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Déconstruire les stéréotypes de genre et encourager une société plus égalitaire n’est pas une mince affaire. L’ouvrage collectif Si t’es un homme !, publié chez Glénat, s’attaque aux constructions de la masculinité. À travers 24 textes et bandes dessinées, des auteurs et autrices de diverses générations et horizons proposent un éventail d’expériences et de réflexions pour comprendre, interroger et renouveler les masculinités.

Si t’es un homme ! est un ouvrage collectif qui se distingue par la pluralité de ses voix. Chaque auteur y explore la masculinité par un prisme différent : le regard genré en tant qu’artiste, les défis de la condition d’homme racisé ou encore la question de l’habillement et de l’expression de genre. En abordant des sujets variés, le livre brise les tabous et ouvre des espaces de dialogue autour des enjeux contemporains liés au genre. Les récits oscillent entre fiction, autobiographie et analyse, avec une volonté commune : celle de dépasser les cadres traditionnels imposés par les normes de genre.

Le livre questionne les stéréotypes traditionnels associés à la masculinité. Comment assumer que l’on préfère une Barbie à un GI Joe, que l’on s’amuse davantage devant une romcom que devant un jeu vidéo viriliste ? Ce sont autant de questions qui visent à déconstruire les attentes culturelles liées au genre masculin. Les encouragements quasi-militaires des supporters de football, l’homophobie et la misogynie présents dans ce milieu, ou encore la domination masculine de l’espace social et domestique sont autant de thèmes abordés de manière frontale. Les auteurs n’hésitent pas à pointer du doigt les dysfonctionnements et les violences sous-jacentes à certaines expressions de la masculinité.

Ce travail de déconstruction passe aussi par l’exploration de l’intimité masculine, souvent marquée par des injonctions à la performance et à la virilité. À travers des récits sur les vestiaires, leurs vexations et les attentes quant à la taille du pénis, Si t’es un homme ! explore des territoires rarement abordés dans la littérature grand public. Cette introspection permet de mettre en lumière les contradictions et les fragilités qui caractérisent les expériences masculines.

L’ouvrage fait également une large place à l’analyse culturelle. Il questionne, par exemple, le cinéma de réalisateurs comme Godard, Kechiche ou encore le film Les Valseuses, qui peuvent illustrer des modèles de masculinité problématiques. Un dessinateur y confrontera quant à lui ses propres biais involontaires, tels que la représentation des femmes comme passives ou réduites à leur rôle de mère. Ces réflexions amènent le lecteur à s’interroger sur la manière dont l’art et la culture façonnent notre perception des genres.

En mélangeant différents styles graphiques, dont le roman-photo, l’ouvrage permet d’approcher la question de la masculinité de manière innovante et artistique. Chaque contribution apporte un éclairage unique, nourrissant ainsi une réflexion collective sur les représentations et les idéologies véhiculées par les médias et les arts.

L’exploration de la masculinité dans le contexte du capitalisme, le travestissement ou encore le partage des tâches domestiques figurent en bonne place dans l’ouvrage. Ce dernier appelle à une remise en question profonde des normes et des valeurs, parfois transmises de père en fils, pour favoriser des modèles de masculinité plus inclusifs et bienveillants.

Si t’es un homme ! apparaît comme un album audacieux qui s’inscrit dans une démarche résolument contemporaine de redéfinition des genres. À travers ses fictions, autobiographies et analyses, il invite à une réflexion individuelle et collective, un voyage vers plus d’égalité, de liberté et de tolérance. Ce livre, à passer de main en main, se veut un outil de dialogue et de changement, un levier pour repenser les masculinités et ouvrir la voie à de nouvelles formes d’identité et d’expression.

Si t’es un homme !, collectif
Glénat, septembre 2024, 256 pages

Avec American Parano : Black House, Hervé Bourhis et Lucas Varela concluent leur diptyque en offrant une exploration saisissante d’un San Francisco des années 60 marqué par le psychédélisme, les crimes rituels et une enquête policière haletante. Entre mysticisme et manipulation, la protagoniste Kim Tyler se confronte à des vérités troublantes et une société patriarcale oppressante.

Le deuxième tome d’American Parano s’ouvre alors que des victimes semblent avoir été la cible de rituels satanistes. L’inspectrice Kim Tyler, toujours empêtrée dans son enquête précédente, se retrouve face à Baron Yeval, un personnage énigmatique et manipulateur, fondateur de « l’Église de Satan ». Ce dernier est rusé, manipulateur, beau parleur. Et il apprécie particulièrement se jouer de son interlocutrice.

La situation se complique davantage pour Kim, qui est confrontée à un nouveau partenaire, Taft, après que son équipier de longue date, Ulysses Ford, a été hospitalisé. Les deux agents sont contraints de coopérer alors que l’enquête prend un tournant inattendu : un marginal se livre aux autorités, prétendant être l’assassin. Mais les apparences sont souvent trompeuses, et ce coupable trop évident ne semble être qu’une pièce d’un puzzle plus complexe.

Le cadre de l’intrigue, le San Francisco de la fin des années 60, est essentiel pour comprendre la profondeur narrative de ce polar. Cette période, marquée par les contre-cultures, les mouvements hippies et l’émergence de nouvelles formes de spiritualité, est également un temps de grandes tensions sociales et politiques. Le dessin de Lucas Varela rend hommage à cette époque avec une précision engageante. Des vignettes urbaines minutieusement construites, rappelant le style d’Edward Hopper et son fameux Nighthawks, enveloppent le lecteur dans une atmosphère à la fois nostalgique et oppressante.

Le personnage de Kimberly Tyler demeure le cœur battant de cette histoire. Elle est la seule femme dans un univers policier résolument machiste et méprisant, ce qui rend son parcours d’autant plus intéressant. Kim se montre indépendante, non seulement sur le plan professionnel, mais aussi personnel et sexuel. Elle se retrouve à découvrir des vérités troublantes sur son père et ses interrogations avec Baron Yeval révèlent des moments de tension psychologique intenses, où le jeu de domination n’est pas sans rappeler celui entre Clarice Starling et Hannibal Lecter dans Le Silence des agneaux.

American Parano : Black House conclut un diptyque où se mêlent savamment intrigue policière, critique sociale et exploration de l’âme humaine. Hervé Bourhis et Lucas Varela livrent une œuvre marquante qui utilise le cadre historique des années 60 et la figure d’une héroïne féminine forte pour interroger des thématiques telles que le patriarcat, la manipulation, les rites, etc. En restituant une époque pleine de contradictions et de tensions à travers un récit policier haletant, les auteurs réussissent à créer un polar noir où San Francisco joue les premiers rôles.

American Parano T.02 : Black House, Hervé Bourhis et Lucas Varela
Dupuis, août 2024, 64 pages

Roman graphique de Rodolphe et Patrick Prugne, édité par Daniel Maghen, Écoute s’il pleut est une œuvre singulière qui tisse les fils de la mémoire, du mystère, de l’invisible et surtout de l’indicible. Plongé dans le bocage normand des années 1960, le récit entrelace le quotidien d’un jeune garçon, Daniel, avec une intrigue aux allures fantastiques. L’histoire, l’imagination et le surnaturel semblent alors se chevaucher. 

« Moi, tu sais, je suis républicain, rationaliste et athée ! Les miracles et les apparitions, c’est la boutique d’en face ! « 

Daniel en est pourtant convaincu : il a dialogué avec Paul, un garçon depuis longtemps porté disparu, et a même aperçu sa séduisante mère, très courtisée pendant la Seconde guerre mondiale, tant par les hommes du coin que par les soldats allemands mobilisés en Normandie.

Mais alors pourquoi ce moulin mystérieux, censé abriter la famille, lui apparaît-il désormais en ruines ? Et comment expliquer les paradoxes temporels de ses récentes rencontres ?

Écoute s’il pleut raconte l’histoire d’un adolescent en vacances chez sa grand-mère, récemment veuve. La Normandie des années 60 lui offre le temps d’explorer les environs, et notamment les moulins, puisque la solitude est la règle dans ces milieux ruraux dépeuplés. « Écoute s’il pleut » est le nom d’un moulin isolé, un lieu que Daniel va explorer avec curiosité. 

C’est là qu’il rencontre Paul, un garçon de son âge, qui prétend y vivre avec sa mère. Paul n’est pas seulement un copain ou un ami, il devient une énigme que Daniel doit percer à jour. Pourquoi disparaît-il soudainement ? Quelle est son histoire ? La quête de vérité qui s’ensuit plonge Daniel dans les méandres de l’histoire locale et révèle des secrets enfouis qui touchent directement son propre passé.

« Cette histoire d’Allemand, ça peut n’être qu’un trompe-l’œil, un leurre… À l’époque, dénonciations, règlements de comptes et exécutions étaient courants. Quelqu’un a pu en profiter… »

Même quand il pense toucher du doigt la vérité, Daniel n’explore finalement qu’une fausse piste de plus. Écoute s’il pleut navigue entre plusieurs temporalités pour dévoiler un drame intime. Il explore la vie d’une femme de grande beauté, et, à travers elle, les tensions nées de l’Occupation. 

Avec ses traits de crayon précis et une mise en couleur à l’aquarelle, qui donne une impression de douceur et de mélancolie, l’album est dominé par des tons de bleu, beige et vert. Poétique, le dessin se met au diapason d’un récit doublement initiatique, avec un personnage qui se révèle en même temps que le passé du début des années 1940.

Réflexion sur la mémoire et les secrets de famille, exploration des limites entre réalité et imaginaire, Écoute s’il pleut prend aussi la forme d’un drame intemporel sur la perte, la recherche de soi et le poids des histoires non résolues. Plutôt engageant. 

Écoute s’il pleut, Rodolphe et Patrick Prugne
Daniel Maghen, août 2024, 72 pages

Les éditions Bamboo publient une adaptation graphique de La Fille du puisatier, film de Marcel Pagnol paru au début des années 1940. Éric Stoffel, Emilio Van der Zuiden et Albertine Ralenti déploient leur intrigue au cœur de la Provence, dans un petit village rural où le quotidien est imprégné de traditions séculaires et d’une certaine rudesse de vie.

L’histoire s’articule autour de Patricia Amoretti, la fille d’un puisatier veuf, qui tombe amoureuse de Jacques Mazel, un jeune aviateur issu d’une famille bourgeoise. Le puisatier, inquiet quant au futur de sa fille, prend conscience qu’il risque de perdre celle qui tient le foyer et aimerait la voir dans les bras de Félipe Rambert, un travailleur manuel modeste, dont le style de vie se conforme davantage à leur histoire familiale.

Cependant, les dés sont jetés et l’amour entre Patricia et Jacques dans un contexte bucolique. Cette passion naissante est toutefois rapidement ternie par les réalités sociales et politiques de l’époque. Après quelques rencontres furtives, Patricia se retrouve enceinte, tandis que Jacques est mobilisé, et la réaction des deux familles apparaît aussi contrastée que leurs origines sociales. Les Amoretti, simples mais dignes, font face au rejet et au mépris des Mazel, soucieux de préserver leur honneur bourgeois. 

Patricia, considérée par son père comme une « princesse », et qui a d’ailleurs été éduquée à Paris, se retrouve seule avec son enfant à naître. Partant, c’est à travers une série de confrontations et de réconciliations que le roman graphique va explorer le sacrifice, l’amour filial, les sentiments amoureux et la réconciliation dans une société marquée par des codes rigides.

L’intérêt historique de La Fille du puisatier réside évidemment dans sa représentation fidèle de la société française des années 1940, une époque où les classes sociales et les valeurs morales dictaient largement le comportement individuel et collectif. L’œuvre met en lumière les réalités d’une France encore rurale, où le travail manuel, incarné par le puisatier, est à la fois noble et laborieux, et où l’honneur familial prend une importance capitale. Les conflits mondiaux affectent quant à eux même les coins les plus reculés de la Provence… 

Les classes sociales sont hermétiques, des dilemmes moraux sont imposés par la société patriarcale, un amour non conventionnel est quasi prohibé… La Fille du puisatier rend compte d’une société conservatrice, notamment représentée par Pascal Amoretti, le père de Patricia, l’image même de l’homme de la terre droit et fier qui oscille entre la sévérité et une profonde tendresse paternelle. 

L’amour de Patricia et Jacques, bien réel, est en permanence menacé par l’incompatibilité des mondes auxquels ils appartiennent. Ce fossé social engendre une série de malentendus et de conflits, chaque famille se méfiant et méprisant l’autre, croyant défendre ce qui est juste et bon. La Fille du puisatier met ainsi en lumière l’absurdité et l’injustice des préjugés de classe, tout en soulignant que la réconciliation, bien que difficile, est rendue possible lorsque l’amour, l’humilité et la tolérance prennent le pas sur l’orgueil et la division.

La Fille du puisatier est une œuvre complexe, le témoignage d’une époque révolue. Elle interroge la société française du début du XXe siècle. La Provence et ses habitants, l’amour, le devoir et les barrières de classe, irriguent un récit enraciné dans l’époque qui l’a vu naître. En dévoilant la vie intérieure de ses personnages et en illustrant leurs combats contre les conventions sociales, Marcel Pagnol portait toutefois des enjeux universels, que l’on retrouve parfaitement dans cette adaptation graphique de grande qualité.

La Fille du puisatier, Éric Stoffel, Emilio Van der Zuiden et Albertine Ralenti 
Bamboo, août 2024, 80 pages

Avec Les Yeux doux, Éric Corbeyran et Michel Colline façonnent un roman graphique qui explore avec acuité les travers d’une société dystopique où le consumérisme et le contrôle de masse ont pris le pas sur la liberté et l’humanité. Publié aux éditions Glénat, cet album de presque 200 pages s’appuie sur une esthétique rétro-futuriste et une narration inspirée des classiques de la dystopie tels que 1984 de George Orwell, Brazil de Terry Gilliam ou Metropolis de Fritz Lang. 

La société portraiturée dans Les Yeux doux est régie par trois impératifs fondamentaux : produire, consommer et contrôler. La liberté humaine ne s’exerce plus qu’à cette aune, si bien que loisirs et accomplissement personnel ont été remplacés par des usines de production tayloristes et des centres de surveillance foucaldiens. Les personnages évoluent ainsi dans un monde où l’individualité est étouffée par le travail à la chaîne et où l’illusion de liberté n’est maintenue que par la consommation de masse. Les « Yeux doux », système de surveillance omniscient, assure un contrôle permanent, tuant dans l’œuf toute velléité de rébellion.

Anatole, le personnage principal, est un employé modèle, récompensé mois après mois pour son dévouement et ses résultats. Il garnit les rangs des « Yeux doux » et passe ses journées à signaler tout comportement prohibé. Son existence monotone, son travail répressif sont le reflet d’une société où chacun est assigné à une tâche répétitive, qui contribue à un impensé collectif et à la perpétuation d’un système qui se nourrit de la résignation de ses citoyens. Tout cela n’est évidemment pas sans rappeler les sombres descriptions de 1984, où la liberté individuelle est constamment écrasée par une machine de contrôle omnisciente.

Malgré son apparente soumission, Anatole va contrevenir aux règles. Après avoir été le témoin d’un vol, duquel il rend compte immédiatement, il finit par se rétracter, en raison de sentiments naissants pour la coupable, Annabelle. Il efface les preuves du forfait et se met lui-même en danger pour cette jeune femme qu’il ne connaît pas – mais qui l’obsède. Ce basculement marque le début d’une introspection profonde pour Anatole, bientôt confondu, chassé de son poste et en fuite. Il est recueilli dans une ancienne gare de triage, dans laquelle vivent en communauté tous les rebuts d’une société coercitive et liberticide.  

Dans Les Yeux doux, Éric Corbeyran et Michel Colline dénoncent avec subtilité les excès du consumérisme et du contrôle social. L’Atelier universel, le Panier garni et les Yeux doux constituent les structures qui, respectivement, imposent des cadences infernales, contrôlent la consommation et scrutent la vie privée. L’éviction d’Arsène, le frère d’Annabelle, qui a perdu son emploi pour avoir interrompu la chaîne de travail, souligne d’ailleurs tôt dans l’album l’absurdité complète et la brutalité intrinsèque d’un système qui élimine ceux qui dévient de la norme. Le bannissement de certains objets, par exemple les cigarettes, rappelle l’environnement de contrôle strict dans lequel évoluent les personnages. Et la critique sociale se double rapidement d’une réflexion sur la réappropriation de soi et le désir de changement.

Par la voie de la dystopie, Les Yeux doux dit beaucoup de la société contemporaine. Éric Corbeyran et Michel Colline poussent à leur paroxysme contrôle social, consumérisme et résignation populaire, que seul le puissant désir de liberté de quelques-uns (en désaccord cependant sur les méthodes à employer) parvient à mettre à mal. Le roman graphique est une invitation à questionner et renverser les mécanismes qui nous oppriment. Et sa conclusion en démontre ironiquement l’extrême fragilité. 

Les Yeux doux, Éric Corbeyran et Michel Colline
Glénat, août 2024, 184 pages 

Le travail de mémoire est essentiel pour préserver l’histoire de ceux qui ont lutté pour la liberté, et Madeleine Riffaud, figure emblématique de la Résistance française, en est un exemple poignant. À travers un triptyque dont le dernier tome vient de paraître aux éditions Dupuis, JD Morvan et Dominique Bertail rendent hommage à cette résistante en plongeant les lecteurs dans son parcours héroïque, tout en soulignant les horreurs et les victoires de cette période sombre de l’histoire. 

Ce dernier tome illustre avec force l’atmosphère pesante de l’époque. Avec ses teintes sombres de bleu, ses jeux d’ombres et de lumières et ses scènes crépusculaires de prison ou d’attentats, il évoque à la fois l’obstination, l’isolement et la clandestinité des actes de résistance.

Fort d’un contenu historique riche, Madeleine, Résistante retrace la vie de Madeleine Riffaud, depuis son engagement dans la Résistance française jusqu’à sa participation active à la Libération de Paris. Ce troisième tome s’attarde sur certains moments cruciaux de sa vie de résistante : son arrestation, ses actions contre l’occupant nazi, ses rencontres. Chaque étape est représentée avec un souci du détail historique, donnant au lecteur un aperçu précis des épreuves qu’elle a traversées.

Au-delà de la simple chronologie des événements, l’œuvre explore les aspects humains et psychologiques de la résistance. Des moments de doute, de peur, mais aussi de camaraderie et de solidarité sont mis en avant. L’héroïsme de Madeleine ne tient pas seulement à ses actes de bravoure, mais aussi à sa résilience face à l’adversité et à la perte. Elle ne craint pas la mort, elle s’y prépare. Elle reste digne dans la torture et regrette presque d’échapper au peloton d’exécution.

Une partie significative de cette bande dessinée se concentre ainsi sur l’arrestation de Madeleine, sa détention et les interrogatoires violents qu’elle a subis. Ces scènes sont représentées avec une intensité graphique qui vise à faire ressentir au lecteur la souffrance et la détermination de la jeune femme, par ailleurs capable de défendre au péril de sa vie une inconnue en proie à une hémorragie consécutive aux coups reçus. 

En mettant en lumière la vie de Madeleine Riffaud, les auteurs contribuent à faire connaître au grand public l’importance des femmes dans la Résistance, un aspect souvent sous-représenté dans les récits historiques. Une autre intention manifeste est de montrer la guerre sous son aspect le plus humain, loin des chiffres et des grandes batailles souvent évoqués. Ici, ce sont les petites histoires individuelles, les choix personnels, les sacrifices et les dilemmes moraux qui sont mis en avant. Les auteurs insistent sur le fait que la guerre n’est pas seulement un événement historique, mais une série d’expériences humaines intenses et déchirantes.

Pour Madeleine, c’est une fierté d’avoir rendu Paris dangereuse pour l’Occupant nazi. Les Brigades spéciales ont beau colporter la terreur de seuil en seuil, la résistance continue de se dresser sur la route des Allemands. Et face aux épreuves de la détention, la jeune femme se réfugie dans la poésie, elle s’évade mentalement, s’affranchissant des barreaux de la dictature qu’on cherche à lui imposer. Rigoureuse, âpre, cette conclusion s’inscrit parfaitement dans un triptyque de très grande qualité.

Madeleine, Résistante : Les Nouilles à la tomate, JD Morvan, Madeleine Riffaud et Dominique Bertail
Dupuis, septembre 2024, 128 pages