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Le sable de la plage Macé s’est refroidi, les parasols et les transats sont rangés, les palmiers respirent mieux, les terrasses se sont vidées, les festivaliers ont déserté la Croisette et la 77e édition du festival de Cannes a baissé le rideau ce samedi 25 mai 2024. Clap de fin après une douzaine de jours à rebondir d’une salle à l’autre. Retour sur les nouveaux lauréats d’une sélection éclectique et engagée.

Avec un démarrage compliqué pour une sélection pourtant aguichante, la compétition officielle a tout de même permis à plusieurs artistes de se distinguer. Au lendemain du triomphe de Black Dog à Un Certain Regard, de même pour Vingt dieux, qui s’est vu attribuer un prix jeunesse pour son audace et sa sincérité, l’heure du palmarès a sonné. Camille Cottin rempile pour rythmer une soirée forte en émotion et en suspense. Sa présentation est guidée par l’homme qui a remporté le plus grand pari cinématographique à la fin des années 70, avec une saga venue d’une galaxie très lointaine. Sous les partitions de John Williams et de Joe Hisaishi, la cérémonie a vu défiler plusieurs icônes du 7^e art pour enfin récompenser les efforts des compétiteurs.

Des palmes et des cannes

La Caméra d’Or, qui récompense le meilleur premier film, revient à Armand. Présenté à Un Certain Regard, il s’agit d’un huis clos dans un établissement scolaire porté par Ranate Reinsve, déjà aperçu dans Julie (en 12 chapitres).

Puis, juste après une blague assez gênante pour le plaisir de démontrer un mauvais usage de Chat GPT, Laurent Laffitte est venu remettre le prix du meilleur scénario à The Substance de Coralie Fargeat, porté par Demi Moore et Margaret Qualley. C’est le sursaut que l’on attendait avec impatience dans le ventre mou du Festival, et nous avons été gâtés par sa générosité. Le body horror est à l’honneur dans ce portrait acerbe du showbiz, où les femmes cinquantenaires sont éjectées de la scène. Sanglant, absurde et hilarant, ce film ne laisse personne indifférent et prouve que son audace paie malgré des longueurs qui ne l’ont pas empêché d’être auréolé.

Kōji Yakusho a donné de sa personne dans le rôle d’un nettoyeur de toilettes publiques au Japon l’an passé (Perfect Days). C’est avec un immense honneur qu’il revient sur scène pour célébrer la brillante performance du quatuor féminin d’Emilia Pérez, un prix d’interprétation féminine partagé entre Karla Sofía Gascón, Zoe Saldana, Adriana Paz et Selena Gomez. Avec la transidentité comme point de départ, nous aurions pu croire que le film ne fait que surfer sur une tendance. Il n’en est rien. En rythme ou en opposition, ces interprètes ont su défendre une œuvre qui raconte en quoi le changement d’apparence n’a rien de monstrueux, contrairement au conte morbide de Coralie Fargeat.

Jacques Audiard est ensuite venu compléter le tableau avec un prix du jury mérité, remis par Xavier Dolan. Sa comédie musicale a pris l’ascendant sur les autres films de la compétition, grâce notamment à une mise en scène qui valorise l’émotion des personnages. Dans Emilia Pérez, les comédiens principaux ne sont pas tous rodés aux chorégraphies sophistiquées. Audiard préfère les plans serrés sur leurs visages inquiets et émerveillés.

Quant à la meilleure performance masculine, Mélanie Laurent nous rappelle d’abord le sens de l’humanité dans un élan lyrique, avant que Jesse Plemons reçoive les louanges d’un public conquis. Si Kinds of Kindness n’a pas été à la hauteur de son prestige et de son étude du libre-arbitre, nous pouvons néanmoins reconnaître une belle palette de jeu dans ces trois tableaux.

Dans une ambiance solennelle, le prix spécial du jury a été attribué au film iranien Les Graines du figuier sauvage. Un prix de cœur, afin de ne pas échauffer les esprits autour du drame que vit l’Iran actuellement, ainsi qu’une partie de l’équipe du film qui n’a pas pu suivre le même chemin d’exil que Mohammad Rasoulof. L’écriture est implacable dans ce huis clos familial. Les femmes y haussent le ton, surtout les plus jeunes, les plus enclins au changement et qui portent fièrement l’étendard d’une révolution en marche. Ce film raconte ainsi la position inconfortable d’un gouvernement qui a peur pour sa propre sécurité. De même, le cinéaste ne manque pas de finesse pour rappeler la nécessité d’inverser les rapports de force pour enfin jouir d’une liberté, autrefois régulée, voire prohibée.

Wim Wenders a ensuite remis le prix de la mise en scène. Grand Tour, de Miguel Gomes, en a bénéficié à notre grande surprise. Son histoire d’amour en deux temps raconte la fuite et la chasse de deux cœurs brisés à travers, notamment, l’Asie du Sud-est. Si nous n’avons pas totalement été convaincus par ce voyage en terre inconnue, nous pouvons lui reconnaître un certain charme dans la mélancolie, porté par Crista Alfaiate et son rire singulier. Reste que d’autres cinéastes, moins adeptes de la voix off et de la théâtralité à l’écran, auraient également pu être mis en avant.

Vient le Grand Prix, décerné à All We Imagine as Light. Cela fait déjà une trentaine d’années que le cinéma indien n’avait pas concouru pour la Palme. Le prix remis par Viola Davis est synonyme d’indulgence à l’égard de Payal Kapadia, car sa première fiction aurait gagné à épouser le format documentaire jusqu’au bout. Il reste toutefois plaisant de ne pas dramatiser plus qu’il en est le misérabilisme. Le film préfère donc s’attarder sur les dilemmes que les femmes, en quête d’émancipation, connaissent avec leurs amis, leurs parents et leurs enfants.

Un tour de force

Avant de conclure le grand rassemblement cinéphile, il reste un emblème du Nouvel Hollywood auquel il convient de rendre hommage. Père de Star Wars, créateur d’Indiana Jones aux côtés de Steven Spielberg, George Lucas succède à Meryl Streep en recevant une Palme d’or d’honneur des mains de son « antithèse » (selon ses dires) Francis Ford Coppola. Ses premiers pas à Cannes, il les a faits avec THX 1138 à la Quinzaine des réalisateurs. Hier soir, son apparition témoigne d’une riche carrière qui a bouleversé la manière de produire et de penser les blockbusters. L’héritage qu’il laisse derrière lui est immense, traversant plusieurs galaxies et plusieurs générations.

À défaut de film programmé en clôture, la Palme d’or a été projetée au terme de la cérémonie. Greta Gerwig et sa séduisante équipe ont choisi de remettre le Graal des cinéastes au film de Sean Baker, Anora.  Plongé dans le monde de la nuit, avec des rencontres hasardeuses ou presque. Versant dans la comédie noire qui rappelle le ton des frères Coen, le film dresse le portrait-robot d’une Amérique corrompue et d’une sexualité parfois trompeuse.

C’est avec une immense joie que le Festival s’achève. Non seulement pour la découverte d’étoiles montantes du cinéma, mais aussi pour pouvoir rattraper les heures de sommeil perdues qui se sont accumulées tout au long de la Quinzaine. Nous sommes enfin sortis du vortex cannois que Camille Cottin a si bien décrit en ouverture.

À l’année prochaine sur la Croisette pour de nouvelles aventures cinéphiles.

Avec Parthenope, présenté en Compétition au Festival de Cannes, Paolo Sorrentino signe un drame solaire au bord de la côte napolitaine. Dans cet hymne à la vie, l’amour et la jeunesse, au rythme doux comme une brise d’été, le réalisateur italien brosse un tableau sensuel de sa ville natale. En s’attachant au parcours d’une jeune fille à la beauté divine, qui vit avec insouciance là où le vent l’emporte, Parthenope compose une ode à liberté dans un cadre féérique.

Synopsis : La vie de Parthénope de sa naissance dans les années 1950 à nos jours. Une épopée féminine dépourvue d’héroïsme mais éprise de liberté, de Naples, et d’amour. Les amours vraies, indicibles ou sans lendemain qui vous condamnent à la douleur mais qui vous font recommencer. Le parfait été à Capri d’une jeunesse insouciante malgré un horizon sans issue.

Après This Must Be the Place, La Grande Bellezza et Youth, Paolo Sorrentino réalise avec Parthenope son septième long-métrage sélectionné en Compétition. C’est le deuxième qu’il choisit de tourner à Naples, et le premier, La Main de Dieu, a reçu le Lion d’Argent à la Mostra de Venise 2021. Le cinéaste italien a confié : « Naples est une ville qui appartient à mes émotions. Chaque jour, les Napolitains réinventent leur vie, ils décident que celle-ci doit les surprendre, et moi je veux la raconter comme ça. » Un portrait de la cité napolitaine, c’est précisément ce que nous offre Parthenope. Paolo Sorrentino y déverse tout son amour pour cette ville élégante, bordée par la mer et empreinte d’une noblesse immortelle.

Parthenope, déesse de l’amour…

Dans la mythologie grecque, Parthenope, littéralement « celle qui a un visage de jeune fille », est une sirène virginale qui s’éprend d’Ulysse. Délaissée par le héros (attaché à un mât, et qui a demandé à son équipage de se boucher les oreilles), elle se serait échouée avec ses sœurs sur les côtes napolitaines. Aujourd’hui encore, Naples a conservé dans ses murs des vestiges de cette légende. La fontaine de la Sirène, située en centre-ville sur la place Sannazaro, rend directement hommage à Parthenope, déesse devenue symbole de la grâce napolitaine.

C’est d’ailleurs dans l’eau que naît Parthenope, en 1950, au sein d’un palais et sous les yeux du maire vêtu d’un costume blanc. Ce dernier, après avoir prédit le sexe, choisit le nom de l’enfant. Voyance ou prédestination, Parthenope est déjà appelée à marquer la ville par sa beauté. On la retrouve à dix-huit ans, somptueuse mais tout aussi cultivée. Elle étudie l’anthropologie, une discipline dont elle questionne la définition, lit beaucoup et fait preuve d’une grande intelligence. Dans son entourage gravitent deux jeunes hommes, Raimondo, un frère fragile qui l’admire inconditionnellement, et un éternel amoureux qui se résigne à la voir lui échapper. La disparition soudaine de Raimondo vient bouleverser l’existence de Parthenope, qui perd ses repères tout en développant un profond sentiment de culpabilité.

Bouleversée, Parthenope s’éloigne de sa famille et trace son propre chemin de vie. Comme la guerre, la beauté ouvre des portes, lui affirme-t-on. Des portes, elle ne cesse d’en franchir dans la cité napolitaine, où elle rencontre une actrice déchue, un écrivain solitaire interprété par Gary Oldman, un prêtre et toute une ribambelle d’hommes avec lesquels elle noue des liens éphémères. Prête à tout découvrir, Parthenope part en quête d’elle-même et de l’amour, sans jamais s’arrêter, en errant dans le labyrinthe des rues napolitaines. C’est avec son directeur de thèse, un vieil homme acariâtre, qu’elle entretient  la relation la plus stable et épanouissante. Figure paternelle, le professeur d’anthropologie l’aide à questionner sa propre existence.

À travers le récit, découpé en années, des aventures de cette sublime beauté, Paolo Sorrentino traite d’une jeunesse insouciante, qui savoure la vie au jour le jour sans penser au lendemain, qui profite sans but de chaque expérience, qui se perd lentement, au fil du temps, en l’absence d’avenir clairement défini. Il dresse alors le portrait d’une jeune femme résolument libre, moderne, que l’on contemple comme un diamant brut aux objectifs insondables. Mais Parthenope s’attarde également à une autre figure, tout aussi somptueuse, la ville de Naples.

Au pays napolitain

Une ville vivante, vibrante, ouverte sur la mer et baignée de lumière, c’est ainsi que Paolo Sorrentino filme le berceau de son enfance. Entre ses palais, vestiges d’un passé prestigieux, ses rues, ses terrasses pavées, ensoleillées, ses rocs et sa côte enchanteresse, Naples apparaît comme un cadre idyllique, un îlot de paix et d’harmonie où le temps ne semble avoir aucune prise. L’endroit le plus beau du monde, nous susurre-t-on, mais peut-on vraiment y être heureux ?

Parthenope nous donne à voir une cité paradoxalement indescriptible, qui envoûte, interroge et agresse tout à la fois. Les hommes que l’héroïne croise, les endroits qu’elle visite témoignent de mélancolie, d’égarement, de fractures sociales, de choquantes cérémonies familiales et de faux miracles religieux. Un peu à l’image d’Alice aux pays des merveilles, Parthenope nous transporte au cœur d’une galerie hétéroclite de tableaux napolitains. Paolo Sorrentino filme d’ailleurs ce décor avec une mise en scène très picturale, où des voilages blancs, ondulant dans le vent, encadrent la mer.

Malgré un traitement relativement lent, qui se prête plutôt bien au milieu maritime et au thème de l’écoulement du temps, Parthenope se regarde tel qu’il est, une œuvre ensorcelante de grâce sur l’amour et la jeunesse déployés dans la splendeur napolitaine. Pour Paolo Sorrentino, définitivement, tous les chemins mènent à Naples.

Parthenope est présenté en Compétition au festival de Cannes 2024.

Fiche Technique

Réalisé par : Paolo SORRENTINO
Année de production : 2023
Pays : Italie, France
Durée : 136 minutes

Prix du Jury au Festival de Cannes, Émilia Pérez a également été récompensé par quatre Prix d’interprétation féminine. Dans ce film surprenant, mêlant habilement comédie musicale endiablée, thriller noir décapant et sombre tragédie, Jacques Audiard compose, sur le thème du genre, une partition dansante et colorée traitant d’accomplissement et de rédemption. Une pépite à voir et à écouter.

Synopsis : Surqualifiée et surexploitée, Rita use de ses talents d’avocate au service d’un gros cabinet plus enclin à blanchir des criminels qu’à servir la justice. Mais une porte de sortie inespérée s’ouvre à elle, aider le chef de cartel Manitas à se retirer des affaires et réaliser le plan qu’il peaufine en secret depuis des années : devenir enfin la femme qu’il a toujours rêvé d’être.

Familier du Festival de Cannes, Jacques Audiard a déjà reçu le Prix du Jury pour Un prophète puis la Palme d’Or pour Dheepan. En trente ans de carrière, le réalisateur français a toujours eu l’art de renouveler son cinéma. Il a signé un huis-clos carcéral, de poignants mélodrames, un western, avant de sublimer Paris grâce à un somptueux noir et blanc dans Les Olympiades. S’il surprend parfois dans le choix de ses sujets, on ne l’attendait vraiment pas sur le terrain de la comédie musicale et du film, féminin et féministe, tourné en langue espagnole, aux accents de Pedro Almodóvar. Sur le papier, Emilia Pérez semble un pari risqué. Mais dès les premières minutes, il se révèle gagnant.

Pour la construction de cette œuvre pour le moins audacieuse, Jacques Audiard choisit d’adapter librement une histoire vraie exposée dans le roman Écoute de Boris Razon. C’est le récit singulier d’un baron de la drogue, recherché par les autorités, qui rêve de devenir une femme. Le réalisateur s’en empare avec inventivité, virtuosité, pour nous offrir un film rythmé, drôle, émouvant, qui questionne les frontières entre féminin et masculin, justice et morale, égoïsme et altruisme.

Chercher la femme

Rita Mora Castro, une avocate londonienne d’origine mexicaine, peine à se faire reconnaître dans son milieu professionnel. Elle travaille sans relâche pour faire acquitter des criminels, en échange d’un salaire modique et pour un patron qui s’approprie tout le mérite de ses talents, jusqu’aux textes de ses plaidoiries. Alors qu’elle enrage d’être ainsi mise au ban à cause de sa couleur de peau, un mystérieux coup de téléphone lui fait entrevoir une porte de sortie. Une étrange voix masculine lui propose en effet de cesser de jouer les esclaves invisibles et, par la même occasion, de s’enrichir. Intriguée, Rita accepte l’invitation et se retrouve face à Manitas, un chef de cartel incarné par l’actrice trans espagnole Karla Sofia Gascon. On s’attend à découvrir un homme viril et sans pitié, mais Manitas avoue simplement à Rita qu’il souhaite devenir une femme.

À cette fin, il recherche activement un chirurgien compétent, et surtout discret, qui ne révélera jamais sa véritable identité. Il s’agit cependant bien plus qu’un changement de sexe. C’est un changement de vie, une façon de prendre un nouveau départ. Par cette transformation radicale, Manitas renaît donc autant qu’il disparaît. Après avoir mis en scène son décès puis exilé son épouse et ses deux enfants en Suisse, Manitas, alias Emilia, peut enfin embrasser sa nouvelle existence de femme.

Par une scène introductive tonitruante, Emilia Pérez nous enchante dès les premiers plans. La musique de Camille et Clément Ducol, combinée aux chorégraphies de Damien Jalet, confère au film une énergie folle qui se déploie à travers la mise en scène fabuleuse de Jacques Audiard. L’histoire, les danses, les chants, tout fonctionne naturellement dans cet ensemble très maîtrisé visuellement, hypnotisant et étourdissant. Les interprétations fougueuses de Zoe Saldana et de Karla Sofia Gascon participent largement à la réussite du spectacle.

Une fois épanouie dans le genre féminin, Emilia devient rapidement inséparable de Rita, la complice de son changement d’identité mais aussi sa loyale équipière pour affronter le quotidien. Les deux femmes, perdues dans un monde qui ne les accepte pas, s’entraident pour survivre et s’épanouir. Rita assiste Emilia dans la gestion complexe de sa vie de famille. Elle participe aussi à la création de l’ONG, La Lucecita, fondée par Emilia. En échange, Rita obtient de la reconnaissance grâce à une vie professionnelle bien plus enrichissante. C’est donc côte à côte, pas à pas, qu’elles trouvent chacune leur voie. Emilia Pérez traite donc, avant tout, d’une histoire d’amitié inébranlable, d’un duo de femmes extravagant qui pourrait bien, à lui seul, faire bouger les lignes.

Transformer la société

Mexico City compterait environ 100 000 disparus. Une réalité affolante à laquelle Emilia et Rita tentent de remédier. Leur œuvre humanitaire devient rapidement le chemin de croix d’Emilia, un moyen de racheter ses crimes passés, d’aider les autres au lieu de les écraser. Comme si sa féminité, désormais assumée, lui avait permis d’exprimer toute sa bienveillance, sa générosité et sa sensibilité enfouies, Emilia se révèle alors une femme au cœur tendre, qui devient un modèle au sein de la ville.

Dans un contexte metoo, Emilia Pérez aborde donc la place de la femme, la quête d’identité, mais aussi les genres et les différentes formes de parentalité. Il donne à voir une société en pleine mutation où les frontières se bousculent. Il dénonce également la corruption et le pouvoir des cartels mexicains, capables d’orchestrer, à eux seuls, le résultat des élections. Le film s’insurge enfin contre les inégalités sociales. Lors d’un gala de bienfaisance organisé par Emilia, Rita, vêtue d’un costume de velours rouge, grimpe sur les tables et s’élance dans une danse incarnée pour invectiver les hommes politiques et les riches de Mexico, qui doivent tous « payer ».

Avec Emilia Pérez, Jacques Audiard ne signe pas un film coup de poing, mais un drame fascinant et envoûtant à multiples facettes qui a déchaîné la Croisette. Une œuvre trépidante qui arrive à la fois à emporter, donner le sourire et émouvoir. On aura rarement vibré autant dans la Compétition cannoise cette année.

Émilia Pérez est présenté en Compétition au festival de Cannes 2024.

Fiche Technique

Réalisé par : Jacques AUDIARD
Année de production : 2024
Pays : France
Durée : 130 minutes
Date de sortie : 28 août 2024

Surprise, retour inattendu d’un film d’animation en compétition officielle avec La Plus Précieuse des marchandises, de Michel Hazanavicius. Cela ne s’était pas produit depuis La Planète sauvage en 1973. Le cinéaste a mis ses talents de dessinateur à profit pour revenir sur un épisode bouleversant qui aurait pu se produire dans les années 40, à la lisière du camp de concentration d’Auschwitz. Un bébé est miraculeusement sauvé par une pauvre bûcheronne et le reste de l’aventure est à découvrir dans le cœur battant des personnages.

Synopsis : Il était une fois, dans un grand bois, un pauvre bûcheron et une pauvre bûcheronne. Le froid, la faim, la misère, et partout autour d’eux la guerre, leur rendaient la vie bien difficile. Un jour, pauvre bûcheronne va recueillir un bébé. Un bébé jeté d’un des nombreux trains qui traversent sans cesse leur bois. Protégé quoi qu’il en coûte, ce bébé, cette petite marchandise va bouleverser la vie de la pauvre bûcheronne, de son mari le pauvre bûcheron, et de tous ceux qui vont croiser son destin, jusqu’à l’homme qui l’a jeté du train. Leur histoire va révéler le pire comme le meilleur du cœur des hommes.

Ami et proche de longue date du cinéaste, Jean-Claude Grumberg a eu beaucoup à raconter dans un conte qui n’enlève rien à la réalité historique, toujours plus saisissant à chaque fois que l’on se remémore la Shoah. Pourtant, l’auteur du roman éponyme cosigne le film avec le réalisateur de La Classe américaine, OSS 177, The Artist et Coupez !. Tous les deux sont reliés par la tragédie de la « Solution finale« , qui n’a pas seulement touché que les citoyens de confession juive. Leur effort conjoint leur a permis de porter un récit d’une grande tendresse, bien que l’intensité émotionnelle soit inégalement répartie.

Le train des lamentations

L’hiver est rude au cœur d’une forêt polonaise, mais ce n’est pas cette atmosphère qui nous a immédiatement paralysé au démarrage de la projection. Un narrateur présente un conte d’une grande sensibilité et c’est bien la voix de Jean-Louis Trintignant, disparu deux ans plus tôt, qui nous accueille dans un monde plein de noirceur. Sans forcément savoir à quelle époque nous sommes plongés, c’est d’abord les lamentations d’une pauvre bûcheronne au pied des rails qui traversent la Pologne. Par miracle, ce que l’on devine être un convoi des déportés relâche un bébé dans la neige. Le réflexe est donc immédiat pour cette femme qui se languit d’une enfant depuis un moment. Elle le ramène chez elle, craignant la réaction de son mari, que l’on ne nomme pas non plus. Lui aussi est un pauvre bûcheron, mais qui n’est pas suffisamment bien entouré au quotidien pour croire à toute l’affection que cet enfant pourrait apporter dans son couple.

Des « sans cœur », c’est ainsi qu’il définit les passagers des trains, qu’ils soient à l’avant ou à l’arrière. On sent clairement que le règne de la terreur a fait son œuvre sur lui, mais son épouse tient le choc pour croire qu’une nouvelle vie est possible. Ils n’ont peut-être pas grand chose à donner, mais ils ont tout pour recevoir ce cadeau béni des dieux des « marchandises ». Ce bébé est ainsi le vecteur de résilience dont le monde a besoin pour guérir de ses peines, même les plus profondes.

Le cœur et la raison

Tout le monde possède un cœur et l’objectif est de pouvoir l’entendre, signe que l’humanité n’est pas condamnée à renoncer aux trésors de la vie. D’une péripétie à une autre, l’enfant devient le fil rouge d’un récit beaucoup plus décousu, avec des flashbacks qui nous propulsent à l’intérieur du camp d’Auschwitz notamment. Cela permet également de lancer un nouvel arc narratif qui se recoupe avec le premier. C’est là que l’animation traditionnelle gagne à devenir cérébrale, lorsqu’Hazanavicius représente les âmes sacrifiées d’une guerre que personne n’a réclamée. Pourtant, il existe bel et bien des méchants dans cette histoire. Le film ne leur donne en aucun cas du crédit et reste ferme sur la réalité des exterminations de masse, quitte à fièrement épouser le mélodrame. Et même s’il n’est pas ce que l’on retient en premier de la compétition cannoise, force est de constater que les choses semblent avancer pour le mieux en termes de diversité des genres.

C’est donc avec une grande maîtrise et une sobriété esthétique que La Plus Précieuse des marchandises convainc et redore le blason de l’animation au Festival de Cannes. Non pas que ce soit complètement étranger à la sélection. J’ai perdu mon corps, Le Sommet des dieux, Mars Express, Linda veut du poulet, Mon ami robot ont démarré sur la Croisette, mais soit au cinéma de la plage, soit dans les sélections parallèles. En espérant qu’il ne s’agisse pas d’une exception à l’avenir.

La Plus Précieuse des marchandises est présenté en Compétition au festival de Cannes 2024.

Fiche Technique

Réalisation : Michel HAZANAVICIUS
Scénario / Dialogues : Michel HAZANAVICIUS, Jean-Claude GRUMBERG
Animation : Julien GRANDE
Musique : Alexandre DESPLAT
Son : Jean-Paul HURIER, Selim AZZAZI
Année de production : 2024
Pays : France
Durée : 1h21
Date de sortie : 20 novembre 2024