leur jeu et leur côté barré semble suffire à créer nombre d’effets comiques. Quand ce petit monde se retrouve bloqué dans un train à la destination floue (officiellement, c’est Montréal), les deux réalisateurs dressent alors quelques portraits en surface, dont la femme rencontrée et qui ne ménage pas ses mots face à l’écriture d’Yvan. Les personnages s’y lâchent, surtout celui du militaire, sérieux en apparence, mais toujours prêt à fumer un pétard ou deux. Fou rire généralisé dans le train, pas forcément dans la salle…

S’ils n’atteignent jamais Los Angeles, et que le film se resserre sur un trio, pas celui qu’on imaginait au départ, abandonnant au passage quelques personnages (qu’étaient-ils venus faire là ?), les « héros » de cette épopée burlesque se retrouvent dans les paysages du grand nord américain. Un décor choisit et plutôt étonnant pour une telle comédie. Ils y perdent tous leurs repères et repartent ainsi sur de nouvelles bases. On sent bien que les frères Malandrin ont voulu se jouer des poncifs en inversant les personnalités attendues des personnages. Ainsi, Yvan se révèle assez vite être plus rigide sur les valeurs (celles du rock), que ne l’est en réalité Dany sur les règles strictes du militaire. Pourtant, ça ne marche pas toujours car le film est assez linéaire dans sa progression et qu’il manque parfois un peu de rythme, les blagues ne volent en plus jamais très haut. Quand l’émotion affleure, elle est presque maladroite. Cette bande de pote, n’est pas faite pour les sentiments purs, ça se voit dès le début, résultat tout est tourné en ridicule. Pourtant, le film marche assez bien, dans le sens où il remplit son contrat, s’enfonçant de plus en plus dans le grand lessivage qu’il veut faire vivre à ses personnages, perdus dans de grands espaces. On y fait quelques belles rencontres, comme avec « Marie-Soleil. Pas la langue dans sa poche, cette femme donne un coup de crampons au film comme à Yvan. Dans la vie, Marie-Renée André, qui interprète Marie-Soleil, est une innue (une des tribus autochtones du Canada). Véritable ouragan, elle vient presque sauver ce film, en donnant à Yvan la force pour repartir du bon pied. La musique – le rock surtout – tient également une place importante dans le film, tout comme la vie. On se relève ici de la perte, le rock n’est pas encore mort, l’amitié résiste. Ces rockers-là ont d’ailleurs, tels qu’ils sont décrits, une certaine résistance au temps qui passe, au monde extérieur, l’ambiance des concerts est d’ailleurs merveilleusement bien retranscrite et ce, dès le début. Les textes de « Grand Ours » sont en français, ils ont traversé 30 ans, ils leurs ressemblent, la musique du film aussi. Et quand ils se frottent enfin à la vie, la vraie, ils oublient de bien se méfier des véritables ours… Mais ça c’est une autre histoire, celle qu’un innu espiègle est toujours prêt à vous raconter. Il n’y a plus qu’à faire le voyage jusqu’à Schefferville, en train bien entendu. Petit film, petit rire, mais grands acteurs et voyage.

Synopsis : Quatre rochers barbus, chevelus – et belges – enterrent le chanteur de leur groupe. Par amitié et pour se prouver que rien ne peut les arrêter, ils décident de partir en tournée à Los Angeles avec ses cendres. La veille du départ, un militaire se présente comme l’amant de leur ami. Leur voyage prend un tour inattendu. 

Je suis mort mais j’ai des amis : Bande annonce

 Fiche technique – Je suis mort mais j’ai des amis

Réalisation et scénario : Guillaume et Stéphane Malandrin
Image : Hugues Poulain
Interprètes : Bouli Lanners, Wim Willaert, Lyes Salem, Serge Riaboukine, Eddy Leduc, Jacky Lambert, Marie-Renée André
Décors : Eve Martin
Montage : Yannick Leroy
Son : Marc Engels, Marc Bastien, Franco Piscopo
Musiques : Born Bads Records, Dino Carapelle pour « l’Ombre du Sourire »
Costumes : Elise Ancion
Producteurs : Jacques-Henri et Olivier Bronckart
Sortie : 22 juillet 2015

Une comédie qui ne met pas l’action de côté

Paul Feig est le réalisateur qui monte dans la comédie américaine. Ce fidèle parmi les fidèles de Judd Apatow, créateur de Freaks and geeks, la série qui a révélé James Franco, Jason Segel et Seth Rogen, va bientôt commencer le tournage de Ghostbusters, avec une équipe entièrement féminine.

Sa carrière est intimement liée à celle de son actrice fétiche : Melissa McCarthy : personnage secondaire mais atout surprise de Mes meilleures amies (Bridesmaid), elle partageait l’affiche avec Sandra Bullock dans le buddy movie Les flingueuses (The Heat). Spy est la concrétisation de ce duo : premier film entièrement scénarisé par Paul Feig, il est aussi le premier véhicule entièrement conçu pour Melissa McCarthy.

Les deux se retrouvent aussi pour un genre assez typé années 80 : la comédie d’action, l’un ne prenant pas complètement le pas sur l’autre. En effet Spy n’est pas plus une parodie façon Y-a-t-il un flic… , avec un personnage notoirement incompétent qu’un film d’action sarcastique comme Kingsman. Spy retrouve l’équilibre des films mettant en scène Eddie Murphy, tels que 48 heures ou le flic de Beverly Hills : si l’on rit beaucoup, les scènes d’actions sont bien présentes et en imposent.

La réalisation de Paul Feig n’est pas particulièrement inventive, mais elle est efficace, s’autorisant quelques pointes de brutalité assez bienvenues dans ses courses poursuites, fusillades et combat au corps à corps. A ce titre, on saluera la performance très physique de Melissa McCarthy, très crédible dans l’action, notamment dans un affrontement à l’arme blanche dans une cuisine qui fonctionne comme une semi-parodie du final de The Raid 2.

Le film s’inscrit aussi dans le grand retour des films d’espionnage. Nous avons déjà eu Kingsman cette année, et nous attendons Spectre, le nouveau James Bond, et la reprise Des agents très spéciaux : code U.N.C.L.E. par Guy Ritchie. Si l’on devait le rattacher au genre, Spy serait plus proche du récent et déjà oublié Max la Menace avec Steve Carrell. Dans les deux cas, on est face à des héros compétents mais qui vont se mettre dans de drôles de situation à cause de leur inexpérience, mais qui apportent un autre regard sur leur métier face à d’autres agents trop sûrs d’eux. Spy s’en démarque toutefois par un humour nettement plus agressif comme on le verra plus tard.

On notera en passant que tous ces films d’espion renvoient à une image très traditionnelle de l’homme en costume trois pièces, déjouant des complots à base d’arme nucléaire grâce à leurs gadgets. Si Spy rappelle par certains côté l’excellent Very bad cops, il ne le suit pas dans sa manière de partir d’un genre très balisé pour parler de scandales politiques bien réels. Pas de références à Edward Snowden ou à Wikileaks par conséquent, et c’est un peu dommage.

Un film d’action qui ne met pas la comédie de côté

Malgré ses qualités dans l’action, Spy ne serait rien sans les trois piliers de l’humour selon Paul Feig : l’humiliation, le running gag et la cruauté.

Melissa McCarthy est l’héroïne parfaite pour ses films : héroïne survoltée sous des allures d’américaine très moyenne, les autres personnages lui font bien sentir qu’elle n’est pas la bienvenue dans leur univers fait de grâce et d’élégance. Comme Kristen Wiig dans Mes meilleures amies, celle-ci est constamment exploitée et humiliée par des gens plus puissants qu’elle. Pas de soirées de l’ambassadeur pour elle mais des identités secrètes de mère au foyer divorcée vêtue de t-shirts à petits chats douteux, avec pour gadget le plus utile un remède anti poison déguisé en tube de laxatif.

Et parce que plus une blague est répétée, plus elle devient drôle, le film repose tout entier sur des running gags. A côté des malheurs de Melissa McCarthy, entre ses allergies aux rongeurs, ses gadgets dégoûtants, et ses problèmes vestimentaires, on rira de Jason Statham, hilarant dans sa parodie des rôles de gros durs qui ont fait sa carrière, passant le film à échafauder des plans loufoques jusqu’à l’impossible et potentiellement destructeurs.

Enfin, comme Les flingueuses, Spy va étonnamment loin dans son aspect graphique : même s’il est pratiquement impossible d’aller aussi loin que la scène d’essayage de robes de Mes meilleures amies, attendez-vous à quelques gags particulièrement dégoûtants.

Évidemment, humiliation, gags à répétitions et graphiques se combinent tout au long du film : par exemple lors du running gag qui voit Rose Byrne (autre habituée des films de Paul Feig) , la méchante du film, passer son temps à se débarrasser de ses gardes du corps pour avoir échoué à la protéger. Les situations comiques s’enchaînent à grande vitesse, et montent en intensité au fur et à mesure, chaque gag tentant de pousser le bouchon un peu plus loin.

Melissa McCarthy, parfaitement à l’aise dans toutes les situations, voit son rôle évoluer au fur et à mesure de l’intrigue, mais reste constamment dans une énergie comique formidable.

Who run the (spy) world ? Girls !

Si Spy n’est pas particulièrement progressiste ni réaliste dans sa vision du monde de l’espionnage, la CIA étant plus critiquée pour son absence d’hygiène que pour sa tendance à surveiller tout le monde et n’importe qui, il se démarque de la concurrence par la place qu’il accorde aux femmes. Paul Feig milite activement pour qu’il y ait plus de réalisatrices et n’hésite pas à proposer des rôles d’héroïnes à poigne. Dans les Flingueuses, Sandra Bullock et Melissa McCarthy apparaissaient déjà comme de rares îlots de compétences dans un monde machiste et auto-satisfait. Spy va plus loin : non seulement les hommes, gentils comme méchants, sont toujours aussi peu compétents, mais ils disparaissent petit à petit du film : héroïne, sidekick et méchante sont des femmes.

De plus le film se veut comme une sorte de revanche des minables : Melissa McCarthy et son amie jouée par Miranda Hart, constamment rabaissées par les autres pour être trop ordinaires, mal habillées, trop grande pour l’une, trop grosse pour l’autre, prennent de plus en plus d’importance dans l’organisation et finissent par devenir tout à la fois glamour et badass.

Un excellent divertissement

Quelque part entre l’Arme fatale et les productions Apatow, Spy est un excellent divertissement, porté par une Melissa McCarthy au top, où les cascades succèdent au rire. Les amateurs du cinéma de Paul Feig seront ravis, les autres risquent d’être surpris par l’aspect très graphique et gentiment vulgaire de certains gags, même si Spy est peut-être son film le moins trash. Si le film ne restera pas forcément en tête toute l’année ni ne se positionne comme un futur classique du genre, il agit comme un boost d’énergie idéal en ce début d’été.

Synopsis : Susan Cooper (Melissa McCarthy) est un élément indispensable de la C.I.A. Analyste réputée, elle est capable de manipuler des drones tout en établissant le profil psychologique de dangereux terroristes. Malheureusement pour elle, elle n’a aucune confiance en elle et se contente d’être la voix dans l’oreillette de Bradley Fine (Jude Law) , agent secret vedette. Timide, pas glamour et exploitée, sa vie est un échec. Quand ce dernier disparaît au cours d’une mission et quand les autres agents sont compromis, elle va devoir entrer dans la lumière et sauver les Etats-Unis d’un péril nucléaire.

Spy : Bande-annonce

Spy : Fiche technique

Date de sortie : 17 / 06 /2015
Nationalité : Américaine
Réalisation : Paul Feig
Scénario : Paul Feig
Interprétations : Melissa McCarthy, Rose Byrne, Jude Law, Jason Statham, Miranda Hart
Musique : Theodore Shapiro
Photographie : Robert D. Yeoman
Décors : Jefferson Sage
Montage : Melissa Bretherton, Brent White
Production : Peter Chernin, Paul Feig, Jessie Henderson, Jenno Topping
Sociétés de production : Feigco Entertainment, 20th Century Fox
Société de distribution : 20th Century Fox
Budget : 65 000 000$ (estimation)
Genre : comédie / action / espionnage
Durée : 02h00
Récompense : aucune pour l’instant

Daddy Cool, une chronique familiale bouleversante de sincérité

Synopsis : Dans les années 70, sur la côte est des Etats-Unis, le couple formé par Maggie et Cameron est mis en péril par les troubles de la personnalité de ce dernier. Un problème d’autant plus grave que Maggie veut reprendre ses études, et qu’elle doit laisser ses deux filles sous la responsabilité de leur père, tiraillé entre sa bipolarité et son amour inconditionné pour sa famille.

Après avoir participé à l’écriture de plusieurs films infantiles, Maya Forbes a pris l’initiative de nous faire part, à l’occasion de son premier film, de ses souvenirs d’enfance et en particulier des problèmes qu’a rencontré sa famille concernant les responsabilités données à son père malgré ses troubles maniaco-dépressifs. La réalisatrice est même allée jusqu’à donner à sa fille son propre rôle, faisant de son film autobiographique une véritable petite entreprise familiale. Visiblement touché par la sincérité du projet, J.J. Abrams, le réalisateur de Star Wars 7, et sa boite de production Bad Robot, a permis au film de profiter d’un budget supérieur à ceux des productions indépendantes (6,7 millions de dollars) mais aussi de se faire connaitre à l’occasion du festival de Sundance.

Dans les rôles du père perturbé et de la mère, Mark Ruffalo et Zoe Saldana font preuve d’une subtilité aux antipodes de leurs prestations musclées dans les blockbusters Marvel (respectivement dans la peau de Hulk et Gamora). Leur jeu plein de douceur est le meilleur argument du film pour son traitement léger et sans pathos de ce sujet qui aurait pu être grave. La mise en scène est elle-aussi très réussie dans le sens où sa multiplication de scènes aux allures de films de famille tournés en 8mm, accentue la dimension intimiste de cette histoire de famille.

Daddy Cool est un petit film remarquable dans la façon dont il est réalisé, avec une volonté de se confier sans que jamais sa réalisatrice ne cherche à susciter l’apitoiement. Alors qu’elle aurait pu en faire un exutoire mélodramatique, la réalisatrice a transformé des moments de sa jeunesse visiblement compliqué en un long-métrage attendrissant et plein d’humour. Un processus cinématographique des plus dignes et respectables.

Daddy Cool: Bande-annonce

Daddy Cool : Fiche Technique

Réalisation: Maya Forbes
Scénario: Maya Forbes
Interprétation: Mark Ruffalo, Zoe Saldana, Imogene Wolodarsky, Ashley Aufderheide…
Image: Bobby Bukowski
Décor: Jennifer Engel
Costume: Kasia Walicka-Maimone
Montage: Michael R. Miller
Producteurs: Sam Bisbee, Bingo Gubelmann, Benji Kohn, Galt Niederhoffe, Wallace Wolodarsky
Production: Paper Street Films, KGB Films, Picture Park, Bad Robot
Distributeur: Bac Films
Genre: Emotions
Durée: 1h30
Date de sortie: 8 juillet 2015

États-Unis – 2014

Présenté dans la catégorie « Un Certain Regard à Cannes », Les Elues est un second film aux prises avec le réel. On y suit le parcours de la jeune Sofia, 14 ans, dont le destin va basculer peu à peu dans l’horreur.

Le réalisateur s’est inspiré d’un quotidien qu’il connaît bien, celui de sa ville d’origine, la mexicaine Tijuana. Au-delà de ce que l’on connaît de son folklore et de ses trafics de drogues en tous genres, le Mexique n’est ici pas en reste côté prostitutions et vies volées à de très jeunes filles. Ces élues sont d’un autre genre que les héroïnes auxquelles on pouvait s’attendre. Et pour cause, elles n’ont aucune influence sur leur destin qu’un simple flirt d’ado vient transformer en prison. David Pablos filme la jeunesse, sa chute, mais aussi une certaine poésie dans les visages et les corps, une poésie qui peut vite virer au cauchemar. La jeune Sofia a le visage d’un ange, un rire déployé. Quand on la rencontre, elle s’apprête à vivre sa première fois avec un petit ami visiblement peu habile, qui la fait rire. Première fois avortée donc, mais vite balayée par des scènes de joie. Quand Sofia rentre chez elle, c’est pour s’occuper d’un adorable petit frère avant que sa mère, un peu dépassée par les événements, ne rentre à la maison.

Prises au piège

Au premier abord, David Pablos filme une banale romance adolescente, jusqu’au jour où Ulises, le bien nommé, rentre chez lui avec sa prétendante. Voilà qu’il s’assombrit alors qu’autour de lui, son père comme son frère redoublent de gentillesse pour la jeune Sofia. Scène à priori anodine d’un repas en famille. Pourtant, très vite Sofia va comprendre pourquoi son petit ami est devenu si sombre. La voilà élue pour être enfermée dans un bordel, arrachée à sa famille. La fuite n’y change rien. Personne ne rentre chez soi, pas d’heureux voyage ici, juste une romance mensongère. Dès lors, ce sont les rituels aussi routiniers que cruels d’un bordel peuplé de jeunes filles que filme David Pablos. On les voit transformer leurs corps en le maquillant, en se parant de vêtements « vulgaires » et se préparant à être choisies par des hommes aux désirs inassouvis. David Pablos suit avant tout le destin de Sofia, mais ne ménage pas non plus les présentations des autres occupantes, malgré elles, de cette « maison ». Impossible de s’échapper, même quand un bon samaritain tente de vous venir en aide. Ce n’est qu’en rêve que Sofia s’enfuit sans ombrage. La voilà donc obligée cette fois de vendre son corps. Plus de rires. Le réalisateur ne montre pas le sexe, il le fait entendre. On voit les corps des hommes nus, jamais celui de Sofia. Pendant les actes supposés, il la filme immobile, gros plan sur son visage impassible, immaculé. En fond sonore, la jouissance des hommes. Ce dispositif renforce l’aspect dérangeant que Pablos veut donner à son film. L’imagination faisant bien mieux son travail que les images.

Mais la force du film est qu’il propose une relecture de ses premières images à priori idylliques. Car pour faire sortir Sofia, dont il est tombé amoureux, Ulises doit séduire une autre jeune fille pour la remplacer. C’est alors que Pablos filme de nouveau le flirt, avec les mêmes images qu’au début, de la candeur au repas mis en scène par le père. On est glacés de voir à quel point le piège se referme à nouveau sur une toute jeune fille. Conscients de ce qui va se passer et de la cruauté de ce qui nous est montré à l’apparence si inoffensive. C’est surtout le visage de ces jeunes filles que le réalisateur capte, transcende, poétise. Il en fait des héroïnes empoisonnés par un mensonge : le premier amour. Les voilà corrompues avant même d’avoir vécu. Il ne se détache ainsi presque jamais du visage de Sofia et sa liberté, jamais elle ne la retrouvera, même hors les murs. Un constat glaçant, porté par une mise en scène solide et un sens aigu du regard du spectateur, sans cesse amener à revivre le drame. Quant à Ulises, il ne quittera jamais sa terre, épris d’une fille déjà détruite, appât d’une situation qui le dépasse et dans laquelle il joue pourtant le rôle principal…

Synopsis : Sofia, 14 ans, est amoureuse d’Ulises. A cause de lui, et malgré lui, elle devient la proie d’un réseau de prostitution. Pour l’en sortir, Ulises devra lui trouver une remplaçante… 

Les Élues : Bande annonce 

Fiche technique – Les Élues /Las Elegidas

Réalisateur : David Pablos
Scénario : David Pablos
Interprètes : Nancy Talamantes, Oscar Torres, Leidi Gutiérrez, José Santillán Cabuto
Directeur de la photographie : Carolina Costa
Production : Canana Films
Distributeur : ARP Sélection
Date de sortie : NR