LeMagduCiné

L’amour est fait d’incertitudes, d’inconforts, de maladresses. Il évolue, se déforme, parfois se fissure, et pourtant il persiste, tenace, souvent absurde. Pour son premier long-métrage, l’Australien Michael Shanks s’attaque à ce matériau glissant à travers un film de genre à la fois réjouissant et inégal, où l’horreur physique se mêle à la tendresse d’un couple en crise. Together prend le pari audacieux de raconter une histoire d’amour à travers la fusion littérale des corps – et dans une certaine mesure, des âmes. Une métaphore filée avec plus d’énergie que de finesse, mais dont le résultat mérite notre attention.

Tim et Millie (Dave Franco et Alison Brie), en couple depuis plusieurs années, décident de tout quitter pour s’installer à la campagne. Ce qui devait être un nouveau départ tourne rapidement au cauchemar lorsqu’une force surnaturelle les oblige à vivre littéralement collés l’un à l’autre, dans un huis clos de plus en plus oppressant.

Derrière cette intrigue volontairement saugrenue se cache une allégorie évidente de la vie conjugale, de la dépendance affective, et de l’envie parfois confuse de se fondre dans l’autre. Franco et Brie, qui forment un couple marié, insufflent à leurs personnages une justesse fragile, entre complicité affective et agacement larvé. Leurs personnalités contrastées (lui, musicien à la dérive ; elle, institutrice affirmée) font naître une dynamique crédible, bien qu’un peu archétypale. Leur alchimie ne fait cependant aucun doute.

Le duo, que l’on avait déjà vu réuni à l’écran dans The Disaster Artist ou Somebody I Used to Know, retrouve ici une forme de confort, mais aussi une prise de risque : ils produisent, incarnent, et en quelque sorte mettent à nu leur propre rapport à la fiction de couple. Dave Franco, en particulier, semble poursuivre ici une exploration du genre entamée avec The Rental (2020), son premier long-métrage en tant que réalisateur. Ce thriller de home invasion, à la mise en scène soignée mais au scénario convenu, posait déjà les bases d’un cinéma de l’intime sous tension. Avec Together, il délaisse la froideur du contrôle formel pour se recentrer sur l’acting, et se prêter à une dynamique plus grotesque, plus organique et plus viscéralement humaine.

Le grand saut

Il faut le reconnaître : le scénario de Together ne brille pas par sa complexité. Le développement des péripéties suit un schéma assez classique, avec une montée en tension convenue et des révélations téléphonées. Certaines scènes explicatives, un peu expédiées, peinent à maintenir la cohérence de l’univers surnaturel. L’exposition est rapide, et même si cela permet de rentrer vite dans le vif du sujet, on sent que l’écriture a sacrifié un certain ancrage émotionnel pour mieux servir le dispositif formel.

Mais c’est précisément dans sa mise en scène que le film se démarque. Michael Shanks, fort de son expérience dans le court-métrage et les effets visuels, exploite habilement le huis clos. Il joue des angles, du hors-champ, et injecte une tension organique à travers le body horror, sans jamais verser dans l’horreur gratuite. Le film trouve un certain équilibre dans cette tension entre esthétique crasse et mise à distance comique. L’horreur ne cherche jamais à faire peur frontalement ; elle sert plutôt de levier au récit intime d’un couple qui tente de se reconnecter par tous les moyens, y compris les plus absurdes. C’est là que Together compense ses faiblesses narratives : dans une énergie visuelle maîtrisée, dans un plaisir de cinéaste palpable. Le grotesque devient vecteur d’émotion, la chair un langage affectif.

La vie à deux

Le véritable enjeu du film n’est pas tant le surnaturel que ce qu’il symbolise : la codépendance, la perte d’identité dans le couple, l’usure des sentiments et le fantasme d’un amour « fusionnel ». N’y a-t-il pas là une forme de « transaction » qui se dessine autour d’eux, comme le suggère Celine Song avec Materialists ? Pas totalement. À mesure que leurs corps se rapprochent jusqu’à la limite du tolérable, Tim et Millie sont contraints de faire face à eux-mêmes, à leurs rancunes, leurs renoncements, leurs désirs contradictoires.

Le film propose ainsi une relecture grotesque et touchante de la fameuse quête de sa « moitié », dans une perspective quasi platonicienne, mais avec l’aide d’une scie sauteuse et de fluides corporels peu ragoûtants. La chair parle, hurle parfois. Et sous cette surface visqueuse, c’est tout un discours sur l’amour, dans sa dimension à la fois spirituelle et charnelle, qui émerge. La chair, ici, n’est pas qu’un outil de choc : elle devient le théâtre même du conflit amoureux 

Cœurs en fusion

Together assume une tonalité hybride : parfois comique, parfois tragique, souvent grotesque. Des séquences cocasses – comme des retrouvailles dans les toilettes d’une école – viennent régulièrement désamorcer la tension, au risque toutefois d’affaiblir l’impact émotionnel de certaines scènes. Le film flirte alors avec la parodie, sans jamais y plonger totalement. On pense parfois à un « Cronenberg sous acide », comme si The Thing rencontrait Marriage Story. Ce mélange instable est à la fois ce qui rend Together attachant, et ce qui peut dérouter. Ce n’est ni vraiment une comédie romantique, ni un vrai film d’horreur. Mais ce flou identitaire fait aussi écho à celui de ses personnages.

Par ailleurs, le film peut être lu comme l’antithèse de The Substance. Là où le film de Coralie Fargeat s’ancre dans la dissociation, le rejet de soi et la décomposition de l’identité féminine dans une société cannibale, Together part du principe inverse : celui d’une recherche presque naïve d’unité, d’une volonté de « ne faire qu’un » avec l’autre – quitte à en perdre ses propres contours. Les deux œuvres partagent pourtant un goût commun pour le body horror et l’humour noir, une manière de faire passer l’intime par le grotesque, le viscéral. Mais là où The Substance déconstruit, Together tente de recoller les morceaux. L’un dissèque, l’autre panse. Ce regard inversé donne à Together un certain charme paradoxal : il veut croire que la fusion, même monstrueuse, peut sauver l’amour.

Jusqu’à ce que la chair les sépare

Together n’est pas un film sans défauts. Il souffre de longueurs, d’une écriture parfois trop appuyée, et d’un traitement narratif parfois trop prévisible pour surprendre réellement. Mais il possède une singularité, une audace même, qui le distinguent dans un paysage cinématographique du bis souvent trop lisse.

Michael Shanks y déploie un vrai sens du rythme visuel, et Franco comme Brie y trouvent un terrain de jeu à la fois intime et cathartique. En s’inscrivant dans la lignée de ces couples hollywoodiens qui ont transposé leurs relations à l’écran (Bogart/Bacall, Kidman/Cruise, Pitt/Jolie), ils offrent ici un regard drôle, cru, et finalement tendre sur ce que signifie « faire couple » – malgré les blessures, les fusions et les écarts.

En somme, Together est un objet hybride, souvent bancal mais étrangement touchant, où l’horreur sert de miroir déformant aux tourments du lien amoureux. À travers des corps qui se rapprochent, se mélangent et se repoussent, Michael Shanks signe une œuvre inégale mais pleine d’élan, où la forme prend parfois le pas sur le fond pour mieux en révéler la texture. Une expérience singulière, à regarder en duo, si tant est que l’on accepte de rire, de grimacer, et peut-être de se reconnaître dans ce grand écart permanent entre fusion et solitude.

Together – bande-annonce

Together – fiche technique

Réalisation et scénario : Michael Shanks
Interprètes : Dave Franco, Alison Brie, Damon Herriman
Image : Germain McMicking
Décors : Nicholas Dare
Costumes : Maria Pattison
Montage : Sean Lahiff
Musique : Cornel Wilczek
Producteurs : Dave Franco, Alison Brie, Mike Cowap, Andrew Mittman, Erik Feig, Max Silva, Julia Hammer et Tim Headington
Production : 30West, Tango Entertainment, Picturestart, 1.21, Princess Pictures
Pays de production : États-Unis
Distribution internationale : Neon
Distribution France : Metropolitan FilmExport
Durée : 1h42
Genre : Épouvante-horreur
Date de sortie : 13 août 2025

Sixième film d’une franchise initiée par Robert Mark Kamen, Karate Kid : Legends est aussi inoffensif qu’il est oubliable. Sans volonté de rompre la formule qui fait de chaque film une quête personnelle inspirante à travers les arts martiaux, le film ne prend pas de risque, si bien qu’il y perd son âme et la sympathie que l’on puisse avoir pour les personnages. Et ce n’est pas en réunissant Ralph Macchio et Jackie Chan dans la même œuvre qui empêchera son échec programmé.

La promesse de réunir les stars du Karaté Kid original et du remake porté par Jaden Smith est alléchante. Elle suit les règles bien connues des suites hollywoodiennes qui, pour entretenir leur flamme, misent sur des rencontres intergénérationnelles, souvent inattendues. Pourtant, Karate Kid : Legends peine à créer l’événement. Là où d’autres sagas telles que X-Men : Days of Future Past, Glass, Godzilla : Final Wars ou Alien vs. Predator ont tenté de fusionner les héritages de leurs franchises respectives avec plus ou moins d’audace, Jonathan Entwistle (The End Of The F***ing World, I Am Not Okay With This) s’évertue ici à ne pas trop bousculer l’ordre établi. Résultat : une œuvre sans élan, incapable de capitaliser sur l’un des éléments centraux de la franchise – la transmission – qui, cette fois, semble moins un moteur narratif qu’un souvenir encombrant.

Le choix de rester au tapis

Tout commence par une absence symbolique : celle de Dre (Jaden Smith), dont l’ombre plane sans jamais être incarnée, à peine évoquée dans une timide référence dans sa manière d’enlever sa veste, l’accrocher, puis la remettre. Le film cherche l’indépendance tout en revendiquant l’héritage, et ce tiraillement constant contamine l’ensemble. Le jeune Li Fong, parachuté à New York depuis la Chine, devrait être au cœur d’un récit d’apprentissage profond et nuancé. Mais l’exécution, précipitée, sabote tout développement. Le montage nerveux, les ellipses rapides et l’esthétique clipesque se mettent en travers d’un arc narratif qui aurait pu émouvoir. Et même si Ben Wang (Américain de Chine) s’investit avec sincérité, son personnage reste une esquisse : ni pleinement un outsider inspirant, ni tout à fait un héros crédible.

L’un des problèmes majeurs vient du traitement des antagonistes. Connor (Aramis Knight), sorte de pâle imitation des brutes de Cobra Kai, manque cruellement de profondeur. L’opposition est mécanique, les motivations sont stéréotypées, et jamais le film ne parvient à créer une tension authentique autour de l’affrontement final. On oscille sans cesse entre le teen movie générique et la chronique dramatique, sans jamais s’ancrer durablement dans l’un ou l’autre.

Visuellement, Entwistle semble vouloir moderniser l’univers sans en comprendre les codes fondamentaux. Loin de l’élégance maîtrisée d’un Rocky ou du sens du rythme d’un Kung Fu Panda, Karate Kid : Legends opte pour un patchwork maladroit de ralentis inutiles, de musiques pop forcées et de combats mal découpés. Exception faite d’une courte confrontation nocturne dans une ruelle. Le tournoi des Five Boroughs (référence aux cinq arrondissements de New York), pourtant prometteur, est expédié en quelques séquences sans impact. Le spectateur est tenu à distance, privé du plaisir de voir la progression du héros ou de s’attacher aux épreuves franchies.

On devine pourtant ici et là de bonnes intentions : une volonté de traiter le kung-fu non pas seulement comme un outil de défense, mais comme un art de vivre, un vecteur de résilience. Mais là encore, le discours est noyé dans un vacarme visuel sans maîtrise. Même les scènes plus intimistes, comme celles entre Li et le père de Mia (Joshua Jackson), manquent de développement et de sens dramatique.

Comme les deux branches d’un arbre fendu

Ce qui aurait pu être un hommage sincère vire au recyclage paresseux. Le retour de LaRusso (Ralph Macchio) et de Han (Jackie Chan) donne lieu à un duel d’égo improbable, où le comique forcé détruit tout enjeu émotionnel. Leurs interactions semblent sorties d’un sketch de fan service, et non d’une volonté de prolonger avec respect l’histoire de ces deux mentors iconiques. Ce décalage constant, entre ambition affichée et exécution bâclée, rend le film particulièrement frustrant.

Même le New York rétro, utilisé ici comme toile de fond principale, ne devient jamais un personnage à part entière. La ville est figée, réduite à des cartes postales cliniques, dénuées de la moindre authenticité, si ce n’est pour rappeler que les pizzas aux croutes farcies n’y sont pas démocratisées. Elle est là pour situer, non pour enrichir, alors que des combats, quasi clandestins, s’organisent tous les mois.

Par ailleurs, le film aurait pu être un pont entre générations, un récit initiatique vibrant, une exploration des conflits culturels et des traumatismes personnels. Il s’agit tout de même du premier Karate Kid asiatique. Mais tout reste en surface. Les thématiques sont effleurées puis abandonnées. La relation mère-fils, par exemple, incarnée avec pudeur par Ming-Na Wen, aurait pu offrir un contrepoids émotionnel fort. Au lieu de cela, elle est reléguée à l’arrière-plan, sacrifiée sur l’autel du rythme imposé.

Et en fin de compte, Karate Kid : Legends ne raconte pas une histoire inspirante, mais correspond plutôt à une recette mal appliquée, où les ingrédients ne prennent jamais. L’illusion du feel good movie vole en éclats face à l’évidente superficialité de l’ensemble. Le film est le produit d’une industrie qui capitalise sur la nostalgie sans en comprendre la valeur. C’est un film qui semble avoir été conçu par algorithme : il coche toutes les cases attendues, mais ne génère aucune émotion sincère. Là où l’original, comme Rocky (qui partage le même réalisateur), nous parlait d’effort, de dignité et de renaissance, cette nouvelle itération nous livre un gloubi-boulga adolescent dénué de souffle. En voulant plaire à tout le monde, elle finit par ne toucher personne.

Karate Kid : Legends – bande-annonce

Karate Kid : Legends – fiche technique

Réalisation : Jonathan Entwistle
Scénario : Rob Lieber, d’après les personnages créés par Robert Mark Kamen
Interprètes : Jackie Chan, Ralph Macchio, Ben Wang, Joshua Jackson, Sadie Stanley, Ming-Na Wen
Photographie : Justin Brown
Décors : Maya Sigel
Montage : Dana E. Glauberman
Musique : Dominic Lewis
Production : Karen Rosenfelt
Producteurs exécutifs : Jenny Hinkey, Ralph Macchio
Sociétés de production : Columbia Pictures, Sunswept Entertainment
Pays de production : États-Unis
Distribution France : Sony Pictures Releasing France
Durée : 1h34
Genre : Drame
Date de sortie : 13 août 2025

C’est de notoriété publique : le passage au second film est le plus difficile, et c’est peu dire que Zack Cregger passe l’examen haut la main avec Évanouis, qui se place directement comme l’un des incontournables de l’année. Bien plus ambitieux que son premier film, Barbare, déjà excellent, cette œuvre se révèle aussi unique qu’inclassable, tout en étant parfaitement accessible. C’est probablement le film de studio le plus original qu’il nous sera donné de voir cette année. Le scénario est aussi magistral que captivant, et la mise en scène au cordeau est particulièrement habile. Elle est assortie d’un montage singulier, très travaillé, avec changement de point de vue. Le mélange des genres et les ruptures de ton qui s’y greffent se percutent à merveille. Le cinéaste développe déjà un univers bien à lui, avec des fétiches reconnaissables et un sacré don pour oser ce que plus grand monde ne tente. Du grand cinéma de genre pour un auteur qui devrait aller loin.

Synopsis : Lorsque tous les enfants d’une même classe, à l’exception d’un, disparaissent mystérieusement la même nuit, à la même heure, la ville entière cherche à découvrir qui — ou quoi — est à l’origine de ce phénomène inexpliqué.

L’adage est bien connu dans le monde du septième art : quand on se fait remarquer avec son premier long-métrage, le passage au second est souvent scruté et attendu au tournant. Beaucoup de réalisateurs se sont cassé les dents sur leur deuxième passage derrière la caméra. Pour prendre un des exemples les plus frappants — également dans le film de genre, mais à tendance lynchienne cette fois — souvenez-vous du sublime Donnie Darko que nous avait offert Richard Kelly, une œuvre devenue culte… pour ensuite se vautrer comme jamais avec la catastrophe Southland Tales.

De son côté, Zack Cregger nous avait asséné une belle petite claque avec son premier film Barbare. Un long-métrage resté étrangement inédit en salles en France, malgré son succès public, critique et commercial outre-Atlantique. Effrayant, surprenant, maîtrisé et inattendu, il avait ravi les fans de frissons. Son second film était donc attendu au tournant. Et après avoir produit le très sympathique Companion, sorti en début d’année, Cregger frappe très fort avec son second long-métrage. Plus ambitieux et tout aussi dingue, il confirme qu’il est un auteur sur qui il va falloir compter. Sachant que c’est le réalisateur du nouveau reboot de la saga Resident Evil (après celui raté d’il y a deux ans), on est plus que confiants après avoir vu Évanouis.

Il développe d’ailleurs déjà un univers reconnaissable, avec des fétiches qui lui sont propres. On retrouve ce goût prononcé pour les ruptures de ton, qu’il sait négocier comme peu de cinéastes, passant du gore aux rires d’une scène à l’autre, voire en même temps. Tout comme il sait manier le mélange des genres avec une agilité incroyable, le thriller se substituant au film d’horreur, puis à la comédie noire, d’une manière aussi fluide que pertinente. Les caves et les sous-sols semblent beaucoup plaire au cinéaste, puisqu’ils sont très bien représentés dans ses deux œuvres, et même dans le navet qu’il a réalisé en duo il y a vingt ans, Miss March. Bref, un univers original et maîtrisé se dessine dans le film de genre, et on n’avait pas vu cela depuis Ari Aster avec son doublé Hérédité et Midsommar.

Évanouis commence avec une voix off d’enfant qui nous raconte la singulière histoire qui s’est déroulée dans une petite ville américaine. Comme un conte ou une légende urbaine. Dix-sept enfants disparaissent en pleine nuit à 2h17, sans laisser de traces, laissant la ville sous le choc et pleine d’interrogations. À partir de là, nous allons suivre six personnages en rapport avec l’affaire, après ladite disparition. Cette fragmentation suit la figure tutélaire de ce type d’œuvres où l’on voit différents points de vue selon les personnages (Rashōmon). Bien sûr, chaque chapitre, dédié à un personnage, va soit remettre en cause ce qu’on a vu précédemment, soit l’enrichir. Et dans le cadre de ce film, bon sang que c’est addictif. Sans aucune faute de rythme, sur un film qui dure plus de deux heures, on est happés du début à la fin, sans qu’aucun des morceaux soit inférieur à un autre.

La mise en scène de Zack Cregger est, en outre, d’une efficacité incontestable. Il sait manier sa caméra à la perfection et toujours choisir le bon angle pour intriguer ou faire monter la tension comme jamais. Sa science du montage et du recoupage des événements est tout à fait millimétrée, de manière à ce que son puzzle narratif s’imbrique parfaitement, sans aucun rouage défaillant. Et l’accompagnement musical des frères Holladay et du réalisateur lui-même est incroyablement lugubre et dérangeant, se glissant parfaitement sur les images. Pile ce dont Évanouis avait besoin.

Certaines scènes sont proches du grand-guignol, mais elles sont parfaitement assumées et maîtrisées dans le cadre de ce mélange de comédie noire absurde et d’horreur gore et dérangeante. On frôle le ridicule sans jamais y sombrer, et l’équilibre est parfaitement tenu. Seul petit bémol : le rire face à des situations réalistes mais drôles, et certaines séquences ultra gores prennent peut-être un peu trop le pas sur la terreur pure. On est, en effet, moins effrayés, et on sursaute moins que dans Barbare. On a bien droit à quelques images malsaines ou véritablement choquantes, mais il y a beaucoup moins de cette peur insidieuse qui nous tétanisait à maintes reprises dans son premier film. Il n’empêche, Évanouis est, à date, probablement le film de studio le plus étonnant et épatant de l’année. Un sacré grand huit de toutes sortes d’émotions, avec une intrigue surprenante de bout en bout, qui culmine dans un chapitre final complètement dingue et déjà culte.

Mais le long-métrage a aussi du fond. Cregger dresse le portrait d’une Amérique fracturée et touche en filigrane bien des sujets qui agitent son pays depuis quelques années : de la crise des opioïdes aux violences policières, en passant par l’obscurantisme ou le besoin viscéral de trouver un coupable à tout. C’est donc aussi une œuvre qui a quelque chose à dire, et un nouveau portrait d’une Amérique en pleine déliquescence, bien plus réussi que le récent Eddington. Seule incompréhension d’ordre marketing : Weapons en anglais ? Évanouis en français ? Heure de disparition au Québec ? Pour un tel futur classique, un titre plus mémorable et marquant aurait été bienvenu. En attendant, voici clairement la petite bombe de cet été, à ne louper sous aucun prétexte, et un sacré vent d’air frais, comme avait pu nous le procurer Jordan Peele en son temps.

Évanouis – bande-annonce

Évanouis – fiche technique

Titre international : Weapons
Réalisation et scénario : Zach Cregger
Interprètes : Josh Brolin, Julia Garner, Alden Ehrenreich, Benedict Wong,
Photographie : Larkin Seiple
Décors : Tom Hammock
Costumes : Trish Summerville
Montage : Joe Murphy
Musique : Ryan Holladay, Hays Holladay, Zach Cregger
Producteurs : Zach Cregger, Roy Lee, J. D. Lifshitz, Raphael Margules
Sociétés de production : New Line Cinema, BoulderLight Pictures, Vertigo Entertainment et Domain Entertainment
Pays de production : États-Unis
Distribution France : Warner Bros. Pictures
Durée : 2h08
Genre : Épouvante-horreur, Thriller
Date de sortie : 6 août 2025

Entre violence et poésie, Gangs of Taïwan électrise le cinéma asiatique. Keff signe un chef-d’œuvre hybride où les balles parlent aussi fort que les silences. Bien plus qu’un polar : un électrochoc visuel et politique.

Entre deux scènes de gangs dégingandés, une cantine qui tient debout. Entre deux coups de feu, une histoire d’amour qui s’éveille. Keff mélange les genres comme un chef : un peu de Kitano, une touche de Wong Kar-wai, et cette lenteur qui rappelle Tsai Ming-liang. Résultat ? Un film qui balance entre néo-polar et drame romantique, entre rage et mélancolie. Et au milieu, Zhong-Han, muet, intense, comme un fantôme qui chercherait sa place dans un monde en train de disparaître.

Une cantine désuète de Taïwan tenue par un vieux couple et leur fils adoptif muet Zhong-Han (mais pas sourd).

De jeunes mafieux insouciants et désœuvrés, jouant aux gangsters pour cacher leur vide existentiel. Des racketteurs au service d’un magnat de l’immobilier ayant pour projet de transformer ce quartier et de liquider la cantine qu’il trouve « sale et ringarde ».

Au milieu de ces voyous peu crédibles mais assoiffés d’adrénaline bête et avides, Zhong-Han, le héros mutique et vaguement dépressif de ces Gangs of Taïwan.

Ne jamais croire les titres. Aller plutôt chercher leurs envers, la danse souterraine et le drame romantique de leur climat.

Crever de banalité ou se construire une légende de gang en faillite ?

Indéniablement, nous sommes dans un film d’auteur percuté par les événements récents de la crise politique hongkongaise (les images des émeutes contre les atteintes à la voix du peuple, les fameux sans-voix auxquels le film voue sa dédicace), hanté par une jeunesse en pleine métamorphose, ayant peine à définir son avenir, et traversé d’histoires cinématographiques allant de Tarantino et Kitano jusqu’à Tsai Ming-liang.

Ce sont surtout les amours purs qui résistent à la corruption et tiennent tête aux violences des gangs qui intéressent le réalisateur. En ce sens, le vieux couple qui tient cette cantine dans son obstination drue à affronter l’adversité, à continuer de servir des nouilles coûte que coûte en dépit des coupures de courant, donne au récit une valeur nostalgique non prévisible au départ. Ils incarnent un monde qui refuse de se rendre.

De même, le surgissement de l’histoire d’amour entre la vendeuse de supermarché et notre héros muet confère aux Gangs of Taïwan une envergure en même temps qu’une humeur imprévue.

Certes, le film pourrait être resserré, mais gagnerait-il en force ? Pas si sûr.

Keff nous surprend par cette lenteur (les noirs en scansions fermes de certaines scènes) qui, couplée à la mélancolie sous-jacente, sertit ces Gangs of Taïwan d’une vertu contemplative inattendue elle aussi.

L’éclair taïwanais et le criquet

La mise en scène oscille donc entre ces amours poétiques, subtiles, presque intemporelles, suspendues dans la narration comme cette pâtisserie d’un chef français tentant une sorte de mélange incertain et délicieusement improbable : l’éclair taïwanais, et des scènes de violence perpétrées par les gangs : des visages et corps de jeunes voyous taïwanais niais, décérébrés, vivant déjà dans la faillite d’eux-mêmes. Pantins violents au service d’un capitalisme prédateur.

Dans ce grand écart, Keff arrive à déstabiliser sa propre tendance contemplative par des irruptions soudaines de rage.

Zhong-Han, personnage dense (acteur intense), fait le lien entre ces deux mouvances. Il observe, suit, bouillonne, réprime, puis se met à agir. Et c’est encore un autre versant où les Gangs de Taïwan, de film noir de genre, se renversent en néo-polar tragique avec un justicier en quête de rédemption. Le film résonne étrangement avec la crise hongkongaise. Dans les yeux de Zhong-Han brûle la même colère sourde que celle des manifestants. Sa révolte muette devient métaphore politique.

Avec Gangs of Taïwan, Keff signe bien plus qu’un polar asiatique. C’est une ode aux résistants du quotidien, ceux qui continuent à servir des nouilles alors que le monde autour s’écroule. Le film tangue parfois (certains pourront reprocher son climat appuyé), mais cette imperfection même fait partie de son charme.

Bande-annonce : Gangs of Taïwan

Fiche Technique : Gangs of Taïwan

Réalisateur : Keff (réalisateur américano-taïwanais, ancien résident de Hong Kong et diplômé de l’Université de New York)
Scénario : Keff (inspiré par les récits de jeunes Taïwanais et le contexte des manifestations de Hong Kong en 2019)
Genre : Néo-polar / Drame romantique / Thriller politique
Durée : 2h15
Sortie : 30 juillet 2025 (France)
Pays : Taïwan, France, États-Unis, Qatar (coproduction)
Distributeur : Tandem
Distribution principale

• Liu Wei Chen (Zhong-Han, le protagoniste mutique)
• Rimong Ihwar (la vendeuse de supermarché, figure d’amour et de rédemption)
• Devin Pan (rôle non précisé, probablement membre du gang ou figure du pouvoir)

Contexte historique

Le film s’ancre dans le Taïwan de 2019, en écho aux manifestations pro-démocratie de Hong Kong. Il explore la schizophrénie d’une jeunesse tiraillée entre traditions familiales, précarité économique et violence gangrénée par la corruption immobilière. Le restaurant familial de Zhong-Han devient un symbole de résistance face à la prédation capitaliste.

Thèmes clés

• Double identité : Le déchirement entre loyauté familiale et survie criminelle
• Résistance silencieuse : Le mutisme de Zhong-Han comme métaphore politique
• Jeunesse sacrifiée : Une génération sans avenir dans un pays sous tension géopolitique
• Poésie du quotidien : La cantine comme espace de nostalgie et de lutte

Style cinématographique

• Esthétique hybride : Mélange de lenteur contemplative et de violence soudaine
• Chromatisme contrasté : Lumières pop dans des décors réalistes
• Narration cyclique : Scènes structurées comme des « scansions fermes » avec noirs transitionnels

Citations marquantes

« Zhong-Han observe, suit, bouillonne, réprime, puis se met à agir. Sa révolte muette devient métaphore politique. »

« Un film façon porc braisé : plat simple aux saveurs complexes quand il est bien préparé. » (Keff sur sa direction artistique)

Note d’intention

Keff filme Taïwan comme un territoire en sursis, où la jeunesse incarne à la fois la vulnérabilité et la rage d’une île menacée. Le film oscille entre polar tragique et ode aux résistants du quotidien – ceux qui servent des nouilles « coûte que coûte » malgré les coupures de courant. La cantine devient un bunker symbolique contre la disparition d’un monde, tandis que les gangs reflètent la faillite d’un système corrompu.