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Les films de boxe ont toujours eu cette tendance à raconter la vie des athlètes ou encore d’un lieu. Le ring devient alors un exutoire qui compense l’hostilité de la société dans laquelle les protagonistes sont souvent impuissants et démunis. Bang Bang ne déroge pas à la règle et nous donne rendez-vous dans la banlieue de Détroit pour y suivre la résilience d’un ancien boxeur. Dommage que ses coups manquent de cœur et de saveur.

Synopsis : Boxeur à la retraite, Ber­nard « Bang Bang » Rozys­ki décide d’entraîner son petit-fils après avoir renoué avec lui. Alors que cette nou­velle acti­vi­té le fait sor­tir du trou dans lequel il vit, tout le monde s’in­ter­roge sur ses vraies moti­va­tions, dont une ancienne petite amie qui fut témoin de l’as­cen­sion ful­gu­rante de Bang Bang dans les années 80 et de sa riva­li­té avec le boxeur Dar­nell Washing­ton. Bang Bang veut-il seule­ment trans­mettre sa rage ou bien est-il deve­nu altruiste ?

Onze ans après son premier long-métrage, Coldwater, où l’on est plongé dans l’univers carcéral d’un camp de redressement pour mineur, Vincent Grashaw injecte cette contrainte dans l’esprit d’un personnage torturé qui n’a jamais raccroché les gants. Quand le temps ne suffit plus à cicatriser les plaies, même les plus profondes, c’est un martyr que l’on envoie régler les soucis à coup de pugilats. Bernard Rozyski, surnommé « Bang Bang » grâce à son jab percutant, est un ancien champion de boxe poids plume qui digère mal sa défaite contre Darnell Washington (Glenn Plummer). Bien que ce dernier copine avec le succès, la fortune et la politique, ces deux lascars partagent tout de même une chose en commun. La boxe est derrière eux. Pourtant, Bernard semble décider à remonter de nouveau sur le ring, car le son de la cloche l’appelle.

Bleeding bull

Traditionnellement un sport où la masculinité prédomine, à quelques exceptions près (Million Dollar Baby, La Beauté du Geste), la philosophie de la boxe de Grashaw se limite toujours à lever sa garde, à encaisser et à renvoyer les coups (Rocky Balboa). C’est ce que l’on peut évidemment ressentir lorsque l’on scrute le corps diminué de Tim Blake Nelson, qui carbure à l’alcool et aux sandwichs au ketchup. Cet acteur, courtisé par les frères Coen dans O’Brother, La Ballade de Buster Scruggs ou bien chez Marvel dans l’oubliable Incroyable Hulk, porte tout le film sur ses épaules et constitue sans doute à lui seul tout l’intérêt de rester jusqu’au générique. Même si son personnage de Bernard Rozyski évolue assez peu dans le temps, il reste de loin le meilleur élément d’une intrigue qui superpose des arcs narratifs inachevés. Une galerie de personnages secondaire gravite donc autour de lui, dont Justin (Andrew Liner) son petit-fils, Sharon (Erica Gimpel) et Darnell, avec qui il entretient une amère rivalité.

Structuré comme une succession de rounds de boxe, où il y a un combat à mener pour chacun des protagonistes, que ce soit contre la misère, des travaux d’intérêt général ou un cancer. Rien ne semble malheureusement aussi intéressant ou pertinent que la trajectoire et les motivations de Bernard. Convaincu de pouvoir coacher Justin pour renouer avec la victoire, même si ce n’est que par procuration, il nous est permis de douter sur son comportement, entre égoïsme et altruisme. D’autres films ont pourtant mieux traité cette question, notamment avec The Fighter. Mais pour ne pas trop souffrir de la comparaison, Bang Bang finit par lâcher prise en laissant Bernard errer dans son ancienne maison dans le dernier acte. Une manière pour lui de se cacher derrière ses heures de gloire passées, qui ne sont que des illusions. Nous assistons alors à des échanges lunaires avec de riches junkies, révélant pour de bon tous les défauts d’écriture que le récit traîne depuis son exposition. Un personnage sort même son téléphone pour résumer la vie de Rozyski sur Wikipédia. Et ce n’est qu’un des exemples qui justifie un peu plus la déception qui entoure la grande histoire de Vincent Grashaw.

Ce dernier souhaite définir la nature d’un boxeur et définir sa soif du combat. Cependant, Bang Bang tente plus qu’il ne réussit et échoue lamentablement à marquer les esprits, surtout dans cette compétition peu distrayante. Il frappe donc trop souvent à côté de son sujet, à savoir un hommage universel aux sportifs qui ont perdu, sacrifié ou abandonné leur âme sur le ring. Ce n’est qu’au terme d’une balade sans cohérence que l’on se permet d’être didactique sur les choix que l’on fait en tant qu’individus et sur les conséquences de la boxe que Bernard a empruntée. Dommage que cette leçon nous soit délivrée avec aussi peu de punch et trop de timidité.

Bang Bang est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Vincent Grashaw
Année : 2024
Durée : 1h44
Avec : Tim Blake Nelson, Glenn Plummer, Kevin Corrigan, Nina Arianda, Andrew Liner, Erica Gimpel, Daniella Pineda
Nationalité : États-Unis

Portrait intime entre un père et son fils trisomique, Color Book déploie toute son intensité émotionnelle dans leur complicité hors du commun. Doté d’un sujet qui a tout pour bouleverser, David Fortune injecte toute sa foi dans son premier film, où il nous donne une bonne raison de suivre le parcours d’un duo en mal de repères et d’affection. Une petite note de douceur au milieu d’une sélection assez disparate.

Synopsis : Après le décès de son épouse, un père dévoué apprend à éle­ver seul son fils atteint de tri­so­mie 21. Tout en s’a­dap­tant à leur nou­velle vie, ils entre­prennent un voyage à tra­vers la ville d’Atlanta pour assis­ter à leur pre­mier match de baseball.

À la manière de Rain Man, ce road-trip dramatique repose alors essentiellement sur la complicité d’un père et son fils trisomique, tous deux endeuillés de Tammy (Brandee Evans), une épouse et une mère attentionnée, à la suite d’un accident de voiture. Dans le but de pallier cette perte et de se rapprocher l’un de l’autre, Fortune nous concocte un voyage semé d’embûches à travers la banlieue industrielle d’Atlanta. Assister à un premier match de baseball à domicile constitue alors le fil rouge du récit, mais Lucky (William Catlett) entend également cette proposition de la part de son fils Mason (Jeremiah Alexander Daniels) comme la dernière volonté de sa femme et compte bien achever cette mission quoi qu’il advienne.

Colorier les sentiments

Il n’est donc pas question de traiter du handicap comme dans L’École de la vie, ou d’en rire sans jugement comme dans Un p’tit truc en plus, mais plutôt de raconter en quoi il est indispensable d’accompagner ces individus en manque d’amour. Pas non plus question de discuter de l’intégration de ces personnes au cœur de la société (Hors normes), car ce récit est ancré dans l’instant (Le Huitième Jour). Père et fils sont amenés à s’apprivoiser et à se chérir comme personne d’autre ne le ferait à leur place. David Fortune a déjà accompli cet exploit dans son précédent court-métrage, Us, qui conserve la même aura, malgré des longueurs qui rendent quelques séquences de crises répétitives. Panne de voiture et train manqué sont quelques exemples de la fuite en avant qui opère et qui mettra Lucky à rude épreuve. La patience, le tact, la compréhension, ces choses ne sont pas si naturelles qu’il n’y paraît. Mason perd facilement sa concentration sous les ultimatums d’un père déchaîné et convaincu de bien faire. La force du récit, qui n’a rien d’original en soi, réside pourtant dans leur capacité à marcher, voire courir, main dans la main, sans s’arrêter et sans se laisser rattraper par le passé.

Durant la traversée, le cinéaste en profite également pour filmer, avec nostalgie et mélancolie, la Géorgie qui l’a nourri et élevé. Pourtant, le parti-pris d’une image en noir et blanc semble dispensable par bien des égards, notamment lorsque la caméra s’attarde sur le paysage métallisé et rouillé d’une ville qui est née et qui continue d’évoluer grâce à la révolution technologique. Fortune a déjà prouvé qu’il était capable de donner un sens plus profond aux couleurs de ses décors délabrés en baladant sa caméra dans les faubourgs de Los Angeles. Et quand bien même ce choix artistique monochromatique nous laisse imaginer les couleurs que l’on pourrait mettre dans le livre de coloriage du jeune Mason, il n’est pas difficile de percevoir le monde incolore dans lequel vivent les protagonistes. Cela ne veut pas dire pour autant qu’il n’existe plus aucune chaleur pour ces deux âmes errantes, qui cherchent infidèlement à se connecter à la mémoire de Tammy. Cela peut passer par un ballon, par des colliers de perles ou des fleurs (Shoebox), mais tout l’objectif de cette fine équipe est de jouer collectivement et à l’unisson, car ils recherchent désespérément la même chose, à savoir combler ce trou béant qui les empêche de rester à l’écoute l’un de l’autre pendant tout le trajet.

Parviendront-ils jusqu’au Truist Park à temps ? Pourront-ils enfin se réconcilier avec eux-mêmes, en mémoire de Tammy ? Toutes les réponses sont réunies dans une scène particulièrement prenante où Lucky et Mason s’engagent sur un passage piéton. Il s’agit notamment du point culminant de leur voyage, qui sur-symbolise un peu trop leur unité. Reste que cette séquence fonctionne mieux que les précédentes. Il manque donc encore quelques réglages pour que l’émotion jaillisse avec précision, car Color Book ne manque pas de générosité dans cette approche. Pour David Fortune, l’essentiel ce n’est pas d’avoir vaincu, mais de s’être bien battu. Ce vieil adage, qui peut sembler naïf selon la situation, trouve son lyrisme dans ce film de résilience, d’une grande sincérité.

Color Book est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : David Fortune
Année : 2024
Durée : 1h38
Avec : Will Catlett, Jeremiah Daniels, Brandee Evans, Terri J. Vaughn, Njema Williams, Kia Shine Coleman, Joseph Curtis Callender
Nationalité : États-Unis

Premier film d’Alessandra Lacorazza, In the Summers traite des liens familiaux qui s’étiolent à travers le passage progressif à l’âge adulte de deux sœurs soudées. Le film propose un drame émouvant, qui doit beaucoup à l’interprétation juste de ses comédiennes, tout en surfant délicatement sur la vague du cinéma queer. Cohérent et structuré, le long-métrage fait plaisir à voir au sein d’une Compétition qui manque décidemment de maturité cette année.

Synopsis : Vio­le­ta et Eva rendent visite chaque été à leur père Vicente, à la fois aimant et témé­raire. Il crée un monde mer­veilleux mais, der­rière la façade enjouée, lutte contre l’addiction qui érode pro­gres­si­ve­ment la magie. Vicente essaie de répa­rer les erreurs du pas­sé, mais les plaies ne sont pas faciles à refermer…

Après Exhibiting Forgiveness et Bang Bang, In the Summers poursuit à Deauville l’exploration de la complexité des rapports parentaux. Ici, la violence cède la place à la figure bien plus contrastée d’un père à la fois aimant et irresponsable, qui perd progressivement pied au fil des années. Alessandra Lacorazza signe un premier film incarné sonnant l’heure de retrouvailles estivales à la saveur douce-amère, entre moments de joie, distance et résilience.

Chroniques d’été

Composé de plusieurs chapitres entrecoupés d’ellipses narratives, In the Summers retrace l’évolution des relations entre deux sœurs, Eva et Violetta, leur père, Vicente et leur mère Carmen. En basculant de l’enfance insouciante à l’adolescence conflictuelle jusqu’au début de l’âge adulte, où les cicatrices demeurent, le film brosse le portrait d’une famille fragmentée qui peine à communiquer.

Eva, jeune fille très féminine et proche de sa mère, recherche constamment l’attention d’un père qui la dénigre. Malheureusement pas aussi « futée » que sa sœur, elle multiplie les efforts pour prouver sa valeur auprès de Vicente. Eva fabrique ainsi une jolie coupelle, reléguée en vulgaire cendrier, et s’entraîne seule au billard pour gagner la reconnaissance de son père. À l’opposé, Violetta apparaît comme un garçon manqué. Attirée par les femmes et dotée d’un esprit brillant, elle est préférée par Vicente même si elle s’oppose régulièrement à son père. Malgré leurs différences, Eva et Violetta, qui auraient pourtant des motifs de se jalouser, se soutiennent toujours dans leurs choix. Elles grandissent et apprennent ensemble, en dépit des épreuves jalonnant leurs existences. C’est d’ailleurs leur lien indissoluble qui sert de noyau à l’histoire comme à la famille.

Leur père, Vicente, lutte en effet avec une addiction qui le dévore à petit feu, ruinant sa vie et mettant sérieusement à mal un rôle de père qu’il n’occupe que de très loin, mais avec une certaine beauté. Il enseigne à ses filles le billard, le nom des étoiles et les entraîne même dans des balades au cœur des montagnes. Séparée de Carmen depuis plusieurs années, il peine à se reprendre en main. Au fil des années, Eva et Violetta se détachent lentement de leurs parents, ne leur rendant plus que de rares visites estivales. Avec une atmosphère plutôt réussie, In the Summers expose ainsi la désunion et la recomposition des familles face au passage inévitable du temps.

Une piscine remplie, sale, puis vide. Des corps qui se forment. Des personnalités qui se forgent. Des relations qui se nouent et se dénouent. In the Summers traite assez intelligemment de l’écoulement des années qui transforment ses personnages. Dans l’enfance joyeuse et insouciante, Eva et Violetta  vivent leurs plus beaux instants avec un père dont elles ne perçoivent qu’encore peu la condition. Mais dès leur adolescence, les difficultés surgissent lorsque les actes inconsidérés de Vicente se multiplient. Devenues adultes, les deux sœurs n’ont plus qu’une décision à prendre : pardonner un père aimant ou oublier un père inconscient.

Grâce à ces protagonistes émouvants, In the Summers nous offre un récit touchant et abouti. Même s’il manque un peu d’émotions pour nous emporter, le drame fonctionne et donne l’opportunité à sa réalisatrice, Alessandra Lacorazza, de gagner en notoriété. Le film ne ressortira probablement pas lauréat du Festival, mais il fait passer un moment tout à fait agréable au sein de la Compétition.

In the Summers est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Alessandra Lacorazza Samudio
Année : 2024
Durée : 1h35
Avec : René Pérez Joglar, Sasha Calle, Lío Mehiel, Leslie Grace, Emma Ramos
Nationalité : États-Unis

Présenté à la Quinzaine des Cinéastes au Festival de Cannes et en Compétition au Festival de Deauville, Noël à Miller’s point nous convie au réveillon d’une famille italo-américaine de Long Island. Tyler Taormina signe une œuvre emprunte de douceur et de nostalgie, composée d’une fontaine de saynètes et d’images. Un bonbon coloré que l’on peine malheureusement à avaler, faute à une absence criarde de scénario et de personnages.

Synopsis : Un réveillon réunit les membres d’une famille ita­lo-amé­ri­caine de classe moyenne. Alors que la nuit avance et que des ten­sions éclatent, l’une des ado­les­centes s’éclipse avec son ami pour conqué­rir la ban­lieue hivernale.

C’est la deuxième fois que Tyler Taormina foule les Planches de Deauville. En 2019, son premier film, Ham on Rye, qui s’attachait à un rite de passage d’adolescents lors d’une soirée lycéenne, avait également été sélectionné en Compétition. Après Happer’s Comet, une nouvelle virée nocturne dans la banlieue pavillonnaire, le réalisateur américain poursuit avec Noël à Miller’s Point son exposition très contemplative du quotidien cérémonieux de la classe moyenne américaine.

Chorale de Noël

Tyler Taormina a toujours conçu le cinéma comme un moyen de raviver des sensations diffuses. Lors de son introduction sur scène, il a d’ailleurs conseillé au public de réaliser des films afin de renouer avec les souvenirs parfois étiolés de notre mémoire. Le septième art devient alors une madeleine de Proust, une photographie instantanée de moments passés.

Dans Noël à Miller’s point, le réalisateur retourne à ses années d’enfance en décrivant comment sa famille célèbre depuis cinquante ans la veille de Noël. Ce jour unique, que l’on peut vivre de tant de façons, demeure pour Tyler Taormina un temps de bonheur et de partage. Le film cherche ainsi avant tout à restituer des émotions vécues, dans une sorte d’orgie sensorielle où les guirlandes scintillent, les bonbons coulent à flot et les cadeaux rivalisant de ridicule se dévoilent sous des yeux illuminés.

Sous sa couverture chaude de film choral, Noël à Miller’s point aurait pu s’inscrire dans la lignée de drames tels qu’Un conte de Noël ou Juste la fin du monde, des repas de famille virant à la tragédie, ou bien de comédies drôles ou romantiques comme Joyeux Noël et Love Actually. Malheureusement, il se contente de nous faire assister, très passivement, à une succession de scènes sans le moindre ruban rouge. Nous suivons ainsi, d’un côté, les frasques des enfants, qui jouent et finissent par s’évader en voiture pour une balade tout à fait anecdotique dans la banlieue. De l’autre, les parents qui cuisinent, chantent, et discutent en cachette de sujets fâcheux. Par ce découpage en petites bouchées d’un gâteau pas franchement savoureux, Noël à Miller’s point soigne l’emballage sans cacher l’inexistence de ses personnages à peine esquissés et de ses rares intrigues totalement oblitérées.

Paquet vide

Le film s’ouvre sur l’arrivée en voiture de parents, accompagnés par leurs deux enfants, dans le lieu de la fête, une maison bondée d’invités que l’on peine à identifier. Malgré sa relative longueur, Noël à Miller’s point ne prend en effet pas le temps de présenter ses protagonistes, qui ne composent finalement qu’un décor au même titre que le sapin et les guirlandes qui ornent le séjour. Les plus âgés, toujours isolés, ne servent qu’à faire rire, tandis que les enfants se réduisent essentiellement à des visages émerveillés face aux présents et aux confiseries.

En dehors de la fête et enfermés dans leurs chambres, les adultes discutent avec bien plus de gravité. Il est question de vendre la maison familiale et de placer la grand-mère fragile dans une institution. Mais aucun de ces enjeux, qui tombent comme un cheveu sur le pudding, n’est vraiment développé. L’évasion des adolescents, en quête de liberté, ne fournit pas davantage de l’eau à ce moulin qui brasse décidément de la neige et du vent. Même le traitement comique, à travers en particulier la figure de deux policiers presque muets, ne prend pas. Noël à Miller’s point ne réussit finalement qu’à retranscrire une ambiance de Noël psychédélique. Une madeleine de Proust pour Tyler Taormina, certes, mais un repas bien indigeste et ennuyeux pour le public.

Noël à Miller’s Point est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Tyler Taormina
Année : 2024
Durée : 1h46
Avec : Matilda Fleming, Michael Cera, Francesca Scorsese, Gregg Turkington, Elsie Fisher, Sawyer Spielberg, Maria Dizzia
Nationalité : États-Unis

Enfant de l’immigration juive russe, James Gray est connu pour ses personnages mélancoliques, qui errent souvent dans une impasse sociale. Que ce soit dans un film noir (Little Odessa, The Yards, La nuit nous appartient), d’époque (The immigrant), d’aventures (The Lost City of Z), de science-fiction (Ad Astra) ou d’autobiographie (Armageddon Time), cet auteur n’a cessé de remonter les névroses et les obsessions de son enfance afin d’y évoquer le déterminisme social, le racisme ou encore son rapport à la paternité. Révélé 20 ans plus tôt aux bords des planches de Deauville, le festival célèbre aujourd’hui son art en offrant à son public la possibilité de (re)découvrir sa riche filmographie. À l’occasion de cet hommage, nous avons choisi de nous arrêter sur Two Lovers, théâtre d’un bouleversant triangle amoureux. 16 ans après sa sortie, nous en avons toujours le cœur meurtri et déchiré.

Synopsis : Un homme hésite entre suivre son des­tin et épou­ser la femme choi­sie par ses parents ou se rebel­ler et écou­ter les sen­ti­ments amou­reux qu’il éprouve pour sa nou­velle voi­sine, belle et volage.

Ce que l’on désire par nécessité

Éloigné des réseaux mafieux, James Gray nous plonge dans l’univers torturé de Léonard, atteint d’une « maladie d’amour » qui l’empêche de faire ses propres choix, de suivre ses propres désirs et donc de prendre les commandes de sa propre vie. Il gravite ainsi autour d’une entreprise familiale, dont il est l’héritier, et d’une femme choisie par ses parents, Sandra, incarnée par Vinessa Shaw (la sulfureuse Domino échappée d’Eyes Wide Shut). Loin du conte de fée que ses parents prennent soin d’entretenir pour leur unique enfant qui vit encore chez eux, Léonard est frustré de sa situation et de son incapacité à couper le cordon. Cependant, si cette femme reste aussi discrète et repousse les avances des autres hommes pour se rapprocher de Léonard, c’est effectivement par amour. Pendant ce temps, Gwyneth Paltrow campe le rôle de Michelle, une voisine un tantinet satisfaite de sa relation toxique qu’elle entretient avec un homme marié. C’est pourtant pour cette femme-là que Léonard craque et devient un autre homme, plus à l’aise avec son corps, avec les mots et son esprit. Joachim Phoenix confirme alors sa qualité de jeu dans un moment où son personnage maladroit est piégé entre la raison et le désir, ce qui le rend charmant à bien des égards.

Chacun et chacune ignorent cependant que les sentiments qu’ils couvent ne sont pas réciproques. Il s’agit d’un cercle vicieux où l’on se chasse éternellement, mais combien de temps encore cette situation va tenir ? Parviendront-ils à s’émanciper de leurs désirs et de leurs contradictions ? Chaque personnage est plein de secrets, un peu comme Les Bonnes Femmes de Claude Chabrol. Par ailleurs, Gray est très admiratif de ses travaux et de la Nouvelle Vague dans son ensemble. Il filme l’intimité comme Robert Bresson et ses fabuleux travellings. En attestent les séquences où Michelle et Léonard se rencardent sur le toit de leur immeuble.

Pour trois personnages, nous avons ici two lovers, constituant un titre subtil et sublime, faisant référence à deux êtres qui s’aiment éperdument, ou à deux amants qui placent la troisième personne au milieu d’un désir indécis. C’est justement dans cette ambivalence que le réalisateur originaire du Queens pousse ses personnages à faire des choix complexes et à questionner leur amour. Pour eux, aimer peut signifier aider l’autre à guérir et à reprendre sa vie en main. Sandra attend ainsi que Léonard s’ouvre à elle pour de bon, ce dernier espère que Michelle mette fin à sa liaison et cette dernière s’impatiente que son amant puisse quitter son épouse pour s’enfuir avec elle.

Ce que l’on fantasme par amour

Si l’on croit peu aux liens qui ont du mal à se tisser, on ne peut que s’effondrer face à l’incertitude qui guette chacune de leurs actions, qu’elles soient sages, puériles ou absurdes. C’est dans cette hésitation, cette distance qui les rapproche ou qui les sépare de plus en plus que ce triangle amoureux gagne en authenticité et en honnêteté. Tandis que ce phénomène, répandu au cinéma comme dans la vie de nombreux citadins, se confirme aujourd’hui. Certains tentent de banaliser ce genre de relation (Chronique d’une liaison passagère), d’autres jouent sur le vampirisme des autres (Challengers) et d’autres encore digèrent leurs vies passées pour donner une chance dans le futur (Past Lives).

Sans tomber dans le piège des romcoms, dont les clichés sont souvent synonymes de lourdeur, Two Lovers parvient à sublimer l’authenticité d’un émoi dans un récit qui n’est ni comique, ni romantique. Empreint d’une grande maturité, ce film transcende et nuance même la notion du mariage, qui ne constitue plus exclusivement l’apogée d’une relation amoureuse ou qui ne représente plus la stabilité dont on vante les bienfaits. Jusqu’au dernier plan, James Gray empoigne la douleur de chaque personnage et en extrait une douce amertume qui nous renvoie à la scène d’ouverture, où Léonard manque de s’ôter la vie. L’espoir peut enfin renaître, même s’il faut parfois renoncer à ses convictions pour vaincre ses démons. Un moment de douceur et d’égarement en cette fin de festival.

Two Lovers est présenté dans la sélection « Hommage James Gray ».

Bande-annonce : Two Lovers

Fiche technique : Two Lovers

De : James Gray
Année : 2008
Durée : 1h50
Avec : Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Elias Koteas, Moni Moshonov
Nationalité : États-Unis

Si la guerre est enracinée dans la nature humaine, la survie l’est encore plus. Sous ses faux airs de road-trip testostéroné, Les Damnés travestit intentionnellement le décor du western afin de nous immerger dans les limbes que traversent des soldats de l’Union. Passé sous le radar du trop-plein de la sélection cannoise au printemps dernier, son ascension au cœur de la compétition du festival de Deauville ne pourra que lui offrir toute la visibilité espérée. Est-ce pour autant une bénédiction ? Fruit d’une proposition expérimentale, le film possède des qualités visuelles et réflexives indéniables, mais il peine à exister dans le domaine de l’abstrait ou du sensoriel.

Synopsis : Hiver 1862. Pendant la guerre de Sécession, l’armée des Etats-Unis envoie à l’Ouest une compagnie de volontaires pour effectuer une patrouille dans des régions inexplorées. Alors que leur mission change de cap, ils questionnent le sens de leur engagement.

Passionné par la culture américaine, Roberto Minervini a commencé par braquer sa caméra vers le Sud profond, son lieu de domicile. Il oriente ainsi ses personnages vers cette prise de conscience qui jalonne ce qu’il nomme sa « trilogie texane », composé de The Passage, Low Tide et Le Cœur battant. Il poursuit dans la même logique avec The Other Side, qui évoque le paradoxe qui s’empare de plusieurs individus en marge de la société, quelque part entre la misère et le monde des enfers. Il n’est donc pas étonnant de trouver le réalisateur italien aux commandes d’une nouvelle itération de ses thématiques, cette fois-ci dans un film d’époque plutôt bien léché esthétiquement. La lumière redonne ainsi de plus en plus de couleurs aux personnages, comme pour les éclairer sur la réalité qui les rattrape.

Jusqu’au bout du monde

Le film ouvre sur le déchiquetage d’un cerf par des loups, un plan évocateur du symbolisme qui occupe chaque plan à venir. La mort est au centre de l’image et la nouvelle proie sera bientôt un petit contingent de tuniques bleues. Tandis que la guerre de Sécession bat son plein, le groupe de yankees évoluent plus à l’Ouest dans le Montana, sur des territoires encore inexplorés et hostiles à leur présence. Pour survivre, leur unité ne doit pas être compromise, mais à leur démarche boiteuse et à leur visage éteint, il leur faudra plus que du courage pour atteindre leur destination finale, quelque part à l’horizon. Pourtant, il ne sera pas question de leur point de chute mais plutôt du point de rupture que les Yankees vont devoir confronter. Pour y parvenir, les plans isolés écrasent rapidement le concept du « groupe » afin de traiter des individualités. Il ne s’agit plus de voir des soldats de l’Union, mais de reconnaître l’identité de l’Homme derrière les uniformes, d’où la composition hétéroclite du casting (historiens, artistes visuels, écrivains, éleveurs, pompiers). Tout cela a pour objectif de nourrir et d’incarner des personnages qui possèdent leur approche philosophique, voire spirituelle, sur le monde.

Loin du front, l’attention de Minervini se porte sur des hommes qui sont poussés à éveiller leur conscience de soi. Sans pour autant évoquer les enjeux de l’esclavage, ces derniers papotent au sujet de leurs croyances et autour de mauvais cafés qui leur servent également de bouillote. Leurs échanges n’ont rien de monologues conventionnels, on peut sentir de la spontanéité, un peu comme dans les lettres que les Poilus adressaient à leur famille. En l’absence de jugement divin, chacun cherche à faire la paix avec soi-même, avant que la neige ne les recouvre entièrement. Mais en sont-ils seulement capables ?

Les garçons sauvages

Par le choix des angles de caméra, notamment durant le second acte, dédié à une embuscade, le film de Minervini rejoint celui d’Alex Garland (Civil War) dans son approche du conflit. Son point de vue se détache des images de la guerre civile qui sont illustrées dans les manuels d’histoire. Une dizaine de minutes durant, les balles sifflent de tout part, sans que l’on puisse nettement identifier les assaillants et leur position. La caméra continue de rester au crochet de ces hommes qui rampent et se cachent. À moitié dévêtus, accroupis à même la terre, les ruisseaux ou le cadavre d’un compagnon, ils s’arment par réflexe, comme si les loups du début de film étaient venus les dévorer. Le cinéaste italien joue ainsi avec les distances, l’angle de sa caméra et son montage pour que les spectateurs puissent partager la même perte de perception du temps et de l’espace que ces fameux « damnés ».

Ces grands espaces ouverts pourraient bien devenir leur tombeau, mais certains sont prêts à négocier leur espérance de vie jusqu’au bout. Et il faudra se tâcher de sang pour cela. Voici vers quel genre d’impasse le film les conduit. Une impasse qui les oblige à se replier vers leur foi hésitante et la seule question qui compte pour eux, même après la mort : « pourquoi sont-ils ici ? » Leur engagement et leur patriotisme sont mis en déroute dès l’instant où ils ont perdu le droit de penser. S’ils ont beau se battre au nom de la liberté, le camp opposé en fait de même pour la sienne. Mais alors comment définir ce sens aveugle du devoir ? Et comment résoudre toutes ces problématiques, propres aux citoyens américains, quels qu’ils soient ?

Les Damnés joue sur le terrain glissant de l’expérimental, sans évoluer avec une narration nette et précise, pour que l’aura du décor et la détresse des personnages parlent d’eux-mêmes. Si l’exercice est assez séduisant dans un premier temps, il ne rattrape en rien un manque de rythme et d’harmonie dans ces contrées lointaines de l’Ouest. À force de vouloir surligner l’état mental des protagonistes et de l’Amérique en général ou encore de désacraliser l’approche de la guerre au cinéma, le film ne peut compter que sur des balles perdues pour atteindre son public. L’audace est à saluer, l’intention est à méditer.

Les Damnés est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Bande-annonce : Les Damnés

Fiche technique : Les Damnés

Titre original : The Damned
Réalisation et Scénario : Roberto Minervini
Musique : Carlos Alfonso Corral
Son : Ingrid Simon
Mixage : Bernat Fortiana Chico
Photographie : Carlos Alfonso Corral
Montage : Marie-Hélène Dozo
Coloriste : Natalia Raguseo
Producteurs délégués : Francesca Vittoria Bennett & Biliana Grozdanova
Sociétés de production : Okta Film, Pulpa Film avec Rai Cinema
Co-producteurs : Michigan Films
Pays de production : Italie, États-Unis, Belgique, Canada
Distribution France : Les Films du Losange
Durée : 1h29
Genre : Historique, Guerre
Date de sortie : 12 février 2025